박윤경의 "Three movements for clarinet, 2 violins, viola, violoncello and percussion"(1999) 1,2악장 분석

박윤경 이화여자대학교 대학원 2000 국내석사

19세기말 Richard Wagner (1813-1833)에 의한 반음계주의는 무 조성(atonality)출현에 영향을 미쳤고 이러한 무 조성의 체계화와 결함을 보완하기 위해 Arnold Schoenberg (1874-1951)는 12음 기법(Twelve-Tone Technique)을 창안하게된다. 12음 기법은 이러한 역사적 가치와 더불어 작곡상의 무한한 가능성과 구조적 통일성 부여라는 특기할 만한 업적으로 현대의 작곡가들에게 크나큰 반향을 일으키게되었다. 본 논문은 이러한 12음 음악기법을 기초로 작곡한 본인의 졸업연주회작품중 하나인 "Three Movements for Clarinet, 2 Violins, Viola, Violoncello and Percussion"의 1악장과 2악장을 분석한 것이다. "Three Movements for Clarinet, 2 Violins, Viola, Violoncello and Percussion"은 3개의 악장으로 구성되었으며 모두 하나의 음열에서 파생된 원형(Prime), 전회형(Inversion), 역행형(Retrograde), 역 전회형(Retrograde-Inversion)으로 전개된다. 작품분석에 앞서서 이론적 배경이 되는 서열집합의 구조 및 특징, 분절(Segment)의 구조 및 활용에 대한 내용을 다루면서 동시에 이에 대한 이론적 기초를 분석하였다. 1악장은 A, A'의 두 개 Section으로 구성되어 있으며 여기서는 단2도 중 4도 음정으로 구성된 Trichord가 선율진행을 주도하며 잦은 변 박과 함께 Trichord로 구성된 동기가 반복 변형되어 발전되어간다. 2악장도 역시 A, B의 두 개의 Section으로 구성되었으며 다양한 리듬분할과 현악기의 특수주법이 사용되었는데 특히 Marimba에서는 주제선율이 제시되면서 타악기의 역할이 두드러지게 나타난다. 3악장은 작품의 구성원리가 2악장과 유사하므로 본 논문에서 제외하였다. Atonality, appeared under the influence of chromaticism by Richard Wagner(1813-1833) in the end of nineteenth century. The twelve-tone technique, as one of the important compositional techniques, in the 20th century, was invented by Arnold Schoenberg (1874-1951), with the purpose of systematizing the note system in atonal music, and since then has been continuously developed by many followers of his theory. This thesis is an analysis of the first and second movements of “Three Movements for Clarinet, 2 Violins, Viola, Violoncello and Percussion”(1999) which is based on this twelve-tone technique, and this work composed by me for one of the graduation concerts for the completion of my master’s degree. “Three Movements for Clarinet, 2 Violins, Viola, Violoncello and Percussion” is made up of three movements, and each of them is comprised of Prime, Inversion, Retrograde, Retrograde-Inversion, which are all derived from the prime set. As a preunderstanding for the analysis, the theoretical backgrounds are dealt with the structures, and applications of the segments. These fundamental theories support the analysis. The first movement is composed in two sections of A, A'. In the first movement, the trichord composed of minor second interval and augmented fourth interval leads the melodic progression. In addition, the motive, which is composed of three notes, is repeated, transformed and developed with a frequent change of meter. The second movement is composed in two sections of A, B. We see thematic melody is appeared in Marimba. Besides, the second movement used string’s special effects and various rhythmic division.

이성복 시의 표현형식과 의미구조 연구 : 시집 『남해 금산』을 중심으로

박윤경 원광대학교 일반대학원 2023 국내석사

The purpose of this study was, focusing on the collection of poems 『Namhae Geumsan』 (South Sea Geumsan), to explore the poetic world of Lee Seongbok by identifying the expression form and semantic structure shown in the poem. In particular, this study, focusing on the expression form, analyzed the narrative description and poetic symbolic meaning on which the images recognized by poet are shown and sought to identify the causal relationship between poet's imagination and the negative worldview that dominates his conscious world. This study, accordingly, analyzed s the poetic shaping of the narrative description and the poetic symbols of ‘shame’ and ‘mother’ in 『Namhae Geumsan』 and to reveal the process of seeking salvation through insight into life and the will to resist negative reality. The collection of poems 『Namhae Geumsan』 shows a completely different expression pattern and meaning from his first collection of poems 『Dwingguneun Doleun Eonjae Jam Ggaeneunga』 (When does a rolling stone wake up). The collection of poems 『Namhae Geumsan』 places the poetic symbols of ‘shame’ and ‘mother’ at the center. The 'shame' in his intention is related to individuals, families, neighbors, and society, and 'mother' plays a role of reaching love ultimately by enduring pain and overcoming isolation in this humiliating reality. This study, under such comprehension, analyzed the followings. In Chapter Ⅱ, narrative descriptions and poetic symbols were addressed focusing on expression forms. 『Namhae Geumsan』 is dominated by descriptive narration as a whole, which is maybe from the intention to express the external world objectively. This study sought to analyze what the narrator intended to express as a poetic symbol internalized based on his awareness of the world in the process of poetic shaping. In Section 1, Chapter Ⅱ, The causal relationship between poet's imagination and the negative worldview that dominates his conscious world was identified by analyzing and studying the expression forms of narrative description and poetic shaping. Poetic shaping through narrative description seems to have played a role in objectifying the pain of the external reality surrounding him and the wounds of the times and showing the reality of the pain felt in the situation convincingly and effectively. In Section 2, Chapter Ⅱ, The process of, focused on the poetic symbols of ‘shame’ and ‘mother’, responding to negative reality is discussed. Sensitivity experienced by the narrator is a process that is formed according to the reaction of the poetic object to perceive the world. It is considered that the 'shame', the narrator's fateful yet tragic emotion, which runs through the entire collection of poems, shows an aspect of responding to negative reality and that the poetic symbol of 'mother' contained the meaning of further imprinting the pain and suffering of reality of the times through a self-sacrificing figure that humbles herself and devotes. In Chapter Ⅲ, the process of searching for salvation through the will to resist negative reality and insight into life through understanding the meaning structure of ‘shame’ and ‘mother’ was considered. In Section 1, Chapter Ⅲ, the process of forming the will to resist as a poetic response to negative reality is analyzed. A more painful and negative reality leads to the expression of an attitude to accept the reality with the whole body and endure it. At this time, the narrator reveals the will to confront the negative reality by clearly presenting the related emotion of shame. In Section 2, Chapter Ⅲ, The poetic narrator's process of responding to 'shame' using salvation rather than passive emotion of resignation to negative reality was analyzed. As a result, the poetic symbol of mother dramatically shows, in addition to deep insight into life through the process of silent patience, the role of shaping the process of seeking salvation from the pain of negative reality. As shown in above, Lee Seongbok's second collection of poems 『Namhae Geumsan』 occupies an important part in terms of expression form and semantic structure In his poetry world. The lyrical poems in this collection show the transition to a new poetic world that forms a narrative structure also his refusal to be confined to his own fixed poetry style and attempts for various changes. The process in which a poetic narrator acquires both lyrical and narrative narration in his work has become an important feature of his unique poetry creation technique. 본 연구는 시집 󰡔남해 금산󰡕을 중심으로 이 시에서 나타난 표현형식과 의미구조를 파악하여 이성복의 시 세계를 탐구하고자 했다. 특히 표현형식을 중심으로 시인이 인식하는 이미지들이 나타나는 서사적 서술과 시적 상징적 의미를 분석하고, 시인의 상상력과 의식세계를 지배하고 있는 부정적 세계관의 인과관계를 파악하는 데 주력했다. 이에 본 논문은 『남해 금산』에서 서사적 서술의 시적 형상화와 ‘치욕’과 ‘어머니’의 시적 상징을 파악하고자 했으며, 이어서 부정적 현실에 대한 저항 의지와 삶의 통찰을 통해서 구원을 모색하는 과정을 밝히고자 했다. 시집 『남해 금산』은 이성복의 첫 시집 『뒹구는 돌은 언제 잠 깨는가』와는 전혀 다른 표현 양상과 의미를 보여준다. 시집 『남해 금산』은 ‘치욕’과 ‘어머니’라는 시적 상징을 중심으로 내세우고 있는데, 이때의 치욕은 개인과 가정, 이웃과 사회와 관련된 것이며, 어머니는 이런 치욕스런 현실 속에서 고통을 견뎌내고 고립을 극복하여 궁극적으로 사랑에 도달하게 되는 역할을 담당하고 있다. 이러한 점을 바탕으로 이 논문에서는 다음과 같은 사항을 분석하고자 했다. 우선 Ⅱ장에서는 표현형식을 중심으로 서사적 서술과 시적 상징에 대해 살펴보았다. 󰡔남해 금산󰡕은 시집 전체를 통해 서사적 서술이 우세한데, 이는 외부적 세계를 객관적으로 표현하고자 하는 의도에서 비롯된 것으로 판단된다, 이러한 시적 형상화 과정에서 화자가 세계인식을 토대로 내면화된 시적 상징으로서 표현하고자 한 의미가 무엇인지를 분석하고자 했다. Ⅱ장의 1절에서는 서사적 서술과 시적 형상화의 표현 형식을 분석하고 연구함으로써 시인의 상상력과 의식세계를 지배하고 있는 부정적 세계관과 인과관계를 파악했다. 서사적 서술을 통한 시적 형상화는 화자가 자신을 둘러싼 외부 현실의 고통과 시대의 상처를 객관화하고 그 상황 속에서 느끼게 되는 아픔의 실체를 설득력 있게 보여주는 데 효과적인 역할을 담당하는 것으로 판단된다. Ⅱ장의 2절에서는 부정적인 현실에 대해 ‘치욕’과 ‘어머니’라는 시적 상징을 중심으로 대응하는 과정에 대해 논의하였다. 화자가 느끼는 감수성의 체험은 시적 대상이 세계를 인식하는 반응에 따라 나타나는 과정이다. 시집 전체를 관류하는 화자의 숙명적이면서도 비극적인 감정인 ‘치욕’은 부정적인 현실에 대응하는 양상을 보여주고 있으며, ‘어머니’의 시적 상징은 자신을 낮추고 헌신하는 자기희생적 모습을 통해 현실의 고통이나 시대의 상처를 더욱 각인시키는 의미를 담아낸 것으로 판단된다. 다음으로 Ⅲ장에서는 ‘치욕’과 ‘어머니’의 의미구조를 파악하여 부정적 현실에 대한 저항 의지와 함께 삶의 통찰을 통해서 구원을 탐색하는 과정을 고찰하였다. Ⅲ장의 1절에서는 부정적 현실에 대한 시적 대응으로서의 저항 의지가 어떻게 형상화되고 있는지를 파악하였다. 현실이 고통스럽고 부정적일수록 화자는 그에 대한 치욕의 정서를 분명하게 제시함으로써 그 현실을 온몸으로 받아들여 감내하고자 하는 태도를 피력하여 부정적인 현실에 맞서고자 하는 의지를 드러내고 있다. Ⅲ장의 2절에서는 시적 화자가 ‘치욕’을 부정적인 현실에 대한 체념의 수동적인 정서로 받아들이지 않고 오히려 구원의 방식으로 대응하는 양상을 분석하였다. 결과적으로 어머니의 시적 상징은 묵묵한 인내의 과정을 통해 삶에 대한 깊은 통찰과 함께 부정적 현실의 고통으로부터 구원을 모색하는 과정을 형상화하는 역할을 극적으로 보여준다. 지금까지 살펴본 것처럼 이성복 시 세계에서 두 번째 시집 『남해 금산』은 표현형식과 의미구조의 양상으로 볼 때 중요한 부분을 차지하고 있다. 그것은 이 시집에서 서정적 시편들로써 서사적 구조를 이루고 있는 새로운 시 세계로 변화했다는 점에 있다. 이에 이성복 시인은 자기만의 고정된 시풍에 갇히는 것을 거부하고 다양한 변화를 시도한다. 작품 속에서 시적 화자가 서정적이면서 서사적 서술성을 획득해나가는 과정은 이성복 시인의 독특한 시 창작 기법을 이루는 중요한 특징으로 자리매김 되었음을 확인할 수 있다.

회화에 나타난 숭고(崇高)의 표현 : 본인 작품을 중심으로

박윤경 숙명여자대학교 대학원 1996 국내석사

「崇高란 美와 상반되는 개념으로 작은것 보다 큰것 장식적인 것보다 단순한 것에서 더 큰 느낌을 받는다. 높이 솟은 산, 우울한 몽상에 잠기게 하는 그늘 진 황무지, 경악에 가까운 감탄과 전율, 엄숙한 외경심과 나아가서는 무한성에 대한 지성적 혹은 도덕적인 감정 뿐만 아니라 찬탄 혹은 존경, 우리의 인격에 있어서 인간의 존엄성 및 인권에 대한 존경으로 숭고를 표현할 수 있다. AD 1세기경 카시우스 롱기누스(Cassius. Longinus)의 논문에서 처음 쓰인 숭고는 처음엔 문장의 탁월함을 나타내는 말로 쓰이다가 17세기 니콜라 부왈로(Nicolas Boilean)에 의해 번역되기 전까지 잊혀진 개념이었다. 이후 에드먼드 버크(Edmund Burke, 1730∼1797)와 엠마누엘 칸트 (Immanuel Kant, 1724∼1804)에 의해 숭고론의 기틀이 마련되면서 당시 낭만주의 사조와 더불어 시나 예술에 가까워진 침묵, 우울, 공포 등 매력적이면서도 겁을 주는 것들과 함께 미학 속에 들어오게 된다. 그리고 숭고는 18세기 미와 예술에 있어서 주도적 흐름을 형성하게 된다. 그러나 숭고는 잊혀진 개념이 되었다가 현대예술에 적용되면서 다시 나타나게 된다. 회화에 나타난 숭고의 표현으로는 자연을 작품의 소재로 삼은 낭만주의 풍경화가 터너(William Turner 1775∼1851)와 프리드리히(Caspar David Friedrich 1757∼1827)그리고 거대한 것에서 숭고를 느낄 수 있다는 점에서 자신의 회화적 이론을 찾은 현대 작가인 뉴먼(Barnett Newman 1905-1970)을 꼽을 수 있는데 이들을 숭고를 표현한 작가로 연구하였다. 본인은 숭고를 회화에 표현하는데 있어서 자연과 그 자연을 배경으로 한 인간이 만든 거대한 도시 풍경과 산업 구조물에서 소재를 찾으려고 하였다. 그리고 날개라는 상징을 통하여 이상에 대한 동경이나 인간과 자연에 대한 사랑을 담으려고 하였다. 숭고는 인간의 감각적 한계를 넘어서려는 인간의 정신적 의지이다. 그러나 현대사회와 자본주의 발달은 인간을 물질 만능주의로 만들고 성(性)의 상품화와 쾌락주의, 인간성 상실에 따른 허무주의에 빠져들게 한 반면 인간의 이성이나 정신의 소중함은 경외시 하도록 만들었다. 이러한 현실에서 본인은 숭고를 통하여 인간 정신이 강조된 작품과 회화론을 확립하려 하는 것이다. 본인은 이러한 연구를 통해 숭고를 표현하려한 작가와 작품들에 대하여 올바르게 비평할 수 있는 능력과 감상할 수 있는 안목을 기르고 나아가 본인이 작가로서 작품제작에 대한 이론적 배경을 고찰하면서 창작의 활성화를 높이려고 하는데 본 논문의 목적이 있다. The sublime is the opposite concept of the aesthetics ; it gets from a huge figure than a small one and from being decorative than being simple. For example, it can be the highly rising mountain to the sky, the shady wilderness is absorbed in deep gloomy dream, the admiration and shivering are near to amazement, the solemn reverence, furthermore the intellectual and moral sense of unlimitation. Besides, it presents the prise or respect, dignity of humanity, and respect of human rights. The word of the sublime was used as a thesis of Cassius Longinus in AD 1st century so as to express the prominence of composition, it was the forgotten notion before being translated by Nicolas Boilean in the 17th century. After that, Edmund Burke(1730-1797) and Immanuel Kant(1724-1804) stepped into the aesthetics with the romantic trend of thought and provided the frame of the theory of the sublime involves in the silence which is very closed to the poetry and art, and in gloominess and horror which can theaten human being with attractiveness. Later, the sublime becomes the leading role of the 18th century of the movement in the reflection of aesthetic and artistic way. William Turner(1775-1851) and Caspar David Fridrich(1757-1827) believed that the nature is the use of a subject matter of painting which can make people easily feel the sublime. Barnett Newman(1905-1970) seeked for the pictorial theory, something big and great to feel the sublime. In the expression of the sublime in the paintings, I intend to pick out the subject from the nature, giant city landscape and idustrial construction in nature background. In terms of the symbol of the wings, I would like to present the aspiration for an ideal and the love for nature. The sublime is the spiritual will of going beyond the sensible limit of the human being. But the development of modern society and capitalism makes the human turn to be more materialistic, produces the sex on a commercial scale, and falls into the nihilism on the ground of the loss of humanity. However, it brings about the dread of the reasoning power of the human and the importance of human spirit. Here I purpose to establish the theory of paintings throughout the sublime emphasizing the human spirit. I analysize, criticize and have an appreciate eye to understand better through the research study, progressily, the purpose of thesis can be that I reconsider the theorical background of professionalism and raise the activation of creation.

함세덕 초기 희곡의 성장 모티프 연구 : 「동승」,「산허구리」,「해연」을 중심으로

박윤경 서강대학교 국어교육전공 2010 국내석사

본고는 함세덕 희곡에 자주 등장하는 ‘소년형 인물’을 성장의 주체로 상정하고, 이들이 성장에 이르는 과정을 면밀히 살펴, 이러한 연구가 문학 교육적으로 어떤 의의를 가지고 있는지 밝히는 것을 목적으로 하였다. 함세덕 희곡에는 유독 14~18세 사이의 ‘소년형 인물’들이 자주 등장한다. ‘소년형 인물’은 함세덕 희곡에 전반에 걸쳐 등장하는 하나의 의미 있는 모델로 이들은 극적 현실 속에서 ‘세계’를 ‘발견(discovery)’한다. 본고는 소년형 인물들이 세계를 발견하는 과정에서 일어나는 각성과 그로 인한 인물의 행동 변화의 총체를 ‘성장(成長, growth)’으로 보고, 함세덕 희곡에 나타난 성장의 여러 국면들을 면밀히 검토하고, 이러한 연구가 문학 교육적으로 어떤 의의를 가지고 있는지 밝히고자 하였다. 연구 대상으로는 함세덕의 희곡 작품 중 주체의 정신적 성장이 가장 뚜렷하게 드러난 작품인 &#65378;동승&#65379;, &#65378;산허구리&#65379;, &#65378;해연&#65379;을 주 텍스트로 상정하여 연구를 진행하였다. Ⅱ장에서는 &#65378;동승&#65379;, &#65378;산허구리&#65379;, &#65378;해연&#65379;에 등장하는 소년형 인물의 극적 행동을 분석하고, 이들이 성장에 이르는 과정을 도출하였다. 또한 세 작품에 공통적으로 나타나는 시 · 공간적 특징을 중심으로 성장이라는 주제가 극적 공간에서 어떻게 형상화되는지 도 함께 살펴보았다. 성장의 주체는 세계를 발견하고, 이를 통한 각성으로 자신에 대해 새로운 인식을 하게 되거나, 주변 세계에 대한 새로운 인식을 얻게 되면서 성장하게 된다. 성장이라는 주제는 세 작품 속에서 ‘겨울’이라는 성장을 준비하는 시간으로 형상화 되었으며, 성장 주체와 부모 세대와의 갈등을 공간 인식의 차이로 드러났다. 또한 성장의 주체들은 현재 상황에서 벗어나 새로운 공간을 모색하는데 이는 대부분 닫힌 공간에서 열린 공간으로의 지향으로 나타나기도 했다. Ⅲ장에서는 함세덕의 초기 희곡이 문학 교육적으로 어떠한 의의를 가지고 있는지를 ‘성장’이라는 주제적 측면과 극 장르의 특수성이라는 두 가지 측면에서 알아보고, &#65378;동승&#65379;을 예로 문학 교육 현장의 실제 수업 장면에 활용할 수 있는 교수 · 학습 방법을 제안해보았다. 이러한 교수 · 학습 활동을 통해 성장기에 있는 학습자들은 문학과 자신의 삶을 연관 지어 보는 활동을 할 수 있다. 이러한 활동은 학습자가 긍정적인 방향으로 성장하는데 기여할 수 있다는 점에서 의의가 있다 하겠다. This study aims to reveal the literary educational significance of Ham Se-Deok's plays by regarding 'boy characters' as main agents of growth and by analyzing the process of growth. There are many 'boy characters' in Ham Se-Deok's plays whose ages range 14 to 18. As the significant characters throughout his plays, they 'discover' the 'real world' in the difficult situation. This study regards awakening which happens in process of discovering and changes of character's behaviors through it as 'the growth' and examines various aspects of growth, and reveals literary educational significance of this study. As the main texts of the study, <Dong seung>, <Sanheogury>, <Hae yeon> are selected. Because characters in them experience most noticeable spiritual growth in his plays. In Chapter II this study analyses boy character's behavior in <Dong seung>, <Sanheogury>, <Hae yeon> and draws the process of the growth, and also examines how the author embodies the growth motif by focusing on the common background. Main agents of growth 'grow' through discovering the 'real world' and awakening the selves or the world around them. The growth motif are embodied as 'Winter' when they get their growth ready. And conflicts between them and parents’ generation are revealed as disagreements about space recognition. Main agents of growth try to get out from present situation and pursue the new world, which is displayed as pursuing open world from closed world. In chapter Ⅲ this study examines literary educational significance of Ham Se-Deok's early plays focucing on the leitmotif and the uniqueness of play and also proposes teaching and learning method which is able to be utilized in class. This teaching and learning method enables students to make connection between literature and their own lifes. This activity has significance in that learners can grow in a positive direction.

회화의 시점 변용과 중첩 평면에 관한 연구 : 본인 작품을 중심으로

박윤경 홍익대학교 대학원 2001 국내석사

15세기에 발견된 원근법은 회화를 고도의 지적인 경지로 끌어 올렸다는 찬사를 받으면서 오랫동안 화면의 일루젼(illusion)을 완성하는 법칙으로 받아들여져 왔다. 반면에 그 이전, 즉 이집트 미술이나 그리스, 디 멀리는 원시시대의 동굴벽화에서 조차 용인되었던 작가의 자유로운 예술 활동을 제한한다는 평가를 받기도 한다. 그러나 모든 규범적이고 중심화 되어버린 문화에 대한 반란은 미술사에서 볼때 항상 이루어져 왔으며, 20세기초에 나타난 피카소와 브라크의 실험적 성신에서부터 발아된 입체파는 르네상스 이후 서양미술의 근원을 이루어온 원근법을 배격하는 등 예술에 새로운 지표를 세웠다. 즉, 2차원 평면에 3차원의 세계를 담는 과정에서 발생하는 일루젼(illusion)을 표현하는 방법이었던 원근법을 파괴함으로써 화면의 평면화를 추구하였다. 20세기 후반에 나타난 문화 사조인 포스트모더니즘 역시 규범화 되어버린 문화와 모더니즘의 절대 가치에 대한 반란으로 대두되었다. 이렇듯 오랫동안 현대미술은 창안(새로운 형식)과 인용(미술사의 어떤 형식을 끌어쓰고 변주하는 것)의 성격이 공존해 왔다. 현대를 살아가는 작가로서 본인도 과거·미술의 영향 하에서 새로운 형식을 만들어내기 위해 노력해 왔는데 본인의 회화 안에서는 다시점(多視點)을 활용하고 원근법을 임의로 조작하는 것이 그 근간을 이룬다. 본인은 일상적인 현실을 새로운 시각으로 제시하고자 하는 의도아래 다양 한 시점과 초점이 공존하는 화면을 구축하고 있다. 따라서 고정된 시각체제 로서 회화 안의 일루젼을 만들어온 원근법을 배격하는 것과 대상을 다각면에서 관찰하고 조합하여 화면에 역동성을 주는 큐비즘 회화의 특징이 중요 한 요소로 차용되고 변용되어 나타난다. 또한 다각화(多角化)된 시점으로 인한 평면적인 화면은 중첩구조를 통해 표현적인 효과를 얻는다. 초기에는 회화에서의 공간 개념을 재해석해 보고 된 자 투명한 필름을 중첩하여 다층 공간으로의 확장을 꾀했고, 이러한 시도는 후에 화면에서 돌출 구조를 갖는 캔바스의 중첩으로 전환되었다. 주요 모티브로 등장하는 도시의 야경은 본인 회화의 원천이며 이미지와 빛의 표현의 구체적인 대상이 된다. 도시의 풍경을 이루고 있는 건물의 형상들은 일점 원근법을 부정하고 비논리적으로 배열되어 있다, 이와 함께 각 종 간판이나, 대형 광고판, 네온 싸인 등도 원근이나 상하 좌우의 개념에 관계없이 병렬적인 색채로 표현되어 평면성의 획득을 돕는다. 또한 색채를 사용하는데 있어서도 급격한 명암의 변화 없이 비슷한 채도의 색상을 반복적으로 중첩, 배열시키므로 같은 맥락이 파악된다. 색채로 인해 평면적으로 보이는 화면은 입체 구조가 도입되어 다층 구조 회화의 특징을 지니는데 이러 한 방식으로 평면성을 포기하지 않음으로써 복고적인 성격을 유지하며, 오브제로서의 부조 회화로 표현 영역을 확장시켜 나갔다. 본 논문을 통해 본인 회화에서 나타나는 시점이 변용 되고 중첩된 평면으로 구성되는 화면은 현대 미술의 다채로운 표현의 한 양상으로 이해되었으며, 작가로서 개성적인 조형 세계를 구축해 나아가기 위한 가능성을 가늠해 보는 계기로서 분석의 의의를 찾을 수 있었다. Perspective, which was found in the 15th century, has been regarded as a rule to complete the illusion of picture for a long time, while has received unstinted praise under the reason it elevates paintings up to intelligent area of high level. In the other hand, the perspective has been ever evaluated as to restrict artist's free activities, which was allowed by even Egyptian art or wall paintings in a cave at the primitive age and Greek civilization. Cubism, which was derived from experimental mind of Picasso and Braque who appeared at the beginning of 20th century, established a new guideline of art on opposing perspective that had been maintained as the foundation of western art since the Renaissance. In the other words, artists of cubism sought to make picture plane by breaking perspective, which presented illusion derived from describing three dimensions into the plane of two dimensions. In modern art, creation(new style) and application(derive from art history and change) have been coexisted for along time. Accordingly, I have made an effort to create a new style under the influence of traditional art as an artist living at modern society, and the foundation of my paintings is to utilize multi viewpoints and to handle perspective as please. To suggest daily life as a new viewpoint, I created picture that various viewpoints and focuses were coexisted. Therefore, the features of cubism paintings, which opposes perspective made illusion of paintings as a fixed visual system and gives dynamic power to picture by observing and compounding object in various viewpoints, are applied and changed in my artworks as important factors. Picture of plane caused by multiple viewpoints can obtain representative effect through overlapped structure. In the initial stage, sought expansion toward multi layers by overlapping transparent film to reinterpret the concept of space in the filed of paintings, and such a trial was converted into the overlap of canvas with projection structure in picture. The night view of city appeared as main motive is the origin of my paintings and it is also concrete object to represent image and light. The shape of buildings, which are the scene of city, is arranged illogically without accepting one point perspective, and a variety of signboards, large-scaled advertising panel, and neon sign are represented by parallel colors without considering the concept of perspective, up, down, left, and right, thus the representation allows create plane. Moreover, regarding use of color, also make plane by arranging colors with similar chroma repeatedly without sudden change of light and darkness. Picture looks like a plane due to color has the features of multi layer structure by bring cubic structure. Based on this style, did not give up the properties of plane, maintained traditional style, and expanded the area of representation toward carved paintings as a object. In conclusion, through this study, my paintings consists of the change in viewpoint and overlapped plane is understood as an aspect of various representations in modern art., and this study is meaningful under the reason it gives an opportunity to foresee artist's possibility to establish unique formative arts.

비교광고가 소비자의 구매태도에 미치는 영향에 관한 연구

박윤경 서울여자대학교 1993 국내석사

Richard Wagner의 Tristan und Isolde연구 -"여인에 의한 구원" 사상을 중심으로

박윤경 숙명여자대학교 2001 국내석사

Music was the center of Romanticism in the nineteenth century. Therefore, the private life and thought of a composer, who led an active life in the nineteenth century, has more important meaning when compared with one of other times. Richard Wagner(1813-1883) is the representative composer who connected music as a general expression of Romanticism with his private life. That is, he melted his private life and thought in his works and accomplished aesthetics of arts. Especially, the motive of "women" often used in his operas is connected with the notion of "redemption" in many cases. So this paper intends to consider how "the redemptive thought by women" is absorbed and expressed in his works, by studying the his background, the growth process, and the women connected with him, all of which helped the thought to appear. Because he didn't win mother's enough love in his early age, he got to have love-starved complex. Later on this complex converted to travelling from one woman to another. He seemed to make unaccomplished love in the relationship with women complete in his music world. This paper focuses on 「Tristan and Isolde」, the autobiographical work by Wagner, through Leitmotive. In particular, it tries to see the inside of the two main characters and the psychological conflict of Wagner in the same viewpoint in order to examine how "the redemptive thought by women" is expressed in his music. All processes concerning with love of Tristan and Isolde are shown by the woman Isolde, and the redemption is also carried out by her. It is because Wagner continuously longs for the self-sacrificing love of women, which is resulted from lacking love of mother when he was young. As a result, 「Tristan and Isolde」 is closely related with the private life of Wagner, and is artistically sublimated on the ground of "the redemptive thought by women". So This work can offer another clue to understand his music. 19세기 음악은 그 어떤 예술보다도 낭만주의 운동의 중심이었으며, 따라서 19세 기 낭만주의 음악 작품에서 그 음악을 창조한 작곡가 개인의 생활과 사상은 그 어 떤 다른 시대에서 보다 중요한 의미를 갖는다. 바그너(Richard Wagner 1813-1883)는 당시 낭만시대의 일반적 표현이었던 음악 을 자신의 생활과 결합하여 예술의 성취를 이루어 낸 대표적인 작곡가로, 따라서 그의 작품 속에는 바그너 자신의 생활과 사상이 깊숙이 배어 있다고 볼 수 있다. 특히, 그의 오페라 속에는 “여인”의 모티브가 자주 등장하며, 이것은 “구원”이 라는 주제와 연결되는 경우가 많다. 따라서 이러한 “여인에 의한 구원”사상이 나 타나게 된 배경을 그의 어릴적 성장 과정과 실제 그와 관계가 있었던 여인들과의 관계성 속에서 고찰하여 이러한 “여인에 의한 구원”사상이 그의 작품 속에서 어 떻게 구체적으로 표현되어 있는가를 살펴보는 것이 이 논문의 목적이다. 그는 어릴적 어머니로부터 충분한 사랑을 받지 못하고 자란 데에 대한 애정 결핍 이 컴플렉스로 작용하여 훗날 여성 편력으로 나타났고, 실제 여인과의 관계에서 이 루지 못한 사랑의 결실을 그의 음악 속에서 성취하고자 했던 것으로 보인다. 이에 그가 남긴 자서전적인 작품이라 할 수 있는 「트리스탄과 이졸데」의 라이 트 모티브를 통하여 “여인에 의한 구원”사상이 음악 속에 어떻게 표현되어 있는 지를 두 주인공의 심리적 전개에 바그너의 심리적 갈등을 일치시켜 살펴보았다. 전 막을 통하여 살펴본 결과, 트리스탄과 이졸데의 사랑에 대한 모든 과정이 여 인 이졸데를 통해 보여지고 있으며, 구원 또한 그녀를 통해 이루어 졌음을 알 수 있었다. 이것은 어릴적 어머니로부터 충분한 사랑을 받지 못한 애정 결핍으로 인한 정신적 충격이 그의 음악에 그대로 반영되어 여인에 대한 희생적인 사랑을 끊임없 이 갈구하는 것으로 나타나는 것이다. 결과적으로 「트리스탄과 이졸데」는 그의 생활과 밀접한 관계룰 가지고 나타난 “여인에 의한 구원”사상을 바탕으로 하여 예술로 승화된 중요한 작품으로, 이것 은 그의 음악을 이해할 수 있는 또다른 측면이 될 수 있다.

국내 특1급 호텔 식음료 직원의 핵심역량이 성과 향상 노력에 미치는 영향 : 호텔 식음료 근무 경력 3년 이상 중심으로

박윤경 세종대학교 2016 국내석사

1990년대 호텔 서비스는 단순히 고객에게 제공되는 것에 초점이 맞춰져 있었다면 2000년대 들어 호텔 서비스는 제공되는 것이 가지고 있는 관련 지식과 그것을 제공하는 인력 즉 인적 서비스 자체에 초점이 맞춰져 있다. 얼마나 훌륭한 인력이 있느냐에 따라 호텔기업의 서비스는 달라 질 수 있다. 이에 인력이 가지고 있는 다양한 핵심역량이 중요하며 호텔 기업은 핵심역량을 키우기 위한 환경을 만들어 주는 것이 중요하다. 따라서, 본 연구의 목적은 호텔 식음료 직원의 핵심역량과 성과 향상 노력 간의 상관관계를 밝혀내고, 중간관리자의 팀 리더쉽을 파악하여 최종적으로 호텔 식음료 직원의 핵심 역량이 성과 향상 노력에 미치는지 확인하고자 한다. 이와 관련해 식음료 직원의 핵심 역량이 성과 향상 노력에 미치는 영향은 팀 리더쉽의 유형에 따라 유의한지 살펴 보았다. 연구결과, 팀 리더쉽이 높고 낮음의 조절효과로 한 분석에서 팀 리더쉽이 높은 집단의 경우 식음료 직원의 핵심 역량이 성과 향상 노력에 유의하게 영향을 미치는 요인임을 분석하였다. 따라서 호텔 기업은 식음료 구성원들의 핵심역량을 극대화 시키기 위해 교육 훈련 및 경력 개발에 지속적인 투자를 해야 하며, 조직의 팀 리더쉽을 높이기 위한 투자도 해야 할 것으로 분석 되었다. 주제어: 핵심 역량, 성과 향상 노력, 팀 리더쉽 , 식음료부

성인 남자 축구선수의 화장품 인식과 소비 행동에 관한 연구

박윤경 숙명여자대학교 원격대학원 2017 국내석사

현대사회에서 외모는 경쟁력 중의 하나로 인식되고 있으며, 여성의 전유물로 여겨지던 피부미용은 이제 남성들에게도 관심의 대상이 되어 ‘그루밍족’이라는 신조어가 생길 정도로 남성들의 외모에 대한 관심이 증가하고 있다. 이러한 사회적인 인식의 변화로 남성화장품 시장은 빠르게 성장하고 있으며 그 양상은 점점 더 세분화 전문화 되어가는 추세다. 따라서 본 논문은 축구 선수들을 대상으로 화장품에 대한 인식과 소비행동을 연구하여 화장품의 제품개발 및 마케팅전략에 대한 기초 자료로써 실질적인 도움이 되고자 한다. 이에 본 연구는 국내 만19세 이상의 성인 남자 축구선수를 대상으로 연구의 수집된 자료는 SPSS(Statistical Package for the Social Science) WIN 21.0 프로그램을 이용하여 분석하였다. 분석기법으로는 연구대상자의 일반적 특성을 살펴보기 위해 빈도와 백분율을 산출하였으며, 남성 축구선수들의 일상생활과 화장품 사용 습관, 화장품과 피부에 대한 인식, 그리고 화장품 소비 행동을 알아보기 위해 χ2(Chi-square) 검증과 빈도분석, One-way ANOVA(일원변량분석), 그리고 t-test(검증)을 실시하였다. 본 연구는 성인 남자 축구선수의 화장품 인식과 소비행동 요인으로 나누어 조사하였으며 연구 결과는 다음과 같다. 우선, 화장품의 인식 관련 연구 결과 첫째, 화장품 제품별 사용 실태를 보면 스킨케어 중 스킨 사용을 86.8% 항상 사용한다는 결과가 가장 높았으며 그 다음으로 로션 85.7%라는 결과로 스킨과 로션의 사용 빈도가 가장 높았다. 에센스는 항상 사용한다 또는 가끔 사용한다고 대답한 선수가 54.6%로 사용하지 않는 선수에 비해 과반수가 넘은 수치를 보였다. 그 외 앰플, 아이크림, 크림, 미스트의 경우 사용해 본 선수는 있었으나 사용하지 않은 선수가 더 높다는 결과가 나왔다. 메이크업은 립밤을 항상 사용한다 또는 가끔 사용하는 선수가 58.6%로 가장 높았으며 그 외 비비크림, 파운데이션, 파우더, 컨실러, 눈썹펜슬, 아이라이너를 사용하는 빈도수는 미비하였으나 항상 또는 가끔 사용하였고 남성 메이크업 제품 에 대한 인식은 눈썹, 컬러 립밤, 비비크림 정도의 티가 나지 않는 색조화장품은 사용해도 괜찮다는 의견이 높았다. 헤어제품은 샴푸가 96.8%가장 높았으며 린스, 트리트먼트, 에센스, 왁스는 항상 또는 가끔 사용하는 선수가 사용하지 않는 선수 보다 과반수였고 헤어 팩, 젤, 스프레이는 사용하지 않는 선수가 사용하는 선수보다 과반수였다. 둘째, 스킨케어 분류 중 1차 클렌저 사용은 항상 사용한다 또는 가끔 사용하는 선수가 81%로 높았으며 사용 제품으로는 오일, 크림의 순서로 선호도를 보였다. 사용하지 않는 선수의 사유는 귀찮아서가 42%로 가장 높았다. 셋째, 스킨케어 분류 중 팩 사용은 사용하는 선수가 57%로 사용하지 않는 43% 선수 보다 높았으며 사용하는 41% 선수는 마스크 팩을 선호하였고 마스크 팩의 종류 중 60%가 면 시트 재질의 마스크 팩을 선호 하였다. 이처럼 성인 축구선수들의 마스크 팩 사용빈도가 높은 이유는 이들의 생활 패턴이 상대적으로 야외 활동 빈도가 높기 때문에 자외선 등 지친 피부에 진정효과를 주기 위해서) 마스크 팩 사용 빈도가 높다고 사료된다. 넷째, 스킨케어 분류 중 선크림 사용은 사용하거나 가끔 사용하는 선수가 97%로 매우 높은 사용 빈도를 보였다. 선크림 사용 시기는 운동할 때만 사용하는 선수가 81.9%였고 사용하지 않는 선수의 사유는 귀찮아서 55.6%였다. 따라서 축구 종목이 주로 야외에서 이루어지는 운동이므로 선크림의 사용빈도가 높게 나타나고 있고, 선크림의 자외선 차단지수를 보면 SPF50+와 PA+++를 선호하는 선수가 과반수였다. 다섯째, 남자 축구선수의 외모 관리 중요도를 연구한 결과 4점 만점 중 전체 평균이 3.06으로 축구선수들은 일반 남성에 비해 축구선수가 외모 관리에 더 신경 써야 한다고 인식하는 것으로 나타났다. 구단에서 선수의 외모관리를 위하여 이미지메이킹 육성을 지원하는 것에 대해서는 지원을 받아야한다 55%를 보였다. 이처럼 성인 남자 축구선수는 외모 관리에 신경 써야 한다고 인식하고 있으나 피부관리 여부에 관하여 4점 만점 중 전체 평균 2.41로 자신이 피부관리를 잘 하고 있지 못한 편이라고 인식하는 것으로 나타났다. 본인이 생각하는 피부타입으로 지성피부가 28.2%로 가장 높았으며 다음으로 모른다 26%였으며, 성인 남자 축구선수의 화장품에 대한 관심도 대비 피부관리 및 본인의 피부에 대하여 정확하게 인지하지 못하는 선수가 많다고 사료된다. 화장품 소비 행동 요인으로 첫째, 구매 여부는 직접 구매한다 82%로 대다수 축구선수가 직접 화장품을 선택하고 판단하여 구매하였다. 화장품 구매처로는 27.8%로 백화점에서 구매하는 선수가 가장 많았으며 다음으로 인터넷으로 구매한다가 21%였다 둘째, 화장품 구매 결정 요인으로는 브랜드의 이름을 보고 결정한다가 46%로 가장 높았으며 선호 브랜드의 높은 순서로는 비오템, LPA, 이니스프리, 키엘의 순서였으며 브랜드 선택의 사유는 피부에 잘 맞다고 생각한다는 의견이 높았다. 축구선수는 대다수 브랜드의 가치성을 판단하여 본인이 직접 백화점에서 구매하며 남성 전문화 화장품 브랜드는 선호한다고 사료된다. 셋째, 화장품 선택 시 중요하게 생각하는 피부 효과로는 수분35%로 가장 높았으며 다음으로 진정 28.9%로 높았고 이 결과는 축구선수의 생활 패턴에서 야외 활동과 땀을 흘리는 운동선수의 직업 특성상 수분 제품을 선호하며, 자외선의 영향과 격한 운동으로 인한 피부 온도가 상승하고 과잉 피지 분비로 인하여 진정 제품을 다음 순서로 선호하는 것으로 사료된다. 이상과 같은 연구결과에서 성인 남자 축구선수들은 외모관리를 해야 한다고 인식하고 있었고 운동선수라는 직업과 생활패턴 특성상 일반인에 비해 화장품 사용빈도가 높았으며 화장품 사용에 대해 긍정적으로 인식하고 있는 것으로 나타났다. 그러므로 본 연구는 축구선수를 표본으로 한 남성 화장품 시장을 세분화하여 남성의 니즈에 적합한 화장품을 개발하기 위한 전략적인 마케팅 자료로써 그 의의가 있다고 사료된다.

백대웅 편곡 이중협주곡 <최옥삼류 가야금산조와 국악관현악> 분석 연구 : 협주 악기 선율을 중심으로

박윤경 한국예술종합학교 2016 국내석사

산조 협주곡은 서로 다른 형식의 두 장르가 결합하여 산조의 기교와 예술성에 관현악 편성의 웅장함이 덧입혀진 새로운 형태의 음악으로 자리 잡았다. 산조와 협주곡은 발생 배경이나 작곡 방식, 악기 편성 등 음악의 구조와 성질이 다르기 때문에 그 이질성을 어떻게 조화시키느냐가 관건이다. 이러한 문제의식을 바탕으로 본고에서는 이중협주곡으로 구성된 백대웅 편곡의 <최옥삼류 가야금산조와 국악관현악>을 연구대상으로 하여 각 악장별 악곡의 형식, 선율 관계를 분석하였고, 18현 가야금의 변주 형태를 분류하여 악곡의 구성 및 편곡기법을 연구하였다. 그 결과를 요약하면 다음과 같다. 첫째, 백대웅 편곡 이중협주곡 <최옥삼류 가야금산조와 국악관현악>은 총 294마디의 6악장으로 구성되어 있다. 각 악장은 진양조, 중모리, 중중모리, 늦은자진모리, 자진모리, 휘모리 장단으로 나누어진다. 둘째, 이 곡의 음계는 한국음악의 선법인 우조길(솔음계)과 계면길(미음계)로 구성되어있고 C본청 우조길, C본청 계면길, E♭본청 우조길로 진행된다. 악곡구조를 살펴보면, 관현악 파트가 전체 악곡에서 기존의 산조에는 없는 부분인 Intro(서주), 연결구, Outro(후주)의 역할을 하는 것을 알 수 있다. 셋째, 관현악 파트는 반음을 사용한 하향진행 선율을 사용하여 산조 선율과 대비를 이루거나 산조 선율을 반주하는 형식으로 진행된다. 협주 악기는 산조 가야금과 18현 가야금 이중주로 구성되었고, 산조 가야금은 최옥삼류 가야금 산조의 선율을 거의 변화 없이 연주하며 18현 가야금이 산조 선율과 관현악의 선율을 변주하는 방식으로 편곡되어 있다. 넷째, 이 곡에 나타난 18현 가야금의 변주 형태를 분류하여 살펴보았는데 그 결과 다음과 같이 7가지로 나누어 볼 수 있었다. 변주 형태는 ① 모방 형태, ② 대선율 형태, ③ 분산화음 형태, ④ 화음 형태, ⑤ 리듬 강조 형태, ⑥ 문답 형태, ⑦ 연결구 형태로 나타났다. 가장 빈번하게 쓰인 형태는 모방 형태와 분산화음 형태, 대선율 형태였고 가장 적게 쓰인 형태는 리듬 강조 형태와 화음 형태, 연결구 형태였다. <최옥삼류 가야금산조와 국악관현악>은 최옥삼류 가야금산조의 선율을 중심으로 서양의 협주곡 형식을 활용하여 기존의 산조에 새로운 변화를 이끌어냈다. 그리고 최초로 산조를 이중협주곡으로 편곡을 함으로써 산조 협주곡의 다양성을 보여주었으며, 협주 악기 간의 조화와 대비를 통해 산조의 중주곡으로서의 발전가능성 또한 제시하였다. 본 연구가 앞으로의 산조 협주곡에서 다양한 시도를 할 수 있는 계기가 되길 바라며 더 많은 이중협주곡 형식의 산조협주곡 또한 나타나길 바란다.