중앙대학교 예술대학원 석사학위논문에 관한 메타분석 : 1999년-2010년 연극·영화 분야를 중심으로

차재영 중앙대학교 예술대학원 2011 국내석사

본 논문의 목적은 중앙대학교 예술대학원 공연영상학과 연극과 영화 분야 석사학위 논문의 경향을 분석하는 것이다. 본 논문의 메타분석에는 처음 석사학위가 발표된 1999년부터 2010년 봄 학기까지 나온 연극과 영화 전공분야의 72편의 논문이 연구대상이 되었다. 중앙대학교 예술대학원 공연영상학과가 석사학위를 배출한지 11년이 되었고, 배출한 학위논문 수가 총 830편이 되었지만, 어떠한 학문적 발자취를 갖고 있고 있는지에 관한 연구가 없었다. 그래서 이번 기회에 본 연구자는 그동안의 학문적 역사를 돌아보고, 현재와 미래를 위한 도약의 의미에서 연구자의 전공분야인 연극·영화 분야 논문 72편을 메타분석하게 되었다. 중앙대학교 예술대학원 공연영상학과 연극·영화 분야에서 11년 동안 배출된 석사논문 72편중 연극전공 논문이 38편이고, 영화전공 논문이 34편으로 비교적 비슷한 수치를 보이고 있으며, 논문 주제 면에서는 72편이 모두 다 색다른 주제를 다루고 있을 정도로 다양성을 나타내고 있다. 그런 면에서 중앙대학교 예술대학원 공연영상학과 연극·영화 분야 논문은 우리나라 연극·영화 분야의 학문적 보고(寶庫)라 칭할 수 있다. 전공별로 논문주제를 살펴보자. 38편의 연극 전공자들의 논문주제를 보면, 영화전공자들보다 주제면으로 훨씬 더 다양성을 보여주고 있다. 너무 다양하여 영화처럼 몇 가지로 범주화하기 어려울 정도이다. 특징적인 주제를 나열하면 다음과 같다: 연극 작업일지, 전통탈, 판소리, 얼굴분장, 성우, 뮤지컬, 패션쇼, 마술, 조명, 가극, 연기훈련 등이다. 영화는 34편으로, 주제를 세분화해보면 크게 세 가지로 나눌 수 있다: 영화제작, TV드라마 제작, 영화 비평 및 분석. 연구방법 측면에서 보면, 문헌연구(47.2%)와 사례연구(44.4%)가 매우 높은 비율을 차지하고, 그 외의 비교연구(6.9%)와 실험연구(2.7%)는 가장 적게 활용된 연구형태이다. 본 연구는 중앙대학교 예술대학원 연극·영화 분야의 최초의 메타분석적 연구논문이며, 지금까지 졸업생들이 발표한 모든 논문의 흐름을 한 눈에 살펴 볼 수 있는 객관적이고 통합적인 데이터를 도출했다는 점에서 큰 의미가 있다. 본 연구를 기초로 앞으로도 연극·영화 분야 전반에 관한 경향분석 및 메타분석이 꾸준히 연구되길 바란다. The purpose of this thesis is to analyze master's theses(from years 1999 to 2010) in the fields of theater and film of The Graduate School of Arts at Chung-Ang University. In this meta-analytic study, 72 theses in the two fields are utilized. Among the 72 theses, the theses are rather evenly divided in terms of the majors: 38 in theater, and 34 in film. Interestingly, the topics of the theses are so diverse that almost all of the theses deal with different topics. Among the 34 theses in the field of film, there are three major topics: film production, TV drama production, and film criticism and analysis. In the field of theater, there were more diverse topics than in film. The topics of the master's theses are diverse indeed; they can be categorized into a few sub-areas: daily logs of productions, traditional masks, pansori(Korean traditional style operas), make-up, voice acting, musicals, fashion shows, magic shows, lighting, North Korean operas, acting training, performances, etc. In addition, the quality of each thesis is sufficiently high to be used as good research data for future research in the fields. In the light of research methods, these are relatively skewed; researchers mostly used the methods of literature review (47.2%), and case study (44.4%), followed by comparative study (6.9%), and experimental research (2.7%). This thesis is the first meta-analytic thesis in the field of theater and film of The Graduate School of Arts at Chung-Ang University. In that sense, this work is meaningful since it shows an objective bird's-eye view of the all theses in the two areas. It is this researcher's hope that further meta-analytic research in the fields of theater and film would be continued, based upon this study.

公演藝術 觀客開發에 關한 硏究 : 國立劇場을 中心으로

김광집 中央大學校 藝術大學院 2003 국내석사

이 논문은 공연 예술 관객 개발에 관한 연구이다. 그리고 이 연구는 특별히 국립중앙극장에 관하여 집중적으로 분석 연구하였다. 이유는, 국립중앙극장은 우리 나라를 대표하는 극장이고 우리 나라 공공극장 운영 의 표본이기 때문이다. 이에 문제점을 지적하고 또한 국립중앙극장은 주변 경관이 수려하고, 서울의 중심부에 위치하고 있음에도 불구하고 국립중앙극장 자체조사에서 세종문화회관 이나 예술의 전당에 비해서 관객인지도가 아주 현저히 떨어지는 것은 교통이 불편한 것이 주된 요인으로 평가하고 있다. 그래서 그 원인을 면밀히 조사하여 문제점을 지적하고자 한다. 국립극장은 1950년 창립한 공공극장으로서 가장 오랜 역사와 전통을 갖고 있다. 2000년부터는 `책임운영 기관`체제로 전환하여 예술성과 공공성 경영의 효율성도 도모해야 하는 과업을 안게 되었음에도 관객유치에 상당한 어려움을 겪고있는 것은, 공연예술에서 가장 중요한 요소 중의 하나인 공연 내용 의 문제점 일 것이다. 현재"책임운영기관"체제로 전환한 후 국립중앙극장 자체에서 많은 변화를 시도하고, 내부시설 또한 대대적인 보수, 수리를 했음에도 불구하고, 관객들의 반응이 그전체제와 별다른 차이를 보이지 않고 특히 젊은 층의 외면은 전통예술공연을 집중적으로 하는 것도 원인이라 할 수 있겠으나, 전통예술공연을 장, 노년층의 향수심을 불러일으키는 데에만 중점을 두는 경향이 있기 때문이다. 또한, 국립중앙극장은 우리 나라를 대표하는 공연장이므로 전통예술공연에 있어서 대중예술공연에(속악俗樂)많은 비중을 두지 말고 순수예술공연(정악正樂)에 더 많은 비중을 반드시 두어야 할 것이다. 조선조, 성종 때 예조판서`성현`선생이 저술한 `악학궤범(樂學軌範)`서문에 `일부 부녀자들이 음란해지고, 일부 젊은이들이 들뜨는 것은 음악정책을 바로잡지 못한데 그 원인이 있다` 라고 언급했다. 영리가 주목적인 일반 사설 극장이 아닌 국가를 대표하는 국립중앙극장은 필연적으로 오 천년 역사의 맥을 면면히 이어온 우리의"정악(正樂)"이 주된 공연이어야 할 것이다. 현재 우리 나라의 공연 문화는 상당히 협소하여 단시일 내에 선진국처럼 국민의 70 ~ 80%가 공연장을 찾는 문화로 전환하기는 실제로 어려운 상황이다. 그 이유로는 입시 위주의 교육제도, 시시각각으로 변하는 경제상황, 등이라 할 수 있다. 즉 정신적 여유를 가질 시간이 적다는 것이다. 이제는 국립중앙극장이 예술의 전당 과, 세종문화회관 과 같이 관객들이 선호하는 극장으로 전환해야할 것이다. 국립중앙극장이 교통이 불편한 것 때문에 관객이 외면하는 것으로 자체조사에서 언급했지만, 실제로 관객은 공연내용이 충실하면 불편한 교통쯤은 충분히 감수한다. 이 시대의 사람들은 맛있는 음식을 먹기 위해 몇 시간씩 소비하면서 찾아가기도 한다. 그렇기 때문에 공연장은 반드시 수준 높은 공연과 서비스를 함께 제공한다면 그 공연장을 찾을 것이다. 또한 국립중앙극장은 우리 나라를 대표하는 극장이므로 단순한 인기위주의, 오락적인 공연물보다는, 격이 있고 수준 높은 공연 이 이루어져야 만 중장기적으로 관객의 수가 늘어날 것이다. 본 논문은 공연장의 관객개발은 물론 국립중앙극장의 문제점과 개선책을 연구하고, 더 나아가서, 문화 선진국이 될 수 있는 방안을 모색하는 데 중점을 두고 연구되어져야 한다는 것을 지적하고자한다.

문화행정 혁신을 위한 중앙문화행정 공무원 연수 설계 및 구현

김정이 중앙대학교 예술대학원 2005 국내석사

지금 우리가 살아가고 있는 21세기 지식정보사회는 인터넷을 통해 시간과 공간의 개념을 초월한 개방화된 글로벌 시대로서 매일 같이 그 변화속도가 급변하고 있으며 모든 영역이 무한경쟁으로 치닫고 있는 상황이다. 이러한 환경변화에 효율적으로 대응하기 위하여 중앙문화행정의 조직 혁신은 새로운 지식사회의 패러다임을 문화영역에서 선도적으로 구축하는 첫 시발이 될 수 있다는 점을 감안하여 추진되어야 한다. 즉, 중앙문화행정의 조직 혁신은 사람의 변화가 기본이 되는 자발적 혁신의 방법으로 시행되어야 하며 혁신의 내용은 교육시스템을 통한 개인의 역량강화가 되어야 한다. 본 연구는 문화의 창조와 향유를 통한 창의성 제고가 인적자원의 지식기반 사회 적응을 고무함으로써 국가경쟁력을 높일 수 있으며, 이를 위해 문화예술 매개자, 특히 공무원의 역량 강화와 이에 따른 행정조직의 혁신이 필요하다는 대전제 하에 논의를 진행하였다. 본 논문의 내용은 다음과 같이 요약될 수 있다. 첫째, 21세기 지식기반사회에서 창의성은 예술, 과학, 산업, 교육, 그리고 공동체의 발전에 핵심적인 것일 뿐만 아니라, 부자와 가난한 자, 다수자와 소수자, 학식 있는 자와 문맹자 모두의 자산이다. 이러한 창의성의 원천은 문화예술이다. 둘째, 정보화 사회로의 이행하게 됨에 따라 촉발된 환경의 변화는 사회적 위기를 가중시키고 행정의 혁신을 불러일으켰다. 셋째, 행정의 역량은 곧 구성원의 역량이며, 지속적인 혁신을 위해서는 자발성이 담보되어야 한다. 조직혁신은 시스템과 사람의 변화가 동시에 추진되어야 하며 문화적인 방식으로 전개되어야 한다. 넷째, 문화예술 전문인력을 창조자, 매개자, 향유자로 나누어 교육방안을 모색해야 한다. 중앙문화행정 공무원은 문화예술 매개자이다. 본 연구에서는 문화예술 매개자를 분류한 뒤 각각의 역량모형을 도출하였다. 역량모형을 통해 제시된 필요역량을 토대로 중앙문화행정 교육프로그램 매트릭스에 근거한 교육과정을 설계하였다. 다섯째, 역량모형을 토대로 설계된 중앙문화행정 Deep Change Program에 대한 효과성을 분석하였다. 효과성 분석을 통해 연수과정이 사람의 변화를 촉진한다는 사실과 역량모델에 의한 맞춤형 교육과정의 타당성을 검증할 수 있다. 본 연구과정을 통해 기대되는 점은 다음과 같다. 첫째, 문화예술 전문인력 양성이란 주제에 보다 세부적으로 접근할 수 있게 된다. 둘째, 문화예술 교육 대상자 중 문화예술 매개자에 대한 업무수행별 분류과정은 문화예술 매개자 수요를 계량적으로 환산할 수 있게 하며, 이러한 계량적 환산을 통해 문화예술 전문인력 중 매개자에 대한 전문교육이 필요한 곳에 필요한 내용으로 적시에 공급되고 있는지를 파악할 수 있게 된다. 셋째, 역량모델은 맞춤교육 운영을 위한 과정설계의 토대로서의 기능과 더불어 공공재로서 교육제공의 중복성을 줄이게 함으로써 효율성을 꾀할 수 있게 된다. 중앙문화행정 D.C.P.의 효과성 검증을 바탕으로 21세기 새로운 환경에 대처하기 위한 새로운 패러다임의 학습모델을 제안하고자 한다. 첫째, 자신의 능력 중 부족한 부분을 스스로 찾아 학습할 수 있는 자기주도 학습을 설계해야 한다. 자기주도 학습은 문제해결과정의 총본산이자 문화생태지킴이로서의 연수원의 입지와 역할을 드러낸다. 둘째, 조직구성원의 자율적 능력개발에 의한 조직혁신은 빠르고 복잡한 사회변화에 적응하기 위한 필수요소이다. 중앙문화행정 조직은 다양한 연구모임을 지원함으로써 문화적 조직혁신 사례를 창출해야 한다. 셋째, 교육운영의 효과를 높이기 위해 사이버교육과 집합교육을 연계하는 Blended Learning의 도입이 모색되어야 한다. 넷째, 창의력의 원천으로서의 문화예술의 확산을 위해서 타 부처 공무원에 대한 문화예술교육이 확대, 시행되어야 한다. 문화예술교육은 행정의 역량강화를 불러일으킨다. 다섯째, 기업의 인재개발시스템에 비해 문화예술계의 인적자원개발에 대한 접근은 비체계적이며 단선적이다. 따라서 문화예술 매개자의 전문성을 강화하기 위해서는 교육기관의 네트워크를 형성함으로써 교육기관별 프로그램과 시스템에 대한 교류와 제휴를 통해 체계적이고 과학적 데이터에 근거한 프로그램을 제시해야 한다. 여섯째, 장기적이고 전략적인 관점에서 인적자원 개발과 문화예술 핵심 인력을 육성해야 한다. 이를 위해 (가칭) 문화예술인재개발센터를 설립함으로써 변화와 개혁을 리드하고 자발적이고 지속적인 혁신의 동력으로 삼아야 한다. 앞으로 중앙문화행정 공무원 즉, 문화예술 매개자에 대한 교육훈련의 방향은 과거 수동적이고 단편적인 시각에서 벗어나, 인적자원 개발과 핵심 인력육성이라는 장기적, 전략적인 관점에서 재조명해 나가야 할 것이다.

무용학 분야의 예술경영연구 동향 고찰

문신정 중앙대학교 예술대학원 2009 국내석사

As the art circle of today ever changes with socio-economical changes, the importance and interest in cultural and artistic sectors ever increase. In recent ten years, Korea has achieved remarkable growth and development in the fields of politics, economy and society. As a result, the field of culture and art also has achieved some advancement, but comparing with other fields it is unsatisfactory. Social interests in dance, especially in dance management, increase domestically. In this vein, the recognition or demand of developing an educational program for the cultivation of dance managers comes to the fore and the recognition of art management is also socially highlighted. The aim of this study was to examine the introduction status and trend of art management in the field of dance science which presently became an important issue in the field of culture and art, on the basis of master's theses on art management. For this, the investigator examined literatures on art management and dance science focusing on domestic master's theses. Data were collected from the database (DB) of the National Assembly Electronic Library and the National Library of Korea in Seoul focusing on domestic master's theses on dance science published after 1958. Using 'dance' as a key word, the investigator examined 14 sub-fields of dance science (aesthetics, historical science, criticism, anthropology, dance notation, movement, education, treatment, psychology, sociology, functional science, choreography, philosophy, and art management). Collected data were classified eight spheres (the general perspective of art management, art marketing, art policy and administration, theatrical management, artistic agencies, manpower management, art management and information system, event/festival) on the basis of the subjects of art management course in the Korea Culture and Policy Development Institute. In addition, the investigator classified the data by the years of publishing in order to examine the trend of studies in the filed of art management. Thus, the investigator examined 2115 master's theses on the dance science, beginning with 「The History of Dance in Korea」(Yu In-hi, 1958), focusing on the above 14 sub-fields. The results show that studies on movement occupy the greatest portion and studies on art management have become activated since 2000. The results of analyzing 252 studies on art management in the field of dance science show that the first study seemed to be "The Study on the Activity and Characteristic of Domestic Modern Dance Troupe: Focusing on Seoul, Busan, Daegu, and Gwangju" punlished in 1993 by the Graduate School of Chosun University and since 2001 this kind of study has been carried out in full-scale. In addition, most of studies dealt with marketing. Since 2006, studies on art management have been increased radically. As a lot of studies have been carried out for the period of five years from 2001, studies on the field of art management seem to put down roots as a field of science. Although the investigator classified the dance science-related art management into such eight spheres as the general perspective of art management, art marketing, art policy and administration, art management and information system, theatrical management, artistic agencies, manpower management and event/festival based on the subjects of art management course (plan) in the Korea Culture and Policy Development Institute, this system was found to be unstable in the course of carrying out this study. Therefore, future studies on art management must give careful consideration to the study spheres and methods. In addition, among above eight spheres, the present studies on the dance science-related art management seem to incline toward marketing. Therefore, in order to advance the dance science-related art management, these kinds of studies must evenly deal with such spheres as 'the general perspective of art management' which comprises a systematic art education, 'art policy and administration' for the activation of art performance, 'art management and information system' for the establishment of art information system, 'theatrical management' for the performance-centered active operation of theaters, 'survey of artistic agencies and organizations' to work out an operational strategy of them, 'manpower management' which is the study on artists-related human resources, and 'event/festival' which is related for the popularization of performance. In this study, the investigator examined the trend of art management in the field of dance science. The investigator hopes future studies deal with a variety of spheres on the basis of this study. 오늘날 예술계는 사회적 경제적 변화와 함께 끊임없이 변화하며 최근에 문화예술 부문에 대한 관심과 중요성이 커지고 있다. 최근 십년 사이에 우리나라는 정치 경제 사회적인 측면에서 놀랄만한 성장과 발전을 이룩해 냈고 문화예술 분야도 많은 발전이 있었으나 타 분야에 비해 더딘 발전을 하고 있다고 볼 수 있다. 우리나라 에서는 무용, 그 중 무용경영분야에 대한 사회적 인식이 높아지고 있는 실정이며, 전문 무용경영자를 양성할 수 있는 교육 프로그램의 개발과 그에 대한 자각이나 요구가 구체적 모습을 띄며 예술경영에 대한 인식이 사회적 차원에서 대두되고 있다. 따라서 이 연구는 현재 문화예술부분의 중요한 문제로 다루어지고 있는 예술경영에 대하여 무용학석사학위 논문을 바탕으로 무용학분야의 예술경영학 도입 현황과 동향을 분석 하고자 한다. 본 연구의 분석방법으로는 문헌연구과 조사연구를 통하여 무용학 석사학위를 토대로 예술경영학 영역에 대한 논문을 중점으로 연구하여 예술경영과 무용학에 관한 전반적인 내용과 동향을 파악하고자 한다. 국내에 발간된 무용학 석사학위 논문을 대상으로 자료 수집은 국회전자도서관 및 국립중앙도서관의 데이터베이스(DB)를 대상으로 자료를 수집하여 연구물은 1958년 이후 발간된 자료를 시작으로 검색어는 ‘무용’을 키워드로 학문연구 분야 분류표를 기준으로 무용학 14가지 영역을(미학, 사학, 비평, 인류학, 무보, 움직임, 교육, 치료, 심리학, 사회학, 기능학, 안무, 철학, 예술경영) 조사하였으며 이렇게 나온 결과자료를 토대로 한국문화정책 개발원의 예술경영과정 학습과목(안)을 기준으로 무용학 관련 분야로 예술경영을 8가지 영역(예술경영개관, 예술마케팅, 예술정책 및 행정, 극장경영, 예술단체, 인적관리, 예술경영과 정보체계, 이벤트/축제)으로 나누어 8가지 키워드 을 포함하고 있는 석사학위논문으로 한정하여 무용학 석사학위논문을 분석하고 무용학과 무용학분야의 예술경영학 연구영역에 따른 분류, 연도별, 시기별 연구현황을 통하여 <예술경영>영역의 연구동향을 파악하고자 하였다. 연구 결과는 무용학 석사학위연구논문 총2115편의 연구를 토대로 1958년 처음 발행된 논문은 유인희, 「한국의 무용사」를 시작으로 14가지 영역의 분석결과 움직임분석 영역의 연구논문이 가장 많이 발행되었음을 알 수 있으며 2000년에 들어서면서 예술경영학 분야의 연구가 활발해짐을 알 수 있다. 무용학분야 예술경영학 논문 252편의 연구 현황을 분석 결과는 1993년 처음 발행된 조선대 대학원의 “국내 현대무용단의 활동 및 특성에 관한 연구 : 서울, 부산, 대구, 광주를 중심으로”를 시작으로 2001년대부터 본격적으로 연구되어지기 시작하였으며, 마케팅 관련 논문이 가장 많이 발행되었음을 알 수 있다. 논문은 2006년에 들어서면서 급격한 증가를 보이고 있으며 2001년 이후 5년 동안 많은 양의 예술경영 영역의 논문이 발행되면서 예술경영을 하나의 학문으로 연구하고자 하는 노력이 보이고 있음을 알 수 있다. 본 연구는 한국문화정책개발원의 예술경영과정 학습과목(안)을 기준으로 무용학 분야 관련 예술경영학을 ‘예술경영개관’, ‘예술마케팅’, ‘예술 정책 및 행정’, ‘예술경영과 정보체계’, ‘극장경영’, ‘예술단체’, ‘인적자원관리’, ‘이벤트/축제’ 6가지 영역으로 분류 하였지만 하지만 연구 진행을 거치면서 연구 영역으로서 체계가 불안정함을 알 수 있었다. 앞으로 예술경영학에 대한 연구는 학문의 영역을 어디까지 볼 것이며 그 영역의 분류방법을 어떻게 할 것인지 부터 고민해 보아야 할 것이다. 또한 8가지 영역 중에서 현재 무용학 분야의 예술경영학은 공연 활성화를 위한 마케팅에 관한 연구로 치우쳐 있는 경향이 있다. 마케팅 이외에 예술경영에 대한 체계적인 교육을 포함하는 ‘예술경영개관’, 예술 공연의 활성화를 위한 ‘예술 정책 및 행정’ 그리고 예술의 정보체계구축을 위한 ‘예술경영과 정보체계’, 공연을 위한 극장의 활성화와 운영에 대한 ‘극장경영’, 예술단체의 운영방안에 대한 ‘예술단체’, 예술가의 인력관리관련 연구인 ‘인적자원관리’, 공연의 대중화를 위한 ‘이벤트/축제’ 관련 연구 등 여러 분야의 균형 있는 연구가 되어져야 만이 앞으로 무용학의 예술경영학 분야의 발달이 이루어질 것이다. 본 논문은 무용학분야의 예술경영학 연구의 동향을 살펴 본 것으로 앞으로 예술경영 연구는 하나의 영역에만 치중되지 않고 다양한 방향에서의 전문적 논문이 연구되어져야 하며, 그런 의미에서 본 논문이 무용학분야에서 예술경영학 연구의 작은 길잡이가 되길 희망한다.

뮤지컬 가창에서의 벨칸토 발성법과 에스틸 보이스 트레이닝 적용 사례 연구 : 예술고등학교 학생을 중심으로

조수진 중앙대학교 예술대학원 2018 국내석사

본 연구는 벨칸토 발성법이 기본이 되는 성악을 오랜 시간 배운 연구자가 에스틸 보이스 트레이닝을 접하고 다양한 음색을 구사할 수 있게 되면서 고민하던 문제들의 해결점을 찾게 된 경험에서 비롯되었다. 본 연구의 목적은 벨칸토 발성법과 현대 과학 발성법 중 하나인 에스틸 보이스 트레이닝을 예술고등학교 학생들에게 적용하여 두 발성법 공존의 필요성을 입증하고 본연구를 예술고등학교 학생들을 위한 효과적인 뮤지컬 발성법으로 제시하는 데 있다. 선행 연구들은 위 두 발성법의 훈련 방법이나 발성법의 비교에 관한 내용이 주를 이루었다. 하지만 본 연구에서는 두 발성법을 예술고등학교 학생들에게 직접 적용해 수업 후 설문조사를 통해 결과를 도출하여 연구의 효율성을 입증하고자 하였다. 짧은 시간 비약적인 발전을 이룬 한국 뮤지컬의 다양한 음악 장르와 입체적인 인물의 감정 변화를 보여주기 위해서는 다채로운 음색의 구사가 필요해졌다. 이미지와 상상력, 경험을 바탕으로 발성 훈련의 기본기를 습득할 수 있는 벨칸토 발성법과 발성 기관의 구조와 움직임의 변화로 다양한 음색의 구현이 가능한 에스틸 보이스 트레이닝을 적용하기 위해서 각 발성기관의 이해와 감각 훈련이 필요한데 이것을 위한 방법의 순서와 훈련곡을 제안하였다. 연구자가 출강하는 S 예술고등학교 학생 30명을 대상으로 한 수업 전 설문조사를 통하여 학생들의 뮤지컬에 대한 관심도와 발성 기관에 대한 이해도, 본인 가창 시 문제점 등을 알아보았고 이 설문조사를 바탕으로 수업을 설계하여 1학년과 2학년 총 여덟 명의 학생들에게 두 발성법을 적용하였다. 50분간 일대일 수업으로 진행된 일곱 번의 수업은 두 발성법을 습득하고 훈련하여 뮤지컬 넘버에 적용하였고 마지막 한 번의 단체수업에는 뮤지컬 넘버를 발표한 후, ‘벨칸토 발성법과 에스틸 보이스 트레이닝 적용 기술통계 분석’을 실시하였는데 그 결과 최소 1점에서 최대 5점까지의 리커트 척도에서 모두 4점 이상으로 높게 나타났다. 이것으로 본연구의 수업 프로그램의 적용이 잘 이루어진 것을 확인 할 수 있었다. 본 연구를 통해 모방적이고 경험적인 지식에 근거한 벨칸토 발성법과 발성 기관의 기계적인 움직임에 초점이 맞춰져 노래의 예술적인 해석을 놓치기 쉬운 에스틸 보이스 트레이닝, 이 두 발성법 공존이 서로의 한계점을 보완해준다는 결과를 얻었고 학생들 발성의 개선점과 다양한 음색의 구사에 큰 도움이 되는 것을 확인할 수 있었다. 본 연구가 뮤지컬 배우를 지망하는 학생들과 뮤지컬 배우들의 발성 훈련에 있어서 도움이 되길 희망하고 이 연구를 통해 발성법의 혼용에 대한 연구가 더 활발히 이루어지기를 바란다. This study is based on the experience of finding solution to the problems as researcher who have spent a long time learning the basic vocal technique of Belcanto tries Estill Voice Training and use various tones. The purpose of this study is to prove the need for the coexistence of two vocalization methods in art high schools by applying the Estill Voice Training and Belcanto vocalization and introduce the study as an effective musical vocalization for art high school students. The previous studies were mainly about training methods or comparison of the above two vocal methods. However, in this study, the two vocalization methods were applied directly to art high school students to draw results through surveys to demonstrate their effectiveness of the study. A variety of musical genres and changes in the emotions of three-dimensional characters in Korean musicals, which have made rapid progress in a short period, require a multicolored tone of voice. Understanding and sensory training of each vocal organ is required to apply for Belcanto vocalization, which can learn the basics of vocalization based on images, imagination and experience, and Estill Voice training which enables the implementation of different tones with changes in vocal structure and movement. Therefore researcher suggest the sequence and training for them. The survey of 30 students in the S Art High School where the researcher attend was conducted to find out their interest in musicals, their understanding of vocal organs, and their problems in singing. Based on the survey, the classes were designed and two vocalization methods were applied to a total of eight students in first and second graders. The seven courses, which were conducted in 50-minute one-on-one class, were applied to musical numbers by acquiring and training two vocalization techniques. In the last group class, after releasing the musical number, we conducted a technical analysis of Belcanto vocalization and Estill Voice Training. As a result, the likert cale of at least one point to a maximum of five points was higher than four points. This result confirms the good application of the teaching program. Through this study, it found that Belcanto vocalization based on imitation and empirical knowledge and Estill Voice Training, which focuses on the mechanical movement of vocal organs and tends to miss the artistic interpretation of a song, the coexistence of these two vocalization methods complements each other's limitations and greatly contributes to the improvement of student vocalization and the command of various tones. Hopefully, this study will help students who want to become musical actors and musical actors’ vocal training and will encourage more research into the use of vocalization.

전문대의 문화예술 직업교육 위탁과정이 학생만족도 및 진로선택에 미치는 영향

배눈희 중앙대학교 예술대학원 2018 국내석사

Now that culture is leading and changing in the times, culture and art education must be necessary in our times. Currently, junior high school students are preparing for the introduction of the free semester system, and high school students are moving away from the uniformed high school education of the high school created by the old age, I am trying to be born again as an artist. Based on this, we set up research model and hypothesis by presenting research purpose based on the aspect of change development, and constructed variable and questionnaire. As a sub-variable of cultural arts curriculum, educational programs, teaching, qualifications, counseling, and facilities were placed. And the relationship between student satisfaction and career choice. The questionnaires were collected from high school boys and girls in grades 2 and 3 who were taking courses in the culture and arts vocational education and training course for the 5 days from October 23 to 27, 2017. The empirical results of this study are summarized as follows.  First, as a result of analyzing the status of career counseling, it was found that about half of the students reported career counseling for career counseling in a consigned educational institution, and the students who had experience in career counseling, The results of the analysis of the counselors showed that the counselors were generally consulted with the homeroom teacher. In addition, the projected plans for career and employment after completion of the entrusted education course can be regarded as hoping to advance to the same major course in general, and for students who expect to work in the same major or other major after completion of the entrusted curriculum Analysis of the reason for employment suggests that they want to get work experience because they want to gain experience in the field. Second, as a result of analyzing the process of entrusting culture and arts vocational education to the general college, 'education facility' was the highest, 'qualification of instructor', 'guidance of life' and 'education program' In addition, according to the demographic characteristics, it was found that when the counselor was invited to a school, a church, or a club, The map is high. Third, the analysis of overall student satisfaction also showed no statistically significant difference in the degree of student satisfaction according to demographic characteristics. Fourth, as a result of analyzing the overall career choice, it was analyzed whether there is a difference in career choice according to the demographic characteristics. As a result, it was found that when counseling was given to a school, a church, The results of this study are as follows. Fifth, as a result of analyzing the correlation between curriculum entrusted to vocational colleges, student satisfaction and career choice, the educational program, education, instructor qualities, life guidance, and educational facilities according to the subordinate factors of the curriculum have statistically significant (+ ), And there was a statistically significant positive correlation with career choice. In addition, there was a statistically significant positive correlation between career choice and student satisfaction. Sixth, analyzing the effect of the process of entrusting culture and arts vocational education to the students 'satisfaction, it was found that the teachers' qualities, education programs, living instruction, and educational facilities were statistically significant (+ The results of this study are as follows. In other words, it can be seen that teacher, qualification, education program, life instruction, and educational facilities are important factors in student satisfaction. Seventh, as a result of analyzing the influence of the process of entrusting culture and arts vocational education to college students, it was found that educational program, school, teacher qualifications, educational facilities, and life guidance were statistically significant, The results of this study are as follows. In other words, it can be seen that educational programs, education, teacher qualities, educational facilities, and life guidance are important factors in selecting students' career options. Eighth, the analysis of the effects of student satisfaction on career choice showed that student satisfaction had a statistically significant positive effect on career choice. In other words, student satisfaction is an important factor in career choice of students. It is necessary to develop and develop quantitatively and qualitatively as a cultural artist in order to develop more systematically the curriculum through the same advanced level course and the continuing interest of the vocational college's arts and vocational education entrustment process at the initial stage. 문화가 시대를 선도하고 변화 발전시키는 지금, 문화예술교육은 우리 시대에 꼭 필요함에 틀림없다. 현재 중학생들은 자유학기제의 도입에 맞춰 준비해나가고 있으며, 고등학생들은 구시대가 만들어낸 획일화 된 인문 고등학교 교육을 탈피하여, 문화예술분야의 주역이 되고자 자신의 진로선택을 조기에 하여 보다 체계적이고 전문적인 문화예술인으로 거듭나고자 노력하고 있다. 이에 따라 변화발전의 양상을 토대로 연구목적을 제시하여 연구모형과 가설을 설정하였으며, 변수 도출과 설문지를 구성하였다. 문화예술교육과정의 하위변수로는 교육프로그램, 교, 강사자질, 상담, 시설을 두었으며, 문화예술교육과정의 학생만족도 역시 동일하게 연구모형을 설계하였다. 그에 따른 학생만족도와 진로선택의 상관관계를 설정하였다. 설문조사는 2017년 10월 23일에서 27일 까지 5일간 서울시 사업 선정 대학 중 문화예술분야 직업교육 위탁과정을 수업받고 있는 고등학교 남녀 2, 3학년 학생들을 대상으로 자료를 수집하였다. 본 연구의 실증분석 결과를 요약하면 다음과 같다. 첫째, 진로상담 현황을 분석한 결과 위탁교육기관 내 진로상담여부는 학생의 반정도가 진로상담을 받는 것으로 나타났고, 진로상담에 대한 경험이 있는 학생들을 대상으로 위탁교육기관 내 진로상담 및 학교생활에 대한 상담자를 분석한 결과 대체적으로 위탁과정 담임선생님과 상담을 하고 있는 것으로, 위탁교육기관 내 진로상담주기는 주로 학생이 원하는 때 언제나 진로상담을 한 것으로 나타났다. 또한 위탁교육과정 수료 후 진로 및 취업에 대한 예상계획은 대체적으로 같은 전공계열로 진학을 희망하는 것으로 볼 수 있고, 위탁교육과정 수료 후 같은 전공계열 또는 다른 전공계열로 취업을 예상하는 학생들을 대상으로 취업 예상이유를 분석한 결과 현장경험을 쌓고 싶어서 취업하고자 하는 것으로 나타났다. 둘째, 전반적인 전문대의 문화예술 직업교육 위탁과정에 대해 분석한 결과 전체적으로 볼 때, ‘교육시설’이 가장 높게 나타났고, ‘교, 강사자질’, ‘생활지도’, ‘교육프로그램’ 순으로 나타났으며, 또한 인구통계학적 특성에 따라 차이가 있는지를 분석한 결과 위탁교육과정 진학권유에 따라 학원, 교회, 동아리 등에 권유를 받은 경우 본인 스스로 결정하거나 선배 또는 친구에 권유를 받은 경우에 비해 상대적으로 생활지도가 높은 것으로 나타났다. 셋째, 전반적인 학생만족도에 대해 분석한 결과 또한 인구통계학적 특성에 따라 학생만족도에 차이가 있는지를 분석한 결과 통계적으로 유의미한 차이가 나타나지 않았다. 넷째, 전반적인 진로선택에 대해 분석한 결과 인구통계학적 특성에 따라 진로선택에 차이가 있는지를 분석한 결과 위탁교육과정 진학권유에 따라 학원, 교회, 동아리 등에 권유를 받은 경우 선배 또는 친구에 권유를 받은 경우에 비해 상대적으로 진로선택이 높은 것으로 나타났다. 다섯째, 전문대 연계 일반고 위탁교육과정과 학생만족도, 진로선택의 상관관계를 분석한 결과 교육과정의 하위요인별 교육프로그램, 교, 강사자질, 생활지도, 교육시설은 학생만족도와 통계적으로 유의미한 정(+)의 상관관계가 있는 것으로 나타났고, 진로선택과도 통계적으로 유의미한 정(+)의 상관관계가 있는 것으로 나타났다. 또한 학생만족도는 진로선택과 통계적으로 유의미한 정(+)의 상관관계가 있는 것으로 나타났다. 여섯째, 전문대의 문화예술 직업교육 위탁과정이 학생만족도에 미치는 영향을 분석한 결과 교육과정의 하위요인별 교, 강사자질, 교육프로그램, 생활지도, 교육시설이 학생만족도에 통계적으로 유의미한 정(+)의 영향을 미치는 것으로 나타났다. 즉, 학생만족도에 있어서는 전문대 연계 일반고 위탁교육과정의 교, 강사자질, 교육프로그램, 생활지도, 교육시설이 중요한 요인임을 알 수 있다. 일곱째, 전문대의 문화예술 직업교육 위탁과정이 진로선택에 미치는 영향을 분석한 결과 교육과정의 하위요인별 교육프로그램, 교, 강사자질, 교육시설, 생활지도가 진로선택에 통계적으로 유의미한 정(+)의 영향을 미치는 것으로 나타났다. 즉, 학생들의 진로선택에 있어서는 전문대의 문화예술 직업교육 위탁과정의 교육프로그램, 교, 강사자질, 교육시설, 생활지도가 중요한 요인임을 알 수 있다. 여덟째, 학생만족도가 진로선택에 미치는 영향을 분석한 결과 학생만족도는 진로선택에 통계적으로 유의미한 정(+)의 영향을 미치는 것으로 나타났다. 즉, 학생들의 진로선택에 있어서는 학생만족도가 중요한 요인임을 알 수 있다. 초기단계인 전문대의 문화예술 직업교육 위탁과정의 지속적인 관심과 동일 상급과정을 통한 세부교육과정을 더 체계적으로 이루어지도록 발전시켜야 문화예술인으로서의 양적 및 질적으로 성장, 발전시켜야 할 것이다.

지역 활성화를 위한 창작스튜디오의 역할 연구

황선영 중앙대학교 예술대학원 2015 국내석사

As the cases of overcoming various problems of global urbanization after industrialization have increased, global market pays attention to cultural industry. Since culture plays the role of a catalytic agent in the improvement of national competitiveness, culture-oriented regional revitalization can make a region affluent and therefore, its ripple effect seems to be great. In addition, culture can create a regional image or change it positively, and plays a crucial role in regional development and in the improvement of life quality of local residents who want to satisfy their cultural desires. But with the capital area-centered production and consumption of culture and art, which are caused by the current phenomenon of satisfying cultural desires, the cultural polarization has been intensified and all the local societies have come to realize that they have to play the leading role of culture. On this account, the need of carrying out studies on it has come to the fore. Since the role of regions became crucial, the author paid attention to art creation studios, a new pattern of cultural/artistic facilities, as an alternative means of regional revitalization, and then sampled domestic and overseas successful examples of art creation studios which had different aims of founding and were proved to be effective in the sociocultural development of regions and in the creation of economic values as follows: ‘Cheongju Art Studio’, established by government in order to construct new cultural infra and share diverse culture and art with local residents: ‘Incheon Art Platform’ which introduced the experimental art of various genres using modern buildings in the era of Incheon’s port opening; ‘Chang-dong Art Village’ to which creative techniques of urban restoration were applied for the first time in Korea; ‘Le 104 (Le CENTQUATRE)’ in Paris, France, established by Paris’ creative policies for local residents; ‘Dashanzi 798 Special Art Zone’ in Peking, China, which was voluntarily formed by artists; and ‘Kanazawa Citizen's Art Village’, established to succeed regional traditional culture. And then the author analyzed the patterns of operation of these cases in relation to regional revitalization. Study findings showed that in order to revitalize regions, art creation studios had to play the roles of experimental space for regional modern art, of cultural/artistic space for local residents, of educational agencies, and of community space. Based on these findings, developmental plans of regional art creation studios were presented. Local artists must present new directivity of art through art creation studio-based experimental attempts, thus making local artistic circles grown to an international exchange space of modern art. Since the value of art creation studios as an important cultural infra will increase in the future, they must carry out studies on the development of unique programs and on their roles for other regions. The activation of regional art creation studios can develop local art and form the base of their growth to global art creation studios. As cultural diversity and the importance of cultural/artistic education have increased, art creation studios of which number has increased in recent times must play their first generation role of providing the space of creation as well as their second generation role of program characterization-oriented expansion of space that can satisfy a variety of social requests. In addition, in order for art creation studios to play their third generation role of becoming a useful tool for the activation of regional community, it is necessary to establish a creative cultural environment through physical support, spatial composition and discriminated participatory operation. 전 세계적으로 산업화 이후 도시화가 진행되면서 나타난 여러 문제들을 문화를 통해 극복한 사례들이 늘어나면서 문화산업에 세계 시장이 주목하고 있다. 문화는 국가경쟁력 향상의 촉매제 역할로 문화를 통한 지역 활성화는 지역을 풍요롭게 만드는 가치 있는 것으로 그 파급효과는 크다. 또한 문화는 지역의 이미지를 창출하거나 긍정적으로 바꾸는데도 기여하고 있으며, 문화적 욕구 충족을 원하는 지역민들의 삶의 질을 향상 시키고, 지역발전에 중요한 역할을 하고 있다. 그러나 현재 문화욕구 충족 현상으로 인해 중앙 중심의 문화예술의 생산과 소비 시스템으로 문화양극화 현상이 심화됨에 따라, 각 지역사회가 문화의 중심지로서의 역할이 필요하다는 인식을 하게 됨에 따라 연구의 필요성이 제기 되었다. 이처럼 지역의 역할이 중요하게 인식되고 있는 만큼 지역 활성화를 위한 대안으로 문화예술시설의 새로운 형태인 창작스튜디오에 주목하고, 각기 다른 목적으로 조성된 창작스튜디오를 통해 지역의 사회·문화적 발전의 효과 및 경제적인 가치가 창출된 국내외 창작스튜디오의 성공사례로, 새로운 문화 인프라를 구축하고, 다양한 문화예술을 지역민들과 공유하기 위해 정부주도로 조성된 ‘청주미술창작스튜디오’, 지역의 개항기 근대건축물을 활용하여 다양한 장르의 실험적인 예술을 선보이고 있는 ‘인천아트플랫폼’, 전국 최초로 창의적인 도시재생 기법을 적용한 ‘창동예술촌’, 프랑스 파리시의 창의적 정책수립에 따라 추진되어 지역민들을 위해 조성된 ‘프랑스 파리의 Le 104(르 썽꺄트르)’, 예술가 주도로 자발적으로 형성된 ‘중국 베이징 다산쯔 798예술특구’, 지역의 전통문화 계승을 목적으로 조성된 ‘일본 가나자와 시민예술촌’를 선정하여 이들 사례들이 지역 활성화를 위해 어떻게 운영되고 있는지를 분석해 보았다. 분석 결과 창작스튜디오는 지역의 활성화를 위해 지역의 현대예술의 실험을 위한 공간, 지역민의 문화예술공간, 교육기관, 커뮤니티 공간으로서의 역할이 도출되었고, 그에 따른 발전 방안을 제시하였다. 지역의 예술가는 창작스튜디오를 통해 다양한 실험적인 시도로 새로운 예술의 방향성을 제시하고, 지역예술계는 현대예술의 국제적인 교류의 공간으로 성장이 가능하며, 아울러 향후 창작스튜디오는 주요 문화 인프라로서 가치가 점증될 것이므로 독창적인 프로그램의 개발 연구와 타 지역과의 창작스튜디오에 대한 역할 연구도 이루어져야 할 것이다. 이처럼 지역의 창작스튜디오가 활성화되면 지역예술의 발전뿐만 아니라 더 나아가 세계적인 창작스튜디오로 성장 할 수 있는 기반이 형성될 것이다. 문화적 다양성이 증가하고 문화예술교육의 중요성이 증가함에 따라 현재 양적으로 많은 증가를 보이고 있는 창작스튜디오는 예술가들을 위한 창작공간 제공이라는 1세대적 의미에서 한발 더 나아가, 다양한 사회적 요구를 수용할 수 있는 프로그램의 특성화를 통한 공간의 확장이라는 2세대적 의미까지도 내포하고 있다. 이제는 창작스튜디오가 지역 내에서 커뮤니티를 활성화 시킬 수 있는 유용한 도구로 활용되어 질 수 있는 3세대적 의미로의 기능을 수행하기 위해서 물리적 지원과 공간적 구성, 참여적 운영의 측면에서의 차별화하여 창조적인 문화 환경을 형성해야 할 것이다.

「영화 및 비디오물의 진흥에 관한 법률」 일부개정법률안 핵심 쟁점에 관한 연구 : 수직결합 분리, 상영 상한제, 예술영화전용관 쿼터를 중심으로

임희진 중앙대학교 예술대학원 2018 국내석사

서울국제공연예술제 활성화 방안에 관한 연구 : 에딘버러프린지페스티벌의 성공요인 분석을 중심으로

차현석 중앙대학교 예술대학원 2018 국내석사

오늘날 공연예술축제는 예술의 교류와 소통을 통해 문화산업을 주도해 나가고 있다. 문화산업은 국가 경쟁력을 제고(提高)하는 만큼 축제의 세계화는 국가적 과제이기도 하다. 한국을 대표하는 공연예술축제 중 하나인 서울국제공연예술제는 세계적인 무대로 발돋움하기 위한 취지로 주최되었지만 아직 세계적인 홍보나 유치가 미흡한 실정이며, 앞으로의 세계무대에서의 활약을 위한 보다 견고한 준비가 필요한 실정이다. 본 연구는 대표적인 국제공연예술축제로서 에딘버러프린지페스티벌을 대표표본으로 삼아 성공요인들을 분석하여 국제공연예술제의 발전방향에 기여하고자 한다. 본 연구는 에딘버러의 프린지 페스티벌의 성공요인으로 자율성, 개방성, 통합성을 도출해 내었고 이를 통해 다음과 같은 서울국제공연예술제의 발전방향을 도출해 내었다. -첫 번째, 서울국제공연예술제는 연극과 무용 및 다양한 공연 장르를 어우르는 규모와 역사를 가진 축제이지만 프로그램의 차별성을 갖추지 못했다. 프로그램이 차별성을 갖기 위해서는 정체성의 명확한 제시와 발전이 뒷받침 해야하며 프로그램 운영 방식에 있어 차별성을 두어야 한다. -두 번째, 문화산업의 발전을 제고하여 세계적인 인프라를 확보해야 하며, 보다 다양하고 창의적인 공연유치를 위한 운영방안의 개선을 실천해 나가야 한다. -세 번째 국내 작품의 기획공연의 사전제작이나 공동제작을 통해 지속적으로 완성도 있는 작품을 선보일 수 있어야 한다. 본 연구는 서울국제공연예술제의 국제적 행보를 실천하기 위한 발전방향을 선행연구와 문헌 및 사례연구를 통해 이론적 근거를 제시하였으며, 앞으로의 세계적 공연예술 축제로의 발전을 기대한다. Performing arts festivals lead the cultural industry through art acting as a way of exchange and communication these days. Globalization of festivals is a national task in that the cultural industry improves national competitiveness. Among the performing arts festivals that represent Korea, the Seoul Performing Arts Festival, which has been held to the effect that Korea stands on the global stage, is still unsatisfactory in terms of promoting the festival and attracting people all over the world and needs more thorough preparation to take an active part in the world stage in the future. The purpose of this study is to contribute to the development of the Seoul Performing Arts Festivals by analyzing success factors of the Edinburgh Festival Fringe, one of the representative international performing arts festivals, serving as a representative sample. This study concludes that autonomy, openness and integrity are success factors of the Edinburgh Festival Fringe, and the following directions for the development of the Seoul Performing Arts Festival were drawn accordingly. First, the Seoul Performing Arts Festival’s programs lack uniqueness which is necessary in a performing arts festival, while it involves drama and dance as a festival with a larger scale and a longer history than those in other regions. Distinctiveness in its programs can be obtained based on clear suggestion and development of its identity and a discriminating way of its operation. Second, international infrastructure needs to be secured through the development of the cultural industry, and operational improvements are required for more diverse and creative performances to be shown. Third, pre- and co-production of special domestic performances should continuously be attempted to improve their maturity level. In this study, the directions for the Seoul Performing Arts Festival’s growth into a worldwide performing arts festival are provided with the rationale obtained through prospective studies, literature reviews and case

온라인 플랫폼을 활용한 개인 창작자의 공연예술콘텐츠 창작활동 분석 연구

박다비 중앙대학교 예술대학원 2018 국내석사

The purpose of this study is to analyze the creative activities of performing arts contents using online platform and the creators who create them. It is argued that substantial research on the convergence of the performing arts and the personal creative content industry is needed when the content industry is growing rapidly based on the one-person media culture. The personal creative content industry is the subject of individual creators. Therefore, it is necessary to analyze creative activities from the perspective of individual creators. In this study, we analyze the creative activity of performing arts contents using the online platform of the individual creator and examined the growth direction of the future. Literature analysis, content analysis, and in-depth interviews were used as research methods. First of all, I examined the personal creation and online platform that grew up based on one-person media through literary studies and summarized the convergence of performing arts and contents. In order to examine the current state of creation of online performing arts contents, contents were selected and analyzed contents by expression technique. As a result of analyzing the contents, I can understand five creative techniques and features, and can be divided into cover, lecture, live broadcast, busking, and creation. In addition, in-depth interviews were conducted with individual creators in order to examine creative activities of individual creators and to suggest growth directions. In-depth interviews were conducted with 10 individual creators who created performing arts contents using an online platform as a research scope. First, motivated by the economic profit, the increase of awareness, the expansion of the stage, and the self-realization, motivated individual creators to utilize the online platform. In addition, the online platform has advantages such as instant communication with viewers, difficulty in securing fixed viewers, and exploitation of openness and accessibility. Second, individual creators are inspired by various experiences such as external experiences and inner thoughts when creating the performing arts contents. The most important thing is how much the viewer's needs are reflected. It also works to maximize visual sensitivity by using editing technology on one image. In order for content to be competitive, scarcity and persistence are important, and skills must also be supported. Third, currently performing arts contents are expanding from online to offline, unlike the previous one. Many artists have built their awareness through online platforms and are now expanding their offline presence. The following results were derived as the growth direction of online performing arts contents. First, it should grasp and reflect the communication with viewers and their needs. Second, it is necessary to improve the quality of content itself as the importance of content is emphasized. As personal creative contents become more and more diverse, performing arts content is not getting big advantage over other fields. Performing arts content has limitations in giving realistic feelings to actual performances. So, Performing arts content should grow to be engaging content that you really want to experience and want to keep looking for. Third, a foundation should be established for the creator's stable creative activities. Now that creators are expanding their field as a new profession, they need a system to support and motivate creative activities. Fourth, specialization is required for the performing arts content to become an independent field in the contents industry. If the specialized business is activated, it will have a positive impact on improving social awareness. The purpose of this study is to examine the creative activities of the performing arts using the online platform from the viewpoint of the individual creator and to suggest the growth direction. It is hoped that online performing arts contents will be studied professionally and scholarly, starting from such research. In addition, I hope that this research will be utilized as a material for the personal creation activities of on-line performing arts content, and the ongoing research will be carried out in the future. 본 연구는 온라인 플랫폼을 활용한 공연예술콘텐츠와 이를 창작하는 개인 창작자의 창작활동을 분석하는 연구이다. 1인 미디어 문화를 기반으로 콘텐츠 산업이 급격하게 성장하고 있는 시점에서 공연예술과 개인 창작 콘텐츠산업의 융합에 관한 실질적인 연구가 필요하다고 논의되고 있다. 개인 창작 콘텐츠산업은 개인 창작자가 주체기 때문에 개인 창작자 관점에서의 창작 활동 분석이 필요하다고 보고 있다. 본 논문에서는 개인 창작자의 온라인 플랫폼을 활용한 공연예술콘텐츠 창작 활동을 분석하고, 앞으로의 성장 방향을 알아보았다. 연구방법으로는 문헌분석, 콘텐츠분석, 심층인터뷰를 수행하였다. 먼저 문헌적 연구를 통해 1인 미디어를 기반으로 성장한 온라인 플랫폼과 개인 창작에 대해 살펴보고, 공연예술과 콘텐츠의 융합에 대해 정리하였다. 그리고 온라인 공연예술콘텐츠 개인 창작 현황을 살펴보기 위해 콘텐츠를 선정하여 콘텐츠를 표현기법별로 분석하였다. 콘텐츠를 분석한 결과 다섯 가지의 창작기법과 특징을 알 수 있었으며, 커버, 강좌, 라이브 방송, 버스킹, 창작 으로 나눌 수 있다. 그리고 개인 창작자의 창작 활동에 대해 살펴보고 성장 방향을 제시하기 위해 개인 창작자를 대상으로 심층인터뷰를 수행하여 분석하였다. 연구범위는 온라인 플랫폼을 활용하여 공연예술콘텐츠를 창작하고 있는 개인 창작자 10명을 대상으로 심층인터뷰를 진행하였으며, 다음과 같은 결과를 도출하였다. 첫째, 개인 창작자가 온라인 플랫폼을 활용하게 되는 계기에는 경제적인 수익, 인지도 상승, 무대의 확대, 자아실현 등이 동기로 작용하였다. 또한 온라인 플랫폼은 시청자와의 즉각적인 소통이 가능하다는 장점과 고정적인 시청자 확보가 어렵다는 단점이 있었으며, 개방성과 접근성이 용이하다는 점을 악용하는 사례가 있었다. 둘째, 개인 창작자들은 공연예술콘텐츠를 창작할 때 외부적인 경험과 내면적인 생각 등 다양한 곳에서 영감을 받는다. 가장 중요한 점은 시청자의 요구가 얼마나 반영하는지가 중요하다. 또한 영상에 편집기술을 사용하여 시각적인 감성을 극대화 시키는 작업을 하기도 한다. 콘텐츠가 경쟁력을 가지기 위해서는 희소성과 지속성이 중요하며, 또한 실력도 기본적으로 뒷받침 되어야 한다. 셋째, 현재 공연예술콘텐츠는 이전과는 다르게 온라인에서 오프라인으로 영역을 넓히고 있다. 많은 아티스트들이 온라인 플랫폼을 통해 먼저 인지도를 쌓은 후, 오프라인으로 무대를 확장시키고 있다. 온라인 공연예술콘텐츠의 성장 방향으로 다음과 같은 결과를 도출하였다. 첫째, 시청자와의 소통과 그들의 요구를 파악하고 반영해야 한다. 둘째, 콘텐츠의 중요성이 강조되는 만큼 콘텐츠 자체의 질적 향상이 필요하다. 개인 창작 콘텐츠가 갈수록 다양해지면서 공연예술콘텐츠가 다른 분야에 비해 큰 메리트를 차지하지 못하고 있다. 공연예술콘텐츠는 실제 공연과 같은 현장감을 주기에는 한계가 있다. 그렇기 때문에 실제로 경험하고 싶다는 느낌이 들고, 계속해서 찾아보고 싶어지는 매력적인 콘텐츠로 성장해야 한다. 셋째, 콘텐츠 생산자인 창작자의 안정적인 창작활동을 위한 기반이 마련되어야 한다. 이제는 크리에이터가 신직업으로서 영역을 확장하고 있는 가운데 창작활동의 지원과 동기부여를 하는 시스템이 필요하다. 넷째, 콘텐츠산업에서 공연예술콘텐츠가 독립적인 분야로 자리를 잡기위해 전문성이 요구된다. 이를 위한 전문 사업이 활성화 된다면 사회적 인식 개선에도 긍정적인 영향이 있을 것으로 보인다. 본 연구는 개인 창작자의 관점에서 온라인 플랫폼을 활용한 공연예술콘텐츠 창작활동을 살펴보고 성장방향을 제시하는 목적을 가지고 있다. 이와 같은 연구를 시작으로 온라인 공연예술콘텐츠가 전문적이고, 학술적으로 연구되어 성장하기를 바란다. 또한 본 연구가 온라인 공연예술콘텐츠 개인 창작 활동에 관한 자료로 활용되어 향후 지속적인 연구가 진행되기를 기대해 본다.