'LPGA 1세대 골퍼'의 삶과 정체성 : 박세리, 김미현, 박지은을 중심으로

이지연 고려대학교 대학원 2020 국내박사

The South Korean female professional golfers made brilliant achievement so the US LPGA Tour, the world's biggest arena. The golden age began when the ‘first-generation LPGA golfers’ made their debut on the tour around the year of 2000, including Mihyun Kim, Grace Park, first being started with Seri Pak, who won the US Women’s Open with her signature barefoot shot from the water hazard in 1998. Korean women’s golf has become a popular sport in the country for the past two decades, with the emergence of the so-called as ‘Seri kids’, a junior golfer who started golf influenced by Pak’s success, and their success has received many spotlights. Meanwhile, the success of Korean women’s golf has exposed not a few problems, like double-edged swords. Other problems such as culture, conflicts with their own fathers, excessive rivalry spirit and slumps were also come to the surface. In this regard, this research aims at identifying the educational implications of Seri Pak, Mihyun Kim and Grace Park among the ‘first-generation LPGA golfers’ by interpreting their lives and identities in-depth. The results of the study are as follows. First, how has the life and identity of the ‘first-generation LPGA golfer’ been taken shape and changed? Seri Pak’s life journey was a process of forming an ‘achievement-oriented identity.’ She was obsessed with golf more than anyone else with her strong tenacity, she felt a desire to achieve, and a keen sense of competition laid the foundation for her success. Mihyun Kim’s life is summarized as a process of forming a ‘relation-oriented identity.’ She started playing golf under her father's influence, and her relationship with my father was the most influential factor in her golf. Grace Park’s life can be summed up as her ‘self-directed identity.’ She has enjoyed competition since her childhood, and through her self-driven way of golf, she constantly appeared to seek to find her goals and pleasures out of golf. Second, what is the educational significance of the life and identity-building process of the ‘first-generation LPGA golfer’? First, the ‘first generation of LPGA golfers’ experienced an ‘unlimited competitive life’ to build competitiveness when they first grabbed the golf club. Such an atmosphere where rivalry is over-emphasized can turn players into ‘a ball-hitting machine.’ However, as for as the sport is concerned, even the best player cannot win all the time. Therefore, it should be recognized achieving successful outcomes should not be the only emphasis but the various immanent values gained in the process. Second, the ‘first-generation LPGA golfers’ was greatly influenced by ‘golf daddy’ from their start of golf career. ‘Golf Daddy’ was usually a ‘friendly daddy’, but he became a very strict ‘cruel father’, when dealing with their athletic daughters. He is a ‘father who tries hard for his daughter’, and a father who plays a ‘superman daddy’ as a manager, driver and coach, being fully committed to taking care of his daughter. While this culture of golf has had a huge impact on bringing the ‘first-generation LPGA golfers’ to the top of the world, but the ‘shadowing’ of parents’ excessive expectations, enthusiasm for education and strict education has become a source of conflict with their father. Since golf is an important sport of fighting for him/herself in the end, and fathers should be wait and faithful to the role of a ‘strong helper.’ Third, ‘first-generation LPGA golfers’ experienced a slump, both large and small, due to many reasons such as financial problems, psychological problems, social-political and environmental problems, crisis management abilities, injuries, lack motivation, and suffered symptoms of yips, negative thoughts, complex thought, loss of confidence, etc. Because most every athlete goes through a slump, what players in the slump, what players in the slump need is to accept that they are in a slump. It is very difficult to admit that one is in a slump, but understanding that they are in a slump is the first step to overcome the hard times, looking back at oneself to find their weakness, and the time and effort to overcome must follow. The key to overcoming slump is accepting and reflecting, and life after overcoming this phase can change as well. Keywords : ‘first-generation LPGA golfers’, LPGA tour, life, identity, life history research, Seri Pak, Mihyun Kim, Grace Park, ‘achievement-oriented identity’, ‘relation-oriented identity’, ‘self-directed identity’, ‘Seri kids’, ‘golf daddy’, educational significance 한국 여자골프는 1998년 미국여자프로골프(LPGA) 투어 메이저 대회인 US여자오픈에서 맨발의 해저드 샷으로 우승을 차지한 박세리를 시작으로 김미현, 박지은 등 ‘LPGA 1세대 골퍼’가 2000년을 전후해 투어에 데뷔하면서 황금기를 맞았다. 박세리의 성공에 영향을 받아 골프를 시작한 주니어 골퍼들, 이른바 ‘세리 키즈’가 출현하면서 지난 20년 동안 국내에서 인기 스포츠로 자리매김하였으며, 이들의 성공 요인은 많은 스포트라이트를 받았다. 반면 한국 여자골프의 성공에는 양날의 검처럼 골프에 올인해야 하는 문화, 지나친 경쟁의식, 아버지와의 갈등, 슬럼프 등의 문제점들이 표출됐다. 이에 본 연구는 ‘LPGA 1세대 골퍼’ 중 박세리, 김미현, 박지은을 연구 대상으로 하여 생애사 연구 방법을 통해 이들의 삶과 정체성을 심층적으로 해석하면서 그 교육적 의미를 규명하는데 목적을 두었다. 연구 결과 박세리의 삶의 여정은 ‘성취 지향적 정체성’ 형성의 과정으로 드러났다. 누구보다 성공에 대한 강한 집념으로 골프에 올인하였으며, 도전을 통해 자신감을 얻었고, 치열한 경쟁의식은 성공의 밑받침이 됐다. 김미현의 삶은 ‘관계 지향적 정체성’ 형성의 과정으로 나타났다. 아버지의 영향 아래 골프를 시작하였으며, 아버지, 스폰서와의 관계 등은 김미현의 골프에 가장 큰 영향을 미친 요소였다. 박지은의 삶은 ‘자기 주도적 정체성’ 형성의 과정임을 도출하였다. 어린 시절부터 경쟁을 즐겼으며, 누구에게도 지기 싫어하는 근성으로 두각을 보였고 자기 주도적 골프를 통해 끊임없이 골프에 대한 목표와 즐거움을 찾으려 했다. ‘LPGA 1세대 골퍼’의 삶과 정체성 형성에 따른 교육적 의미는 ‘경쟁을 통한 내적 가치 추구’, ‘기다려주는 아버지’, ‘피할 수 없는 슬럼프’로 요약할 수 있다. 첫째, ‘LPGA 1세대 골퍼’는 골프 클럽을 잡은 순간부터 경쟁력을 기르기 위한 ‘무한 경쟁의 삶’을 살았고 ‘승리지상주의’, ‘다른 선수와의 비교’에 빠지기도 했다. 그러나 최정상에 있는 선수라도 늘 우승할 수 없는 게 골프이기 때문에 결과로써의 성취만을 강조할 게 아니라 그 과정에서 얻을 수 있는 다양한 내재적 가치를 추구할 필요가 있다. 둘째, ‘LPGA 1세대 골퍼’는 골프를 시작했을 때부터 ‘골프 대디’의 영향을 크게 받았다. ‘골프 대디’는 평상시엔 ‘다정한 친구 같은 아빠’였고, 딸을 위해 모든 것을 올인하면서 매니저, 운전기사, 코치 역할을 해내는 ‘노력하고 헌신하는 아빠’였다. 운동선수인 딸을 대할 때는 매우 엄격한 ‘무서운 아빠’의 모습도 보였다. 이런 ‘골프 대디’ 문화는 ‘LPGA 1세대 골퍼’를 세계 정상으로 올려놓는 데 큰 영향을 미쳤으나, 지나친 기대와 뜨거운 교육열, 엄격한 교육 방식과 같은 ‘그림자 뒷바라지’는 갈등을 낳는 요소가 되었다. 그러나 골프는 결국 선수 스스로가 해야 하는 운동이기에 아버지는 ‘믿고 기다려주는’ 든든한 조력자가 되어야 한다. 셋째, ‘LPGA 1세대 골퍼’는 금전적 문제, 사회⋅환경적 문제와 위기관리 능력 상실, 부상, 동기 부재 등으로 인해 크고 작은 슬럼프에 빠졌으며, 입스, 부정적 사고, 복잡한 생각, 자신감 상실 등을 겪었다. 선수들이 스스로 슬럼프를 인정한다는 것은 쉽지 않은 일이다. 그러나 슬럼프는 누구나 겪을 수 있는 일이기 때문에 그것을 어떻게 받아들이고 대처하느냐가 매우 중요하다. 슬럼프 극복은 슬럼프에 대한 이해로부터 시작되며, 스스로를 돌아보는 성찰 같은 노력을 기울이는 데에 슬럼프 극복의 열쇠가 있다. 주제어 : ‘LPGA 1세대 골퍼’, 박세리, 김미현, 박지은, 삶, 생애사 연구, 정체성, ‘성취 지향적 정체성’, ‘관계 지향적 정체성’, ‘자기 주도적 정체성’, ‘골프 대디’, ‘세리 키즈’, 교육적 의미

박지은의 작품 연구 : 1. 바이올린, Bb클라리넷, 첼로, 피아노를 위한 <이끌림 그리고 움직임, 생(生)>(2012) ;2. 피아노 솔로를 위한 <바다를 꿈꾸다>(2012) ;3. 현악 사중주를 위한 <흐름>(2012) ;4. 플루트, Bb클라리넷, 바이올린, 첼로, 피

박지은 이화여자대학교 대학원 2015 국내석사

본 논문은 박지은의 네 개의 작품 바이올린, Bb클라리넷, 첼로, 피아노를 위한 <이끌림 그리고 움직임, 생(生)>(2012), 피아노 솔로를 위한 <바다를 꿈꾸다>(2012), 현악 사중주를 위한 <흐름>(2012), 플루트, Bb클라리넷, 바이올린, 첼로, 피아노, 타악기를 위한 <양극화>(2012)에 대한 분석 연구이다. 이 네 작품은 석사학위 이수를 위한 졸업연주회에서 연주된 작품으로, 2012년 12월 6일 이화여자대학교 음악대학 국악연주홀에서 초연되었다. 이 논문은 각 작품의 작곡 배경과 주로 사용된 전개 기법상의 특징에 대해 연구하는데에 그 목적이 있다. 먼저 네 작품 전체의 작곡 의도와 음악적 아이디어로의 전환 방법에 대해서 살펴본다. 그리고 작품의 형식과 주요 음정구조를 살펴 본 후 그 음정구조를 바탕으로 한 화성의 활용에 대해서 집합이론을 통해 분석한다. 그리고 각 곡마다 집중적으로 사용된 전개 기법상의 특징에 대해 세부적으로 설명한다. 바이올린, Bb클라리넷, 첼로, 피아노를 위한 <이끌림 그리고 움직임, 생(生)>에서는 4도 구성의 화음의 변형을 사용하였고, 이끌림과 움직임에 대한 사고를 주선율과 대선율이 담당하며 점묘적 기법을 통해 음색변주를 활용하는 방식으로 사용하였다. 피아노 솔로를 위한 <바다를 꿈꾸다>에서는 타케미츠의 SEA모티브와 관련된 7음군을 사용하는데, 이 7음군에서 생성된 동기를 수평적, 수직적으로 활용하였다. 현악 사중주를 위한 <흐름>은 총 세 개의 악장으로 구성되었는데, 세 악장 모두 주요 주제들의 변용을 통한 대위적 진행을 활용하였고 곡의 발전방식으로 스트레토 기법을 활용해 절정을 형성하였다. 플루트, Bb클라리넷, 바이올린, 첼로, 피아노, 타악기를 위한 <양극화>는 C-C#-D-F#-G-G#의 6음군이 순차적으로 이도되며 활용되고 있는데, 음역의 대비를 활용하여 양극화를 표현하였고 동음의 사용으로 화합에 대한 음악적인 표현을 시도하였다. 이와 같이 네 개의 작품은 모두 작곡가가 작품을 작곡하게 된 의도를 표현하기 위해 적절한 음악적 아이디어를 사용했으며, 각 곡마다 사용한 주요 음소재와 전개 기법상의 특징은 전체적으로 짜임새 있는 구조를 이루고 있음을 나타내고 있다. This thesis is an analytical study of the compositional techniques, configuration, and pitch materials of Ji-eun Park's four works which were performed on her graduate recital, December 6, 2012 at Ewha Womans University College of Music Recital Hall: Desire, Motion and Existence for violin, Bb clarinet, cello and piano; Dream of the Sea for piano; Flows for string quartet; and Polarization for flute, Bb clarinet, violin, cello, piano, and percussion. For this thesis, set theory is applied to understand the pitch materials at both the linear and horizontal levels. Also included, is a study of the development method of each pieces compositional techniques. Desire, Motion and Existence for violin, Bb clarinet, cello and piano, is a variant of rondo form within a single movement, and consistent with the circular structure of A-B-A’- C-A-B’. This composition is unified by quartal harmonies of Set-Types [015], [016], [026], [027]. These tones are varied through both horizontal motion and klangfarbenmelodie in the main and counter lines of the development and as a representation of the idea: Desire, Motion and Existence. Dream of the Sea for piano is a single movement piece consisting of an arch-shaped structure of A-B-A’-C-A’expressing the waves of the sea. The primary pitch collection of the work uses from the heptachord G-Ab-A-Bb-Db-D-Eb. This harmonic material is thematically varied by octave displacement and registral contrast. The collection is expanded monophonic to polyphonic, and developed to emphasize the Set-Types [016], [0127] and [0137] to provide harmonic unity throughout the piece. Flows for string quartet (in three movements,) is an intervallic exploration of the second. Beginning with the development of the minor 7th, it is later reduced to a minor 2nd as an evolution of musical space to emphasize interval class <01>, followed by its compound (the minor 9th.) This expansion is meant to show a symmetrical pitch transition to express flowing cycles. Among this expansion, is a polyphonic development that progresses from modified canonic forms into stretto within a climatic fugal structure, along with timbral contrast of the central pitches. Lastly, Polarization for flute, Bb clarinet, violin, cello, piano and percussion, is a single movement piece that utilizes a variant of ternary form with a highly expanded B section: A-B-B’-B”-A'. Its hexachord, C-C#-D-F#-G-G#, is rotated gradually through the B sections, forming a unified sonority of [012678]. As a musical expression for polarization, it makes use of registral, trimbral and dynamic contrast of the central pitches, and is brought together by a concordance of the octave. In conclusion, this analysis discusses the various types of music compositional techniques used in four works of Ji-eun Park. These techniques include tone variation through klangfarbenmelodie, registral and timbral contrast, and both vertical and polyphonic progression. Through structural, harmonic (such as set-theory), registral, and timbral analysis, this thesis demonstrates the unifying factors of the music. Emerging from traditional forms, these techniques are used express the composer’s personal viewpoint and inclinations.

한국미학의 미적 범주 연구

박지은 한국해양대학교 대학원 2018 국내박사

Since Korean aesthetics was formed, the aesthetic categories of the discipline has been being discussed. Firstly created by Yanagi Muneyoshi and Koh Yu-seop, the theory of Korean aesthetic categories was gradually expanded to different arguments that were subjective and independent. Recently, there have been increased demands for integrating those arguments. However, there’s still little or no research to meet the demands. The purpose of this study was to suggest the categories of Korean aesthetics in more probable and systematic ways by comprehensively researching them and comparing between Western and East Asian aesthetics. So far, the categories of Korean aesthetics have been researched in a variety of disciplines including art, bibliography, religious science and cultural studies. However, such prior research have limitations in that they are inconsistent depending on their author or they deal with only some particular categories. Of course, no prior research on correlations between aesthetic categories of the East and the West is found. This study wasdesigned to investigate aesthetic categories of three East Asian countries, especially focusing on Korean aesthetics, and then compare them with those of the West. For this, the study borrowed Dessoir’s circular categorical system based on which this research could analyze categories of which aesthetics of each East Asian nation consists. The analysis found that Chinese aesthetics has yet to be categorically systematic, reflecting Chinese scholastic trends of orienting being non-systematic. Chinese aesthetic categories greatly vary depending on period and scholar. In contrast, Japanese aesthetics has its categories systematized under the early introduction of Western disciplines. Aesthetic categories have no boundaries to make them clearly separate from one another. They are, rather, correlated or interactively influential. Mutual development under confrontation is a relationship found between the categories of Korean aesthetics like Han(恨), Heung(興), Sinmyung(神命) and Meot(멋). Such relationship may be the case for the categories of Chinese aesthetics like vigorousness, daam, jaryeon, jangmi, biheung and goa and those of Japanese aesthetics like yooukeng, aware, okashi, sabi and wabi. These aesthetic categories of the three East Asian nations all orient harmony under diversity. However, the extent of the orientation is different among the three countries. From the view of Dessoir’s circular categorical system, Chinese aesthetic categories have lack of tragic or comic beauty, but put more emphasis on harmony with the universe that dwells in life. They don’t separate between man and nature, but admire the sublimity of nature, pursuing a moderate beauty of elegance. From the perspective of Dessoir’s framework like above, Japanese aesthetic categories put much more importance on elegant or tragic beauty. This is true to all of the Japanese categories like yooukeng, aware, wabi and sabi, except okashi that focuses on comic beauty. Considered from the view of Dessoir’s circular categorial system, aesthetic categories of the three East Asian countries have elegant beauty in common. The categories of Korean aesthetics cover from elegant beauty, which is based on naturalism, to comic beauty. They pursue balance and harmony under coexistence of the extreme opposites. In Korean aesthetics, it’s not that negative categories unilaterally lead positive ones and vice versa, but that the opposite categories interact in balance between synchronization and non-synchronization. All things exist and move together, according to Korean aesthetics. Both outer coexistence centering around taste and inner combination or harmony are found in the categories of Korean aesthetics, where if one category becomes extremely negative, it gives way to another category that is positive and vice versa. Korean aesthetics is so unique that it allows opposite aesthetic emotions to get along and mix with each other in discussing Korean beauty. That such opposite emotions mix together into new aesthetic categories represents how dynamic Korean aesthetic categories are. Taste is, from an aesthetic view, life of the universe itself that is not artificial but natural. It can exist only when having natural balance of itself. In Korea, taste has been highly recognized as an aesthetic category into which possible sub-categories like truth, good and beauty are integrated. It deserves to keep remaining as a key characteristic of Korean culture. Today, conflict and harmony are important issues in relationships between humans as well as between man and nature. Amid a rapid Westernization of our society, we haven’t had time to properly learn the principles of Yi and Yang with the spirit of balance and harmony. In association with this,Korean aesthetics has so far failed to make its confronting categories balanced and harmonized with one another. Now it’s time to try converting the categories of Korean aesthetics into those closer to daily life by applying taste as the very core of the aesthetic categories in practical ways. From the perspective of aesthetics, taste is like sort of simplicity that results not from the instant explosion of pain and distress we human beings have inside, but from the final discharge of power that we have long accumulated and finely nurtured. Taste seeks to harmonize itself with each aesthetic category. Aesthetically, taste keep reminding us of the facts that every environment around us is natural vitality itself and that the vitality is with us as it is always available in our life. 한국미학의 형성 이후 미적 범주에 대한 논의가 지속되었다. 야나기 무네요시(柳宗悅)와 고유섭으로부터 시작한 범주론은 주관적이고 개별적인 형태로 이어지다 최근에 이르러 이를 종합해야 한다는 요구가 커졌다. 그럼에도 이러한 요구를 충족할 연구는 부족한 것이 사실이다. 본 연구는 한국미학의 미적 범주에 대한 종합적인 연구를 수행하고 서양과 동아시아 미학의 상호 비교를 통해 가능한 미적 범주의 체계를 도출하는 데 목적이 있다. 한국미학의 미적 범주 연구는 그 동안 예술장르뿐만 아니라 문헌학, 종교학, 문화연구 등의 다양한 측면에서 진행되어 왔다. 그럼에도 논자에 따라 체계 없이 기술되거나 개별 범주에 집중하여 한계를 보였다. 더불어 서구와 동아시아의 미적 범주들이 가지는 상관관계를 논의한 연구는 찾기 어렵다. 본 연구는 한국미학의 미적 범주를 중심에 두면서 동아시아 삼국의 미적 범주를 연관시키고 서양의 체계와 비교를 시도하였다. 이를 위해 데스와르의 원환적 체계를 원용하였는데 이는 동아시아 미적 범주의 분포를 살펴볼 수 있는 계기를 부여하였다. 그런데 중국의 미적 범주는 아직 체계를 형성하고 있지 못하다. 비체계의 체계를 지향하는 중국의 학적 경향을 반영하는가 하면 시대와 학자에 따라 광범위하게 나열되고 있기 때문이다. 이에 비하여 일본은 서양 학문의 수용으로 미적 범주가 일정한 체계를 형성하고 있다. 미적 범주들은 분명한 경계를 지니면서 분리되지 않는다. 오히려 상호 연관되거나 영향을 주고받는 운동성을 지닌다. 한국의 미적 범주인 한, 흥, 신명, 멋은 상반상성의 관계 속에서 길항한다. 이는 기운생동, 담(淡), 자련, 장미, 비흥, 고아 등의 중국 미적 범주와 유우겡, 아와레, 오카시, 사비, 와비 등의 일본 미적 범주와 겹쳐 읽을 수 있다. 동아시아 삼국은 모두 화해(和諧)를 지향하면서 그 지향과 운동에서 차이를 드러낸다. 이를 데스와르의 원환적 체계 위에서 고찰하면 중국의 미적 범주는 비장미와 골계미가 약화된 경향을 보이면서 생명 내부에 깃든 우주와의 화해를 강조한다. 인간과 자연을 나누지 않고 자연의 숭고함을 경배하는 가운데 절제된 우아미를 추구한다고 볼 수 있다. 일본의 미적 범주는 데스와르의 도식에 따를 때 우아미와 비장미 쪽으로 치우쳐 있다. 골계미에 속하는 오카시를 제외하고 유우겡, 아와레,와비, 사비는 비슷한 분포를 가진다. 데스와르의 원환 체계에 준하여 살펴보았을 때 동아시아 세 나라의 공통 범주는 우아미에 해당하며, 한국은 자연주의를 기본으로 이러한 우아에서 골계에 이르는 영역의 진폭을 보인다. 한국 미학의 미적 범주 체계는 극과 극의 상생하는 움직임 속에서 균형과 조화의 화해를 추구한다. 하나의 음의 범주와 하나의 양의 범주는 어느 한쪽이 일방적으로 주도하는 불균형적인 것이 아닌 비동시적인 동시성을 가진다. 일체의 사물은 모두 같이 공존하거나 운동성을 가진다. 한국의 미적 범주는 멋을 중심으로 바깥으로 상생하고 안쪽으로 상반되는 범주들이 교합하면서 조화를 이룬다. 한국의 미적 범주는 하나의 범주가 음이 극에 달하면 양을 위해 물러가고 양이 극에 치달으면 음이 물러가는 것으로 움직인다. 한국미를 논할 때 서로 반대가 되는 정서가 어울려서 뒤섞일 수 있는 미적 감정은 아주 특별하다. 반대편의 감정들이 한곳에 뒤섞여서 새로운 미적 범주를 만들어낸다는 것은 한국의 미적 범주가 역동적인 운동성을 가지고 있다는 의미이다. 멋은 인공적이지 않은 자연스러운 우주 생명의 자체로서 나타나며, 그 자체로 자연스러운 균형을 이룰 때 비로소 멋이 존재하게 된다. 한국의 멋은 진·선·미를 아우르는 한국의 미적 범주로서 가치를 지녀왔으며 앞으로도 한국문화의 특징이 되어야 함이 분명하다. 오늘날 사람과 사람, 인간과 자연의 관계 속에서 갈등과 화합이 중요시 되고 있다. 그 동안 사회는 급속도로 서구화되어 가는 가운데 균형과 조화의 마음으로 음양의 이치를 제대로 익힐 시간을 갖지 못했다. 미적 범주의 차원에서 한국 사회는 각각의 범주들이 조화를 이루면서 화합하는, 서로 반대되는 범주들 간의 적절한 균형을 잃었다. 한국 미학의 미적 범주의 중심에 있는 멋을 실용주의 미학으로 전환하여 일상미학의 토대로 만들어가야 할 시점이다. 우리 안에 있는 고단함과 힘듦을 즉시 폭발해 내는 것이 아니라, 쌓은 것을 갈고 닦아서 마지막 순간에 그 힘을 응축시켜서 터져 나오는 담담함이 멋이다. 이는 또한 각각의 미적 범주들과의 어울림을 지향한다. 멋은 우리 주변의 모든 환경들이 자연의 생명력 그 자체이며, 우리의 삶 속에 꿈틀거리는 자연의 생명력이 우리와 함께 존재한다는 의미를 지속적으로 발산한다.

기계이미지를 이용한 탁상용 조명 디자인 연구

박지은 홍익대학교 1998 국내석사

택사(Alisma canaliculatum) H2O 분획물과 Chromium의 투여가 Streptozotocin으로 당뇨를 유발한 흰쥐의 혈당과 지질과산화에 미치는 영향

박지은 덕성여자대학교 대학원 2003 국내석사

뮤지컬을 활용한 음악교과와 역사교과 통합수업 지도방안 연구 : 뮤지컬《영웅》을 중심으로

박지은 연세대학교 교육대학원 2017 국내석사

Twentieth century's education field has been interested in empathizing academic achievements throughout competition between students, causing inhumane educational environments for students. Due to current situation, educators, including researchers and the conductors, came to construct similar goal: a way to foster the holistic person, individual not only with higher intellectual level but also with better mind. Following current spectrum of education, this study demonstrated integrated educational curriculum of music and history based on 2009 revised secondary curriculum and Fogarty's integrated education model with analysis of musical <Hero>. Throughout analyzing musical <Hero>, integration of music and history curriculum on Japanese colonial era was demonstrated in this study. With analysis of musical, musical relevance to historical fact were identified and used to demonstrate integrative educational curriculum. Appreciating and analyzing relevant music to the historical facts were used to enhance understanding of certain historical events. Education curriculum constructed in this study is consisted with 45 minute of two consecutive sessions of classes and targeted middle school students. In this study, characteristics o relevant music from <Hero> were appreciated and analyzed to easier understanding of historical facts throughout this integrated curriculum. In conclusion, it is expected that conducting the integrative curriculum constructed in this study might cause meaningful and effective educational outcome not only for the students but also the educators. 20세기 근대화, 산업화 시대를 거치는 동안 교육현장에서는 경쟁을 토대로 이루어낸 학업성취로 지적인 성장만 강조하는 비인간적인 교육현실을 맞이하게 되었기에 현재의 교육자들은 지적, 정의적, 신체적 및 사회적 특성 등을 고루 다 갖춘 창의융합 인재인‘전인적(全人的) 인간’을 육성하는 것을 목표로 하고 있다. 이러한 시대적 흐름에 발맞춰 본 연구에서는 2009개정 중등학교 교육과정을 근거로 하여, 포가티의 통합유형의 모형을 기초로 뮤지컬《영웅》을 활용한 음악교과와 역사교과와의 연관성을 통한 통합수업 교수학습-지도안을 제시하는 것을 목적으로 한다. ‘일제강점기’라는 주제를 중심으로 음악교과와 역사교과를 통합하며, 뮤지컬《영웅》에서는 역사적 사건들이 어떻게 다루어지고 있는지 알아보았다. 아리아, 레치타티보, 합창의 음악적 특징 잘 나타나 있는 제재곡을 선정하여 악보를 분석하였으며, 분석을 통하여 각 장면에 해당하는 역사적 사실과의 음악적 관련성을 찾아 역사교과와의 통합수업에 활용하였다. 본 연구에서 제시한 교수-학습지도안은 총 2차시로 구성하였으며, 주 1회 45분 수업의 중학교 학생들을 대상으로 한다. 수업을 통하여 뮤지컬의 장르적 특성을 이해할 수 있으며,‘당신을 기억합니다 황후마마여’와‘장부가’‘누가 죄인인가’각 장면에 쓰인 곡의 음악적 특징들을 파악하여 뮤지컬 넘버와 역사적 사실들을 관련지어 감상함으로써, 역사적인 사건을 텍스트로 받아들이는 것보다 더욱 쉽게 이해할 수 있다. 음악교과와 역사교과 주제 중심 통합수업을 통하여 학습자들은 물론, 교수자에게도 효과적이고 의미 있는 교육적 효과를 나타낼 수 있도록 한다.

마르크 샤갈(Marc Chagall) 작품의 조형적 특성을 응용한 마스크 디자인 연구

박지은 한성대학교 예술대학원 2015 국내석사

본 연구는 마르크 샤갈의 작품에 나타난 조형적 특성을 분석하고, 응용하여 아트마스크를 다양한 재료와 기법을 사용하여 새롭게 디자인하는데 목적을 두었다. 마르크 샤갈은 20세기의 초현실주의 작가 중 한사람으로 그의 작품에는 원근법과 현실비례를 무시한 구도, 특별한 공간구성, 다양한 표현기법, 환상적인 색채가 표현되는 것이 특징이다. 마르크 샤갈의 작품의 형성 배경 및 작품세계의 변천과정을 살펴봄으로써 작가의 상징적 특성을 연구하고, 작품 분석을 토대로 하여 아트마스크 작품을 제작하였다. 작품 속에 나타난 주제, 구도와 공간, 빛과 색채 등으로 나누어 분석하고, 작품에 나타난 조형적 특성 분석을 통해 마스크 디자인을 하였으며 그의 작품을 색채 분포도, NCS명도채도분포도 등의 색채분석을 통해 색채 특성을 파악하였다. 마르크 샤갈 작품에 나타난 다양한 색채를 응용하여 색의 보색 및 배색을 표현 하며 오브제 및 그라데이션(Gradation) 기법, 기하학적 기법, 콜라보레이션(Collaboration) 기법 등을 사용하여 마스크 디자인을 제안하고자 하였다. 연구결과는 다음과 같다. 작품Ⅰ <꿈의 나라>는 <나와 마을>의 형태와 색채를 응용하여 채도가 높은 색을 재 배색하여 더 밝고 선명하게 표현하였다. 반원, 직사각형, 삼각형 등의 형태를 활용한 작은 집들을 나열하고 우측 아래 사선은 소의 이마 사선과 평행을 이루었다. 직선과 곡선을 응용한 기하학적 기법을 사용하였다. 작품Ⅱ <너와 내가 함께라면>은 <도시위에서>에 나타난 색채를 응용하여 초록의 보색 보라, 파랑의 보색 주황으로 분위기를 바꾸어 연출하였다. 또한 두 사람이 우측 아래에서 위로 솟아오르는 모습으로 표현하였고 점차 옅어지도록 그라데이션 기법을 사용하였다. 작품Ⅲ <상상의 나라로 너와 함께>는 <꿈의 나라>와 <너와 내가 함께라면>을 조합하여 샤갈의 고향마을에 대한 추억과 벨라와의 사랑을 한 번에 보여줌으로써 생동감 넘치는 입체적 효과를 나타낼 수 있었다. 작품Ⅳ <밤낮을 모르다>는 <바이올린을 켜는 사람>의 형태와 색채를 응용하여 채도가 높은 노란색과 파란색으로 바이올린을 켜는 사람을 강조 하고, 직선을 응용한 기하학적 패턴을 사용하여 표현하였다. 기하학적인 형태와 무채색사용으로 평화와 절망이 공존하는 중립적인 분위기를 나타낼 수 있었다. 작품Ⅴ<정열의 소나타>는 <손가락이 일곱 개인 자화상>에 나타난 형태와 색채를 응용하여 채도가 높은 색으로 재 배색하고 정열적이고 강렬한 분위기로 연출하였다. 또한 직선을 응용한 기하학적 패턴 속에 초록색, 파란색을 그라데이션 하여 표현하였고, 중앙은 빨간색으로 강조하였다. 작품 속의 그림도 하늘색과 연두색을 사용하여 밝고 환하게 표현할 수 있었다. 작품Ⅵ <신혼여행을 떠나다>는 <에펠탑의 신랑신부> 나타난 형태와 색채를 응용하여 신랑을 채도가 높은 파랑으로 남성스러움을 표현하고, 파랑의 보색인 빨강을 신부로 표현하였다. 신부의 옷에는 도트무늬를 그려 단조롭지 않도록 표현하고, 수탉의 날개를 무지개 색으로 표현하였다. 작품Ⅶ <너에게 프로포즈>는 <생일>에 나타난 곡선 형태와 채도가 높은 빨강 ,초록, 노란색 등의 색채를 응용하여 표현하였다. 마스크 중심에 곡선의 느낌을 강조하여 입체적으로 표현하고, 색상의 그라데이션 기법을 사용하였다. 작품Ⅷ <행복한 소녀>는 <농부의 삶>에 나타난 안정적인 대각선 구도와 명도 채도가 높은 노랑, 주황, 초록색 등의 색채를 응용하여 그라데이션 기법으로 표현하였다. 작품Ⅸ <환상 속으로>는 <천사의 추락>에 나타난 곡선 형태와 색채를 응용하여 원 작품과 대비되는 색상 빨강, 주황, 노랑, 초록, 파랑 등을 사용하였다. 턱 라인으로 삼각형과 사각형을 조합하여 작은 집을 일렬로 나열하고 천사의 날개와 작은 집을 격동적인 삼각 구도를 적용하여 나타내었다. 마르크 샤갈 작품에 표현된 조형적 특성을 응용하여 마스크 디자인을 제작함으로써 작가의 유화 작품의 이미지를 표현하고, 직선과 곡선의 형태를 기하학적 기법과 색상의 그라데이션 기법을 활용하였다. 직선과 곡선을 응용한 기하학적 기법과 색채 배색을 응용한 그라데이션 기법을 활용하였고, 색채를 재 배색하여 새롭게 마스크 디자인 하는데 효과적이었다. 본 연구는 마르크 샤갈의 초현실주의 시대의 미술 배경 및 특성을 보다 쉽게 이해할 수 있기를 바라며 아트마스크가 학문적이고 예술적으로 발전할 수 있는데 활용되기를 기대한다. 또한 샤갈의 작품 뿐 만 아니라 다양한 예술작품을 응용하여 창의적이고 독창적인 아트마스크 제작이 끊임없이 시도되어 지속적으로 연구되기를 바란다.

슐만의 교수내용지식: 의의와 한계

박지은 서울교육대학교 교육전문대학원 2021 국내석사

본 논문은 슐만(L. S. Shulman)이 교사 전문성의 핵심 개념으로 제시한 교수내용지식(PCK, Pedagogical Content Knowledge)의 의의와 한계를 알아보고 이 한계를 극복하려면, 교사의 이해를 오우크쇼트(M. Oakeshott)가 제시한 실제적 지식(practical knowledge)의 관점에서 바라보아야 함을 주장한다. 슐만은 ‘교과 지식은 어째서 학생에게 이해되는가’라는 근원적 물음을 제기하며, 교수내용지식을 개념화한다. 교과서에 적 힌 지식을 읽고 쓰게 하는 것으로는 학생에게 그 지식을 이해시킬 수 없다. 교사는 교과서에 적힌 지식에 관한 자신의 이해를 학생이 이해할 수 있는 형태로 전환한다. 가르칠 수 있는 형태로 전환된 교사의 이해가 바로, 교수내용지식이다. 교수내용지식은 다음과 같은 의의를 지닌다. 첫째, 그간 철저하게 외면받았던 교사의 이해를 교사 전문성 논의의 중심으로 되가져왔다. 둘째, 교사가 다양한 지식기반을 바탕으로 복잡한 인지적 판단 과정을 거쳐 수업을 수행함을 드러냈다. 셋째, 그간 철저히 분리된 채 다루어져 온 교육 내용과 교육 방법 사이의 분리를 극복하고자 했다. 슐만은 교과에 관한 교사의 이해를 수업 전에 이미 완료된 것으로 본 결과, 교수내용지식을 표현 기법에 관한 지식으로 축소 해석한다. 표현 방법으로서의 교수내용지식은 교사의 이해가 결과적으로 어떻게 표현되는지만 문제 삼음으로써 교사의 의도나 사고를 여전히 도외시하며, 교육 내용과 교사의 삶을 분리한다는 한계를 갖는다. 표현 방법으로서의 교수내용지식이 갖는 한계는 교사의 이해를 실제적 지식의 관점에서 이해함으로써 극복할 수 있다. 실제적 지식은 그것이 발휘되는 실제를 통해서만 전형적으로 표현되는 지식이다. 흔히, 교사는 수업 전에 교과 지식에 관한 이해를 완료한 상태로, 완료한 이해를 학생에게 설명한다고 생각한다. 그러나 수업 전에 교사가 갖춘 이해는 불완전한 이해이다. 교과 지식에 관한 이해(교과에 표현된 인간의 마음을 이해하는 일)는 오직 구체적 교과 지식을 다루는 과정에서만 그 모습을 드러낸다는 점에서 실제적 지식의 성격을 갖는다. 수업에서 교사가 교과 지식을 설명하는 일은 교사의 입장에서는, 그 지식에 담긴 인간의 이해를 자신의 이해로 만드는 과정으로 수업 전에는 불완전했던 이해가 점진적으로 완성되어가는 과정이다. 교사가 자신의 이해를 완성해 나가는 모습은, 학생의 입장에서 보면, 교사가 가진 이해가 학생에게 전달되는 과정이다. 학생이 교과 지식을 이해할 수 있는 이유는, 교사의 이해가 전달되었기 때문이다. 학생에게 전달된 지식이 교사의 이해라는 점에서 교수내용지식은 곧 교사의 이해라 할 수 있다. 이해로서의 교수내용지식은 교육 내용과 교육 방법 사이의 떼려야 뗄 수 없는 관련을 드러낸다. 첫째로, 교사의 이해는 오직 가르치는 활동에서만 그 모습을 드러낸다는 점에서 교사의 이해(교육 내용)와 수업(교육 방법)은 떼려야 뗄 수 없는 관련을 맺는다. 두 번째로, 교사의 이해로 말미암아 학생이 교과 지식을 이해할 수 있다는 점에서 교사의 이해와 학생의 이해 사이의 긴밀한 관련을 드러낸다. 뿐만 아니라, 교과 지식을 가르치는 일은 곧 교과에 표현된 인간의 이해를 자신의 이해로 삼는, 심성 함양의 과정이라는 점에서 교육 내용은 교사의 삶과 밀접한 관련을 맺는다. 요컨대, 교사의 이해를 실제적 지식의 관점에서 보면, 슐만이 극복하고자 한, 교육 내용과 교육 방법 사이의 분리뿐만이 아니라 교육활동과 교사의 삶의 분리도 극복할 수 있다. 교사의 이해를 바라보는 두 관점의 차이는, 교과 지식의 가치에 관한 인식의 차이에서 비롯된다. 교과 지식은 수단이 아니라, 인간이 자신의 심성을 함양할 수 있는 유일한 방편으로, 그 자체로 추구되어야 할 목표다. 수업은 표현 기법의 적용을 기다리는 문제상황이 아니라, 교사의 이해가 완성되는 유일한 통로다. 또한 교사는 교수법의 적용가가 아니라, ‘문명의 대리인’으로 심성 함양의 모습을 보이는 자이다. 의사나 변호사 등 다른 여타 전문직은 자신들의 지식을 실제에 적용하는 일을 하지, 상대방에게 그 지식을 이해시키는 일을 하지 않는다. 반면, 교사는 교과 지식을 학생들에게 설득하는 일, 즉 이해시키는 일을 한다. 교사가, 교과에 표현된 인간의 마음을 자신의 마음으로 함양하는 과정을 직접 보임으로써만 학생에게 교과에 표현된 인간의 마음을 이해시킬 수 있다. 교사는 수업에서 그의 학생과 같이 교과를 이해하는 일, 다시 말해 심성을 함양하는 일을 하는 것이다. 교사가 심성을 함양한 자의 모습을 보여야 한다는 점은 교사의 전문성은 최종적으로 마음 상태, 즉 인간성 획득에 있음을 시사한다. In this study, the significance and limitations of L. S. Shulman's PCK were dealt with. PCK was intended to overcome the separation of content and pedagogy. But as a result of viewing the teacher's understanding as completed prior to class, PCK was interpreted as knowledge of expression techniques. This perspective not only separates content and pedagogy, but also separates subject knowledge and teacher life. This limitation can be overcome only by interpreting understanding of content knowledge from the point of view of ‘practical knowledge’ which is proposed by M. Oakeshott. Understanding subject knowledge, which means understanding the human mind expressed in subject matter, has the character of ‘practical knowledge’ in that it only appears in the process of dealing the specific subject knowledge. From the view point of ‘practical knowledge’, a teacher's understanding is only completed ‘in the course of instruction’. The teacher's explanation of subject knowledge in class is a process of making the human understanding contained in that knowledge into his or her own understanding, and the understanding that was incomplete before the class is gradually being completed. From the student's point of view, the teacher's way of completing his or her understanding is the process in which the teacher's understanding is transmitted to them. The reason that students can understand subject knowledge is because the teacher's understanding is communicated to them. In the sense that the knowledge delivered to the students is the teacher's understanding, the PCK can be said as the teacher's understanding. PCK as understanding reveals the inseparable link between the content and pedagogy. First, teacher's understanding and instruction are inextricably linked in that the understanding of teachers is revealed only in teaching activities. Second, in that the student can understand subject knowledge through the teacher's understanding reveals close relationship between the teacher's understanding and the student's understanding. In addition, teaching subject knowledge and teaching activities are closely related to the life of a teacher in that teaching subject knowledge is a process of cultivating the mind, taking the human understanding expressed in the subject as one's own. If we look at the teacher's understanding from the view point of the ‘practical knowledge’, it is possible to overcome the separation between the educational activity and the teacher's life as well as content and pedagogy which Shulman tried to overcome. The difference between the two perspectives on the teacher's understanding stems from the difference in perspective on the value of subject knowledge. Subject knowledge is not a means, but a goal in itself to be pursued. Subject knowledge is the only way for human beings to cultivate their own mentality. Class is not a problem situation waiting for the application of expression techniques, but is the only path through which the teacher's understanding is completed. Also, the teacher is not an applicator of teaching, but a person who shows the image of cultivating the mind as an agent of civilization. Other professions, such as doctors and lawyers, apply their knowledge to practice, not persuade others. On the other hand, the teacher works to persuade, that is, to make their student understand the subject knowledge. Understanding the human mind expressed in the subject is possible only by directly showing the process of cultivating the human mind expressed in the subject into one's own mind. The teacher and the student do the same thing in class, that is they are doing self-cultivation together. The fact that a teacher should show the image of a person who has cultivated the mentality through subjects suggests that the professionalism of the teacher is ultimately in the state of mind, that is, the acquisition of humanity.

신플라톤주의적 관점으로 본 산드로 보티첼리(Sandro Botticelli)의 여인상 연구 : 성모와 비너스를 중심으로

박지은 이화여자대학교 대학원 2001 국내석사

본 논문은 15세기와 16세기에 걸쳐 피렌쩨에서 활동했던 화가인 산드로 보티첼리의 여인상을 성모와 비너스상을 중심으로 신플라톤주의적 관점에서 연구한 것이다. 신비스러운 분위기와 양식적인 화려함을 통해 아름다움의 대명사로 일컬어지고 있는 보티첼리의 여인상에 대한 기존의 연구가 그의 신화화의 여인들, 특히 비너스에 집중되어 있는 것과 달리, 그 관심의 영역을 성모상에까지 확장했다는 점에서 본 연구는 새로운 의의를 가진다 할 수 있다. 본 연구의 분석의 틀이 되는 15세기 신플라톤주의 철학은 당시 피렌쩨를 실질적으로 통치하였으며, 보티첼리의 가장 강력한 후원자였던 메디치 가의 후원 하에 마르실리오 피치노에 의해 주도된 것이었다. 이 철학의 중심축을 이루는 개념은 사랑과 미의 개념이었는데, 이는 인문주의자들의 열광적인 호응과 함께 당대 문학과 예술에 적극적으로 반영되었다. 특히 이 사랑과 미의 개념이 회화예술에서 일반적으로 여인의 이미지를 통해 표현된다는 사실과 신플라톤주의자들의 중대한 과업중의 하나가 그들의 철학을 통해 기독교 신앙을 강화하고자 함이었음을 고려해 볼 때, 보티첼리의 회화에 나타난 성모와 비너스의 이미지가 가지는 유사성은 양식적인 차원을 넘어선 사회, 문화적 의미를 가지는 것이라 할 수 있다. 성모가 가지는 두 가지 속성, 즉 인간 예수의 어머니로서의 지위와 신의 어머니(천상의 여왕)로서의 지위는 신플라톤주의의 쌍둥이 비너스가 지니는 천상적 속성과 지상적 속성에 직접적으로 부합할 수 있는 것이었다. 따라서 작업 초기부터 성모와 여러 도덕적 개념을 표상하는 여인들의 표현에서 많은 특징들을 공유하였던 보티첼리가 성기에 이르러 성모와 비너스를 당대 피렌쩨라는 현세적 공간에 위치시키면서도 이들을 현세를 덧없는 것으로 여기는 듯한 표정으로 묘사한 것은 인간의 형상으로 지상에 거주하나 본질적으로 인간과는 다른 속성을 지닌 성모와 '신적 선의 광휘'로서의 미를 표상하는 비너스를 동일한 맥락에서 파악한 것으로 해석될 수 있다. 화가의 성모상에 일관되게 나타나는 '담으로 둘러싸인 정원'과 '책'의 모티브는 이 두 여인의 개념을 연관지을 수 있는 중요한 단서를 제공한다. 담으로 둘러싸인 정원에 의해 속세의 죄로부터 보호되는 성모의 순결성은 신플라톤주의 철학에서 자연계를 넘어선 위계에서 유출되는 미를 의미하는 비너스의 초현세성과 부합할 수 있다. 특히 보티첼리는 이 모티브를 통해 성모와 비너스를 '봄'이라는 동일한 시간에 위치시키고 있는데, 이는 봄의 이교 신화적 의미를 예수 부활과 세례를 통한 영신적 재생이라는 기독교적 의미로 치환하고자 했던 신플라톤주의적 시도의 회화적 증거라 하겠다. 또한 활자인쇄술의 발명으로 책의 대량생산이 가능해진 시대적 배경을 통해 더욱 정교한 형상으로 화가의 성모화에 등장하는 '책' 모티브는 당시 피렌쩨에서 활발하게 전개되었던 학문연구의 풍토를 반영하며, 성모를 신플라톤주의에서 지성을 가진 존재로 간주되는 비너스와 연관짓는 역할을 한다. 후기 여인상 표현에 있어서 보티첼리는 성기 회화의 장식적인 요소를 배제하고 종교적 회개에 기반한 내면적 정서표현에 주력하였는데, 이러한 변화는 1492년 로렌쪼 데 메디치의 사망 이후의 사회적 혼란과, 같은 시기에 피렌쩨에서 강력한 영향력을 행사하기 시작한 사보나롤라의 개혁적 종교운동과 깊은 관련을 가진다. 그러나 성기와 후기 여인상 사이의 양식적 상이성은 보티첼리와 신플라톤주의 사상의 결별을 의미한다기보다, 화가가 전 생애에 걸쳐 구현하고자 했던 '신적 선의 광휘'로서의 미 개념을 기독교적으로 승화시킨 것으로 파악될 수 있다. This thesis is a study on the woman images of Sandro Botticelli, a Florentine artist of the 15th and 16th century, from a Neoplatonistic point of view with emphasis on Virgin Mary and Venus. Through the mysterious atmosphere and magnificent style in his work, his woman images have through time become a synonym for Beauty. While the existing established research on his works until now has put too much importance on Venus and other pagan godesses, the purpose of this thesis is to widen the academic interest for Botticelli's woman images, and to focus on the philosophical and religious meaning in the similarities between the Virgin's and the Venus' figures in his paintings. There has been very little research done on this aspect, therefore this study is both original and of significance. Quattrocento Neoplatonism in Florence, which constitutes the framework for this study, was lead by Marsilio Ficino with the patronage of the Medici family who was practically dominating Florence at the time. The notions of Love and Beauty were the main components of this philosophy, which influenced contemporary literature and art with enthusiastic response from the Medici Humanists. Most importantly, considering that the concept of Love and Beauty in visual arts is generally represented by woman figures, and the fact that Neoplatonists tried to strengthen Christianity through their philosophy, Botticelli's Virgin and Venus figures are possibly not only similar in style, but also in sociocultural context. The two natures of Virgin Mary, i.e., as the human Christ's mother and as the mother of God (Regina Coeli) correspond well with the two natures of the Twin Venuses in Neoplatonism. Even though Botticelli, who had used many similar elemental styles when presenting the Virgin Mary and other women who were the personifications of virtues in his early period (1465-1477), set both the Virgin and Venus in 15th century Florence in his mature period (1477-1490), he depicted the two women as if they would not have any interest in this natural world. The reason for this could be that although he regarded the Virgin Mary as a human being who habitates on earth, she is distinguished from the other human beings in the same way Venus represents 'the splendor of God's Good' in Neoplatonism. The repetitive use of the enclosed garden (Hortus Conclusus) and the book motif offer significant clues to connect the painter's Venus and Virgin Mary. The chastity of the Virgin which is protected in the enclosed garden from the sins of the mundane world corresponds to the transcendental characteristic of Venus in Neoplatonism. Especially by this motif, Botticelli places both Venus and the Virgin in the same season, Spring. This can be a pictorial proof of Neoplatonists substituting the resurrection of Christ or the spiritual rebirth by Baptism for the allegorical meaning of Spring in pagan mythology. The book motif in his paintings for the Virgin also inflects the vigorous academic emphasis in Quattrocento Florence and relates the Virgin Mary to Venus who is considered as having Intellect in Neoplatonism. In the representation of woman in his late period (1490-1510), Botticelli tended to get rid of the decorative elements from his mature period and concentrated on the expression of inner emotion. This was in accordance with the social unrest after Lorenzo il Magnifico's death and the powerful and influential reformist religious movement of Savonarola in the late 15th century Florence. However, the distinction in style between the woman images of his mature and late period does not imply a separation from Neoplatonism. It should rather be regarded as the Christian sublimation of the depiction of Beauty as 'non so che divino' which the painter had eagered to represent all his life.

임도시공 후 경과년수에 따른 비탈면 식생침입 및 식물상 동태파악 : 의령군을 중심으로

박지은 경남과학기술대학교 대학원 2015 국내석사

본 연구는 경상남도 의령군 궁류면 일대와 지정면 일대의 지역에 2005년부터 2013년까지 9년 동안 연속적으로 시공한 임도에 대하여 임도시공 후 경과년수에 따라 절토와 성토비탈면에 침입하는 식생피복율과 식물상을 분석하였다. 1. 조사대상 임도의 절토와 성토비탈면의 평균경사는 14°에서 75°의 범위로서 완사지, 경사지, 급사지, 절험지 등으로 나타났다. 절토와 성토비탈면의 토양은 양토와 사양토로 나타났다. 2. 식생피복도는 조사대상 임도의 성토비탈면의 평균피복도(약 71.7%)는 절토비탈면의 평균피복도(약 52.3%)보다 높게 나타났다. 3. 조사대상 임도의 절토비탈면에서의 평균 출현종은 39.1종으로 성토비탈면에서의 평균출현 종(35.3종) 보다 높게 나타났다. 4. 조사대상 임도의 절토비탈면에서의 종다양도 지수는 2006년 개설임도에서 1.491로 가장 다양한 것으로 나타났으며, 성토비탈면에서는 2010년도 개설임도에서 1.402로 종이 가장 다양한 것으로 분석되었다. 즉, 조사대상임도에서는 성토비탈면보다는 절토비탈면이 종다양성이 더 높은 것으로 나타났다. 5. 균제도(Evenness)는 절토와 성토비탈면에서 임도개설 년수가 오래될수록 비교적 높았으며, 출현한 식물종은 균일한 것으로 분석되었다. 6. 구계학적 특정식물 종의 출현은 총 6과 7속 7분류군이 출현하였다. 계급구분에서 Ⅴ등급은 자리공(Phytolacca esculenta), Ⅲ등급은 낭아초(Indigofera pseudotinctoria), Ⅰ등급은 물오리나무(Alnus sibirica), 굴참나무(Quercus varibilis), 큰여우콩(Rhynchosia acuminatifolia), 까치수염(Lysimachia barystachys), 광나무(Ligustrum japonicum) 등이 출현하였다. 산림청지정 희귀식물은 약 관심종으로 태백제비꽃(Viola albida)이 출현하였다. 귀화식물은 4과 15속 15종 15분류군이 출현하였다. 7. 임도시공 후 초기단계에 파종되었던 호밀풀(Lolium vulgare), 큰김의털(Festuca arundinacea), 오리새(Dactylis glomerata), 능수참새그령(Eragrostis curvula), 낭아초(Indigofera pseudotinctoria), 금계국(Coreopsis drumondii), 코스모스(Cosmos sulphureus) 등의 녹화용 초본류는 침입초본류와 바람으로 산포되는 목본류 및 중력형 목본류로 변화하기 시작하였으며 금계국(Coreopsis drumondii), 큰김의털(Festuca arundinacea), 능수참새그렁(Eragrostis curvula), 오리새(Dactylis glomerata) 등의 외래종들이 과도하게 파종되어 생태천이를 방해하고 있었다. 최근 들어 지구온난화로 인한 집중호오와 같은 기상재해가 늘고 있고, 이로 인해 야기될 수 있는 땅밀림 현상을 미연에 방지하기 위하여 훼손지 복원에 대한 문제가 중요한 문제로 대두되고 있다. 따라서 본 연구에서 얻은 결과는 임도건설 후에 야기될 수 있는 땅밀림 현상을 경감시킬 수 있는 식생피복 과정을 예측하고 임도를 효과적으로 관리할 수 있는 중요한 기초자료로 사용할 수 있을 것으로 보인다.