포스트모던 사회의 패션에 표현된 옵아트

이민선(Min Sun Lee) 한국복식학회 2004 服飾 Vol.54 No.5

Op-Art was not appreciated by painters and art critics, and accordingly has been forgotten in art history. But recently Op-Art is revitalized in fashion and is in its palmy days. This study intends to re-assess the value of Op-Art, by reviewing its influence on fashion design in the post-modern society. To this purpose, conceptual characteristics of Op-Art was analyzed. And then, on the bases of these characteristics, the figural characteristics and the meaning of Op-Art in fashion design of post-modern society was re-explained. Op-Art is characterized as an art of flatness of picture plane which uses repetition of simple forms and colors. It is also based on trick of visual perception. Finally, it creates an impression which is flickering or vibrating by means of optical illusion. These characteristics give birth to some features such as simplicity, anonymity and mobility in the Op-Art fashion, The meanings of Op-Art in fashion design in post-modern society are as follows. First, repetition of simple units employed in Op-Art produces feeling of simplicity, which makes the Op-Art fashion works perceived as polysemy. In other words, the feeling of simplicity can be interpreted in diverse perspectives within the social context of our society. The material civilization and technology civilization, which causes the alienation and standardization of man, can be the backgrounds of the Op-Art fashion. Second. Op-Art is an art based on perspectives of spectators. Anonymity in the Op-Art fashion enhances participation of spectators, which gives Op-Art a sense of affinity. Third, through the feeling of mobility created by optical illusion techniques, the Op-Art fashion expresses the opposition to the ideal body image made by power group. In post-modern society. Op-Art in fashion gives new meaning to art. Op-Art in fashion proposes new roles of artist and spectators, and new concepts of art related with roles of human beings. Through general sensibility of men, Op-art in fashion can express new recognition of the post-modem society.

가현운동을 활용한 리액티브 옵아트에 관한 연구

윤민희(Min Hie Yun) 한국디자인문화학회 2011 한국디자인문화학회지 Vol.17 No.4

21세기의 통섭, 융합의 시대는 아날로그와 디지털이 상호 융합하고 있는 추세이다. 특히 과학 기술의 급격한 발달로 디지털화된 현대 사회는 모든 영역이 퓨전화 되고 영역 간의 구별이나 장벽이 허물어지고 있으며 컴퓨터, 비디오 등의 새로운 매체의 사용으로 예술의 표현 경향과 미학적 기준들이 확장되고 있다. 옵티컬 패턴에 대한 연구는 1960년대의 옵아트가 현대 패션과 텍스타일에 끼친 영향 등에 관한 연구가 주류를 형성하고 있다. 디지털 시대의 옵티컬 패턴의 활용에 바탕을 둔 예술 표현은 디지털 시대의 컴퓨터 프로그램에 의해 프랙탈 아트·미디어 아트·웹 디자인 등의 영역에서 활발하게 표현되고 있다. 그러나 디지털 시대의 옵티컬 패턴의 활용에 관한 이론적 연구는 활발하게 연구되어 있지 않다. 그러므로 포스터모더니즘 이후의 탈 장르화 현상으로 나타난 예술과 과학기술의 학제 간 연구의 시각에서 아날로그시대와 디지털 시대에 동시에 적용되는 옵티컬 패턴에 관한 연구는 시대적으로 필요하다. 본 연구는 예술과 과학 기술의 결합으로 1960년대의 옵아트와 옵아트의 확장의 시각에서 디지털 시대의 리액티브 옵아트를 가현운동(假現運動)의 시각에서 연구한다. 시각적 가현운동, 착시에 바탕을 둔 예술운동인 옵아트는 1960년대에 빅토르 바자렐리, 브리짓드 라일리 등의 작가들에 의해서 활발하게 전개되었다. 이러한 옵티컬 아트는 현대 패션 및 텍스타일 디자인 등의 다양한 디자인 영역으로 확산되고 있다. 옵아트의 시각적 패턴은 아날로그적인 2차원의 평면상의 표현뿐만 아니라 디지털 매체의 비디오 아트 등의 시각적 표현 등으로 확산되고 있다. 옵아트가 2차원의 표현 방법에 의한 가현운동이었다면, 컴퓨터 프로그래밍에 의한 디지털시대의 리액티브 옵아트는 가상현실을 제시하는 가현운동으로 예술과 디자인의 영역 간의 간극을 초월하여 무한한 가능성의 세계로 확장시키고 있다. 본 연구는 옵아트와 리액티브 옵아트의 개념 및 가현현상, 옵아트와 리액티브 옵아트의 사례연구, 옵티컬 패턴을 활용한 리액티브 옵아트의 활용 가능성 제안 등을 중심으로 구성한다. 세부적으로 본 연구는 옵아트와 리액티브 옵아트에 관한 개념 및 예술적 표현 특성연구, 시지각의 움직임인 가현운동연구, 구체적 사례로 존 마에다의 리액티브 그래픽 디자인을 중심으로 살펴본다. 본 연구의 범위 및 방법은 1960년대의 대표적인 옵아트 화가인 빅토르 바자렐리, 브리짓드 라일리 등의 작품연구 및 가현현상을 중심으로 연구한 후, 1980-2000년대의 디지털 시대의 컴퓨터 프로그램에 의해 제작된 리엑티브 옵아트를 존 마에다의 작품, 프랙탈 아트, 미디어 아트, 웹 디자인 등의 사례를 중심으로 옵티컬 패턴의 활용사례를 연구한다. 리액티브(reactive)라는 개념은 웹디자이너인 존 마에다(John Maeda)가 그의 책 「Maeda@Media」에서 처음으로 사용하였기 때문에 본 연구에서 사용하는 리액티브 개념은 마에 다의 개념을 중심으로 한다. 리액티브 옵아트의 반복적인 모티브는 현대 디자인의 그래픽 모티브, 특히 패션과 텍스타일 디자인의 패턴뿐만 아니라 많은 디지털 예술의 표현 모티브로 활용되고 있다. 디지털 콘텐츠화가 용이한 리액티브 옵아트는 하나의 그래픽 모티브로 다양한 활용 가능성이 있는 원 소스 멀티유즈(one source multi-use)의 대표적 사례이다. 리액티브 옵아트의 패턴은 정지된 하나의 스틸(still) 컷이 아니라 그래픽 모티브, 텍스타일과 패션디자인의 패턴, 웹 디자인의 기본 소스 등의 다양한 영역에 적용이 용이하다. 옵아트의 표현양식에 디지털 기술이 결합된 리액티브 옵아트의 연구를 통하여 21세기 조형예술의 다양한 활용 가능성과 관객과의 소통에 바탕을 둔 인터렉 티브적인 측면을 엿볼 수 있다. 이러한 연구를 통하여 아날로그와 디지털의 상호 연관성, 옵아트의 패턴의 다양한 영역의 문화 콘텐츠로써의 활용가능성을 제안 하고자 한다. 또한 디자인 영역과 디지털 아트에 활용가능성이 매우 큰 옵티컬 아트의 패턴에 관한 연구는 21세기 디지털 시대의 문화 원형으로 아날로그 콘텐츠의 중요성과 다양한 활용가능성을 제시하고자 한다. The era of convergence & consilience in the 21st century, the convergence of analog and digital mediums is the trend. In particular, with the rapid development of science and technology, modern society is digitized & fusionized in all areas and their boundaries are becoming blurred. The trends of art expression and aesthetic standards are being expanded using new media like computer, video, etc. The research on the optical patterns that is actively used in fashion and textiles in the 1960s Optical patterns in the digital age, based on artistic expression by a computer program is expressed actively in Fractal Art, Media Arts, Web Design, etc. However, the theoretical research on the optical patterns in the digital age has not been actively studied. Therefore, the research on the optical patterns that applies to both digital era and analog era is required from the perspective of multidisciplinary studies of arts and technology since Post-modern phenomenon, This paper will show that Op Art, with combination of art and technology, in the 1960`s used analogue techniques in apparent movement; Reactive Op Art in the digital era uses scientific techniques to give the impression of apparent movement. Based on a visual apparent movement or an optical illusion, Op Art in the 1960`s has been actively deployed by Op artists such as Victor Vasarely, Bridget Riley, etc. The Op Art image recently influences the modern fashion and textile design as well as a variety of design areas. These patterns are spreading in two-dimensional expression of the plane on analog as well as visual representations of digital media such as video art, computer, and so on. The apparent movement of Op Art is based on the two-dimensional representation, but in the digital era`s Reactive Op Art, in compliance with a computer programming, which present a virtual reality. It surpasses the gap between art and design and expanded the world which is filled with infinite possibilities This research is composed of following matters; ① Op Art & Reactive Op Art concept and apparent movement from a historical viewpoint, ② case studies on Op art and Reactive Op Art, ③ case studies of Optical pattern and the possibilities of utilization. In detail, this study is discussed. the concept and artistic expression of Op Art and Reactive Op Art, the apparent movement as a movement of visual perception, with examples of the reactive graphic designer, John Maeda. The scope & method of this study examin the artworks research of the representative Op Art painters, Victor Vasarely, Bridget Riley in the 1960s and apparent phenomenon and then the possibility of utilization of optical patterns on the Reactive Op Art`s like John Maeda`s work, fractal art, media arts, web design, etc. from 1980 to 2000`s, produced by a computer program for the digital age. The notion Reactive is used by John Maeda in his book Maeda@Media for the first time, therefore in this study a reactive concept revolves around the concept of Maeda. Reactive Op Art`s repetitive motifs are used for graphic motifs of modern design, especially the fashion and textile design, as well as many digital art`s motifs. Reactive Op Art, easy to digital content, is a typical case of one graphic motif that could take advantage of a variety of graphic motifs as one source mult-use. The pattern of Reactive Op Art, not still image, is easy to apply in various areas as graphic motifs, textiles and fashion design pattern, and the primary source of web design, etc. The research which sees the concept of Op Art and apparent movement, Reactive Op Art and apparent movement, application possibility of Reactive Op Art using optical pattern. Therefore, this study on the fusionization of art and science which applies Reactive Op Art can be positively applied to visual design, clothing & textile, digital media design, etc. Op Art had been utilized mostly for textile design before it came to show active development in the 1960`s, and it still remains a

착시의 예술인 옵아트(Op Art)를 이용한 인터랙티브 작품 연구

노승석(Noh Seungseok),고창선(Koh Changsun),박진완(Park Jinwan) 한국디지털디자인학회 2010 디지털디자인학연구 Vol.10 No.2

우리가 일반적으로는 감지할 수 없는 즉 일상적인 시각이나 다른 형식의 예술작품에서는 볼 수 없는 특별한 심리적 과정이 눈을 통하여 뇌에 전달됨으로써 나타나는 효과를 이용한 옵아트는 그 예술적 가치를 인정받아 책 포스터 광고 포장 디스플레이 장신구 의류 건축 등 우리 생활의 많은 분야에서 쉽게 찾아볼 수 있다. 한편 최근 기술의 발전과 함께 예술과 디자인 분야에 새롭고 다양한 변화가 일어나기 시작했다. 그중에서도 매체를 이용한 인터랙티브 작업이 관심을 끌기 시작했으며 이것은 기존의 장르를 넘어 뉴미디어 아트 인터랙티브 영상 등의 새로운 장르와 분야가 생겨나게 되었다. 이런 시도들은 키보드와 마우스를 이용한 기본적인 입력장치의 한계를 벗어나 센서 영상 사운드 등을 통한 다양한 입력장치의 확장 가능성과 사용자와 기계와의 실시간 상호작용의 가능성을 보여주었다. 이에 본 연구는 착시의 예술인 옵아트의 개념과 기원을 살펴보고 조형적인 특성을 분석하여 이를 인터랙티브 영상에 접목시킨'인터랙티브 옵아트(Interactive Op Art)'를 제작함으로써 옵아트의 예술적 가치와 표현방법을 연구하고 인터랙티브 영상의 활용과 발전 가능성을 제시하였다.'인터랙티브 옵아트'를 제작하는 과정을 통해서 인터랙티브 영상을 제작하는 전체 프로세스를 디자인과 프로그래밍의 두 측면에서 기술했다. 공학적인 프로세스를 다루게 되지만 예술가와 디자이너의 시각으로 결과를 만들어 내기 위한 방법을 제시하였고 예술가와 디자이너의 입장에서 모든 프로세스를 풀어나갔다. Op Art utilize an effect that when viewed causes signals to be sent from the eyes to the brain that the brain cannot process. This special quality of Op Art has been recognized and used in many fields of our lives such as books posters advertisements packaging displays accessories clothes and architecture. These days with the development of technology numerous varied changes have occurred in art and the design field. Among them interactive works using mass media gained attention. Beyond previous genres this new genre and field appear to be New Media Art or Interactive Motion Graphics. Those new attempts overcame the limits of input devices like keyboards and mice and showed the new possibilities of various kinds of input devices using sensors motion and sound along with real-time interaction between the user and a device. This study is about the process of'Interactive Op Art' which is based on a fusion of optical illusion art(Op Art) and Interactive Motion Graphics. Because of its illusionary qualities and the fact that it has not yet been used in the field of interactive works this research focused on combining Op Art and Interactive Motion Graphic works. The purpose is to study the artistic value of Op Art and to understand how to express it. Furthermore the research indicates practical use of and development possibility for Interactive Motion Graphics. While making'Interactive Op Art' I depicted the entire Interactive Motion Graphic Arts making process by focusing on both design and programing aspects. Even though an engineering process had been incorporated I attempted to keep artists and designers in mind during the process to facilitate understanding of the development process and final product.

옵아트의 특수성이 현대 패션의 대중화에 미치는 영향 - 패션에서의 표현방식을 중심으로 -

이은정 한국니트디자인학회 2014 패션과 니트 Vol.12 No.3

Op-Art, as an art of generally transferred to the public, is completed through the exactly calculated scientific principles and the advantages of the industrialized modern society. The artistic performance of Op-Art is represented with visual perception and imaginary movement on two dimensional canvas. Also it encourages the progressive participation of the appreciators and tries to share a lot of art works with the public. The avant-gardian mood of Op-Art has influenced Not only on Sixties’ fashion but also on contemporary fashion, and induced fashion to show the similar characteristics. First, Op-Art formativeness through the visual perception is appeared more dynamically, through imaginary movement with the ellipsis repetition of pattern, especially on human body. We can find the free movement of patternized dress due to the body. Second, Op-Art pattern which represents general visual language by the repetition of formal units, has geometric and machinery characteristics with lots of squares and circles, and transfers aesthetic beauty through visual effects with the thorough plan. Generalized patterns of houndtooth and checks are the examples. Third, Op-Art induces progressive and positive participation of the appreciators, and provides anonymous art form such as stripes. Fourth, the idea of lots of duplication through industrialization, information age, scientific development, is applied on the usage of the authentic traditional patterns globally. Op-Art is the work of the repetition and duplication of the art pattern and the idea of the popularization of art, as sharing the same idea in contemporary fashion.

3D 옵아트를 활용한 커뮤니케이션디자인에 관한 연구

김성운(주저자) ( Sung Woon Kim ) 한국정보디자인학회 2015 정보디자인학연구 Vol.25 No.-

옵아트는 2D를 가지고 시각적으로 의도했던 3D 효과와 동세를 표현한다. 현재의 디지털 기술은 이에 한걸음 더 나아가 3D 프린터와 함께 3D 옵아트를 선보이게 되었다. 3D 옵아트의 기하학적이고 첨단적인 시지각 요소는 현대 소비자에게 색다른 볼거리와 감성을 제공하고 있다. 본 연구는 3D 옵아트를 활용해 커뮤니케이션디자인을 더욱 폭넓고 풍요롭게 하는 데 있다. 이를 위해 3D 옵아트에 관한 이론 고찰과 그 조형적 특징을 고찰하였다. 3D 옵아트 활용 커뮤니케이션디자인은 크게 표면디자인, 오브제, 사인디자인, 컴퓨터그래픽, 슈퍼그래픽 및 기타 사례로 분류하여 분석하였다. 3D 옵아트를 활용한 커뮤니케이션디자인의 표현 특징은 4부문으로 분석했는데 결과적으로 1) 3D 옵아트는 그림자와 함께 전후.·상하 보는 방향마다 다르게 지각되어 다양하고 독특한 형태미가 존재한다. 2) 3D 옵아트는 컴퓨터그래픽 작업으로 정교하고 현대 조각처럼 세련미가 존재한다. 3) 3D 옵아트는 조각내거나 합성하면 다중·심층적인 효과를 발휘한다. 4) 3D 옵아트는 움직이게 되면 상상불허의 첨단 이미지가 나타난다는 것을 인지하게 되었다. Opt Art expresses visually intended 3D effect and movement through 2D. The present digital technology, with a step forward from this, comes to show 3D Opt Art together with the 3D printer. the geometic, up-to-date visual perception elements of 3D Opt Art are providing the consumers in modern times with unusual attractions and sensibility. This study is aimed at making the communication design much broader and plentiful using 3D Opt Art. For this purpose, this study did theoretical consideration of Op Art and its formative characteristics. This study analyzed the communication design using 3D Op Art by classifying it roughly as surface design, sign design, computer graphic, super graphic, and other cases. In addition, this study analyzed the expression features of communication design using 3D Op Art into 4 sectors and resultantly this study came to perceive that 1) there exists the diverse, unique formative beauty in 3D Op Art which is perceived differently according to the viewing direction of the front & rear and the top & down together with a shadow; 2) that there exists exquisiteness and refined beauty just like modern sculpture through computer graphic work; 3)that Op Art displays a multi-in-depth effect when it is broken into pieces, or synthesized; 4)that there appears an unimaginable up-to-date image when Op Art comes to move.

옵아트가 표현된 헤어스타일과 헤어아트에 관한 연구

서선옥 ( Seon-ok Seo ),박은준 ( En-jun Park ) 한국미용예술경영학회 2010 미용예술경영연구 Vol.4 No.2

Hair style has been developed through various expressions and ways due to advance of culture with improvement in standards of living. It varies from epochs and nations, and forms or patterns of personal face as a way of decorating the body. The hair style of an era is based on the common perception for the fashion of the age, and has a influence on human life. This study attempts to integrate op-art of a strong expressive effect as an image under the visual-perceptual illusion with only form and color into hair art, to suggest new hair art techniques, because op-art results from eye’s physiological things as a trend of abstract art in 1960s, and has a strong shape, which is simple and regular on the basis of design phenomenon through it for its psychological response. This study is regarded as there’s a chance that the image of optical effect will create the various and new beauty, and the hair art applied op art will widen the sense of art aesthetic and recreation to contribute to the advancement of creative and fantastical new hair art.

슈만 <카니발 op. 9>에 나타난 코메디아 델라르테의 수용양상 분석

주성희 ( Sung Hee Chu ) 세계음악학회 2013 음악과 문화 Vol.29 No.-

This study aims to consider and analyze the factors of the commedia dell`arte found in Carnaval, Op. 9 and to review and organize Schumann`s original method used in the process of integrating the external factors with music. Based on the composer`s actual experience related to marriage when composing Carnaval, Op. 9, this study analyzed and drew connections with the masque, commedia dell`arte. As a result, the following conclusion was drawn. ``Pierrot,`` ``Harlequin`` and ``Pantalone and Columbine,`` the characters of the commedia dell`arte appearing in this work as a title, are associated with the inner intention to expose the real love story related to Schumann`s broken engagement other than the primary role of description of the festival. It is thought to result from musically converting and using the main features of the commedia dell`arte under the theme of satire, parody, mask and young couple in the face of opposition to marriage after capturing them. According to their roles in the work, ``Coquette`` and ``Replique`` are similar to a lazzi, which is an improvisation at the interval to provoke laughter in the commedia dell`arte, and the critical tendency of the commedia dell`arte is in common with Schumann`s musical thought - criticizing existing musical society- appearing in the last movement Marche des "Davidsb?ndler" contre les Philistins. Schumann`s use of external material of the commedia dell`arte was established based on literature - particularly closely related to Jean Paul`s descriptive characteristics -. Above all, it is considered the method to imply and expose his own existence in the work effectively. Based on these characteristics, it is considered that Carnaval, Op. 9 is a clear example for Schumann`s reference "Everything around us becomes themes and materials of works and then is expressed itself while looking for a way out in music." and the realization of the true spirit of Romanticism.

옵아트 작품을 응용한 헤어 아트 디자인 연구

강주희(Ju Hee Kang) 한국디자인문화학회 2013 한국디자인문화학회지 Vol.19 No.2

옵아트는 망막의 예술로 단순히 미술의 영역을 뛰어 넘어 다양한 방면으로 활용되어 여러 가지 디자인으로 사용되고 있다. 헤어아트는 감각과 사상을 전달하는 예술매체의 수단으로, 예술의 개념과 헤어의 기능성을 결합시킨 새로운 표현양식의 작품이다. 따라서 옵아트의 시지각 착시를 이용한 망막의 예술을 헤어아트로 제작하여 옵아트의 사상과 표현방식을 유형의 예술로표현할 수 있다. 따라서 본 연구는 강렬한 흑색무늬의 파동치는 선들과 다양한 형태의 변조로 망막의 강한 자극을 선보인옵아트 작가 Bridget Riley와 옵아트의 창시자이며 큐비즘의 영향으로 평면을 입체화하는 기하학적 추상주의를 발전시킨 Victor Vasarely의 작품을 모티브로 이용하여 각 작품의 특징을 실제 모델의 헤어와 인조피스를 이용하여 헤어아트로 제작하고 옵아트적인 의상과 모델의 자세연출로 완성하여 옵아트와 헤어아트의 접목으로 새로운 디자인을 모색 하는데 목적이 있다. 이를 위한 연구방법으로 우선 일반적 옵아트 이론에 대한 선행논문을 바탕으로 대표작가 Bridget Riley, Victor Vasarely, Josef Alers의 옵아트 접근 방법의 특징을 이해하고 대표 작품을 분석한 후 옵아트의 착시를 응용한 작품 제작에 관한 문헌자료와 다양한 인쇄 매체, 제작된 상품을 바탕으로 의상, 장신구, 그밖에 소품에 나타난 옵아트로 각각 정리해 망막의 착시를 이용한 디자인의 다양한 응용을 확인했다. 이를 바탕으로 헤어아트로 제작하기 용이한 시지각 착시의 과감성을 보인 Bridget Riley의 3작품(Kiss, Arrest2, Fragment 2/10)과 Victor Vasarely의 1작품(Meandres Belle-Isle)을 모티브로 모델의 실제 헤어와 인조피스를 이용하여 헤어아트를 제작하였다. 각 결과물을 통하여 얻은 결론은 다음과 같다. Kiss를 응용한 작품은 흑색무늬의 강렬한 대비로 오는 시지각 착시를 표현하기에 적합한 모티브였고, Arrest2와 Fragment 2/10는 선들의 파동치는 형태로 입체적 착시를 모발에 연출하기 적합했다. Meandres Belle-Isle는 평면의 것에서 입체적인 형태로의 착시를 헤어와 인조피스로 제작해 헤어디자인의 형태적 착시로 살리는데 적합했다. 현재 시지각 착시를 응용한 헤어아트의 제작은 아직미흡하나 다양한 소재로 응용되고 있는 옵아트의 연구를 통해 각 작품의 특징을 모티브로 제작된 헤어아트의 본 연구를 통하여 활발한 작품 활동을 예측해본다. Op art has been applied in a variety of designs in diverse kinds of fields beyond the simple scope of art as the retinal art. Hair art is a new kind of expressive art combining the concepts of art and the functionality of hair as the tool of artistic media delivering senses and thoughts. Accordingly, the retinal art using the visual and perceptual optical illusion of the optical art is created in the hair art and so expresses the thoughts and expressive methods of optical art in tangible art. This paper took the motive from the works by Victor Vasarely who developed the geometric abstractionism making a plane the dimensional object by the influence from Cubism as the originator of optical art, and the optical artist Bridget Riley presenting the strong stimulation of a retina in various kinds of shapes and waving lines of loud black patterns. With such motives, this paper aimed to express the features of each works in the hair art using a hair of a model and the false hair pieces, complete the hair art with the optical art costumes and posturees of models and so find out the new designs by combining optical art and hair art. To this end, this paper investigated the approaches and features of optical art by the representative artists Bridget Riley, Victor Vasarely and Josef Alers based on the existing theses on the optical art theories and analyzed the representative works by those artists. Next, this paper verified a variety of application by the designs using the retinal illusion by summarizing the optical arts observed in costumes, accessories and other articles based on the literature on the works applying the illusion of optical art, a variety of printed media and created goods. On the basis of the analysis, the hair art was created using actual hair of a model and false pieces by taking the motives from three works by Bridget Riley(Kiss, Arrest2, Fragment 2/10) and one works by Victor Vasarely(Meandres Belle-Isle) presenting the resolution of visual and perceptual illusion which were easy to create hair. The analysis and creation results are presented below. The works applying the works Kiss was the proper motive for expressing the visual and perceptual illusion from the loud contrast of black patterns. Arrest2 and Fragment 2/10 were suitable for expressing the dimensional illusion from waving lines on hair. Meandres Belle-Isle was also suitable for creating the formative illusion of hair design by producing the illusion from flat form to dimensional form using hair and false pieces. Although the hair art using visual and perceptual illusion is not complete at present, the creative works will be activated by this research on the hair art taking the motives from the features of each optical art works applied with a variety of materials.

이승조의 <핵(核)> 연작 - 한국적 모더니즘의 또 다른 가능성

조수진 한국근현대미술사학회(구 한국근대미술사학회) 2020 한국근현대미술사학 Vol.39 No.-

Lee Seungjio is well known for his <Nucleus> series — paintings comprised of various cylindrical forms resembling pipes. Throughout his lifetime, Lee devoted himself to these distinctively clear, rational and deliberate abstract pieces. Existing analyses of Lee Seungjio’s paintings often view the pipe-like forms in the <Nucleus> series as symbols of modernization unfolding in Korea at the time, and regard his work as a model example of Korean geometric abstract art. Additionally, some have associated the changes since the 1970s in Lee’s paintings with the conceptual art of group “AG” or Lee’s interest in phenomenology. In other analyses, Seungjio has been touted as one of the founding fathers of monochrome abstract art in Korea. However, in these previous studies, it is difficult to find detailed explanation regarding what exact features of the <Nucleus> series made it different from other geometric abstract art at the time — or what exactly Korean op art even was. Is there really no way of recognizing the significance of Lee Seungjio’s art, without referencing his core artistic features to specific organizations or art styles? This paper began from the above question. This paper aims to achieve two things: first, to regard Lee’s paintings as a visual indicator existing within the societal/cultural and political/economic climate of the time; second, to propose a new way to understand not only Lee’s art but also the history of Korean geometrical abstract art since the 1960s. This paper finds that Lee’s <Nucleus> series was born from the intersection of 《National Art Exhibition of The Republic of Korea》, avant-garde art group “Origin”, and industrial design — leading the paintings to simultaneously embody the contradicting qualities of avant-garde/ academic, and pure/applied arts. Furthermore, this paper also argues that the <Nucleus> series cannot be understood only in the confines of figurative painting, geometric or monochromatic abstract painting. This paper seeks to overcome the limitations of existing research methods in Korean art history, which has traditionally been rooted on nationalism and evolutionist views. As an alternative, this paper employs a new methodological framework to investigate geometric abstract art and Lee Seungjio’s works. As a result, this study finds that in his styles spanning across the figurative, the abstract, and the hyper-realistic, Lee’s only objective as an artist ultimately lied in the visual issues of paintings. In conclusion, Lee Seungjio’s <Nucleus> series successfully created a complete visual illusion by overcoming the resistance of medium, fulfilling the duty long carried by modernism abstract paintings. From this, we can discover from Lee’s abstract works a new possibility for Korean modernism — one that neither relies on tradition nor spirit. 이승조(李承祚, 1941-1990)는 파이프를 연상시키는 원통 형태를 다양하게 구성한 회화 〈핵(核, Nucleus)〉 연작으로 널리 알려진 작가이다. 작가는 특유의 명징하고, 이지적이며, 계획적인 성격의 추상회화를 평생 고집스럽게 선보여 작고한 뒤엔 “우리 화단에서는 보기 드물게 엄격한 기하학적 추상의 세계를 추구한 화가”, “논리적인 작업의 전통이나 체험이 빈약한 우리의 현대미술 속에서 더없이 이채로운 존재”라는 찬사를 받았다. 이승조 회화에 관한 기존의 연구들은 대체로 〈핵〉 연작에 나타나는 파이프 형상을 조국 근대화에 주력하던 한국 사회의 시대적 상징물로 바라보면서, 그의 작업을 기하학적 추상회화의 새로운 전형을 구축한 것으로 여기거나, 한국 옵아트의 대표적인 사례로서 간주한다. 또 1970년대 이후 이승조 작품의 변화를 그룹 ‘AG’의 개념미술 및 현상학에의 관심과 연계해 해석하거나, 그를 모노크롬 추상회화의 태동과 형성을 주도한 주요 작가의 반열에 올려놓기도 한다. 그러나 이 연구들에서 정작 이승조의 〈핵〉 연작의 어떤 특징이 당대의 다른 기하학적 추상회화와 구별되는 새로운 전형을 제시했는지, 한국적 옵아트란 과연 어떤 것이었는지에 대한 구체 적이고 상세한 설명은 찾아보기 어렵다. 이승조의 예술세계 전반을 관통하는 핵심적 특징을 특정 활동 단체나 회화 양식의 성격에 기대지 않고 고찰해 그 미술사적 의의를 찾을 방법은 없는 것일까? 이 같은 의문에서 출발한 본 연구는 이승조의 회화를 당대의 사회·문화적, 정치·경제적 맥락 속에 자리하는 시각적 지표로 간주하고, 그의 작품뿐 아니라 1960년대 이후 한국 기하학적 추상회화의 역사 전반에 대한 기존 견해를 교정할 기회를 마련해 보고자 했다. 이로써 한국의 기하학적 추상회화, 옵아트의 시발점이 된 이승조의 〈핵〉 연작이 《국전》, 재야의 전위 단체 ‘오리진’, 산업디자인의 영역이 교차하는 지점에서 탄생했음을, 그리하여 태생적으로 전위미술과 아카데미즘 미술, 순수미술과 응용미술의 속성을 모두 지니고 있었음을 밝혔다. 또 이승조의 〈핵〉 연작을 구상, 기하학적 추상, 모노크롬 추상, 그리고 극사실회화의 어느 한 범주에만 국한해 이해할 수 없음도 피력했다. 본 연구는 이 같은 과정을 통해 순혈주의와 진화론에 기반했던 기존 한국 현대미술사의 기술 방식을 극복하고, 기하학적 추상회화와 이승조 회화를 고찰할수 있는 새로운 미술사 방법론을 모색해 보고자 했다. 그 결과 구상에서 출발해 추상으로, 그리고 다시 극사실에 도달하기까지, 작가 이승조의 목표는 오로지 회화에 서의 시각적 문제의 추구였다는 사실이 밝혀졌다. 이승조의 〈핵〉 연작은 미술사에서 모더니즘 추상회화에 주어졌던 과업, 즉 ‘매체의 저항을 압도해 완벽한 시각적 일루 전을 창출하는’ 일을 완수해냈는데, 이로써 우리는 그의 추상회화에서 전통이나 정신에 기대지 않은 한국적 모더니즘의 또 다른 가능성을 발견할 수 있다.

1960년대 예술사조가 나타난 화장품 리미티드 에디션 패키지디자인 연구

권문경 ( Mooon-kyung Kwon ),김다함 ( Da-ham Kim ),임희경 ( Hee-kyoung Lim ),이현숙 ( Hyun-sook Lee ) 한국미용예술경영학회 2013 미용예술경영연구 Vol.7 No.3

Package design is a popular promoting skill in the current promoting trend. With the development of technology, the beauty industry has grown exceedingly and the beauty market is now overflowing with a variety of cosmetic products. It is hard to differ each product from another without a distinctive characteristic of it’s own. Therefore, package design has grown as one of the biggest role in promoting a product. Limited edition is a marketing strategy that cooperates with the package design, which establishes a higher brand value by emphasizing the product’s deficiency. Recently, the retro trend is being seen in most of the fields such as fashion, design and culture. The 1960s art trend can be named as a main trend in the retro trend. Therefore in this research we studied the 1960s art trend and picked up four main trends; pop-art, minimalism, futurism, and optical art. The target of the research is to specify each art trend and analyze the art trends that have been used in the limited edition package designed cosmetic products. The data of this study were collected from research papers, thesis, art books and various internet sources. 17 cosmetics brands that continuously release a limited edition product were chosen (3 local, 14 international). Each product has been categorized with one of the art trend and analyzed. The qualities of the 1960s art trend shown in the limited edition package design had similar characteristics matching the trend 1) Pop art: illustration, symbols, cartoons were used with vivid colors 2) Minimalism: minimal use of material, color, lines were used 3) Futurism: strong and geometrical shape with a use of metallic material 4) Optical art: various pattern that gives visual illusion.