서도호의 ‘완벽한 집’으로의 여정 -사적인 것과 공적인 것의 사이 표상-

강혜승 한국기초조형학회 2025 기초조형학연구 Vol.26 No.2

This study aims to examine the concept of the “perfect home,” a theme that artist Do Ho Suh has speculatively explored in his artworks, through the lens of the private realm. The research takes inspiration from Suh’s solo exhibition held at Art Sonje Center, Seoul, in 2024, and his upcoming solo exhibition scheduled for the first half of 2025 at Tate Modern, London. It examines home not as a physical structure but as a private domain, with a focus on Suh’s continuous relocation and his pursuit of the “perfect home.” To achieve this, the study employs Hannah Arendt’s concept of “property,” as presented in her work The Human Condition, as a theoretical framework for distinguishing the private from the public domain and discussing the private character of the spaces inhabited by Suh’s body. According to Arendt, property forms the basis of an individual’s sense of place within the world, extending from the body to objects that bear the marks of one’s existence. Within this context, the study identifies the home symbolized in Suh’s works as originating in the familial sphere, shaped by the “name of the father,” thus confirming the domestic space as the most private realm. After separating from the home, which serves as the foundation of his constructed identity, Suh’s perspective shifts toward recognizing individuality embedded within the collective. For the artist who explores bodily mobility, clothing represents the smallest occupiable space for the body, suggesting that home is an extension of clothing. Lastly, this paper uses the theme of the “perfect home” to examine private representations of subjects with unique spatial belonging, emphasizing Suh’s artistic journey and his fluid individuality, which contrasts with the rigidity of ideologically constructed Korean collective identity.

서도호와 장소 특정적 미술의 새로운 모델 Ⅰ

이재희 미술사와 시각문화학회 2025 미술사와 시각문화 Vol.35 No.-

In 1999, Do Ho Suh created a life-size replica of his childhood home using gauzy, translucent green silk. Entitled Seoul Home/L.A. Home/New York Home/Baltimore Home/London Home/Seattle Home/L.A. Home, the work has largely been assessed as the artist’s strategic incorporation of Koreanness amid a surging interest in multicultural discourse. Seoul Home, however, was an audacious attempt to rethink the possibilities and limitations of the existing mode of site-specificity. According to Suh, once a site-specific work is removed from its original location, it may no longer offer a phenomenological experience of the place. Yet this severance can open up the possibility for the work to act as a sculptural object that evokes the memory of that place. More significantly, as the piece travels, it gestures toward the lingering discursive specificity of each city, even within the abstract, homogenized space of late capitalism. This article, the first in a two-part study, traces how Suh reconfigured Seoul Home as a mnemonic device through his engagement with the figuration discourse of 1980s Korean art and the commemorative logic of the NAMES Project AIDS Quilt in early 1990s America. In doing so, it proposes a new model of site-specificity—one that foregrounds mobility as a mnemonic and spatially generative force.

현대 미술에 투영된 작가의 기억

최정연(Jung Yeon Choi),김영인(Young In Kim) 한국디자인문화학회 2011 한국디자인문화학회지 Vol.17 No.1

인간의 삶 속에서 그들의 살아있음을 확인하는 과정은 삶의 경험과 함께, 그들의 머릿속에 저장되어 있던 기억 속에서 이루어진다. 그들의 기억을 이루는 요소들은 늘 친숙하지만, 인식하지 못하는 사소한 주변의 대상이기도 하다. 예술가들은 그들의 삶속에서 작품의 소재를 찾으며, 그것들을 예술 작품으로 승화시킨다. 예술가들에 있어서 그들의 기억은 작품을 이루는 중요한 소재이며, 그 기억들은 과거에서 현재로의 전환되고, 그것들은 작가의 주관적 시간을 통해 창작 과정에서 재구성되어진다. 그렇게 형상된 작품은 작가마다의 개성의 표현으로 표현양식과 내용은 차이가 있지만, 그들은 자신만의 기억을 예술적 전환의 대상으로 삼았다는 점에서 그 맥락을 같이 한다. 본 연구는 난해해져 가는 현대 미술에서 작품을 통한 작가의 의미전달을 올바르게 이해하는데 연구의 목적이 있다. 연구의 방법으로는, 문헌을 통한 미적경험과, 기억의 의미를 살펴보고, 인터넷과 서적을 통하여, 현재 활동하고 있는 작가를 선정, 그들의 섬유조형 작품을 발췌하여 그것들을 분석하였다. 본 연구의 범위는, 미적 경험의 의미와 기억의 정의, 그리고 섬유 조형의 개념과 역사, 자전적 기억을 중심으로 섬유 소재로 작품화한 설치 작가 서도호와 루이즈 부르즈아(Louise Bourgeois)의 경험적 기억과 섬유 조형작품 특성을 포함한다. 연구의 내용으로는 작가의 삶 속에서의 미적 경험과 그것을 저장하는 기억에 대하여 살펴보고, 현대 미술을 이해하기 위한 방법으로, 섬유 재료를 통하여 작품을 형상화하는 현재 활동 중인 설치작가 서도호와, 루이즈 부르주아를 선정하여, 그들의 경험과 기억을 연관하여 작품을 분석하여 보았다. 연구 결과, 서도호는 타국에서 생활하고 있는 삶속에서의 과거 한국에서의 경험을 기억을 섬유 소재의 투명성과, 색채, 형태 디테일의 변화로 표현하면서, 관객의 소통을 시도하였고, 루이즈 부르즈아는 유년 시절의 가족으로부터 받은 상처의 기억을 비균형적인 형태의 바느질 기법으로 작품을 형상화하여, 관객과의 소통을 꽤하고 있었다. 이 두 작가의 작품을 살펴본 결과, 작가마다 작품을 표현하는 형태와 기법은 다양하였으나, 작품에 투영된 작가의 기억은 그들의 내재된 삶 속의 경험이 바탕이 되었으며, 이렇게 표출된 작가의 기억은 현대 예술을 이해하는데 있어서, 작품과 관객의 소통을 돕는 중요한 소재임을 도출하였다. In addition to human-beings` experiences, their lives can be determined whether they are alive or not through the memories recorded in their minds. The components composing the memory are the objects which are easily found around their lives but occasionally neglected. Artists are generally searching for the objects of the arts from their lives and express as the artistic products. For artists, their memories are the important subjects to create the arts and artists, in their creation process, reconstruct the memories transformed from the past to the present. Although the arts created by this process can be expressed variously by the artists` own way, their own memories are commonly used to create the arts. The aim of this study is providing an appropriate way to understand the artists` message through the obscure contemporary arts. The methods of the study, aesthetic experience through literature, and examine the meaning of memory, through the Internet and books, the contemporary artists selected the current activities, and excerpts from their fiber sculptures of them were analyzed. This study covers the meaning of artistic experience, definition of the memory, the concept and history of the fiber plastic design and the characteristics of the arts created based on the memories of Do-Ho Suh and Louise Bourgeois. In this study, I analyzed the artistic experiences and memories in the artists` lives and investigated the relationship between the works and experience from the works by Do-Ho Suh and Louise Bourgeois. As a result, it was found that Do-Ho Suh tried to communicate with the audience through the works express his memories based on the experience in Korea by changing the transparency, colors and detailed shape of the fibers. In the case of Louise Bourgeois`s works, the painful experiences and memories were expressed by unbalanced sewing technique. From the works of these two artists, it was concluded that the artists` memories reflecting their lives are the significant materials for the arts although various techniques can be used.

공간 설치예술에서 컨셉 구현에 관한 연구

이선민(Lee, Sun-Min),이정욱(Lee, Jeung-Wook) 한국실내디자인학회 2010 한국실내디자인학회 학술대회논문집 Vol.12 No.3

Not like the pure art, Interior design has a difficulty to express designer’s idea freely. Furthermore, there is not any clear process which deducts design in space. To solve these two problems, the study regarding conceptualization of Installation art which covers a range of between arts and space is here below. Conceptualization has various performance elements for imaginative thought and metaphorical expressions that enable designer’s ideas to show clearly. By studying performance elements and metaphorical expression, I analyze Suh Do-Ho, Olafur Eliasson, Tokujin Yoshioka. Suh Do-Ho embodies his works by using the empathy. Moreover, he makes good use of transparency in fabric, thereby his works are shown to be voluminous and profound. By embodying natural elements directly to his works, Tokujin Yoshioka’s visualized image can communicate with viewers. Moreover, his space is constructed organically with repetitive usages of equal materials. A variety of tendencies are captured in Olafur Eliassons’ works such as direct realization of art form and metaphorical thought. The obvious design is formed by arranging object geometrically in space. I hope three elements; metaphorical expression, formation, space construction from eminent artists give a big help to construct the free formation.

서도호의 설치작업을 중심으로 본 공동체에 대한 질문들

이지은 명지대학교(서울캠퍼스) 인문과학연구소 2011 인문과학연구논총 Vol.32 No.-

Suh Do-ho's installation of houses questions aspects of dualism by coupling of two seemingly opposite terms such as the past and the present, east and west, and the individual and the collective. Folded and packed into a suitcase, the house in fabric is portable. It also fits the artist’s lifestyle, since he relentlessly travels from one place to another for projects and exhibitions. Nomadism, as Rosi Braidotti explains, “consists not so much in being homeless, as in being capable of recreating your home everywhere.” In case of Suh, this definition of nomadism suits well. But the artist’s ‘homes’ play roles that are different from their mundane counterparts. Far from being a nest for rest, the house in fabric contests and criticizes the notion of belongingness that we use to define the meanings of one’s home and community.

자아 정체성과 집의 양가성 관계 연구 : 서도호의 ‘집’ 시리즈 작품에 대한 인본주의 심리학적 분석을 중심으로

안은희,김선희,양진원,이정희 한국산학기술학회 2025 한국산학기술학회논문지 Vol.26 No.5

본 연구는 칼 로저스의 인본주의 심리학을 기반으로, 집이 개인의 자아 정체성과 심리적 안정에 미치는 양가적 영향을 심층적으로 분석하였다. 로저스가 제시한 ‘가치의 조건’, ‘일치성’, ‘현상적 장’과 같은 핵심 개념은 개인이 자신의 경험을 어떻게 해석하고 통합하는지 보여주며, 이를 통해 집은 단순한 거주 공간을 넘어 사회·문화적 기대와 주관적 경험이 뒤섞이는 심리적 무대로 드러난다. 특히 서도호의 설치예술 작품 사례를 토대로, 집이 안정과 소속감을 제공하는 동시에 이주와 문화 충돌 같은 낯선 상황에서 갈등과 불일치를 야기할 수 있음이 확인되었다. 또한 집의 이동성과 경계 해체 과정을 통해, 개인의 정체성이 고정되지 않고 지속적으로 재구성됨을 시사한다. 결국 집은 내적 참조체계가 작용하는 복합적 공간으로, 자아 형성과정에서 긍정적 자원인 동시에 심리적 제약 요인이 되기도 한다. 본 연구는 현대 사회에서 집과 정체성의 관계를 재조명하고, 이주와 다문화 배경에서 자아 실현을 모색할 수 있는 실천적 통찰을 제공한다. 이를 통해 공간과 개인의 상호작용을 더욱 깊이 이해하고자 한다. This study conducts an in-depth analysis, grounded in Carl Rogers’s humanistic psychology, of the ambivalent effects that the home exerts on an individual’s sense of self-identity and psychological stability. Rogers’s core concepts—“conditions of worth,” “congruence,” and the “phenomenal field”—illustrate how individuals interpret and integrate their experiences, thereby demonstrating that the home goes beyond serving as a mere dwelling to function as a psychological stage where social and cultural expectations intertwine with subjective experience. Through the example of Do Ho Suh’s installation art, the home is shown to foster security and belonging while also engendering conflict and incongruity in unfamiliar contexts such as migration and cultural clashes. Furthermore, the home’s mobility and the dismantling of its boundaries suggest that personal identity is not fixed but is instead continually reconstructed. Ultimately, the home emerges as a complex space shaped by the internal frame of reference, simultaneously acting as both a positive resource and a psychological constraint in the process of identity formation. By reexamining the relationship between home and identity in contemporary society, this study offers practical insights for exploring self-realization in the contexts of migration and multiculturalism, thus aiming to deepen our understanding of the dynamic interplay between space and individuals.

현대 설치 미술에서 패션 오브제의 특성과 의미 - 루시 오르타, 서도호, 아이 웨이웨이의 작품을 중심으로 -

고예지,주보림 한국패션디자인학회 2024 한국패션디자인학회지 Vol.24 No.4

20세기 초의 오브제 중심 미술은 현대 미술의 역사를 혁신했고, 역사 속에서 현대 미술과 패션의 교류는 분야 간 연관성과 표현적 유사성을 공유했다. 의상은 단순히 피복을 감싸고 보호하는 것 이상으로 문화적, 정치적, 사회적 가치를 내포하기에 여러 미술가에게 매력적인 소재로 채택되었다. 본 연구는 현대 설치 미술 에서 패션 오브제의 활용을 분석하여, 예술과 패션 간의 상호작용을 탐구하는 데 목적을 두었다. 연구 방법으 로는 문헌 검토, 작품 감상 및 해석, 사회적 맥락 분석, 그리고 비교 분석을 사용하였다. 연구 대상은 루시 오르타, 서도호, 아이 웨이웨이의 대표 작품으로, 각 작가당 4~7개의 주요 작품을 선정하여 총 15여 개의 작품 을 선정하였다. 분석 기준은 작품의 역할 내 수행 방식과 의미를 분석하는 절차를 따라 분석되었다. 루시 오르타는 착용 가능한 의복을 통해 생존과 연대를 표현한 작품을 생산하고, 서도호는 제복과 군복을 통해 개인과 집단의 관계를 탐구한 작품이 중점적으로 파악되었다. 아이 웨이웨이의 경우, 패션 오브제를 통해 중국의 정치적, 인권적 메시지를 전달하는 것이 특징으로 파악되었다. 결과적으로, 패션 오브제는 기성품의 조합, 새로운 오브제의 형성, 주제에 대응적 오브제 활용이라는 세 가지 주요 양상으로 활용되었음을 발견하 였다. 이 같은 분석을 통해 현대 미술과 패션의 복잡한 상호작용을 조명하며, 예술과 패션의 융합이 새로운 미술적 담론을 형성하는 방법을 제시하였다. 본 연구는 패션 오브제를 현대 설치 미술의 핵심적 표현 도구로 분석함으로써, 예술과 패션의 융합적 연구 가능성을 제시하고, 이를 통해 현대 미술의 담론을 확장하는 데 기여할 것이다. The object-centered art of the early 20th century revolutionized the history of modern art, and throughout such a trajectory, the exchange between contemporary art and fashion has shared associations and expressive similarities across their disciplines. Clothing, beyond its function of covering and protecting the body, carries cultural, political, and social values, making it an attractive subject for many artists. This study aims to explore the interaction between art and fashion by analyzing the use of fashion objects in contemporary installation art. The research focuses on the representative works of Lucy Orta, Do Ho Suh, and Ai Weiwei, analyzing a total of 15 works, with 4 to 7 major works selected for each artist. The research methods include literature review, artwork analysis, interpretation, social context analysis, and comparative analysis. Each work was analyzed based on the role the fashion object plays within the artwork and the messages the artists aim to convey. Lucy Orta’s works focused primarily on wearable garments expressing survival and solidarity, while Do Ho Suh’s works explored the relationship between individuals and collectives through uniforms and military attire. Ai Weiwei’s works conveyed political and human rights-oriented messages using fashion objects in the context of China. The study found that fashion objects were utilized in three primary ways: the combination of ready-made products, the formation of new objects, and the use of objects corresponding to specific themes. Thus, the study shed light on the complex interaction between contemporary art and fashion, highlighting how the fusion of art and fashion creates new artistic discourse. This study aimed to analyze fashion objects as a pivotal expressive medium in contemporary installation art, thereby proposing the potential for integrative research between art and fashion, and contributing to the expansion of discourse in contemporary art.

글로벌 시대의 탈중심화와 한국현대미술의 흐름 - 이동, 경계 그리고 혼종을 중심으로

사승현(SA SEUNG HYUN) 명지대학교 문화유산연구소 2019 미술사와 문화유산 Vol.8 No.-

1989년 냉전이 끝나고 신자유주의 시대로 들어서면서 몇몇 나라들이 독점하던 자본과 정보, 기술과 문화는 탈중심의 길을 걷게 된다. ‘중심’과 ‘주변’의 관계가 아니라 ‘주변’과 ‘주변’의 시스템이 구축되면서 도시의 역할이 대두되고 지역의 특수성 강조됐다. 이에 따라 서구 미술이 중심이던 예술계도 비서구 미술에 대해 급격히 관심을 키우게 되었고, 1980년대부터 유럽과 미국 이외의 지역 미술을 국제 전시에서 소개하기 시작했다. 또한 비엔날레와 같은 국제 전시들이 급격히 증가하면서 지역의 작가들이 세계적으로 활동할 수 있는 환경이 조성된다. 이에 따라 한국의 동시대 미술계에서도, 단지 지역 작가라는 특수성만으로 주목받는 것이 아니라, 문화의 보편성과 특수성의 사이에서 고민하고 그 경계에서 작품을 창조하는 작가들이 생겨나기 시작했고 대표적으로 서도호 양혜규가 있다. 그들은 세계를 여행하고 경험하며 주변과 중심의 경계를 흐리는 사이 공간을 탐구하며 ‘집’과 ‘중간 유형’ 시리즈와 같은 작품들을 생산했다. 두 작가가 사이 공간에서 만들어낸 담론을 통해서 본 논문은 글로벌 시대의 시작에서부터 현재까지 한국의 동시대미술이 세계미술계에 합류하게 된 흐름을 고찰한다. Capital, information,technology, and culture that had been monopolized by select countries has begun to de-centralize as the world has entered the Neoliberalist era after the end of the Cold War in 1989. With the construction of the “margin-to-margin” system-which differs from the “center-to-margin” system-the role of individual cities came to the fore, and local characteristics were emphasized. As a result, the Eurocentric art world began to place interest on non-Western art, introducing art from areas other than Europe and North America through exhibitions since the 1980s. Furthermore, the explosion of international shows, such as biennales, fostered local artists to work globally. Accordingly, artists who created works that pondered on cultural specificity versus universality and made works on the boundary appeared in the Korean contemporary art scene, such as Do-ho Suh and Haegue Yang. While traveling and experiencing the world, the two artists created works such as the Home series and the Intermediates series, respectively, exploring “in-between spaces” that blurred the boundary between the center and the marginal. Through the discourse of “in-between spaces”formed by Do-ho Suh and Haegue Yang, this thesis explores the convergence of Korean contemporary art with the international art world since the beginning ofthe global era.

한국 동시대미술 속 군대 표상에서 드러나는 정치성 - 푸코의 권력이론을 통한 박경근, 서도호, 오인환의 작품 분석

김영인(Youngin Arial Kim) 한국근현대미술사학회 2020 한국근현대미술사학 Vol.40 No.-

해방 이후 한국 근현대미술사에서 군대 표상에 관한 연구는 한국전쟁기(1950-1953) 혹은 1960-1970년대 군사정권시기에 제작된 작품을 집중적으로 다뤄왔다. 한국전쟁기의 군대를 묘사하는 작품은 주로 전장의 상황이나 전쟁의 참상을 재현하며, 기록적 성격을 띤다. 나아가 박정희 정부(1961-1979)의 주도로 만들어진 기념 동상이나 민족기록화 속의 군대 이미지는 해당 정권이 내세운 국가건설과 민족문화진흥이라는 테제를 반영한다. 위 두 시기의 작품에 대한 미술사적 서술은 비교적 축적되어 온 반면, 군 표상을 다룬 한국 동시대미술 작품에 대한 종합적 연구는 흔치 않다. 이 논문은 한국 동시대미술에서 발견되는 군대 표상의 정치적 특성을 규명하는 것을 목표로 한다. 오늘날의 대한민국은 탈냉전 시대에도 여전히 휴전 중인 분단국가로서, 헌법에 국방의 의무를 명시하고 있다. 따라서 대한민국 남성 국민은 병역의 의무를 수행해야 한다. 이와 같은 특수한 정치적 조건을 목도하거나 직접 경험한 동시대 미술가들은 다양한 형식의 미술실천을 통해 군대 표상을 다루어 왔다. 본고는 특히 박경근(1978- ), 서도호(1962- ), 오인환( 1965- )의 2000년대 이후 작품에서 군인, 군 조직, 병영문화, 군대문화 등 군대를 상징하는 이미지를 분석한다. 세 작가의 작품을 연구하는 데 있어 본고는 프랑스 철학자 미셸 푸코 (Michel Foucault, 1926-1984)의 권력이론을 개념적 틀로 사용한다. 푸코는 권력이 사회제도와 결합하여 개인의 삶에 영향을 끼치는 방식에 천착했다. 본 연구는 푸코의 권력이론 중에서도 특히 그가 저서 『감시와 처벌(Surveiller et punir)』(1975)에서 논구한 규율권력 개념을 통해 박경근, 서도호, 오인환의 작품 속 군대 표상을 분석하고, 규율권력의 정치적 특성이 드러나는 부분을 규명한다. 정치철학 담론을 미술사 연구에 적용하고자 시도한 본 연구가 한국 동시대미술 작품 속 군대 표상에 대한 담론을 보다 확장할 수 있기를 바란다. This study delves into military images in Korean contemporary artworks, applying the theory of disciplinary power by French theorist Michel Foucault (1926-1984). It summarizes the history and various characteristics of disciplinary power and refers to them to analyze military images in the works of Kyung Kun Park (1978- ), Do Ho Suh (1962- ), and Inhwan Oh (1965- ). Identifying how they reflect the politics of disciplinary power, this paper also compares the artists’ varying perspectives regarding the disciplinary power in the army: ambivalent or critical. After Korea’s liberation from the Japanese colonization (1910-1945), research on military images in Korean art has mostly focused on the two historical periods: the Korean War period (1950-1953) and the military regime in the 1960s and the 70s. Military images from the former period are mostly limited to those of soldiers and troops fighting in the battlefields. Public monuments and the National Documentary Paintings promoted by the Park Chung-hee government (1961-1979) consist of military images from the latter period. Heroic soldiers and battles won were frequently portrayed, reflecting the regime’s agenda of nation-building and the promotion of national culture. While research on the military images from these two periods has been accumulated, few are available on those in Korean contemporary art. This paper investigates this so far overlooked topic. As the Korean War has not officially ended since the ceasefire in 1953, all males over the age of eighteen in South Korea are required to complete their military obligation. Korean contemporary artists affected or inspired by these circumstances have incorporated military images representing soldiers, military organization, and military culture in their artworks. This paper examines the examples in the contemporary works of Kyung Kun Park, Do Ho Suh, and Inhwan Oh since the 2000s. Employing the political theory of power to interpret their artworks, it aims to expand the academic discussion on military images in Korean contemporary art.

섬유 예술적 측면에서 파노프스키의 도상 해석의 시간성 연구

최정연(Jung Yeon Choi),이지현(Jee Hyun Lee) 한국디자인문화학회 2009 한국디자인문화학회지 Vol.15 No.1