Franz Joseph Haydn의 "Missa brevis Sancti Joannis de Deo"에 관한 연구

이호정 연세대학교 대학원 2001 국내석사

이 작품은 본인의 석사 졸업연주회에서 연주된 곡으로 연세대학교 음악대학의 학생들로 구성된 Recital Choir 가 연주하였다. 본 연구는 Franz Joseph Haydn의 “Missa brevis Sancti Joannis de Deo”를 통하여 하이든의 미사음악 작곡 기법과, 음악적 특징들을 파악하여 효과적인 연주를 준비하는 것을 목적으로 하고 있다. I 장에서는 하이든이 살았던 고전주의 시대(Classic Period)의 교회음악과 이 작품의 특징에 대해 간단히 서술하였고 이 작품을 연구하기 위한 방향과 범위를 설정한다. II 장에서는 하이든의 생애와 그의 미사음악에 대해서술하였다; 1. F. J. Haydn의 생애, 2. F. J. Haydn의 미사음악. III 장에서는이 작품의 개괄적인 내용을 밝히고, 각 악장별 작품을 악보와 함께 설명하였다; 1.작품개관, 2.악장별 작품연구 1)Kyrie, 2)Gloria, 3)Credo, 4)Sanctus, 5)Benedictus, 6)Agnus Dei. 마지막으로 IV 장에서는 지금까지의 내용을 정리하며, 하이든의“Missa brevis Sancti Joannis de Deo”가 더욱 효과적으로 연주될 수 있는 방법을 제시하였다. “Missa brevis Sancti Joannis de Deo” was performed by the graduate Recital Choir from the college of Music, Yonsei Univer sity, in partial fulfillment of my Master's degree in choral conducting. Main objective of the study is to properly under stand the style and characteristics of Haydn's Masses through the analy sis of “Missa brevis Sancti Joannis de Deo” and consequently to provide effective performance preparation. Chapter I introduces the general trend of church music during the Clas sical Period and includes brief introduction of the dissert ation. Study scope and direction of the dissertation are also discus sed. In Chapter II, Haydn's Masses and his life are described; 1. Life of F. J. Haydn, 2. Masses music of F. J. Haydn. Chapter III overviews the work and explains each movement with the musical examples ; 1. Overview, 2. Study of each movement 1)Kyrie, 2)Gloria, 3)Credo, 4)Sanctus, 5)Benedictus, 6)Agnus Dei. Finally, Chapter IV concludes with summary and guidelines for the efficient performance of the “Missa brevis Sancti Joannis de Deo”

고전시대의 피아노 소나타에 관한 연구 : Haydn, Mozart, Beethoven의 피아노 소나타를 중심으로

김민경 배재대학교 대학원 2010 국내석사

소나타 형식이 독주악기로 본격적으로 쓰여지기 시작한 시기는 고전주의 시대이며 고전시대에 피아노 소나타는 새로운 음악형식을 정착시키며 발전하고 확장시켜 나간다. 음악역사에서 고전주의 빈 악파의 세거장으로 불리는 Haydn, Mozart, Beethoven은 다른 장르와 마찬가지로 많은 피아노 소나타 작품을 남겼다.이들의 작품을 통해서 고전시대의 피아노 소나타를 음악사적인 관점에서 연구하려한다. 바로크 후기 소나타는 어떤 독주악기를 위한 형태가 아니었고,독주악기와 합주악기가 교대로 나오는 형태의 음악이었다. 건반악기의 종류는 Bassocontinuo로서 베이스 역할을 담당하고 있었다. 그러나 전고전주의 양식의 특징인 로코코스타일의 선율을 중심으로 한 독주건반소나타가 Domenico Scarlatti에 의해 쓰여 지기 시작했다. 고전주의 시대로 넘어가면서 1악장과 빠른 악장에 제시부-발전부-재현부를 갖춘 소나타 형식을 도입하게 된다. 모든 고전주의 소나타작품에 다 들어맞는 다고 할 수는 없지만 여러 장르의 음악과 함께 피아노 소나타도 이 형식을 중심으로 발전한다. 고전주의 대표적인 작곡가인 Haydn, Mozart, Beethoven의 피아노 작품은 다음과 같은 특징을 지닌다. Haydn은 그의 오랜 생애를 통해 그의 작품들이 바로크 후기 스타일에서 출발하여 고전주의 시대의 전형적인 양식으로 발전한다.그러나 마지막 3개의 소나타에서는 Beethoven의 영향으로 단일 주제적 형식으로 변하게 된다 Mozart는 Rococo스타일인 그 당시 유행하는 노래하는 알레그로로 소나타 형식의 1악장을 썼으며 노래하는 알레그로는 그의 음악적 천성과 잘 어울려 주옥같은 아름답고 순수한 빠른 선율들을 만들었다. 그러나 후기에서 대위법적인 소재를 바탕으로 좀 더 형식적이며 다른 차원의 음악 세계로 들어갔던 것을 볼수있다. Beethoven은 Mozart와 달리 규모가 크고 웅장한 소리의 기악음악을 원했다.초기에는 Haydn과 Mozart의 영향이 보였지만 점점 독자적인 그만의 독특한 피아노 소나타를 써 나갔다. 본 논문에서는 이러한 점을 더 확실히 이해하기 위해 실제적인 작품을 서로 비교, 분석하였다. 고전주의 초기는 Haydn 작품으로 중기는 Mozart 작품으로 말기는 Beethoven의 작품을 선택했다. 고전주의 새로운 음악 형식 가운데 소나타 형식은 그 시대를 대표하는 중요한 위치에 있다. 고전시대에 빈 이라는 장소를 중심으로 Haydn, Mozart, Beethoven이 협력하여 새로운 장르의 창조에 전력하고 있음을 볼 수 있었고 본 논문에서는 이를 바로크후기에서 고전시대의 건반소나타를 Haydn, Mozart, Beethoven의 피아노 소나타를 중심으로 고전시대의 건반 소나타가 어떻게 발전되어 가는지 포괄적으로 살펴보았다. It was the Classical era that composers came to use the Sonata form on a work for solo instruments. The piano sonata of the Classical era was established, expanded, and developed into a new musical form. Haydn, Mozart, and Beethoven, the three heroes of the Classical Vienna in a music history, left many piano sonatas as they did in other genres. I try to research piano sonatas of the Classical period through their compositions on a view point of a musical history. The sonata of late Baroque period was not for a solo, but for an alternating of solo and tutti. Keyboard instruments, as a basso continuo, took a bass role. Then, Dominico Scarlatti began to composed sonatas for solo keyboards that were centered on melodies of Rococo style which was a characteristic of pre-classical style. With the coming of the Classical period, composers began to brought in sonata form that had exposition, development, and reappear in the first movement and some times in other fast movements. Piano sonatas were developed being centered on this style like many other musical genres although not all Classical sonatas did not follow the same typical style. The piano music of Haydn, Mozart, and Beethoven, three representative Classical composers, had the following traits. Haydn, through his long life, began to compose his works with late Baroque style and developed to typical Classical style of music. However, his last three sonatas moved to a style of single theme under Beethoven's influence. Mozart composed the first movement of sonata style with singing allegro of the current Rococo style. The singing allegro, being well harmonized with his unique music talents, made fast melodies of crystal beauty like a gem. Later he advanced to a different form of music world which was, footing on counterpoint, more formal. Beethoven, being different from Mozart, loved instrumental music of huge scale and majestic sound. In his early times Beethoven showed an influence of Haydn and Mozart but began to compose his own style of piano sonata. For a better understanding, I will compare and analyze their works. I selected Haydn's sonata for the early Classical period, Mozart's sonata for the middle Classical period, and Beethoven's sonata for the late Classical period . Representing the Classical period, sonata form had an important role among new musical forms of the Classical period. We can notice that Haydn, Mozart and Beethoven gave influence each other in creating a new genre of Classical music in Vienna. I ,centering on the sonatas of Haydn, Mozart and Beethoven, researched how keyboards sonatas were developed form the late Baroque through the Classical periods.

19세기 하이든 수용에 대한 비판적 접근 : 하이든 중기 건반 소나타에 나타난 표현성, 독창성, 그리고 음악적 유머

이윤희 전북대학교 일반대학원 2018 국내박사

The rhetorical phrases of Haydn, ‘childlike naivety’, ‘papa Haydn’, and ‘playful humor’ have been the keyword to look at his works so far. These were the main issues of the 19th century in the reception of Haydn. The author presented a critical approach to the negative meaning of each phrase derived from the 19th century's reception of Haydn. The subjects of the study are his medium-term keyboard sonatas, which are widely accepted by the Sturm und Drang style. The reason is that Haydn have been tried many changes by introducing experimental elements in form and expression over the period of Sturm and Drang style. And these are the factors that can refute his negative image. The three rhetorical phrases of Haydn and their critical approaches are as follows. First, this paper investigated six elements of Haydn's music as a counterargument to the meaning of ‘childlike naivety’ which emphasizes immaturity like a child. The six elements are: contrapuntal texture, the use of miner key and fermata, abrupt change of dynamics, unexpected key modulations, syncopated rhythm. Haydn attempted to maximize the expressiveness through his mid-term keyboard sonatas. The author was able to identify the traces of his unique and dramatic expression, which is one of the most important features of romanticism. Second, obsolescence, which is the most distorted meaning of ‘Papa Haydn’, can be refuted to by originality of form. Haydn has tried new and innovative methods of form and composition throughout the music. Examples are Rondo Variation, Minuet Trio, and Coda. In addition, monothematic processing techniques that process and develop one theme figure and the idea of giving an organic relation to the entire movements by circulating the main theme are original. These examples conflict with the phrase ‘obsolescence’. Third, ‘playful’ which is simply for entertainment, is an undervalued part of Haydn's music. This paper borrowed ‘Romantic Irony’, a rhetorical term derived from literature, by comparing Haydn's music to contemporary literature. The word can be described as an aesthetic and intellectual experience in which a composer places artificial devices in the process of his work to draw attention to the listeners and even notice his intention. The techniques that Haydn used to complete this in music be classified into three distinct categories: transforming from the traditional genre of minuet, experimental creation in the Sonata form, and disruption through the insertion of different phrases. These artificialities attract the listener's participation into the work, and ultimately complete the high dimensional humor. In conclusion, Haydn's music has not only originality of the form but also dramatic expression and the high comedy derived from the concept of aesthetic experience.

F. J. Haydn piano sonata Hob.52의 분석 연구

김수정 숙명여자대학교 대학원 1984 국내석사

One of the great achievements of Haydn in musical history was the completion of Sonata form, which was applied to his symphonies and string quartets. He made the former Divertimento-style Klavier Sonata to the classical one, established the spirit and the structure of classical string quartet with the rule of four movements formation, and applied the principle of 'Thematische Arbeit' of sonata-style to the field of chamber music. The purposes of this thesis are to understand the world of Haydn's works and the charateristics of classical music which were the backgrounds of his works. And also, I intended to understand Haydn's piano sonata correctly in a performer's standpoint through the analysis of his piano sonata Hob. 52. In the introduction of the first movement of his piano sonata Hob. 52, Haydn uses arpeggios instead of powerful chords, and these come often through the first movement. There come many bold modulations in the development. The second movement is a Song Form with Chopinistic delicate decorations and abundant expressions of feelings. Haydn used E-major which was not expected of those days in tonalitic form. A player should be careful in pedalling, and finger pedal can expect a simple performance effect. The third movement is a Sonata-rondo form with light tempo. One can feel powerful reality here, and rests and pauses rise the excitement of this movement effectively. In this movement, short pedalling is effective, for short pedalling is better than long to clear the tone-color. One can say that the achievements of Haydn are centralized to the completion of Sonata Form, nevertherless, one should not neglect the facts which show their unique attractions in Haydn's works. And, further more, his vocal musics on large scales in his late years are beyond the limits of classical expression, suggest the way for Romanticism.

F. J. Haydn의 Die Schoepfung에 關한 硏究

이화병 梨花女子大學校 1980 국내석사

F. J. Haydn의 <Sieben Sonaten>에 대한 연구 : Hob. ⅩⅥ : 47, 19, 46, 44의 1악장 소나타형식구조를 중심으로

이정선 이화여자대학교 교육대학원 1990 국내석사

F.J.Haydn의 Oratorio "Die Schopfung"에 대한 연구

박선주 同德女子大學校 大學院 1990 국내석사

18世記는 Baroque, Rococo, Classical style이 모두 존재했으며 모든 분야에서 ‘자연으로 돌아가라’의 slogan을 내걸고 일어난 계몽주의 사상이 두루 영향을 끼치고 있었던 시기였다. 그 당시의 주요한 음악양식 즉, 프랑스의 궁정이나 귀족사회에서 발생된 galant style과 독일의 주요 文學運動이었던 Strumund Drang의 표현적 양식을 융합하여 Haydn은 자신의 독자적인 음악세계를 펼치기 시작했다. 특히 Haydn은 현대 교향곡과 현악 4중주곡의 형식을 완성시킨 최초의 사람으로 흔히 고전파 음악의 아버지라고 불리우며, 그는 백수십곡에 달하는 교향곡 뿐만 아니라 80곡 이상의 현악 4중주곡 그리고 피아노 3중주곡, 피아노 소나타, 교회음악등 고전파 음악의 완성에 큰 공헌을 하였다. Haydn은 말년에 깊은 신앙심을 바탕으로 하여 종교음악에도 심혈을 기울여 보다 높은 신앙의 세계로 향한 oratorio, “ Die Scho¨pfung ”을 그의 작곡 생활의 성숙기라 할 수 있는 1796-1798년에 완성 하였다. 본 論文에서는 먼저 oratorio란 일반적으로 종교적인 소재에 의한 대규모의 서사적인 악곡으로 독창, 합창, 관현악을 사용하고 그 음악은 극적으로 다루어지며 동작과 배경, 의상은 사용하지 않는다는 정의와 중세 후기에 카톨릭 교회내에서 하는 종교의식과 신비극 등으로 부터 기원을 찾아 오늘날에 이르기까지 oratorio의 발달과정의 역사를 살펴보았다. 그리고 그것을 바탕으로 하여 Haydn의 oratorio , “Il ritorno di Tobia ” (토비아의 귀환 : 1775), 와 “Die Sieben Worte ” (십자가 위의 일곱가지 말씀 : 1796), " Die Scho¨pfung ” (천지 창조 : 1798) 그리고 “Die Jehreszeiten ” (사계 : 1801)이 갖는 특성들을 살펴보았다. Haydn의 oratorio, “Die Scho¨pfung에 대본은 Lidley라는 영국사람이 John Milton의 ‘실락원’ (Paradise Lost)과 구약성서의 ‘창세기’를 소재로 해서 쓴 것을 Van Swieten 남작에 의해 독일어로 번역되었으며, 그것을 바탕으로 Haydn이 작곡하기에 이르렀다. 全曲은 3부 구성으로 모두 34곡으로 되어있으며, 배역은 천사 Gabriel과 Eva (soprano) , 천사 Uriel (tenor), 천사 Raphael과 Adam (bass)등으로 되어있다. 그리고 곡의 내용은 천지만물을 창조한 신을 찬미한 것으로서 조물주의 권위를 찬송하여 노래한 것이다. oratorio에서 성서내용을 전개하는 부분으로 중요하게 사용되고 있는 recitative의 특징을 알아보았고, 특히 자연에 대한 깊은 애정을 표현하기 위해 가사에 나타나는 의미를 회화적으로 음악속에 묘사시키는 tone-painting기법을 곡의 분석을 통하여 살펴보았다. 그리고 전체적인 곡의 특징을 도표로 제시하였으며 다음과 같은 결론을 얻었다. 이 곡은 관현악 반주부에 즐겨 사용한 tone-painting기법의 묘사가 전곡을 통하여 Haydn 특유의 낙천적이고 명쾌하고 해학적인 기질로 그 특징이 잘 나타나고 있다. 예를 들어 창조이전의 무존재와 공허를 반음계와 비화성음을 사용하여 잦은 전조로 갈팡질팡하는 무질서를 관현악에 의해 잘 묘사하였고 c minor에서 C major로의 급작스런 조바꿈으로 ‘빛’의 창조를 묘사하고 있다. 또한 f와 staccato에 의한 반진행으로 폭풍우를 묘사하고 있고, 우박이 떨어지는 모습을 엇갈리는 rhythm으로 묘사하였으며, 상행의 순차진행과 pp에서 ff로 향해가는 dynamic으로 해돋이를 묘사하였다. 그리고 경쾌한 Allegro tempo와 tremolo로 수많은 별을 묘사하는등 여러 자연현상을 묘사하고 있으며, 각각 다른 조를 사용하여 물결치는 바다 (d minor), 구름위에 솟아오른 산봉우리 (F major), 굽이쳐 흐르는 강물(g minor에서 d minor로), 졸졸 흐르는 시냇물(D magor)등 지리적 특징에 대해서도 묘사하고 있다. 더우기 동물의 묘사는 아주 발랄하며 동감이 넘치는 Basson 에 의한 무겁고 큰 동물의 묘사나 느린 tempo의 반음계 진행으로 기어다니는 짐승을 묘사하는 등의 humour 감각 또한 Haydn의 현저한 특징 중에 하나이다. 합창은 대위법적 구성과 화성적 구성이 교대로 진행하고 있으며 melisma로 그 화려함을 구사하기도 하고, chodal한 부분이 점차 확대되어 그 웅장함을 더해가기도 하는 등의 효과적인 대조로 Climax를 이룬다. 이와같이 oratorio, “Die Scho¨pfung ”은 Haydn의 진실된 신앙과 음악과의 관계를 전곡을 통하여 잘 표현하고 있다는 점에서 보다 큰 의미가 있다고 하겠다. F. J. Haydn (1732 - 1809), a great master of the classical music, had learned the various types of music through his life. That is to say, he learned the late Baroque style, galant style which rose in the middle of the eighteenth-century, the style of the Strum and Drang which was the primary movement of the literature at that time. Also he harmonized those music styles and created the unique music world. Haydn devoted himself to the religious music in the late period of his life because he was a deep pious man. So he composed the more religious mind in 1796-1798 when he was mature for a composer. I intend to research for the meaning and the history of Oratorio, and study the characters of the Haydn's Oratorio in this thesis. Also I intend to study the back ground, the content and the peculiarity of the Haydn's "Die Scho¨pfung" Oratorio which is the theme of this thesis. Especially I analyze the compositions which express the technique of tone-painting used to demonstrate the affection for nature. With this analysis, I studied concentration on the point of tone-painting represented in "Die Scho¨pfung". As a result of this analysis, the characteristic aspects of this paper are the instrumental expression to use an Orchestral technique in the vocal part as well as the Orchestral accompaniments. Specially, the expressions of natural phenomenon, geographical characteristic and animals are lively and sympathetic. It is one of Haydn's conspicuous characters to express the large animals by means of Bassoon. To express the crawling animals humorously by the semitone at the slow tempo is one of his characters too. And Haydn exalt the dramatic atmosphere by the sudden dynamics change from P cresendo to ff. Also he express the various change of formation which show the transient modulation by semi-tones and discords. It is remarkable and more meaningful than Haydn expresses the relationships between true faith and music in the style that is arranged well by balance and order.

Joseph Haydn의 Keyboard Sonata에 관한 小考

어미령 이화여자대학교 1976 국내석사

F. J. Haydn 피아노 소나타 Hob. XVI : 23 F 장조의 작품분석

서지은 동덕여자대학교 1999 국내석사

고전 음악 시대의 대가인 Franz Joseph Haydn(1732-1809)은 Austria 출신으로서 대부분 그의 작품은 그가 30여년간 악장으로 봉사했던 Paul Auton Esterhazy 후작의 궁정에서 이루어겼다. 다른 대부분의 작곡가들의 경우와 마찬가지로 Haydn의 작품 또한 3기로 나누어 볼 수 있다. 초기 창작시절은 그의 소나타 작품에서 흔히 볼 수 있듯이 우아하고 화려한 Rococo양식의 영향을 받았음을 알 수 있고 중기에는 Sturm und Drang(질풍노도 양식)의 영향을 받아 보다 감정표현이 과감한 작품을 썼다. 그러나 느리게, 그러면서도 꾸준히 발전한 Haydn의 주요 작품은 대부분이 후기 작품에 속한다. 그렇지만 천재로서 Haydn 초기부터도 어느정도는 그의 독자성이 엿보이는 실험정신을 보여주고 있다. Haydn의 양식상의 변화를 초기, 중기, 후기의 시기별로 종합해 보면 다음과 같다. 초기의 Haydn 소나타 작품은 전고전시대 비엔나 악파의 중요한 작곡가였던 Wagenseil의 건반악기 디베르티멘토와 유사한 점들이 있는데, 3악장 구성으로서 미뉴엣이 둘째 혹은 세째 악장에서 항상 사용되고 있으며 각 악장들의 기본 조성이 모두 동일한 경우가 빈번한데 기본 조성 또한 모두 장조인 것이 특징이다. 중기에는 내용면에서 깊이가 있어지고 Haydn의 개성이 확립됨을 알 수 있는데 이때는 C. P. E. Bach의 영향을 보여 다양한 대비효과를 노리며 장식음의 사용이 증가한다. 또한 다양한 프레이즈의 반복과 동형진행, 건반에서의 낮은 음역의 탐구, 효과적인 쉼표의 사용 등이 특징적이다. 후기의 5개 소나타는 거의 베토벤 소나타를 연상시킬 정도로 기교파 피아니스트를 위한 것이다. 다시말해 피아니스틱한 곡들이지 결코 하프시코드적이 아닌 곡들로서 깊은 음향, 중음코드의 연속, 랩소딕한 음형, 대위법적 요소의 증가, 변주기법의 지배적인 사용, 기교적인 면의 발달 등을 특징으로 들 수 있다. 본 논문에서는 논제에 따라 Haydn의 생애, 그의 피아노 소나타 작품, 그리고 Haydn의 독창적인 양식이 수립되는 시기의 작품인 Hob. XVI: 23을 분석해 봄으로서 Haydn 작품세계의 이해를 돕고자 한다. Hob. XVI: 23은 그의 중기 소나타 작품으로서 제1악장 Sonata 형식, 제2악장 Adagio, 2부형식, 제3악장 Presto, Sonata 형식으로 되어 있다. 제1악장은 소나타 형식 내에서의 변주기법을 광범위하게 활용하고 있는데 즉 제1주제는 시작 4마디에 기초해서 이 프레이즈를 변주하면서 반복된다. 조성상에 있어서 I (Tonic Key)와 V (Dominant Key)의 대비뿐만 아니라 제1주제 제2주제가 음형적으로나 성격면에서 판이하게 대비된다. 화성면에서 보면 기본적으로 전음계적이나 색채효과를 위한 선율의 반음계적 진행 혹은 변화음의 추가적 사용등으로 성취하고 있다. 발전부에서 먼 조로의 전조는 대부분이 선율선의 반음계적 진행에 의해 이룩되며 재현부에서는 제2주제의 재현이 제1주제에 앞서 재현되는 점이 특징이다. 짜임새 면에 있어서는 기본적으로 호모포닉한 것이지만 대위법적 패시지가 상당히 많이 삽입되어 있어서 음악의 깊이를 더해준다. 2부분 형식으로 되어있는 2악장은 조성상에 있어서 □가 A□ 장조로 끝나고 □‘가 b□ 단조로 시작하는 점이 주목할만 하다. 칸타빌레 멜로디와 16분 음표의 분산화음형의 반주가 악장 전체를 지배하고 있으며 악장전체 길이에 비해서 긴 Coda가 특징이다. 3악장 또한 1악장과 마찬가지로 소나타 형식으로 되어있는데 단일주제적이다. 즉, 제2주제는 제1주제의 변주로서 약간의 리듬상의 변화를 제외하고는 거의 동일하다. 제2주제는 제1주제에 비해 부점리듬의 사용과 쉼표의 사용 등으로 보다 생기있고 발랄한 느낌을 준다. 조성면에서 특기할 점분에서 조성은 g 단조에서 진행되고 있는데 마디 86에서 F 장조로 해결되며 제1주계가 시작된다. 그러나 F 장조의 I (Tonic Key) 보다는 V (Dominant Key)를 강조하다가 마디 93 마지막 upbeat 에서 정식으로 재현부가 시작된다. 즉 Haydn은 여기서 거짓재현을 함으로서 I (Tonic Key)로의 전이를 이룩하면서도 V (Dominant Key)를 강조하다가 다시 한번 제1주제를 재현하는 Haydn 특유의 유머를 보여주고 있으며 전곡의 마지막인 3악장에서 재현을 두 번 시작함으로서 I (Tonic Key)로의 귀환을 보다 확고히 하고 있는 것이다. 짜임새 면에서는 전 악장이 호모포닉한 구성이나 대위법적 패시지가 1, 2악장에서 삽입되어 깊이를 더해주는데 특히 3악장에서는 대위법적 패시지가 많이 활용되어 종악장의 비중을 높여주고 있다. 다시 말해서 이 소나타는 Haydn이 독자적인 양식을 수립하기 시작하는 시기의 작품으로서 변주기법을 활용하면서도 조성상의 극적대비를 강조하고 있으며 종악장에 무게를 실어줌으로서 전곡의 조화를 추구한다는 점에서 매우 특기할 만 하다 Franz Joseph Haydn (1732∼1809), a great master of classical music was born in Austria and most of his works was composed at the Court of Marquess Paul Auton Esterhazy where he had been served as a band master for 30 years. In the same manner of most composers' cases, his carrier can be classified into three terms. Considering his sonatas in the early term, he is found to have been affected by elegant and florid Rococo style. And, under the influence of Sturm and Drang, he daringly manifested his emotion in the works of the middle term. Most of his main works which had been slowly but steadily developed is included into the latter term. However, Haydn shows somewhat his genius and originality through the experimental attempts even in the early terms. According to the classification with the three terms, changes of the style in his works can be summarized as follows. Haydn's sonatas in the early term have some similarities with the keyboard music divertimento by Wagenseil, a important composer among the musical school of Vienna in the preclassic era. They are composed of three movements and minuet is always used in the first or second movement. And also, it is the characteristics that the fundamental tonalities of all movements are frequently the same and they are Major. In the middle term, substances of his works become more profound and the individuality of his own is established. Under the influence of C. P. E. Bach, he uses ornaments more frequently for the various effects of contrast. And also, the characteristics of the term include the repetition of various phrases, sequence, the study on the low compass of keyboard and the effective use of rest. The five sonatas in the latter term is so suitable for skillful pianists as to remind us of Beethoven's one. In other words, they are never of harpsichord but pianistic and posses the characteristics of a deep sound, a series of middle chord, a rhapsodic figure, the increased use of counterpoint, the dominant use of variation and the development of technical skill. In this thesis, according to the subject life of Haydn, his piano sonatas and Hob. XVI: 23 composed when his original style was formed are analyzed for a better understanding of Haydn's works. Hob. XVI: 23, his sonata in the middle term is composed of the first movement in the form of Sonata, the second movement in the form of Adagio, two part and the third movement in the form of Presto, Sonata. In the first movement, variation within the form of Sonata is extensively used, that is, the first theme is repeated playing a variation of the first 4 phrases. The contrast not only between I (Tonic Key) and V (Dominant Key) in the aspect of tonality, but also between the first and second theme in the aspect of figure and character is definitely noticeable. Harmony is fundamentally counterpointic, however, a chromatic progression of melody for a color effect and altered sounds are additionally used. It is characteristics that the modulation to a distant key is mainly performed by a chromatic progression of melody lines in the development, and the recapitulation of the second theme precedes that of the first theme in the recapitulation. Texture is fundamentally homophonic, however, passages using counterpoint are so considerably used that the music become more profound. In tonality, it is worthy of notice that □ ends with A □ major and □ begins with b □ minor in the second movement with two parts. It is characteristics that Cantabile melodies and the accompaniment of the broken chord using sixteenth - notes dominate all over the movement, and also, Coda is relatively long considering the full length of the movement. The third movement has the form of sonata like the first movement and only single theme. The second theme is the variation of the first theme, and hence, the first and sencod theme are almost the same except the slight difference in rhythm. Using more dotted rhythms and rests, the sencod theme feels more energetic and sprightly than the first theme. What is specially noteworthy in tonality appears at the part where the development is ending and the recapitulation is about to begin. The development tonally comes to a close by modulating g minor to F major at the 86th phrase, where the first theme begins the recapitulation and greater emphasis is placed on V (Dominant Key) of F major than I (Tonic Key). And then, at the last upbeat of the 93th phrase the real recapitulation begins. In other words, accomplishing the transition to I (Tonic Key) with V (Dominant Key) emphasized, Haydn shows his unique humor that he makes the recapitulation pretend to begin and the real recapitulation occur again there. Accordingly, the recapitulation in twice in the last movement makes the return to I (Tonic Key) resolute. In texture, the total movements are homophonic, however, since passages using counterpoint are inserted in the first and sencond movement the depth of music becomes more profound. Especially, a lot of passages using counterpoint in the third movement make the last movement given more weight. Therefore, it is worthy of notice that in spite of using variation the dramatic tonal contrast is emphasized and the last movement is given more weight for the harmony of the full piece of music, in the sonata composed when Haydn began to accomplish the original style of his own.

F. J Haydn Trumpet Concerto in E♭ major, Hob. VIIe:1의 작품분석과 트럼펫의 발전

김소정 숙명여자대학교 대학원 2021 국내석사

본 논문은 프란츠 요제프 하이든 (Franz Joseph Haydn, 1732-1809)의 후기작품 중 대표되는 곡인 트럼펫 협주곡 (Trumpet Concerto in E♭ major, Hob. VIIe:1)의 작품 배경과 분석을 고찰하고자 한다. 작품 분석에 앞서 본 연구자는 하이든이 살았던 고전시대의 협주곡의 특징과 트럼펫의 발전역사 및 트럼펫의 종류와 하이든의 생애를 살펴보고자 한다. 바로크시대의 독주 협주곡의 발전된 양식이며 기존 리토르넬로(ritronello) 방식이 아닌 소나타형식으로 발전되어 지금까지 사용되는 고전시대의 협주곡의 특징인 소나타협주곡을 살펴보고, 고대시대에서부터 트럼펫 발전역사를 알아보며, 특히 바이딩거 (Anton Weidinger, 1766-1852)의 키 트럼펫의 고안과 함께 밸브의 발명으로 지금까지도 사용되는 트럼펫의 종류를 연구하였다. 하이든 트럼펫 협주곡은 하이든이 작곡한 협주곡 중 마지막에 작곡 된 협주곡으로 빈 궁정 트럼펫 주자인 안톤 바이딩거의 키 트럼펫의 고안으로 작곡되었다. 이 곡의 키 트럼펫(Key Trumpet)은 자연배음으로만 연주되던 내추럴 트럼펫(Natural Trumpet)에 바이딩거가 6개의 키(Key)를 만들어 자연스러운 반음계 연주가 가능해졌다. 이 새로운 악기를 접한 하이든은 바이딩거에게 트럼펫 협주곡을 헌정하게 되었다. 이 곡은 전체적으로 단순해 보이지만 바로크시대의 복잡하고 화려한 연주패턴의 트럼펫이 생각나는 동시에 키 트럼펫의 반음계선율도 잘 표현 되어있어 이 곡이 트럼펫 역사에 얼마나 중요한 부분을 차지하는지 알 수 있다. 마지막으로 이 논문을 접하는 연주자들에게 고전시대 협주곡의 특징과 더불어 트럼펫의 발전역사와 종류, 하이든 트럼펫 협주곡의 작품배경을 알려주며, 곡의 분석을 통하여 연주자들에게 조금이나마 도움을 줄 수 있는 계기가 되었으면 한다. This study aims to consider the background and analysis of ‘Trumpet Concerto in E♭ major, Hob. VIIe:1’, a representative musical work of Franz Joseph Haydn (1732-1809) in his late period. Prior to analyzing the work, the characteristics of Haydn's classical concerto, the history of trumpet development, the type of trumpet, and Haydn's life were examined. First of all, it refers to the Sonata Concerto, which is an advanced style of the Baroque Solo Concerto and a characteristic of the classical concerto that was developed in a Sonata Form rather than the conventional Ritornello. In addition, the history of trumpet from ancient times was researched, especially, with the design of the Key Trumpet by Anton Weidinger (1766-1852), looking into the history of trumpet development that is still used today as an invention of the Valve. Haydn Trumpet Concerto is the last concerto composed by Haydn, after creating the key trumpet by Anton Weidinger, a trumpet player in Vienna, Austria. In the Key Trumpet of this song, Weidinger created 6 keys on the Natural trumpet that was only played with the Natural harmonic series. And, it made it possible to play a natural chromatic scale. Later, Haydn, who encountered the new instrument, dedicated the trumpet concerto to Weidinger. Overall, this concerto seems simple, yet it reminds listeners of complex and fancy performance patterns during the Baroque era. Moreover, it reflects the chromatic scale of the key trumpet, which indicates how important the song is in trumpet history. Finally, it is hoped that this research helps performers who encounter this paper to interpret the characteristics of classical concertos, the history and type of trumpet development, and the background of Haydn Concertos, and the analysis of this music will help trumpet performers.