표현미학에서 본 무용예술

이승건 ( Seung Kun Yie ) 한국미학예술학회 2007 美學·藝術學硏究 Vol.25 No.-

Ever since Aristoteles, after classical antiquity, before the birth of the concept of beaux-arts(fine-arts) that combine arts into one, the traditional thesis of western art theory that ``art is mimesis of the nature`` had been constructed both speculative and theoretical foundation under the ideology of mimesis saying that art exceed phenomenon of external copying, otherwise it is ``Ausdruck`` from inner world of human being. This situation also existed for dance, thus mimesis as an ideology of art affected big influence over establishment of self-identity in terms of art from it`s very beginning until present by saying that dance is not an external reproduction of reality but it`s the internal expression. But, the concept of mimesis as an ideology of art like this, enabled to express the inner secret of itself or ups and downs which were not able to be depicted as a form of art that appeared on late 18th century. And this new form of art overtook the place of mimesis by the modern concept of artistic creativity that embodied itself to the form of material. Especially, at that moment, the concept of mimesis had been absorbed by originality of romanticism period that emphasize spontaneity and self-expression, completely lost its expressional meaning and had been replaced by representation. By this, the concept of artistic expression of present, which was created by this is being used as the meaning of noesis in subjective expression that`s different from the meaning of modern period when it appeared. Furthermore it has the meaning of unconscious self extrusion that wasn`t captured by noesis and since it is sharply confronting with mimesis as traditional artistic concept, it looks as it secured a firm location that`s suitable for concept of modern art in true meaning. Especially Mikel Dufrenne, who tried to contemplate of phenomenology of art by combining the world of aesthetic object and artist(or receptor) by ``l`expression de la subjectivite`` in Phenomenologie de l`experience esthetique(1967), or the viewpoint of Merleau-Ponty about Phenomenologie de la Perception(1945) which was solved by ``le corps comme expression`` in expression of both ``la connaissance incarne`` and ``le corps incarne``. And such thesis by ``art as intuition and expression`` (Esthetica come scienza dell``espressione e linguistica generale, 1910) by B. Croce, who viewed it as ``art as an intuition`` and ``intuition is something that could make itself as an object in terms of expression`` and ``expression is the power that construct an image by a given inner form to emotion`` clearly proves the fact that core problems of estheticians who are whether directly or indirectly related to thesis of modern dance are the concept of ``expression`` that replaces mimesis. As a result, the comment of contemporary aesthetician Morris Weitz that said The concept of expression is a central on in much of modern aesthetics seems to be no longer an exaggeration. Therefore, I``m regarding consideration about ``aesthetics on expression`` in terms of dance art as target of my essay through the ``expression`` concept that emerged as an art ideology in 20th aesthetics. But the aesthetics on expression presented here is as a method of art research in terms of research about general art that is different in usage from traditional meaning of aesthetic, otherwise a general study about both aesthetic and standard of value of aesthetic and aesthetics that means aesthetical opinions in certain period of time like Plato or modern aesthetic. For the accomplishment of the research intention, I firstly started from the consideration of modern meaning(whether internal or psychological or external sensual phenomenon of mental process) when the concept of expression appeared as a concept of a theory of art. And I traced it until the these days meaning-not only the subjective self expression by noesis but also a unconscious self extrusion that wasn`t captured by noesis-and took a look for

"자아 미술표현"의 이해와 미술재료에 대한 교육적 함의: 듀이의 "하나의 경험"에 기초하여

박라미 ( La My Park ) 한국초등교육학회 2012 초등교육연구 Vol.25 No.1

본 논의는 듀이의 ``경험``에 기초한 학습자의 자아 미술표현의 이해와 미술재료에 대한 교육적 함의를 도출하는 것이 연구목적이다. 연구의 목적을 위해 듀이의 ``경험``에 대한 의미를 고찰하여 학습자의 자아 미술표현을 이해하였다. 또한 학습자의 자아미술표현과정의 특성과 듀이의 경험의 명제들과의 동질성을 찾아보았다. 이를 배경으로 자아 미술표현에 영향적 관계에 있는 미술재료의 의미와 학습자의 미술재료지배 능력을 이해하여 교육적 함의를 다음과 같이 도출하였다. 학습자에게 미술재료는 매체(의사소통, 예술 표현의도, 의미의 도구)적인 것이며, 표현자인 학습자와 감각적으로 관계될 수 있어야 한다고 보았다. 또한 미술재료는 학습자로부터 지배되어야 자신의 의미로 전환이 가능하며, 미술재료를 이해하는 것은 미술재료를 지배하는 경험을 통하여 가능하다고 보았다. 그러므로 미술재료는 표현방법으로 타인이 의도 화를 위해 사용되기보다는 표현과정에서 학습자의 표현성으로 들어날 수 있어야 한다고 강조하였다. It has been pointed out in art education that there are still problems associated not only with understanding of learners` artistic self-expression, but with art materials shown in art as subject. The conversion of understanding of art materials is educationally important in order to know about living working with the changes in modern art. The purpose of this study is to draw the understanding of artistic self-expression and educational implication concerning art materials, on the basis of Dewey`s concept of an experience. To achieve the purpose, this study was carried out by examining Dewey`s concept of an experience to understand learners` artistic self-expression, and by finding out similarities between Dewey`s concept of an experience and the characteristics of process shown in learners` artistic self-expression. Based on the findings, the following implication was drawn by exploring learners` abilities to control art materials and the meaning of art materials having effects on artistic self-expression. Art materials used for learners were considered to function as the media (communication, artistic expression and tools of intention & meaning), and to be sensuously related to expressers as learners. In addition, these art materials can be converted to their own meaning only if they are controlled by learners, and they can be understood through their experience in controlling the art materials. It was emphasized, therefore, that the art materials must appear as an expressive characteristic of learners in the process of their expression, rather than the use of the art materials as the intention of others.

미술학습에서 감상과 표현 영역의 통합에 관한 연구

황향숙 경북대학교 사범대학 부속 중등교육연구소 2004 중등교육연구 Vol.52 No.1

Nowadays, the importance of the art appreciation has been emphasized in art education, because art appreciation has an effect of cultivating thoughts. However, in spite of many articles and papers on the art appreciation, art expression education focusing on technique or self-exposure is more likely to be performed in school. The reason is that school teachers are not familiar with the art appreciations with only a partial knowledge of it. Thus, even if, they would teach art appreciation without deep understanding of contextual conditions. But developing art ability involves the power of thoughts and expression. Expression ability is grounded on the ability to image that comes from the cultivated thoughts. So in art lesson, art appreciation is a base to the art expression, while the work of art expression also becomes the material of art appreciation. Therefore, it is necessary to integrate art appreciation with art expression for the development of art ability. But many school teachers still think those two fields are not correlated with each other or they have only obscure idea about it. Therefore, the purpose of this study is to suggest a importance of art appreciation, presenting a theoretical basis for integration of art appreciation and expression in art education.

미술치료의 예술적 표현에 관한 신경과학적 고찰

박윤희 한국미술치료학회 2010 美術治療硏究 Vol.17 No.2

This study aims to examine neuroscientifically the interactive characteristics between artistic expressions of art therapy and brain actions. Providing neuroscientific information on artistic expressions which might be considered as the core of art therapy, the study will supply a head start for independent research methods for art therapy, and emphasize art therapy as a part of art psychology based on scientism of art as well as unique identity and expertise of art therapy within the domain of psychotherapy. To do so, it analyzes and suggests in the order of interactions between artistic expressions and neuroscientific actions of art therapy, first, the cognitive understanding at the stage of contacting the art media, next, the emotive understanding at the stage of expressive process of art, then, neuroscientific understanding at the stage of creating an art. The results of the study are as follows. Art expressions using various art media would induce an emotive resonance through activating nerves in the course of acquiring cognitions and sensations. The resonance in turn stimulates emotive expressions, so as to get immersed in the art work which boosts and accelerates the therapeutic effects. Thus, it can be said that art media end up with stimulating cognitions and sensations, and emotive reactions in the course of art expression create images, subconsciousness, and symbols, while completed art works give the sense of creativity, achievement, catharsis, and emotive integrity to provide happiness, order, and harmony between body and mind. 본 연구는 미술치료의 예술적 표현과 뇌 작용간의 상호 반응적 특성에 관하여 신경과학적으로 고찰하였다. 그 동안 연구와 임상영역에서 괄목할 만한 성장을 이루었지만 독자적인 연구이론과 연구방법론의 미비는 미술치료 발전의 난제로 지적되고 있다. 본 연구는 미술치료의 핵심이라고 할 수 있는 예술적 표현에 관한 신경과학적 정보를 제공함으로써, 독자적인 연구방법론 개발의 단초를 제공하고, 미술치료가 예술의 과학성에 근거한 예술심리학의 한 분야임을, 또 심리치료영역에서의 정체성과 전문성을 강조하는데 기여하고자 한다. 이를 위해, 미술치료의 예술적 표현과 신경과학적 작용이 진행되는 순서에 따라 예술매체의 접촉단계에서의 지각 및 감각작용의 이해, 예술표현과정에서의 정서작용의 이해, 예술작품 창조와 신경과학적 이해의 순으로 분석, 제시하였다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 다양한 매체를 이용한 예술적 표현은 관련 지각 및 감각경로의 신경을 활성화시켜 정서적 공명을 초래하고, 이는 곧 정서표현으로 이어져 작품제작의 몰입과 치료 효과의 증대를 촉진하는 것으로 나타났다. 결과적으로, 예술매체는 지각 및 감각을 자극하고, 표현과정의 정서작용은 심상과 무의식, 상징을 만들어 내며, 완성된 예술작품은 창조성, 성취감, 카타르시스, 정서의 통합을 이루어 심신의 안녕과 질서, 조화의 성취로 이어지는 것으로 나타났다.

미술치료에서 인터랙티브 아트를 통한 심상표현 연구 : 작품의 재료선택, 색채, 놀이를 중심으로

유현정,김효은,윤승원,강문구 디자인융복합학회 2003 디자인융복합연구 Vol.2 No.3

오늘날 미술치료는 내담자 뿐만 아니라 일반인들도 쉽게 적용시켜 자아 인식과 함께 생활을 흥미롭고 즐겁게 할 수 있는 요소로 다가길 수 있는 분야이다. 미술치료의 주요 요소는 표현의 재료나 채색된 색상 등으로써, 이는 일반민들이 쉽게 다가갈 수 있는 미술활동의 주요 요소들이다. 이런 요소들을 가지고 본 연구에서는 관객이 작품에 적극적인 참여를 통해서 미술치료의 일반적인 해석과 표현으로 개인투사를 유도해보는 인터렉티브 아트이다. 작품은 관객들의 참여를 통해, 관객에 의해 직접 표현되는 것으로써, 작품에서 제시하는 공을 가지고 화면을 그려 나아간다. 캔버스 대신에 스크린으로 제시되고, 직접적인 표현재료 대신에, 작품에서 제시한 텍스쳐를 입힌 색공을 화면으로 던짐으로써 스크린에 표현되도록 한다. 이때 참여자 스스로가 순간순간 창조된 표현을 함으로써 미술 치료적 측면으로 다가갈 수 있으며, 던지는 행위는 놀이 치료적 측면으로 참여자의 해소의 심리를 자극하게 된다 그리고 표현재료와 색상의 선택을 위하여 공을 선택하도록 한다. 참여자가 선택한 공을 던져 화면에 맞춘 부문은 마치 잉크가 도화지에 뿌려진 것처럼 색채가 화면 안에 나타나게 된다. 이로써 참여자는 자신의 행동을 창조적 표현활동으로 만들어 가고 색과 재료를 선택하는 과정을 통해 내면 심리를 인지한다. 본 연구의 작품은 흥미와 재미를 유발하는 반복적인 행위를 통한 놀이개념과 즉시성을 가진 인터렉티브 아트로 창작 표현을 하여 치유에 가지 접근하고 있다. Art Therapy isn`t only for those who seriously need the therapy. It`s also for the general people, enlightening their lives with their self-knowledge. The major sources for the Art Therapy are the materials of expression and colors. All of these are those the general people can easily approach when doing art. Since this is done with the attendants` active participation, this is an Interactive Art that leads to the Self Reflection with the general interpretation and expression of the Art Therapy. Explanation of the displayed art pieces. The art piece is completed by the attendant`s partidpation and is expressed by the attendant. In this, the picture is drawn by the ball that does the function of a writing brush. Instead of the canvas, it`s expressed on the screen. And, it`s expressed on the screen by throwing the textured colored balls presented by the art piece on to the screen, rather than by using the actual materials. Then by making one`s own instant creative expression, the attendant can go near the Art Therapy. Additionally, the act of throwing the ball can release and relax the minds of the attendants. The part where the ball hits the screen is just like an ink spread onto a paper. With this ball, the colors are expressed on the screen. With this activity, the attendant who`s participating in the art piece makes his behavior into a creative act of expression and realizes one`s conscious mind condition. Either conscious or unconscious, he/she enjoys his/her freedom of expression with its instant excitement and repeated act and gets near the healing point of the therapy.

미술의상에 표현된 오브제 : 광주비엔날레 국제미술의상전을 중심으로

금방란,박민여 경희대학교 생활과학연구소 2002 생활과학논집 Vol.6 No.1

Modern art is often described as a complex art in a sense that each individual art activity does not limit it's boundary to it's own area. A desire to pursue new sense of beauty and a challenge for free style result in an expression of art area. Art to wear is one of those examples; it combines fashion and art. The purpose of this study is to explain the concept of object, The main axis of modern art, and to analyze the object expressed in Art to wear. This will lead us to understand that Art to wear is one of the main stream in modern art and will secure it's demain as one of a pure, unique art area. The scope of the study is limited to 156 art works participated in 1995, 1997 kawang-ju Biennale international Art to wear Exhibition. The meaning and historical development of the concept of the object is studied through literature. Further, all of 156 works was analyzed by materials, form and techniques for case study. The study can be summarized as follows. : Among 156 works, 89 works(57.1%) were classified as expressed object to communicate the artist's theme. And the most frequently used technique were the three-dimensional 'assemblage'. The expression of the concept 'Object' enables modern art to express things in daily life art works. As the characteristics of object in modem art, the object in Art to wear is expressed in variety of models and materials through creative experiments and free expressional style. The Art to wear is pursuing the value of pure art by adopting and applying the concept of object in pure art. Art to wear is expected to greatly contribute to the development of modern art through aggressive work for creation of new art world.

현대미술의 관점에서 본 현대자수의 표현양상 - 작가 연구 및 작품 분석을 중심으로 -

조원아 사단법인 한국조형디자인협회 2019 조형디자인연구 Vol.22 No.1

When entering the 20th century, each area of art underwent huge changes in the boundaries between genres. It was the same in contemporary fiber art. From Bauhaus (1919-1933) to Anni Albers (1899-1994), people proposed the artistic possibilities of textiles and grew out of the traditional methods in search of harmony with pure art. Starting at the "International Tapestry Biennial of Lausanne" held in 1962, works of fiber art distanced themselves from the old fixed common notions and began to pursue pure formativeness. Since the 1970s, fiber art was established as an area of formative art as artists changed their ideas of art in new ways. These changes of the times naturally brought changes to the expressive methods of fiber art as well. Contemporary embroidery also began to settle down as an independent genre with artistic values by growing out of old fixed ideas inclined toward technique. Early modern embroidery, which used to be made with a focus on decorative effects, had its expressive patterns expanded in diverse and complex ways according to the passing of time. This study set out to examine the expressive patterns of embroidery, which used to be considered as women's pastime in the field of traditional crafts, within the framework of contemporary art under the name of "contemporary embroidery" in relation to the characteristics of contemporary art. Art has changed according to the periodic and social changes with each of its genres organically connected to one another, which means that there might be limitations with the analysis of contemporary embroidery within an independent framework. The investigator recognized that the expressive patterns of contemporary embroidery could be understood from the four following perspectives of contemporary art: first, contemporary embroidery employed a method of subjective reproduction with an artist's formative language intervened in it rather than imitative reproduction to express an object; second, contemporary embroidery maximized the unique formativeness of embroidery and overcame its physical limitations by fusing together with an array of media; third, contemporary embroidery sought after the visualization of something invisible and immaterial beyond the expression of concreteness that was dominant in traditional and early modern embroidery; and finally, artists of contemporary embroidery were no longer subordinate to materials or techniques when expressing their ideas and internal messages. The present study investigated the expressive patterns of contemporary embroidery in four areas, which include artistic reproduction through formative language, fusion with various media, diversification of objects of expression, and conceptualization of creative intention, shedding light on the formative possibilities and unique potential values of contemporary embroidery. 20세기에 이르러 예술의 각 분야는 장르간의 경계가 허물어지는 큰 변화가 이루어졌고 이에 현대 섬유예술 역시 바우하우스(Bauhaus, 1919-1933)에 이르러 아니 알베르스(Anni Albers, 1899-1994)가 직물의 예술적 가능성을 제시하며 전통적인 방식으로부터 벗어나 순수예술과의 조화를 모색하게 되었다. 1962년에 개최된 ‘로잔느 국제 타피스트리 비엔날레(International Tapestry Biennial of Lausanne)’를 기점으로 섬유예술 작품들은 기존의 고정화된 통념(通念)에서 벗어나 순수한 조형성을 추구하기 시작하였다. 1970년대 이후 섬유예술은 작가들의 예술개념에 대한 새로운 의식변화로 인해 조형예술의 한 분야로 자리매김하게 되었다. 그러한 시대적 변화는 자연스럽게 섬유예술의 표현방식에도 변화를 가져왔으며 현대자수 역시 기존의 기법위주의 고정적인 관념에서 탈피해 예술성을 지닌 독자적 장르로 자리 잡기 시작하였다. 이처럼 제한된 틀 안에서 제작되어 온 근대자수는 시대적 흐름과 맞물려 그 표현양상이 다양하고 복합적으로 확대된 것이다. 본 연구는 전통적인 공예의 분야에서 여성들의 소일거리로 인식되어 왔던 자수가 ‘현대자수’라는 명칭 하에 현대미술의 틀 속에서 어떠한 표형양상을 나타내고 있는지 현대미술의 특징과 관련해 고찰해 보고자 본다. 예술은 시대적, 사회적 흐름에 따라 변모해왔고 각 장르마다 유기적으로 연결되어 있기 때문에 현대자수를 독립적인 틀에서 분석한다는 것은 한계가 있다고 보기 때문이다. 본 연구자는 현대미술의 관점에서 본 현대자수가 다음 네 가지의 표현양상을 띠고 있다고 인지하였다. 첫째, 현대자수는 어떤 대상을 표현함에 있어 모방적 재현이 아닌 작가의 조형언어가 개입된 주관적 재현의 방법을 띠고 있다. 둘째, 현대자수는 다양한 매체와의 융합(融合)을 통해 자수가 지닌 독특한 조형성을 극대화시키고 있으며 자수가 지닌 물리적 한계를 극복하고 있다. 셋째, 전통자수와 근대자수의 주를 이뤘던 구상성의 표현을 넘어서 현대자수는 비(非)가시적이고 비물질적인 것의 가시화를 추구하고 있다. 넷째, 현대자수 작가들은 더 이상 재료나 기법에 종속되지 않고 자신의 개념과 내적 메시지를 표출하고자 한다. 이처럼 본 연구에서는 현대자수의 표현양상을 ‘조형언어를 적용한 재현방식, 다양한 매체와의 융합, 표현 대상의 다양화, 작업의도의 개념화‘의 네 가지 영역으로 분류하여 고찰해봄으로써 현대자수가 가진 조형적 가능성과 고유의 잠재적 가치를 조명(照明)하고자 한다.

학교미술치료가 초등학교 고학년 아동의 정서표현과 스트레스 대처행동 및 미술자기표현에 미치는 효과

홍현정,김선희 한국예술교육학회 2018 예술교육연구 Vol.16 No.1

This study investigates the influence of art therapy on elementary school senior-grade children, especially on their emotional expressiveness, stress coping strategies as well as art self-expression. For this purpose, the 4th grade children of two-classes were selected as a participant group in Seoul. With the consent of the principal, homeroom teachers, and parents, 30 participants of one class were assigned to the Experimental Group(EG) and 30 participants of the other class were assigned to the Control Group(CG). Excluding the data of participants dropout, 42 data were obtained. 20 data of EG and 22 data of CG were examined for the final analysis. EG children were provided with the weekly class of art therapy (eight sessions over a two-month period; one session per 40 min.) instead of regular art-class. CG children were not provided with any art therapeutic activities. Both group were evaluated with the scales of emotional expressivity and of stress coping strategies, as well as DAPR(Draw A Person in the Rain) assessment. In order to present the changes before/after the school art therapy, the paired samples t-test was conducted. Also, ASEA(Art Self-Expression Assessment) was measured in EG in order to examine the changes the art works. ASEA was conducted by selecting works of the 1st and 8th session of school art therapy. This study shows that the art therapy in school gives children a positive and meaningful influence on their emotional expressiveness, stress coping strategies and art self-expression. The result of this study proves that the school art therapy as a psychological service to elementary school students provides a supportive program, which is to prevent and reduce social and emotional problems. 본 연구는 학교미술치료가 초등학교 고학년 아동의 정서표현과 스트레스 대처행동 및 미술자기표현에 미치는 효과에 대해 검증하였다. 연구 대상은 서울시 N구에 소재한 사립 초등학교의 4학년 학급 아동을 대상으로교장, 담임교사와 논의하여 실험집단과 통제집단 2개의 학급이 선정되었다. 실험집단 1개의 학급에는 2017년9월 12일부터 11월 16일까지 주 1회 40분씩 총 8회기에 걸쳐 미술교과 수업시간에 학교미술치료를 실시하였다. 통제집단 1개의 학급에는 동일한 기간 동안 학교미술치료를 실시하지 않았다. 연구의 측정도구로 자기보고식 설문지인 정서표현 척도, 스트레스 대처행동 척도와 미술자기표현 평정척도(ASEA), 빗속사람그림(DAPR)검사를 활용하였다. 연구 방법으로 대응표본 t-검증을 실시하여 실험집단과 통제집단의 사전-사후 결과를 비교 분석하였다. 그 결과 실험집단 학급의 정서표현과 스트레스 대처행동의 평균 점수가 유의미하게 증가하였으며, 통제집단의 평균 점수는 유의미한 변화를 보이지 않았다. 실험집단의 미술자기표현 평정척도의 하위요인인 주제표현, 색채, 형태, 화면의 구성, 창의성 영역의 점수가 모두 유의미하게 향상되었다. 실험집단의빗속사람그림(DAPR)검사에서는 스트레스, 대처능력 점수는 유의미하게 상승하였고, 자원 점수의 변화는 유의미하지 않았다. 본 연구는 학교미술치료가 초등학교 고학년 아동의 정서표현과 스트레스 대처행동 및 미술자기표현에 긍정적인 영향을 미친 것으로, 실제 교육현장에서 학교미술치료가 초등학교 고학년 아동이 겪는 심리적, 사회적, 행동적 측면의 문제를 조기 발견하고 예방하는 데 효과가 있음을 입증한 것에 의의가 있다.

추상표현주의를 응용한 네일아트 디자인연구

이정아,태동숙 한국화장품미용학회 2023 한국화장품미용학회지 Vol.13 No.2

본 연구는 네일아트 디자인이 트랜드에 민감한 성향을 볼 수 있어 모방에 의한 디자인보다 전문가인 네일리스트들의 다양한 문화적 소재와 색상, 재료, 디자인을 추출하여 트렌드 연구와 함께 디자인 개발이 지속적으로 요구된다. 하지만 네일아트 재료들은 이미 포화상태가 되어가면서 정형적인 틀을 초월한 비정형적인 디자인이나 자연물에 영감을 얻어 융합을 시도하는 등의 유기적 디자인, 주체성이 애매모호 하고 추상적이며 기이학적인 디자인들이 등장하기 시작하여 현대미술에서 보여지는 추상표현주의 표현방법과 네일아트의 표현기법을 융합하여 개성있고 창조적인 네일아트 디자인 연구의 방향성 제시와 네일아트가 추상표현주의 미술적 영향을 받은 하나의 예술임을 규명하고 그 영역을 확대하는 데 있다. 추상표현주의의 드리핑, 타시즘, 색면추상, 서체추상 오토마티즘 등의 다양한 기법을 사용하여 회화에 나타난 추상표현주의 유형은 네일아트의 회화기법으로, 조형에 나타난 추상표현주의 유형은 네일아트의 오브제기법으로 나누어 10점의 작품을 제작하였다. 그 결과 네일아트와 추상표현주의의 예술적 연관성이 있는 표현기법 연구를 통해 네일아트와 추상표현주의가 한 장르임을 알 수 있었으며 네일아트 분야의 한계성을 뛰어넘고 독창성과 창의성이 돋보이는 다양한 연구가 이루어져 예술의 한 분야로 자리매김할 수 있는 가능성을 제시하고 네일아트 디자인 영역의 확장에 기초자료가 될 것으로 사료된다. Nail art designs have a tendency of being sensitive to trends, which raises a constant need to develop designs along with trend research by extracting various cultural materials, colors, raw materials, and designs from works by professional nailists rather than design by copying. As nail art materials are already in a saturated state, organic designs have begun to emerge which attempt at fusion by transcending typical frameworks and getting inspiration from atypical designs and natural objects along with abstract and geometric designs whose independence is ambiguous. This study aims to propose the directionality of research on individual and creative nail art designs, demonstrate that nail art was an art under the artistic influence of abstract expressionism, and expand its area by promoting the fusion of the expressive methods of abstract expressionism in contemporary art and those of nail art. The investigator made a total of ten works by employing various techniques of abstract expressionism including dripping, tachisme, color field abstract, calligraphic abstract, and automatism and dividing the types of abstract expressionism in paintings according to the painting techniques of nail art and the types of abstract expressionism in molding according to the objet techniques of nail art. The findings demonstrate that nail art and abstract expressionism belong to the same genre based on the research on expressive techniques artistically connected to nail art and abstract expressionism. The findings of the study will serve as basic data for diverse future studies highlighting the originality and creativity of the nail art field beyond its limitations, the possibilities of nail art establishing itself as an area of art, and the expansion of nail art designs.

미국에서의 예술의 자유의 헌법적 보호

김웅규(Kim, Woong-Kyu) 강원대학교 비교법학연구소 2014 江原法學 Vol.41 No.-

예술은 표현의 자유의 대표적인 영역이며 발전된 국가형태의 구성원리인 문화국가원리를 구현하는 것이라고 할 수 있으므로 법규범의 영역에서 보호받을 수 있는 개념과 그 내용 그리고 보호범위의 정립은 무엇보다 중요하다. 우리나라에서도 헌법 제22조에서 학문과 예술의 자유를 규정하여 헌법 제21조의 언론출판의 자유의 특별법적 가치를 법이론적으로 인정하고 있지만 실제 가치의 상대적 우위가 현실적으로는 구체적으로 이루어지지 않고 있는 것을 부인할 수 없다. 미국에서 순수예술이 수정헌법 제1조하에 어느 정도의 헌법적 보호를 받는 가 하는 문제는 표현의 자유과 관련하여 상대적으로 그 독자적 논의가 시작된 것이 그리 오래되지 않았지만 연방대법원의 판결은 예술도 그 다양한 형태를 떠나 수정헌법 제1조의 보호를 받는다고 판단하고 있다. 연방대법원은 예술적 표현이 헌법상 보호를 받는 이유에 대하여 대체적으로 다음 두 가지의 이유를 제시하고 있다. 첫째 예술은 향유자들의 내면에 영향을 주고 있기 때문에 구두 혹은 활자화된 언론의 기능과 유사점을 가진다는 것이다. 그리고 그 두번째 이유로서, 표현의 의미를 타인이 이해하는 지 여부와 관계없이 예술가의 순수한 자기표현행위를 들고 있다. 연방대법원이 형식에 구애받지 않고 예술적 표현은 수정헌법 제1조의 보호를 받는다고 판단한 입장은 지금까지 일관되게 유지되고 있지만, 예술적 표현이 정치적 사상같은 순수언론이 보호해온 영역에 관련된 경우 외에는 보호의 정도가 명확하지 않거나 전통적 언론보다 낮은 수준의 보호를 받는다고 다루고 있어 여전히 논의의 대상이 된다. 연방대법원의 명확한 입장이 정립되지 않고 있는 가운데 대부분의 연방항소법원들은 전통적 시각예술(그림, 조각, 스케치 등)은 일반적으로 보호된다고 하였다. 그러나 항소법원들은 자신들의 견해를 독자적으로 형성하여왔고 같은 항소법원내에서 조차도 동일하지 않은 의견들을 표명하고 있다. 본 논문은 우선 미국연방대법원의 판결을 중심으로 하여 예술의 의미와 그 보호의 이유 그리고 보호의 수준을 통시적으로 분석하고, 구체적으로 아직 연방대법원의 통일된 입장이 밝혀지지 않고 있는 현시점에서 연방항소법원에서 구체적으로 다루어진 시각예술작품과 관련된 사건들을 분석하여 미국에서의 예술의 의미와 그 보호영역을 고찰한다. Art and the determination of whether something qualifies as art have been the subject of heated debate in both the law and the humanities for a long time. U.S. Supreme Court Justice Oliver Wendell Holmes Jr. warned that judging the value of art is a “dangerous undertaking for persons trained only in the law.” Nowadays it is definitely clear that The First Amendment protects artistic expression . But what makes a thing artistic expression has not solved yet in the United States. Indeed, the Supreme Court has never precisely defined art. Though the Supreme Court has given no explicit answer to the question, its precedent cases provide some points with explaining why it deserves First Amendment protection. the Supreme Court has suggested two rationales for artistic expression’s constitutional protection. First, it has said that, because art influences the thinking of those who view or hear it, it resembles in function the spoken or written word. Second, the Supreme Court has noted that art should be protected by the First Amendment because artist’s self-expression has its own value regardless of whether such expression is intelligible to others. In addition, consistent with these rationales, the Supreme Court has insisted that artistic expression merits protection not merely as symbolic speech, but as pure speech. Still, some appellate courts require a surer analytical basis for understanding artistic expression than what the Court has provided and so have developed their own tests. Most appellate courts have concluded that the traditional visual arts (paintings, drawings, sculptures, pictures, and the like) are generally protected. There are some tests for discerning artistic expression made by appellate courts. First, for art to rise to the level of protected speech on First Amendment, it must constitute self-expression, one characteristic of which may be originality. Second, for a piece of artistically expressive merchandise or the activity of making or selling it to fall within First Amendment coverage, the Second Circuit requires that it pass a “dominant expressive purpose” test. With the various kinds of mediums and the changing standards of what is “artistic expression,” courts are likely to find themselves struggling with emerging questions in the future.