중국 ‘후냉전후’의 추상미술

문정희(文貞姬) 한국미술연구소 2013 美術史論壇 Vol.- No.37

While China had not made a full transition from its socialist system to a liberal system notwithstanding the market economy it adopted, the post-Cold War period dawned on it equally in the 1990s. The resolution of the National People’s Congress in 2002 to allow farmers to own private property then marked the beginning of the after-post-Cold War period in the country. Abstract art was generally considered in China as an American-centered legacy of the Cold War, but the scope of the discourse on this genre of art broadened significantly in the 21s century. That is, efforts have begun to be made to regard abstract art as part of China’s own national tradition. In particular, Ava Hsueh’s solo exhibition, entitled Flowing Reality, held at the National Art Museum of China in 2011 embodied the changing pattern of the acceptance and interpretation of abstract art in China. Hsueh, who was born in Mainland China, but immigrated to Taiwan, had her training in the pre-1970s academic tradition of Taiwanese art that synthesized elements of Japanese and Chinese styles. After studying at National Taiwan Normal University, Hsueh left for the United States in the mid-1980s, and experienced the last modernist debate in the abstract art community there. Since her return to Taiwan in the late 1990s, Hsueh has been working not only as an abstract artist, but also an art administrator and teacher. Her ability to build connections in across the Taiwan Strait was on full display in her solo exhibition organized with the help of the Chinese government. It is quite interesting that Chinese regard Hsueh’s work in a light different from the one accorded to other Taiwanese artists in the past. Her solo exhibitions show works that clearly differ from the “political pop” or the “post-1989 art” previously condoned under the socialist regime, but that are clearly capable of expressing a unique Chinese identity. Her Flowing Reality exhibition, in particular, captured how abstract art in Taiwan storve to return to its origins in the after-post-Cold War period. The images of desolation featured at the exhibition represent how the physical and psychological effects of desolation compel one to seek to return to one’s homeland in China against the grains of the external and superficial reality.

1950년대 일본 전위미술에 나타난 저항주의

후지무라 마이(Fujimura, Mai) 동아시아일본학회 2014 일본문화연구 Vol.0 No.52

In Japan, the resistant art movement flourished in the 1950s. During this period, the Japanese economy revived, and at the same time, various struggles due to a variety social issues arose the nation. As a response to different social contradictions, there were numerous attempts to rediscover the direction of post-war Japanese art from various perspectives. The youthful artists who pursued new realism against a revival of the art world’s authority were known to aim for “Post-War Realism.” They showed their true political colors. Post-War Realism slowly weakened during the late 1950s. This was due to the stabilization of Cold War structure and America’s political, military, and economic domination, which led to the strengthening of the Red Purge. The Japanese art world did not focus on the movement of post-war realism for quite a long period of time. In this article, I investigate the process of development from pre-war proletarian art to post-war realism, and I consider the fall of resistant art and analyze the reasons for why it was not successful.

구타이미술(具?美術)과 일본 전후(戰後) 모더니티의 경험

구나연(Gu Na Yeon) 한국미술사교육학회 2011 美術史學 Vol.- No.25

본 논문은 일본의 구타이미술협회(具?美術協會, 1954-1972 이하 ‘구타이’라 칭함)가 전후 모더니티를 경험하는 방식과 그것이 어떻게 이들의 작품에 반영되고 있는가에 관한 것이다. 본 논문은 크게 세 가지 문제를 다루고 있는데, 첫째 초기 구타이미술에 나타난 모더니티의 성격, 둘째 초기 구타이가 어떤 외부적 동인에 의해 회화그룹으로 전환되었는가, 셋째 구타이회화와 정치적 이데올로기와의 관계가 그것이다. 구타이가 경험한 전후 모더니티의 역사는 산업 생산성을 기반으로 한 자본주의와 미국 중심의 외교로 형성된 냉전하의 민주주의가 급속하게 진행되는 과정이었다. 따라서 이들의 미술에는 패전으로 상징되는 근대적 주체로부터의 이탈과 동시에 새로운 현대적 주체에 대한 인식의 교차 안에서 근원적인 변화에 대한 욕망과 체험이 담겨있고, 구타이의 활동에서 찾을 수 있는 미술사적 역류 역시 전후 일본이 제시하고 있는 보수와 혁신의 긴장, 미국의 세계전략 등의 현실적 영향들에서 자유로울 수 없었던 것을 보여준다. 더욱이 냉전체제 속에서 미국은 추상미술을 통해 미국적 자유이상의 가치를 문화적으로 선전하려는 열망을 가지고 있었고, 일본은 재벌 중심의 경제부흥과 자민당 출범과 같은 정치적 사건을 통해 보수적 민주주의라는 현대 사회의 근본 형태를 수립하게 된다. 따라서 구타이가 바로 이 시기 일본 앵포르멜의 대표자로서 활동했다는 것은 구타이가 설사 미처 인식하지 못했다 하더라도 구타이의 회화가 일본 사회가 수립한 보수적 민주주의의 가치와 냉전체제의 이데올로기를 적극적으로 수용했다는 정치성을 드러낸다. This paper is about the Gutai(1954-1972) and post-war Japanese modernity. It deals with three questions. Firstly, it is how modernity related in the Gutai and their works. Secondly, why the Gutai had to change to painting group. And lastly, what is the Gutai in modern Japanese political ideology in post-war. The modern history of post-war Japan in the Gutai had some connection with capitalism, democracy and cold war. Thur the Gutai art is the symbol that the modern subject(in pre-war) move toward the comtemporary subject in Japan. It is the desire for radical changes to advanced modernity. So flowing backward of Gutai on art history could explain the tension of the political conservatism between innovation and Socialism between American liberal propaganda in cold war. Besides it regarded the Informel painting and the abstract expressionism in same light as democracy. It rises to a political issues and high grows of Japanese economy. It is remarkable that the Gutai in this period was the best well-known art group of Japan. Because the Gutai embraced the conservative democracy and the ideology of cold war. And it is the reason of the changes from a radical experimental art group to a common painting group for the Gutai.

1950년대 전위예술에서의 전통 논쟁

아다치 겐(足立元),박소현(번역자) 한국미술연구소 2005 美術史論壇 Vol.- No.20

1950년대 일본에서 전위예술이 일본의 전통을 어떻게 표현했는지가 커다란 문제로 되어 있다. 본고에서는 지금까지 거의 연구되지 않은 그 시대상황에 주목해, 거기에 동시대의 건축사에 사용된 ‘전통 논쟁’ 이라는 말을 부연해 사용함으로써, 전후 미술사의 새로운 틀을 제시하고자 한다. 이 전통 논쟁의 시작은 미국 점령기 문화에 대한 반동으로도 생각할 수 있으나, 1950년에 일본을 찾은 미국인 조각가 이사무 노구치 (Isamu Noguchi)에 의한 부분이 크다. 당시 이미 미국에서 높은 평가를 받고 있던 노구치에 대해 일본인 예술가들은 미국의 모더니즘을 제시해 줄 것으로 기대해 크게 주목하였지만, 노구치는 역으로 일본의 전통을 모더니즘으로서 재발견하는 일을 일본인들에게 요구했다. 그리고 일본에 있는 동안, 스스로 공공미술과 테라코타 조각, 그리고〈빛〉이라 불리는 랜턴 등을, 독자적인 일본미술 인식에 기초해 재직해 갔다. 그것은 불상을 은연중에 부정하고, 정원석이나 정원에 나타나는 장소 및 환경을 작품 안에 끌어들이려는 예술관이었다. 또한 모더니즘에서 거슬러 올라가 중세와 고대의 예술관을 재현하려는 자세가 있었던 점으로 봐서, 노구치는 서양의 근대조각이라는 틀을 넘어선 포스트모더니즘의 선구였다고 할 수 있다. 노구치의 작품과 발언은 일본에서 커다란 반향을 일으켰다. 많은 미술가와 디자이너들이 그 전통을 새롭게 파악하려는 자세가 일본미술의 새로운 길을 보여주는 것이라며 공감하고 받아들인 반면, 그런 서양적인 일본 이해에 대해 위화감을 느끼는 회의적 반응도 널리 퍼져 있었다. 게다가 ‘일본적인 것’ 을 모더니즘으로 내세울 때의, 표현의 차이에서 오는 비판도 있었다. 어쨌든, 그러한 반향의 전모를 한마디로 요약하자면, 전통 논쟁이라 부를 수밖에 없으리라. 또한 건축사의 전통 논쟁도 미술의 전통 논쟁에서 발전한 것이라 할 수 있다. 그리고 이 시대의 노구치와 접한 건축가 단게 겐조(丹下健三), 화가 오카모토 다로(岡本太郞), 하세가 와 사부로, 꽃꽂이의 데시가와라 소후(勅使河原蒼風), 도예가 야기 가즈오(八木一夫) , 공업디자이너 겐모치 이사무(劍持勇) 등 장르를 초월한 예술가들이, 일본의 전통을 재고하고 새롭게 만들어낸 것이 국제적인 활동으로 이어졌던 것이다. 이 전통 논쟁의 시대적 배경에는, 국제미술전에서 분명히 드러난, 일본인 작가의 국내 평가와 해외 평가 간의 어긋남, 호류지 금당 소설과 문화재보호법 성립에 의한 전통의 대중화, 또한 사회주의 리얼리즘을 요청하는 공산주의에 실망한 전위 예술가들이 새로운 거점을 찾고 있던 상황 등이 있다. 그리고 1950년대 후반 이후 정치적 안정과 경제성장 속에서 전위예술가들의 일본 전통에 대한 질문은 사그러들었다. 그럼에도 불구하고, 1950년대 전통 논쟁은 그후 1960년대 말 이후의 모노하(もの派)와1 970년대 美共? 활동에 길을 열어준 선구로서 위치지울 수 있다. 결국, 이 전통 논쟁은 너무 빨리 온포스트모더니즘의, 일본에서의 최초의 수용이자, 전후 일본 예술의 국제적 전개의 시작이었다고 생각된다. The 1950s in Japan were greatly concerned with the question of how to express Japan's tradition in the domain of the avant-garde. This paper takes the term Controversies on Tradition (Dentou Ronsou.), more conventionally used with regard to the architectural history of the period, and amplifies it to focus on the prevailing climate of the times, with a view to putting forward a new framework of the history of postwar art. Although the onset of the Controversies on Tradition can be seen as a reaction to the culture of the American occupation, a considerable part was also played by Isamu Noguchi, a Japanese-American sculptor, who came to Japan in 1950, By this time, Noguchi had already won a considerable name for himself in the United States, Accordingly, artists in Japan, where he was the center of a great deal of attention, looked to him to impart American modernism, What he was after was quite the opposite: he wanted artists in Japan to rediscover the Japanese tradition as modernism, During his stay in Japan, he was also active in creating his own work inspired by his unique view of Japanese art.Among other creations, his works from this time include sculpture in terracotta, public art, and lanterns known as "Akari". It is a view that covertly denies Buddhist images, attempting to incorporate into the work itself a place or a setting, as is the case with the Japanese garden and garden rocks. In one sense, Noguchi can also be described as a forerunner of postmodernism, in that he went beyond the bounds of modem Western sculpture, showing a willingness to run against modernism and attempt to recreate an ancient or medieval artistic perspective. Both Noguchi's works and statements provoked an enormous reaction in Japan. While his initiatives to reinterpret Japanese tradition along new lines gained a sympathetic reaction from many Japanese artists and designers in as much as they saw it as pointing to new directions in Japanese art, there was nonetheless widespread skepticism. This arose from the fact that some felt uncomfortable with his westernized understanding of Japan. Criticism also arose from the difference in the orientation of the expression when portraying "things Japanese" in the form of modernism. When viewed as a whole, such reactions can simply be described as amounting to Controversies on Tradition. It is also possible to view the Controversies on Tradition in architectural history as having developed out of the same debate in the world of art. Some of the artists that came into contact with Noguchi during those days went on to rethink Japanese tradition, They included such artists whose activities spanned multiple genres as architect Kenzo Tange, painters Taro Okamoto and Saburo Hasegawa, ikebana artist Sofu Teshigawara, potter Kazuo Yagi, and industrial designer Isamu Kenmochi. And as a result of rethinking Japanese tradition, they also created it afresh, which led to their activities of the international scene. Possible elements forming the backdrop to the age in which this tradition debate arose include the gap revealed by international art exhibitions in the way Japanese artists were viewed at home and abroad, the destruction by fire of the main hall of the Horyuji Temple and the popularization of culture brought about by the passing of the Cultural Properties Protection Act. Another possible factor was that avant-garde artists were looking for something new to place their faith in after their disappointment with communism and its demands for socialist realism. And the political stability and economic growth that followed in the latter half of the 1950s saw a lull in the intensity with which avant-garde artists agonized about the tradition of Japan. Nonetheless, the Controversies on Tradition can perhaps also be seen as having opened up the way for the Mono-ha movement that got underway at the end of the 1960s, as well as of the Bikyoto movement of the 1970s. Ultimately, the significance o

정전(停戰) 이후 북한 사회의 일상―문학예술 속 전후복구 현실과 인민

유임하 역사문제연구소 2023 역사비평 Vol.- No.144

This article aims to examine the reality and people of post-war restoration reflected in everyday life in North Korean society after the Armistice Regime, especially in literature and art. At the moment of armistice, North Korean people expressed their joy of being freed from the fear of bombing. North Korean society turned the war into a memory of victory and started rebuilding industrial facilities in factories, rural areas, and cities in the restored daily life. In this reality, Newspapers and popular culture created war heroes, industrial heroes, and labor heroes to encourage political slogans and propaganda, but literature and the arts were given a role to educate communist human beings in addition to propaganda and agitation. This article noted that the two novels representing the “post-war recovery period” in North Korean literature history used politics and slogans as surface narratives, and reproduced characters and sub-subjects with the concrete image of the living world and feminine values in the reality. 이 글은 정전체제(Armistice Regime) 이후 북한사회의 일상, 특히 문학예술에 반영된 전후 복구의 현실과 인민을 살펴보고자 했다. 정전(Armistice)의 순간 북한 인민들은 폭격의 두려움에서 해방된 기쁨을 발언했다. 북한사회는 전쟁을 승리의 기억으로 바꾸며 되찾은 일상에서 공장과 농촌과 도시 일대에서 산업시설 재건에 나섰다. 이런 현실에서 신문과 대중문화에서는 전쟁영웅과 산업영웅, 노동영웅들을 만들어내며 정치적 구호와 선전 독려에 나서는 모습을 보여주었으나 문학예술은 선전 선동 외에 공산주의적 인간 교양을 담당하는 역할을 부여받았다. 이 글은 북한문학사에서 '전후복구 시기'를 대표하는 소설 정전(canon) 두 편이 정치성과 구호를 표층서사로 삼았다는 점, 작중현실 안에 생활세계의 구체상과 여성적 가치를 내장한 인물과 하위주체들을 재현해놓았다는 점 등에 주목하였고, 이를 통해 북한사회의 일상을 새롭게 읽어내는 독해의 가능성을 타진했다.

민중예술로서의 『허생전』

최주한 ( Choi Ju-han ) 민족문학사학회·민족문학사연구소 2018 민족문학사연구 Vol.67 No.-

이 글은 1920년대 전반기 신문예운동의 맥락에서 민중예술로서의 『허생전』이 갖는 문학적 실험에 주목하고 그 문학적 실천의 의미를 고찰하고 있다. 1920년대 전반기 이광수의 민중예술론은 당대 신문예운동의 선편을 쥐고 있던 동인지 문학의 폐쇄적 미학주의에 맞서 제기되었다. 신문예운동의 올바른 방향성을 조선민중의 정신적 부활의 도모에서 찾았던 이광수는 민중예술의 광범한 영향력에 주목했다. 그리고 조선민중이 골고루 향유할 수 있는 민중예술의 요건으로 작품에 대한 접근성과 ‘전통적 이상’에의 접촉에 주목 했다. 이러한 민중예술의 전범이 될 만한 문학적 원천으로 가장 먼저 불러낸 것은 연암의 「허생전」이었다. 이광수는 『허생전』에서 이야기꾼 화자의 구술적 전통을 활용하여 독자층의 확대와 공동체적 결속감을 꾀하는 한편, 조선민중의 오랜 구원신앙인 ‘남조선사상’의 재해석을 통해 전후 세계개조론에 호응하는 민족적 이상을 구축하여 연암의 「허생전」을 당대 맥락에 걸맞게 다시 써냈다. 민중예술로서의 『허생전』은 평이한 조선어의 구사와 민중적 전통의 재조명으로써 조선문학의 대중적 기반을 마련하는 데 기여했을 뿐만 아니라, 나아가 당대 세계사적 보편성의 지평에서 조선문화의 위치를 재정위하는 데 기여한 점에서도 중요한 문학사적 의의를 갖는다고 할 것이다. This article focuses on the literary experiment of Story of Heosaeng as a popular art and looks at the meaning of literary practice, in the context of the new literary movement in the first half of the 1920s. In the first half of the 1920s, Lee Kwang-su’s theory of popular art was raised against the closed aesthetic of literary coterie magazine, which was dominated by the new literary movement of the time. Lee Kwang-su, who sought the right direction of the new literary movement in the quest for the spiritual resurrection of the Joseon people, noted the widespread influence of popular art. And he noted on the accessibility of works and the contact of “traditional ideals” as a requirement for popular art enjoyed by the Joseon people. The first summoned literary source likely to become a example in popular art was Yeonam’s Story of Heosaeng. Lee Kwang-su used the oral tradition of the narrator in Story of Heosaeng to promote a sense of community unity and expansion of the readers. And he rewrote Yeonam’s Story of Heosaeng in response to the theory of post-war world reform, through the re-interpretation of the “NamJoseon Thought” a long history of Joseon people’s belief. Story of Heosaeng as popular arts contributed not only to the establishment of the popular foundation of Joseon literature through the use of simple Korean language and the reinvestigation of popular traditions, but also to the reestablishment of Joseon culture in the universal cultural horizon of the time.

전후(戰後) 프랑스 체재 외국인 미술가들과 문신

박신영 미술사연구회 2023 미술사연구 Vol.- No.45

문신은 한국과 일본에서 회화 작업을 하다가 마흔에 가까운 나이에 도불하여 구상에서 추상으로 이행하고, 조각을 시작했으며 전후 프랑스에서의 경험을 통해 국제적인 미술가로 부상한다. 본 연구는 문신의 조형적 변화에 중요한 분기점이 되었던 프랑스 체류 기간에 주목하여 국제적으로 복잡다단했던 전후(戰後) 프랑스 문화예술계의 외국인 예술가들의 정황과 문신이 교류하고 목격했을 미술가들을 살펴, 문신의 예술을 국제 미술사의 맥락에서 읽어내 보고자 시도한다. 20세기 초의 ‘에콜 드 파리’보다 한층 더 다양한 국적의 작가들이 프랑스 미술계에 진출하여, 전후 파리의 외국인 미술가들은 ‘누벨 에콜 드 파리(Nouvelle École de Paris)’라는 이름으로 수식되었다. 본고는 문신과 직간접적으로 교류한 ‘누벨 에콜 드 파리’ 작가들을 구체적으로 살피고 1960~70년대 문신의 주요 활동들이 전후 프랑스 미술계의 역동적인 변화들과 맥을 함께 했다는 것을 밝혔다. 그를 통해 문신이 국제 미술계의 조류를 기민하게 번역하고 능동적으로 해석하는 과정을 거치면서 독창적인 조형 세계를 구축했음을 확인할 수 있었다. 문신이 목격하고 취사선택한 세계를 이해하기 위해, 그를 ‘누벨 에콜 드 파리’ 작가들과 같은 선상에 두고 국제적 관점에서 살핀 본 연구는 문신의 예술을 한층 더 입체적으로 이해할 수 있는 단초를 마련한다.

탈냉전 이후 유럽 아동 난민 영화 - <영원과 하루>, <인 디스 월드>, <르 아브르>를 중심으로

송효정 ( Song Hyojoung ) 한국민족연구원 2016 민족연구 Vol.0 No.68

탈냉전 이후 양산된 난민은 영화적 재현을 통해서도 그 모습을 드러내왔다. 유럽주변부에서 벌어진 지정학적 파탄은 수많은 난민들을 유럽으로 유입시켰다. 본 연구는 유럽의 예술영화 중 아동 난민을 소재로 한 세 편의 극영화에 주목하였다. 테오앙겔로풀로스의 <영원과 하루>(1998)는 죽음을 앞두고 미완의 시를 완성하려는 시인이 알바니아계 어린 난민을 돕는 와중에 궁극의 언어에 다가가는 과정을 다룬다. 마이클 윈터바텀의 세미-다큐멘터리적 극영화 <인 디스 월드>(2002)는 아프가니스탄출신 난민 소년들이 경험하는 월경의 과정을 사실적으로 따라간다. 아키 카우리스마키의 <르 아브르>(2011)는 항구마을 구두닦이와 그의 친구들이 가봉 출신 난민소년에게 베푼 무조건적 자비를 다루고 있다. 리얼리즘적으로 재현된 <인 디스 월드>는 손쉬운 동정이나 연민의 감정에 호소하지 않고 절제된 형식으로 난민 소년이 처한 현실의 바깥만을 보여주었다. 이와 달리 고도로 양식화된 영화 <르 아브르>는 복음주의적 신비주의를 활용해 난민의 수난이라는 현실적 이야기와 병의 치유라는 신비적인 우화를 뒤섞었다. <영원과 하루>는 거처와 주권을 잃은 존재자들인 난민과 시인-망명자가 서로 정서적으로 감응하는 과정을 서정적으로 그려냈다. 유럽의 시선으로 비유럽의 미성년을 바라본다는 비판에서 세 편 역시 자유로울 수 없었다. 그럼에도 조건 없는 자비와 기꺼이 연루되고자 하는 책임의 윤리의식을 보여주고 있다는 점에서 위 영화들의 시도에 어느 정도 의의를 부여해 봄직하다. 이 영화들에는 서사에 긴밀하지 않은 농담, 우화, 시가 등장한다. 명징한 의미로 해석되지 않는 언어적 요소들을 살펴봄으로써 영화가 보여주는 윤리와 미학의 양상을 살펴볼 수 있었다. Refugees have been increasing since the end of the Cold War, and this aspect can be confirmed through cinematic representation. The geopolitical devastation, especially in the periphery of Europe, has brought many refugee into Europe. This study focuses on the three feature films of child refugee in European art house films. The Eternity and the Day (Theodoros Angelopoulos, 1998) deals with the process of approaching the ultimate language while a dying poet helps Albanian refugees. As semi-documentary feature film, In This World (Michael Winterbottom, 2002) follows Afghan refugee boys through the border. Le Havre (Aki Kaurismaki, 2011) shows the process of helping a refugee boy from Gabon in the style of a mystical fable. In This world, doesn`t appeal to cheap compassion but shows only outside of reality in a restrained form. The stylistic film Le Havre utilizes evangelical mysticism. It mixes up with the real story of the passion of refugees and the mystical fable of healing the sickness. Eternity and the Day deals with beings who have lost shelter and sovereignty. It lyrically depicts the process that refugee and exile-poet emotionally react to each other. These works are not free from critics, because they are looking at the non-European under-age through tthe eyes of European subjects. Nevertheless, it has meaning that they show unconditional mercy and an ethics of responsibility to be willing to engage with refugee boys. Meanwhile there are unfamiliar jokes, strange fables, and equivocal poems in three narratives. By examining the linguistic factors that are not interpreted in a clear sense, we can see the moral and aesthetic aspects of the films.

오노 요코의 <그레입프루츠(Grapefruit)> : 공포와 좌절, 아브젝시옹(abjection)의 퍼포먼스

우정아 미술사와 시각문화학회 2007 미술사와 시각문화 Vol.6 No.-

오노 요쿄의 초기 퍼포먼스는 주로 페미니즘 미술의 시발점이나 개념미술에서 표방하는 제도비판의 일환으로 해석되어왔다. 그러나 오노의 작품은 보편적인 페미니즘 이론이나 제도비평이라는 추상적 논리로는 환원되지 않는 공포와 좌절이라는 구체적인 감각을 수반한다. 이 논문에서는 줄리아 크리스테바의 "아브젝시옹" 이론을 바탕으로 퍼포먼스의 구조를 분석하고, 작품에서 드러나는 비관습적인 재현방식이 아방가르드의 정치적 저항으로 연결되는 해석의 틀을 제시한다. Yoko Ono's Grapefruit: The Performance of Horror, Frustration, and Abjection Jung-Ah Woo This paper deals with Yoko Ono's Of A Grapefruit in the World of Park in its multiple forms of poetry, musical score, and performance. The artist's seemingly private desire for acceptance and her fear of rejection are accounted for in terms of the fundamental loss of nation. This locus of loss is further related to Ono's exploration of the structural impossibility of representation. In place of conventional representation, Ono's works mobilize fragmented texts, hidden images, and disorderly theatrical ambience as a means to reenact the psychophysical effects of the horror, as well as generate the anxiety, of the ultimate failure of communication. Indeed, Ono's profound anxiety in relation to the devastating impact of recurring war and the pressing question of art's political responsibility were implicitly and explicitly inscribed in her body of works. The tension between the ascetic, sophisticated, and highly aesthetic realm of the Zen paradigm and the violent, corporeal, and extremely resistant sphere of "authentic" Japanese culture fueled the dynamics of Ono's practices within the context of Japanese avant-garde art of the 1960s. The issues of cultural origin are theorized in terms of the abject and poetic language as conceived by Julia Kristeva. Ono's Cut Piece, undoubtedly her signature work, is a startling embodiment of the longing for a collective unity on the one hand, and a horrific display of violence against differences for the sake of the unified community on the other. Significantly, this frustrated desire for communal unity was later channeled into political protest during the turbulent era when memories of Hiroshima overlapped with the disaster of the Vietnam War.

전쟁과 혁명의 수사학이 다다른 자리 : 남북문학예술연구회 엮음, 『전쟁과 북한 문학예술의 행방』, 역락, 2018_남북문학예술연구회 엮음, 『전후 북한 문학예술의 미적 토대와 문화적 재편』, 역락, 2018

최현식 상허학회 2019 상허학보 Vol.56 No.-

This article is drafted as the critique on War and Scheme of Literary Art of North Korea and Aesthetic Foundation and Cultural Re-organization of Literary Art of North Korea after the War that are published by ‘ South and North Korean Literature & Arts Research Society’. First is the earlier mentioned book. The theorists contemplate critically on how formation and flow of socialism construction of North Korea through war and revolution in the aspect of the ‘media perspective’ under the position of search for truth based on facts. Subject of study embraces the poetry and novels related to war and revolution, leaflets scattered around the front and rear base, ‘Cultural Maneuvering Unit’ and ‘Battle line Music Unit’ that enhances the mind set for combat, patriotism and hatred against enemy, indiscrete bombing of the US military, inhumane biological warfare and others. The characteristics of these articles show the dimensional display of the life style, ideologies, literary art of North Korea during the Korean War and the recovery period before and after the War based on the primary data and various texts. In addition, they objectively review on noble patriotism and spirit of sacrifice of people and soldiers of North Korea for the socialist revolution with the victory in the War and how the internationalism of the Soviet and China that allied with North Korea in the War has taken the place thereafter. Next is the second book. The keywords of this book are ‘socialist realism’ and ‘Prospect of Communism’. The theorists focused on displaying the process of purge of the KAPF lines and Namrodang (South Chosen Labor Party) following literature men after the War and the reasons behind it. The main method is to display the scheme of the literacy journals and clarify the adverse evaluation and cause of deletion on the works of applicable writers. In addition, the issues involving the prospect of communism’ are viewed through the issues of feminine culture and nurturing of war orphans, removal of coarse voice in the music industry, and literature of poet Baek Seok and the purge status. The attention is given to the development of childhood literature and scientific novels under the socialism, but the critical aspect is to display the process of birth and settlement of revolution tradition on anti-Japan armed struggle by Kim, Il-sung, and ensuing anti-Japan literature through detailed works, memoirs and the like. 이 글은 남북문학예술연구회가 펴낸 『전쟁과 북한 문학예술의 행방』 및 『전후 북한 문학예술의 미적 토대와 문화적 재편』에 대한 서평으로 작성된다. 먼저 『전쟁과 북한 문학예술의 행방』이다. 논자들은 ‘매체론적 입장’에서 전쟁과 혁명을 통한 북한 사회주의 건설의 형상과 흐름이 어떻게 이뤄지고 있는가를 실사구시의 입장에서 비판적으로 통찰한다. 연구대상은 전쟁과 혁명에 관련된 시와 소설, 전장과 후방에 두루 뿌려진 삐라, 전투심과 애국심, 그리고 적개심을 고취하는 문화공작대 및 화선(火線)음악대, 미군의 무차별적 폭격과 비인간적인 세균전 등을 포괄한다. 이 논고들의 특징은 1차 자료와 다양한 텍스트에 근거하여 북한의 한국전쟁 당시와 전후 복구기의 생활과 이념, 문화예술을 입체적으로 그려낸다는 것이다. 또한 전쟁에서의 승리와 종전 후 사회주의 혁명을 위한 북한 인민과 인민병사들의 고상한 애국주의와 희생정신, 북한을 도운 소련과 중국의 국제주의가 어떻게 펼쳐지는가도 객관적으로 검토한다. 다음으로 『전후 북한 문학예술의 미적 토대와 문화적 재편』이다. 이 책의 핵심어는 ‘사회주의 리얼리즘’과 ‘공산주의의 전망’이다. 논자들은 전쟁 후 KAPF계열 및 남로당계 문인들의 숙청 과정과 그 까닭을 집중적으로 파헤친다. 주된 방법은 문학잡지의 향방을 밝히는 한편 해당 작가들의 작품에 대한 부정적 평가와 삭제의 원인을 구명하는 것이다. 또한 공산주의 전망 문제를 여성의 교양과 전쟁고아 양육 문제, 음악계의 탁성 제거 및 시인 백석의 문학과 숙청 상황을 통해 조망한다. 사회주의아래의 아동문학과 과학소설의 발전에도 눈길을 돌리지만, 역시 결정적인 것은 김일성의 항일무장투쟁에 대한 혁명 전통화, 그에 따른 항일 문예의 탄생과 정착 과정을 구체적인 작품과 수기 등을 통해 밝힌 것이다.