2000년대 이후 섬유디자인에 나타난 스트라이프 패턴 연구

한정임 ( Jung Im Han ) 한국패션비즈니스학회 2011 패션 비즈니스 Vol.15 No.2

Stripe has been one of the all-time favorite fabric patterns so far and the usages have been widely applied of nearly everything ranging from everyday dress to interior fabrics. As the times change, patterns of this simple geometrical design have gradually become varied. Many effects of stripe patterns have allowed the patterns to be used in fabrics for fashion design and the patterns are considered fit for expressing individual characteristics. By studying theoretical background on categories of stripe patterns and the characteristics as a design and by researching the trends and properties exhibited in the modern fabric design, this paper will seek the potential of stripe patterns for design of a modern sense and the directions to express the patterns as a value-added design. This research was conducted through literature, books published at home and abroad, research papers and photographs on stripe patterns. Domestic magazines, web research, and photographs published since 2000 were studied for an analysis of the trends and characteristics of stripe patterns displayed in the modern fabric design. As the results, this research will explain the tendencies of stripe patterns on the modern fabric designs divided into several ways: simple and restrained modernity, active and sporty property, mannishness putting practicality forward-emerging as the status of women rises, and femininity emphasizing elegant women. The characteristics of the Plastic are categorized simplicity, rhythmicality, and Mixing of patterns.

카슈미르 숄 디자인에 관한 연구

한정임(Jung Im Han) 한국디자인문화학회 2010 한국디자인문화학회지 Vol.16 No.3

현대인은 삶의 질이 향상되면서 디자인을 문화적인가치로 인식하게 되고, 점차 다양한 문화권에 대한관심과 연구가 확대되고 있다. 또한 텍스타일과 패션디자인에 있어서도 독특함과 창의성을 추구하게 되면서, 각 지역의 문화적인 요소들을 다양한 에스닉한 디자인으로 발전시켜 디자인에 반영하는 경향이 나타나고 있다. 본 연구자는 인도의 문화적인 요소를 포함하고, 과거나 현대의 텍스타일과 패션디자인뿐 만 아니라 생활용품에까지 많이 응용되고 있는 카슈미르 숄에 대한 연구를 통하여 카슈미르 숄에 나타나는 전통적이고 창의적인 디자인 요소들의 다양한 방법으로의 활용가능성과 현대적 감각을 응용한 카슈미르 숄의 미래지향적인 텍스타일과 패션디자인으로의 발전방향을 모색하는데 그 목적이 있다. 따라서 본 연구는 카슈미르 숄에 대한 이론적 고찰과 디자인의 특징에 대하여 1600년부터 유럽으로 퍼져나간 1800년대를 중심으로 소재, 색채, 패턴, 제작방법에 대하여 연구하고, 나아가 카슈미르 숄의 페이즐리 문양이 현대 텍스타일디자인에 표현된 사례를 2000년대 이후의 텍스타일과 패션디자인에서 분석하였다. 본 연구의 결과는 카슈미르 숄은 중앙아시아나 티베트고지에서 산양이나 야생염소의 가는 털을 사용하여 전문가들에 의해 전통적인 능직의 타피스트리 기법으로 제직한 직물이다. 또한 유럽으로 전파되면서 증가되는 수요를 충족시키기 위하여 유럽에서는 점차 새로운 숄의 제작 방법을 모색하게 되었다. 카슈미르 숄의 디자인에는 주로 솔방울 패턴이 사용되었으며, 시대에 따라 점차 패턴의 크기나 표현방법이 변화하여 유기적인 형태로 발전하게 되었다. 현대 텍스타일디자인에 표현된 페이즐리 문양은 텍스타일디자인뿐 만 아니라 패션, 벽지, 인테리어소품 등 그 응용 분야에 제한이 없었다. 또한 색상과 패턴, 소재에 있어서 시대의 트렌드에 맞게 변화하였다. 즉 페이즐리 패턴의 단순화와 강렬한 색상 대비보다는 파스텔 색상의 사용, 패턴 반복과 배치방법의 변화, 프린트나 레이스기법 등을 사용함으로 전통적인 위빙에 의한 제작방법에서 탈피하였다. 따라서 점차 카슈미르 숄 디자인의 전통적인 이미지에서 벗어나 현대적인 기법과 감각을 활용한 다양한 표현방향을 모색하고 있다고 볼 수 있다. As quality of life in the modern era improves, designs have been recognized as a cultural value and the interest and research on diverse cultures have been grown gradually. As novelty and creativity have been pursued in textiles and fashion designs, cultural elements have developed into a variety of ethnic designs, which have been employed in the design field. The purpose of this study is to seek possibilities of diverse usages of the traditional and creative designs in Kashmir shawls and to establish the direction of development into future-oriented textile and fashion designs, through researching on the designs which have Indian cultural elements and have been applied to textile and fashion designs and even in various things in everyday life. Therefore, this research of theoretical understanding and characteristics will be conducted on materials, colors, patterns and manufacturing processes in the period the designs from 1600s to 1800s when Kashmir shawls began to spread to Europe. Furthermore, paisley motifs of Kashmir shawls, employed in the modern textile designs, will be analyzed centering on the cases produced after 2000. According to the research, the Kashmir shawls are weaved through twill-tapestry, a characteristic technique of the classic Kashmir shawl, using soft and thin hair of mountain goats or wild goats found in the Central Asia or Tibetan highlands. As the Kashmir shawls spread to the European continent, new manufacturing methods were sought to meet the increasingly growing demands. Pine cone patterns were mainly used in the designs and the sizes and expressions varied with the times, developing into an organic form. Reflected on the modern textile designs, paisley motifs were also applied to unlimited forms including fashion, wall paper and interior designs. Besides, their colors, patterns, and materials have evolved as trends of each era change. That is to say, by simplifying paisley patterns, using pastel tones of colors rather than colors with stark contrasts, varying patterns, repetition and arrangement or employing printing or lace techniques, the industry have moved away from traditional weaving processes. Therefore, diverse expressions of Kashmir shawl designs have growingly been moped around with a help of contemporary techniques and touches rather than traditional images.

페루 직물의 기법과 문양디자인에 관한 연구

한정임(Jung Im Han) 한국디자인문화학회 2006 한국디자인문화학회지 Vol.12 No.1

소니아 들로네의 텍스타일디자인에 관한 연구

한정임(Jung Im Han) 한국디자인문화학회 2010 한국디자인문화학회지 Vol.16 No.1

소니아 들로네(Sonia Delaunay)는 자신의 순수 회화를 텍스타일과 패션디자인뿐 만 아니라 무대디자인과 장식미술에까지 도입하여 실용예술로 발전시켰으며, 나아가 하나의 종합예술로의 방향을 제시한데 그 의미가 크다고 볼 수 있다. 따라서 본 연구자는 그녀의 예술세계와 텍스타일디자인을 통하여 그녀가 추구한 예술경향과 오늘날까지 꾸준히 관심을 받고 있는 그녀의 텍스타일디자인에 대한 특징과 요인들을 살펴보았다. 또한 그러한 특성들이 현대 텍스타일디자인에 미친 영향으로, 현대 예술에서 나타나는 경향들에 관심을 갖고, 예술과 텍스타일디자인과의 접목을 시도한 것에 대하여 살펴보았다. 연구 방법은 소니아 들로네에 관한 문헌 및 연구 자료를 통하여 그녀의 예술세계에 대한 이론적 배경과 그녀의 텍스타일디자인에 대한 특징들과 그러한 특성들이 현대 텍스타일디자인에 미친 영향들을 작품사진과 함께 살펴보았다. 연구 범위는 주로 그녀의 초기 회화작품 경향과 본격적으로 텍스타일디자인을 시도한 1910년 이후부터 가장 활발한 활동을 한 1930년대까지의 텍스타일디자인 작품을 중심으로 하였다. 또한 그러한 특성들이 현대 텍스타일디자인에 미친 영향을 2000년대 이후에 패션과 텍스타일 디자인에서 나타나는 사례들에 관하여 살펴보았다. 연구 내용으로는 소니아 들로네(Sonia Delaunay)의 예술세계는 포비즘(Fauvism)의 강렬한 색채사용과 오르피즘(Orphism)적인 요소의 영향을 받으면서 발전하였으며, 쉐르브(Chevreu)의 `색채동시대비의 법칙`은 그녀 작품의 근간을 이루고 있다. 그녀의 텍스타일디자인에 나타난 특성은 주로 선, 삼각형, 정사각형, 나선형 등의 기하학적 문양과 색상대조에 의한 다양한 스트라이프의 추상적 디자인으로 주로 나염으로 제작 되었다. 또한 원색위주의 강한 색채대비와 기하학적인 패턴에 의한 다이나미즘적인 특징을 나타낸다. 이와 같은 연구를 통하여 그녀의 끊임없는 예술에 대한 실험정신과 텍스타일디자인을 하나의 예술로 생각하고 발전시킨 그녀의 예술철학을 살펴보는 것도 큰 의의가 있다고 본다. Sonia Delaunay introduced her own fine art to stage set design and decorative art as well as textile and fashion design and advanced it to applied arts, which is meaningful in that her work showed the way to the integration of arts. Through her art works and textile designs, this paper looks into study on the arts she pursued and significant characteristics and elements of her textile designs which still draw the attention from the world. This paper also examines the attempts to incorporate fine arts and textile designs attentively with interest in the tendencies appearing on modern arts in which characteristics of her works have influence on modern textile designs. Along with pictures of her works found in the literature and reference materials, research methods are to probe into the theoretical background of her art world, and the characteristics of her textile designs and the influences on modern textile design works. The scope of the research is mainly about her earlier paintings and the textile designs from 1910 when she began fabric designs in full-scale to 1930s at the height of her creative performance. To study her influences on the modern textile designs, this paper also searches cases and examples emerging in the fashion and textile designs after 2000. This study concludes that Sonia Delaunay`s art world was developed under the influence of use of strong colors in Fauvism art and elements of Orphism art and established on the basis of Chevreu`s "principle of simultaneous contrast of colors." The distinction of her textile works rests on the geometric patterns such as line, triangle, square and spiral and abstract designs in a variety of stripes with contrast colors, which were mostly printed. Her works remarkably feature contrast consisting of intense primary color and dynamism of geometric patterns. Through this research it is significant to examine her spirit of tireless experiments in art and her philosophy of art in which she recognized textile designs as a field of art and advanced it to the mature level of art.

애니 알버스 직물세계에 대한 고찰

한정임(Jung Im Han) 한국디자인문화학회 2002 한국디자인문화학회지 Vol.8 No.1

조선시대 전통깃발의 특징에 관한 연구

한정임(Jung Im Han) 한국디자인문화학회 2012 한국디자인문화학회지 Vol.18 No.1

우리의 전통깃발은 예로부터 전해오는 민족적인 신앙이나 미의식의 반영으로 우리 전통사회의 생활저변에 자리 잡고 있으며, 다양한 기능과 목적으로 사용되었다. 예를 들면 군대에서 사용했던 군기, 왕실의 노부 때 사용하였던 의장기, 무속이나 신앙으로서의 서낭기, 동제를 지내거나 두레 때 마을의 상징으로 사용한 농기, 어부들의 풍어 기원을 위한 풍어제에 쓰인 서낭기와 봉기, 제례에 사용된 만장 등의 사용을 볼수 있다. 또한 깃발은 현대 미술에서 대규모 깃발의 형태로 야외 깃발 전시를 제시하여 새로운 예술의 형태로 나타나고 있다. 본 연구는 우리의 전통깃발에 대한 이론적 고찰과 조형적 특성에 대한 연구를 통하여 전통깃발이 가지고 있는 문화적, 예술적 가치를 고찰하여 전통의 재발견과 함께 새로운 예술적 가치를 가진 깃발 디자인으로 발전할 수 있는 자료를 제공하는데 그 연구 목적이 있다. 연구 방법은 조선시대이후의 우리의 전통깃발에 대한 문헌 및 국내외 단행본, 연구논문, 작품사진 등의 연구 자료를 통하여 문헌 고찰하였고, 전통깃발에 대한 조형적 특징들을 분석하기 위하여 조선시대이후의 전통깃발에 나타나는 작품사진과 국내 잡지, 인터넷자료 등과 함께 살펴보았다. 연구 결과는 우리의 전통깃발은 우리의 문화에 영향을 준 모든 사상들이 복합적으로 담겨있는 하나의 상징이며 언어의 은유적 표현이다. 깃발에 나타나는 색상은 주로 우리나라 전통색채 관념인 음양오행의 영향을 받아 오방색을 사용하였으며, 문양에는 사신을 비롯하여 영수, 십이지신 등의 동물문, 천상문, 신인문, 부적문 등 다양하게 나타난다. 이러한 깃발에 나타나는 문양들의 의미와 상징 그리고 그 사상적 배경은 매우 의미가 크며 다양하다고 볼 수 있다. 따라서 깃발은 고대인의 토속적 민간신앙이 바탕이되고, 그것이 시대에 따라 변천되면서 동양철학과 전통적 관념이 함께 어우러져 고유한 상징성을 부여한 것으로 볼 수 있다. The Korean traditional flag, reflecting its long-standing national religions or its sense of aesthetics, has been underlying in the traditional society and has been used for a variety of functions and purposes. For example, there are military flags, ceremonial flags for royal procession, tutelary deity flags for shamanistic or religious use, farmers` flags for community rituals or farmers` cooperative groups, local god flags or oriental phoenix flags for fishermen`s rituals for a big catch, funeral streamers in the memorial service. Flags also emerged as a new modern art form as witnessed in a display of a massive array of flags in the field. Through the theoretical understanding and the research on the formative characteristics on the Korean traditional flags, this study will examine the cultural and artistic values, which, along the rediscovery of tradition, will help develop the culture of flags with the new artistic values. The method of research is to examine literatures, books published in and out of the country, research paper, and photographs on the Korean traditional flags from the Chosun Dynasty in the Korean Peninsula. To study the formative characteristics, pictures and photographs, domestic academic journals, and materials from the Internet on the traditional flags from the Chosun Dynasty in the Korean Peninsula (14C∼20C) were analyzed. The result of this study is that the Korean traditional flag is a metaphorical expression of the language and a symbol in which the combination of all the thoughts that have influenced our culture resided. Due to the influence of Yin-Yang and the Five Elements theory, which Korean traditional colors were relie upon, five directional colors (blue, red, and yellow, plus white and black) were used for the flags. Flag patterns include animal patterns such as the four-animal saints (gods), auspicious animals, the zodiac animals, astronomical patterns, Taoist hermit patterns related to Taoist thoughts, and amulet patterns. The meanings and symbols, and the ideological background that can be seen in a number of patterns of flags are diverse and of great significance. Therefore, the flags were based on the ancient folk beliefs, and, as time went by, this had been harmonized with Eastern philosophies or the traditional notions, which gives a unique symbolism to the Korean traditional flags.

나바호 인디언들의 직물디자인에 관한 연구

한정임(Jung Im Han) 한국디자인문화학회 2006 한국디자인문화학회지 Vol.12 No.3

곱트 직물 디자인에 관한 연구

한정임(Jung Im Han) 한국디자인문화학회 2005 한국디자인문화학회지 Vol.11 No.3

페루 직물의 특성에 관한 연구

한정임(Jung Im Han) 한국디자인문화학회 2005 한국디자인문화학회지 Vol.11 No.2s

한국 샤머니즘 표상을 통한 컴퓨터위빙의 조형연구

한정임(Jung Im Han) 한국디자인문화학회 2013 한국디자인문화학회지 Vol.19 No.4

Shamanism has been the strength to Koreans for a long time. It has appeared as shamanic faith and astraditional faith in our culture and still remains as popular belief, which greatly affects Korean`s sentiment. However, the cultural, artistical, and philosophical value of Shamanism have been derogated in Korean art. Even more, Shamanism has been considered as entertainment or one of the old custom that is expected toextinct soon in Korean culture. Again, the author of this study has tried to explore Shamanism that has taken place in our conscious andunconscious form the ancient time. Also, focused on Shamanism`s symbolic expression of unique elements ofKorean tradition, the author has reinterpretated Shamanism in the researcher`s perspective and expressedShamanism as fiber arts through computer weaving. First of all, to fully understand the universality and complex characteristics of Shamanism and Shaman`s special mind, the author studied literatures on Shamanism and symbolism of Shamanism in ancient Koreancountries like Gojoseon, Goguryeo, Silla, Gaya, and etc. Through the use of computer weaving, the author hasresearched and expressed symbolism of Korean Shamanism in four categories: Birth of Divinity, Ordeal andDeath, Rebirth, and Eternity and Jubilance. Birth of Divinity is the "holiness" that people can depend on and where the power of shaman comes from. Ordeal and death is the “physical pain” that the shaman goes through in order to submit to the wills ofgods. Rebirth means the "restroration, return, and exchange" that Shaman who gained the ability of Rebirth, livesfor the community, and fulfills his or her duty. Lastly, Eternity and Jubilance overcomes the mythological concept of "Shamanism is only the response andpromise of god" and explains how living in the present is living with gods through Shamans. To express the symbolism of Korean Shamanism, silk is used as material to present Shaman`s costume andOh-bang-saek, the five traditional colors of Korea, is used commonly in the art work. Also, the Theory ofYin-Yang and Five Elements is described with Oh-bang-saek, Sand-seng-gan-saek, the combined similar fivetraditional colors, and Sang-geuk-gan-saek, the combination of complementary five traditional colors. The formis based on the figures that are used in Shamans` costumes and tools. The patterns of circle, concentric circle, square, rhombus, triangle, and chinese character of mountain (山), leaving (出), and person (人) are used topresent form. Moreover, the symbolism of Korean Shamanism can be found in the Jang-seung and Sot-dae, the gods whoprotect the village, and the ceremonies to comfort the deads. The analysis is base on the Nam June Paik, Saeng Kwang Park, and many other Korean fiber artists who properly designed Korean traditional colors andsymbols. Based on these concepts, the author created 14 art works that symbolize the Korean Shamanism with plainweave, twill weave, double weave, and various weaving methods by using the computer weaving. The 14 artworks are classified in four categories: Birth of Divinity, Death and Ordeal, Rebirth, and Eternity andJubilance. Shamanism, as the Medium between human and god, is expressed in translucid form. In the art works, theauthor related and restructured the repeating ceremony and the rites of passage of Shamanism. Also, the useof horizontal form describes the spiritual journey. Through the study of Shamanism and producing the art work based on the study, the author came to a conclusion that Shamanism has been the hope for the better life and still remains as strength to the modernpeople. Also, it has a possibility to go over our own cultural value and be reconstituted globally. The author has made an effort to bring up the unique elements of Korean tradition for the universality. Moreover, the author hopes the research and art works could be an opportunity to prepare the foundation forthe globalization of Korean value in fiber arts.