제조업의 서비스화 단계 유형 프레임워크 기반 가구 산업의 서비스화 전략 제안

김유라 홍익대학교 산업미술대학원 2021 국내석사

한국의 제조 산업은 짧은 기간 동안 한국경제를 비약적으로 성장시키는 원동력이었다. 하지만 최근 지속되는 저유가와 세계 경제의 대외환경 악화 등의 이유로 한국 경제의 수출량 증가율이 점차 감소 추세에 있다. 이러한 상황에 서비스화가 제조 기업의 경쟁력을 강화하기 위한 방안으로 대두되고 있다. 본 연구는 제조 산업 중에서도 인간의 생활에 깊이 연관되어 있는 가구산업에 대해 연구하고자 한다. 가구 사업은 첨단 기술이 적용되기 어려운 분야로 소비자와의 관계지향적인 서비스 연구를 통해 다양한 분야로의 적용을 기대하기 위함이다. 본 연구에서는 서비스화의 개념과 단계, 경로 이동에 관한 문헌연구를 고찰하고 서비스화 단계와 서비스 유형을 정리한 ‘서비스화 단계 유형 프레임워크(Servitization Stage-Type Framework)’을 도출하였다. 기존의 연구는 대부분 B2B기업을 대상으로 하여 최대한의 맞춤화를 지향하고 있으며 B2C기업에 적용하기 한계가 있기 때문에 B2C기업에 적합한 프레임워크를 도출하고자 하였다. 이를 기반으로 가구 산업과 다른 제조 산업의 기업 사례를 분석하여 결과를 도출하였다. 첫 번째는 성공적인 서비스를 위해서는 서비스간의 상호 연관성이 높아야 한다는 것이다. 두 번째는 사용자의 반응을 살펴 서비스의 경로를 이동하고 발전시켜야 한다는 것이다. 세 번째는 제품 지향 서비스보다는 비즈니스적 서비스를 확대해야 한다는 것이다. 사용자 6명을 대상으로 심층인터뷰를 진행하여 고객여정지도를 도출하였다. 그리고 일반 사용자와 가구산업의 디자인, 영업·기획 분야에 종사 중인 11명의 참가자를 대상으로 3차례의 아이디어 워크숍을 진행하여 아이디어를 도출하였다. 이 아이디어는 고객여정지도의 페인 포인트의 해결책으로 맵핑되었다. 그리고 5명의 전문가에게 아이디어를 검증을 받았다. 이 결과를 통해 가구 산업 서비스화의 단계 유형 3가지를 도출하였다. 첫 번째는 Function Evolving유형으로 제품의 기능적인 면을 향상하도록 서비스를 제공하는 것을 말하며, Life-stage Support유형은 고객의 변화하는 라이프 스타일에 맞추어 적절한 서비스를 제공하는 것을 말한다. 마지막 Total Consulting유형은 고객이 원하는 것을 모두 제공하는 서비스를 말한다. 그리고 기업의 특성이 다를 때 어떤 유형이 적합한지 A부터 C까지 3가지의 전략 루트를 제안하였다. 본 연구는 B2B를 대상으로 했던 기존 서비스화 이동 경로 연구에서 B2C 제조기업에 초점을 맞추어 연구했다는 점이 특징이다. 또한 서비스화 이론과 서비스 디자인 방법론을 활용한 실증연구를 믹스하였다는데 차별성을 갖는다. 반면, 연구의 범위가 기술 접목이 어려운 가구 산업에 국한되어 있다 보니 고객과의 관계 중심적인 서비스화를 중심으로 연구가 진행되어 하이테크 제품의 서비스화가 연구 주제에서 배제 되었다. 또한 실증연구 대상이 22명으로 그 범위가 좁다는 한계점을 갖는다. 차후 이 점을 보완하여 추가 연구가 필요할 것으로 보인다.

미술관의 예술후원 전시공간에 관한 연구

윤해리 홍익대학교 산업미술대학원 2019 국내석사

오랫동안 경제성장을 이끌었던 제조업의 위기에 따른 고령인구 증가, 일자리 감소 등의 글로벌 경제위기 상황에서 소득 증대, 일자리 창출을 기대하기 어려운 실정이다. 이런 어려움을 해결하는 방법으로 삶의 질을 높이는 창조적인 활동으로서의 문화예술의 중요성이 강조되고 있다. 더불어 주5일 근무제 시행에 따라 문화예술에 대한 대중의 관심이 증가하고 있다. 문화예술의 가치와 기여의 중요성이 강조됨에 따라 문화인프라에 대한 지원확대와 한국미술과 예술가에 대한 지속적인 지원이 필요하며 국민에게는 문화향유 기회확대와 참여확대, 문화예술의 접근성을 높여야 한다. 이 연구는 한국미술의 발전과 국민들의 문화기회 및 참여확대, 예술가 지원에 기여하는 공공의 미술관 전시공간을 대상으로 설정한다. 기존의 문화예술에 영향을 미치는 정책개선 및 기업 문화예술지원과 문화마케팅 연구와는 구분되는 미술관의 예술후원 전시공간을 기반으로 제안한다. 이를 위해 국내외를 대표하는 미술관 예술후원 전시공간의 사례를 살펴보고 미술관에서 관람객의 접근성을 유도하며 이외의 공간과의 연결을 원활케 하는 상징적, 개방적 개념인 대공간(Major Space)으로써 예술후원 전시공간을 논한다. 이 연구는 먼저 문화예술의 중요성이 강조되는 시대이니만큼 문화인프라와 시민들의 문화참여율 등을 살펴봄으로써 국내의 문화예술 현황을 확인하고자 한다. 문화기본법에서 국민은 기본적인 권리로서 마땅히 누려야 하며 국가와 지방자치단체는 국민의 문화향유 기회확대와 문화격차 해소를 위해 재정적인 지원과 인력 양성ㆍ연구ㆍ조사의 역할과 의무를 가지며 이를 시행하여야 함을 명문화하였다. 통계개발원 한국 사회동향에서 문화예술시설이 매년 꾸준히 증가하고 있음을 확인하였다. 시대 흐름이나 정부 주도에 따라 지속적으로 확대되는 문화인프라와 국민들이 희망하는 여가활동으로 문화예술 관람 비율이 높음에도 불구하고 실질적인 국민들의 문화 참여도가 낮음이 확인되었다. 이는 국민에게 문화향유 기회의 확대와 접근성을 높여야 할 전시공간의 중요성이 강조됨을 확인하였다. 또한 세계미술시장에서는 한국미술이 0.69%의 낮은 점유율을 차지하고 있으며, 국내의 연구와 홍보 부족으로 국내 단색화에 대한 열기가 한풀 꺾임에도 불구하고 세계미술에서는 한국의 정체성을 대표하는 단색화의 관심이 높음을 확인할 수 있다. 한국미술에 대한 정부와 지방자치단체 뿐만 아니라 정부의 문화예술에 대한 행정상, 재정상 보조의 한계에 따른 기업의 적극적인 협력 관계를 통한 연구, 홍보, 지원으로 한국미술의 국제적인 발전과 예술가들의 지속적, 장기적 지원을 기대할 수 있음을 확인하였다. 다음 단계로 문화예술을 시각예술에 기반하여 미술에 관한 자료를 연구·조사·전시·교육·수집·관리·보존하는 공공의 미술관을 그 대상으로 설정하였다. 예술가들의 지속적인 지원과 한국미술의 발전, 국민에게 문화향유 기회의 확대에 영향을 주는 미술관 전시공간의 시대에 따른 공간 및 개념변화와 미술관과 기업의 파트너십을 살펴본다. 기업의 문화예술 사회공헌의 필요성이 강조되며 예술분야에 대한 지원율이 증가함에 따라 정부와 기업의 협력을 통한 문화예술의 지속적, 장기적 후원으로 대표성을 띠는 영국의 테이트 모던과 국내의 국립현대미술관 기업 후원 전시 사례를 선정한다. 테이트 모던의 기업후원전시가 관람객들의 폭발적인 호응으로, 세계적으로 주목받게 된 원인을 전시와 전시공간에서 살펴보며 예술 후원을 위한 전시 공간의 유의미한 점을 파악한다. 전시사례 조사 및 전시공간 분석을 통해 테이트모던의 기업후원전시공간인 터빈홀이 접근성이 높고 노출도가 높은 전시공간이며 다각도에서도 관람이 가능하여 비목적성을 가진 관람객들도 참여할 수 있는 전시공간임을 확인하였다. 터빈홀은 건물의 가장 중심적인 공간으로 모든 관람객의 움직임에 있어서 중심에 위치하는 공간이며 접근성과 노출도가 높은 공간으로 대공간(Major Space)의 기능을 갖고 있다. 이에 따라 대공간으로 기능하는 전시공간이 국민의 문화기회를 확대시키고 이를 통해 예술가와 한국미술을 국제적으로 홍보할 수 있는 역할의 요소로 전제하였다. 국내의 국립현대미술관 서울관은 군도형미술관, 열린미술관으로 관람객들이 선택적으로 전시를 관람할 수 있게 기획되었으나 운영에 따라 직선형 관람 동선으로 관람하게 된다. 지상1층에 위치한 1전시실과 지하1층에 위치한 2~7전시실은 운영에 따라 미술관 마당에서 입장하여 1전시실→2전시실→3전시실→4전시실→5전시실→6전시실→7전시실 순서인 직선형 관람 동선으로 관람하게 된다. 이에 따라 5전시실은 관람을 목적으로 찾아가는 관람객이 아니라면 접근이 어려운 취약한 공간에 위치하고 있으며 미술관 연보의 전시실별 관람객수를 통해 미술관 주출입구에서 거리가 멀어질수록 관람객수가 줄어드는 것을 확인하였다. 이는 전시실의 접근성이 관람객들의 참여와 연관되어 전시참여도가 떨어지는 것을 알 수 있다. 테이트모던의 터빈홀과 같은 국립현대미술관의 5전시실과 접한 공용공간을, 5전시실과 연결된 전시공간으로 확장하여 대공간함에 따라 국민에게는 문화향유 기회의 확대와 접근성을 높이며 참여확대를 통한 국제적 홍보와 국내 작가를 양성하는 공간으로 기능하기를 기대할 수 있다. 국립현대미술관 서측 도로면 출입구를 개방하면 기업후원 전시공간인 5전시실로 곧바로 입장할 수 있다. 서측 도로면 출입구로 진입하면 전시실과 접한 공용공간이 미술관의 내외부를 연결시켜준다. 따라서 미술관 외부에서 유입된 관람객을 5전시실로 용이하게 이끈다. 또한 5전시실과 접한 공용공간은 관람객들의 휴식공간으로도 기능하며 비목적성을 갖는 방문객에게도 노출이 쉬운 대공간으로서의 기능으로 사용된다. 따라서 자연스럽게 유도된 관람객들을 통해 전시 참여도를 높일 수 있게 된다. 테이트모던의 터빈홀과 같은 국립현대미술관의 5전시실과 접한 공용공간은 통합적인 공간, 대공간으로 기능하며 전체적이고 연속적인 집단성을 경험하게 해 줄 것이다. 이를 통해 예술 후원 전시에 참여하는 관람객은 증가할 것이다. 이렇듯 대공간의 기능에 따라 미술관의 예술후원 전시공간은 관람객들과 소통함은 물론 볼거리, 체험, 오락, 놀이를 체험하는 열린 복합문화공간으로 자리매김된다. 미술관을 단지 미술품을 수집, 전시하는 공간에서 열려있는 공공공간으로서 공론의 장을 만들어냄에 따라 국민들의 문화참여 확대와 한국미술의 발전, 작가 양성하는데 의미가 있다. Amid the global economic crisis, such as the growing elderly population and job losses caused by the crisis in the manufacturing sector, which has long led to economic growth, it is hard to expect more income and job creation. The importance of culture and arts as creative activities that enhance the quality of life as a way to solve these difficulties is being emphasized. In addition, with the implementation of the five-day workweek, public interest in culture and art is growing. With the emphasis on the value of culture and arts and the importance of their contribution, it is necessary to expand support for cultural infrastructure and continue support for Korean arts and artists, and to increase the people's access to cultural flavor opportunities, participation and culture and arts. The study targets the development of Korean art, the expansion of the people's cultural opportunities and participation, and the exhibition space of public art galleries that contribute to the support of artists. It is proposed based on the exhibition space of art support in the art museum, which is distinguished from policy improvement and corporate cultural arts support and cultural marketing research that affects existing culture and arts. To this end, the museum will look at the examples of art sponsorship exhibition spaces that represent Korea and abroad, and examine the exhibition space of art sponsorship as a symbolic and open concept, "Major Space," which guides visitors' access to the museum and facilitates the connection with other spaces. The research aims to check the current status of culture and art in Korea by looking at cultural infrastructure and citizens' participation rates, as the importance of culture and arts is emphasized first. Under the Framework Act on Culture, the people should enjoy it as a basic right, and the state and local governments should provide financial support, training, research, and investigation to expand opportunities for cultural flavor and to reduce cultural gaps. The Korea Institute for Statistics and Development confirmed that the number of cultural and artistic facilities has increased steadily every year. The cultural infrastructure that continues to expand according to the trend of the times and the government's leadership, and the leisure activities that the people want, despite the high percentage of cultural art viewing, confirmed that the actual people's participation in the culture has been low. It was confirmed that the importance of exhibition space was emphasized to increase the scope and accessibility of cultural opportunities to the people. In addition, Korean art has a low share of 0.69 percent in the global art market, and the interest in monochromatic painting representing Korea's identity is high in global art, despite the dampening of the enthusiasm for monochromatic painting here due to a lack of research and publicity here. We confirmed that we can expect continuous and long-term support from artists and international development of Korean art through research, promotion, and support through active corporate cooperative relationship with the limits of administrative and financial support for Korean art, as well as local governments. The next step was to set up a public art museum for research, investigation, exhibition, education, collection, management, and preservation of materials on art based on visual arts. It looks at the continuous support of artists, the development of Korean art, and the changing space and concept of the exhibition space of art museums that affect the expansion of cultural opportunities for the people, as well as the partnership of art museums and businesses. With the need for corporate cultural, artistic and social contributions and the increasing rate of support for the arts sector, Tate Modern of the U.K. and Korea's National Museum of Modern and Contemporary Art will be selected as examples of exhibitions sponsored by companies with continuous and long-term sponsorship of culture and arts through cooperation between the government and businesses. Tate Modern's Corporate Sponsorship Exhibition is an explosive response from visitors, and the cause of global attention is examined in exhibition and exhibition space to grasp the significance of exhibition space for art sponsorship. Through investigation of exhibition cases and analysis of exhibition space, it was confirmed that the Turbine Hall, the corporate sponsorship exhibition space of Tate Modern, is an accessible and highly exposed exhibition space and can be viewed from a variety of angles, allowing non-objective visitors to participate. The turbine hall is the most central space of the building and is the central space for all visitors' movements and has the function of a major space as an accessible and exposed space. Accordingly, the exhibition space, which functions as a large space, expanded the people's cultural opportunities and was assumed to be a factor in the role of promoting artists and Korean art internationally through this. The Seoul of National Museum of Modern and Contemporary Art in Korea is the Kundo Museum of Art and the Open Museum of Art, which is designed to allow visitors to selectively watch exhibitions, but depending on its operation, visitors will be able to watch the exhibition in a straight line. The gallery 1 located on the ground floor and the gallery 2 to 7 on the basement floor will enter the museum's yard, depending on operation, and you will see the gallery 1 → 2 → 3 → 4 → 5 → 6 → 7 in the order of the exhibition hall. Accordingly, the gallery 5 is located in a vulnerable area where visitors are not accessible to the museum unless they are visiting for the purpose of viewing, and the number of visitors per exhibition room of the museum's annual report confirmed that the number of visitors decreases as the distance from the main entrance of the museum becomes longer. This shows that the accessibility of the exhibition rooms is associated with the participation of visitors, which leads to a decrease in the participation of the exhibition. public space near gallery 5 of the National Museum of Modern and Contemporary Art, such as the Turbine Hall of Tate Modern, is expanded into the exhibition space connected to the gallery 5, the public can expect to expand and gain access to cultural opportunities, promote international publicity through increased participation and foster domestic writers. If you open the entrance to the road in the west of the National Museum of Modern and Contemporary Art, you will be able to enter the gallery 5, an exhibition space for corporate sponsorship. When you enter the entrance to the western side of the road, the public space in contact with the gallery 5 connects the inside and outside of the museum. Therefore, it easily leads visitors from outside the museum to the gallery 5. In addition, the public space in front of the exhibition hall serves as a resting place for visitors and is also used as a large space that is easily exposed to non-objective visitors. Therefore, the exhibition will be able to increase participation through naturally induced visitors. The public space in contact with the National Museum of Modern and Contemporary Art's gallery 5, such as Tate Modern's Turbine Hall, will function as an integrated space, a large space and allow you to experience a whole and continuous collectivity. This will increase the number of visitors participating in art sponsorship exhibitions. Under the function of the Grand Hall, the museum's exhibition space for art sponsorship will be established as an open cultural space where visitors can communicate with them and experience things to see, experience, play and play. It is meaningful in expanding the cultural participation of the people, developing Korean art, and fostering artists as it creates a forum for public discussion as it is open to art collection and exhibitio

KOICA의 개발도상국 의상제작 교육 지원 연구 : 아프가니스탄 파르완 지역 사례를 중심으로

조상우 홍익대학교 산업미술대학원 2013 국내석사

Korea has a point of excellence relatively on the aids of education to developing countries but has a little contribution. Therefore, for better aids of education it is necessary to study the case of aids of fashion education for developing industrial clothing, because clothing is the basic for human living. Focused on clothing habits of human society, the case of teaching Afghan poor natives sewing technology which is the base of fashion and establishing the educational organization of fashion for industrial infrastructure was studied. First of all, for escaping from economical poverty and difficulties, the concept and purpose of international developing aids of education and the present condition of aids was explained. And then, from the data of KOICA, which has been donating various educational aids to poor nations, the definition, necessity, and actual state of aids of education to developing countries were studied and analyzed. This study shows the case of cooperation for Korean overseas aids of education and the Korean fashion education condition about teaching fashion technology for developing countries living support. The case of nation of Afghanistan, which has a trouble and needs, was studied. KECC supported the aids of dressmaking education through Korean Provincial Reconstruction Team for Afghanistan in Parwan. This study included the preparation for a year, supporting various practice material and instruments in sewing, setting the supporting educational fashion curriculum, employment and founding enterprises, and adverts. Three different educational courses, a short term course of technology for 3 months, a regular course of technology for 5 months, and the aids of education for native women to support living were compared and analyzed. Through this study, the improvement of fashion education and technology for Afghan industrial infrastructure was estimated. This study will help Korean fashion industry to construct the base for advancing into Europe through cooperation with the Middle East. 대부분의 개발도상국은 선진 공여국들의 끊임없는 지원에도 불구하고 국가적 빈곤이 쉽게 해결되지 않고 있다. 그 원인은 순수한 인도주의적 이념보다는 자국의 정치적?경제적 이익을 위해 지원하기 때문이며 이 같은 정부주도 원조의 비효율성으로 개발도상국의 자립능력을 저해하는 결과를 낳았다. 이러한 현상으로 인해 현재는 경제적 자립을 위한 교육원조가 주목받고 있으며 많은 나라들이 교육원조로 지원방법을 바꾸고 있다. 한국은 1950년대 이후 전쟁의 폐허에서 벗어나기 위한 주요 정책으로 전국민의 교육화를 선행하였고, 그 결과 20세기 후반 개발도상국에서 벗어나 선진국의 문턱에 다가서게 되었다. 그러나 이와 같은 교육성과를 바탕으로 높은 경제성장을 이룩하였고 교육 원조분야에서 분명히 비교우위의 강점을 가지고 있음에도 불구하고 세계의 빈민국에 대한 기여도는 아직까지는 미미한 수준이다. 의류산업은 6.25 전쟁을 겪은 한국이 소규모의 산업에서 출발을 하여 놀라운 경제성장의 디딤돌이 되었고 1980년대에는 수출을 주도하는 산업으로 다른 산업의 인프라를 구축하게 하였다. 그 결과로 한국은 OECD에 가입과 선진국의 대열에 발을 맞추게 되었기 때문에 한국의 강점인 교육 지원 원조를 활성화하고 그것을 위한 연구 및 방안이 마련되어야 한다고 생각된다. 이와 같은 점에 주목하여 현재 내전과 전쟁의 폐허 속에 산업 기반 시설이 부족한 세계 최고의 빈민국인 아프가니스탄의 경제 자립과 삶의 질 개선을 위해서 의상제작 기술교육 지원 사례를 통한 그 필요성을 인식하는데 연구의 의의가 있다. 본 연구는 2012년 12월 한국군 오쉬노(Ashena) 부대의 주둔 장소인 아프가니스탄 파르완州차리카에서 기술교육 지원철수를 하는 한국 지방 재건 팀(Provincial Reconstruction Team)에서 KOICA(Korea International Cooperation Agency)의 지원 아래 KECC(Korean Educational and Cultural Center)의 소속으로 1년간 연구자가 직접 참여하여 아프가니스탄 파르완 차리카 지역에서 수행한 의류제작 기술교육 지원 체험을 바탕으로 하였다. 연구를 위해서 일반적인 고찰을 통해 국제 개발 교육 원조의 개념과 목적, 그리고 현황 등을 각종 자료와 언론매체를 참조하여 정리하였다. 그리고 세계 여러 빈민국에 다양한 교육지원으로 도움을 주고 있는 코이카(KOICA)의 자료들을 통하여 개발도상국 교육환경의 실태, 해외 교육 원조의 정의, 해외 교육 원조의 필요성에 대해 알아보았다. 또한 교육 지원의 현실적 어려움 속에서 직업이 필요한 교육생 선발을 위해 현실에 맞는 기준을 만들고 다양한 실습재료와 기자재의 지원방법과 필요성, 지원교육생의 수준을 통한 커리큘럼의 구성, 교육과정 이수후의 취업과 창업의 기회 확대를 연구하였다. 의상제작 기술교육 과정에 대한 연구는 3개월의 단기속성 기술과정, 5개월의 정규 기술과정, 가계도움을 위해 어려움에서도 실행한 현지 여성의 교육지원 등 세 가지의 교육과정을 통해 현지에 적합한 교육과정을 비교?분석하고 문제점을 도출 하였다. 그리고 도출된 문제점을 개선하기위해 아프가니스탄 현지인들의 이슬람 문화와 생활, 의식을 먼저 이해하고 제한된 활동 안에서 교육지원의 문제점을 알아보고 개선방안을 연구하였다. 그 결과로 첫째, 열악한 초등교육과 문맹의 80%의 현실 속에서 다양한 지원혜택만을 생각한 개인적인 이기심으로 선발 조건을 무시하였다. 그리고 눈앞의 생계유지만 생각하여 부족한 직업의식과 노력 없는 생활이 문제가 되었다. 따라서 KOICA에서 제시한 교육생 선발 규칙에 따라 현지인들에게 기초 초등교육을 함께 지원하고 간결한 개인 인터뷰와 테스트를통한 선발 방법을 실시하여 짧은 교육기간의 효율성 높은 교육으로 많은 현지인들이 지원 혜택을 받는 기술자 양성의 개선된 교육지원을 제시하고자 한다. 둘째, 내전의 위험에서 기술축적과 산업현장 구축을 위해 열악한 교육환경속의 부족한 교육적인 역량과 교사들의 부족은 교육지원 운영에 있어서 또 다른 문제로 나타났다. 그러므로 현지 교육생들의 언어소통과 기술교육 지원을 위해 현지교사들의 한국 연수기회를 활용하고 한국의 선진문화를 경험하여 교육의 필요성과 산업구축의 성과를 느끼게 제시하고자 한다. 또한 수준 높은 현지교사 양성을 목표로 하는 개선된 교육지원 방안을 제시하고자 한다. 셋째, 목적이 부족한 직업의식은 아프간 현지인들에게 끊임없는 물질적인 지원으로 이어져서 결국은 빈곤의 악순환의 자리에서 맴도는 문제점으로 나타났다. 따라서 아프가니스탄에서 산업화 구축이 쉽고 현지인들이가장 선호하는 의상제작 기술교육을 더 많은 지원과 혜택 안에서 짧은 교육기간동안 교육지원의 혜택을 경험하게 하고자 효율적인 교육과정 개선방안을 연구하고 취업과 창업에 활용할 수 있는 개선방안을 제시하고자 한다. 넷째, 외국인들에 대한 각종 테러공격의 위험과 현지인들의 종교와 생활에서 부족한 홍보 문제점과 활동제약에 따른 문제점, 그리고 산업구축의 문제점이 나타났고 이를 위해 생계비를 비롯한 다양한 지원금 확대와 새로운 재분배, 그리고 이수 후 관리 시스템의 개선방안을 제시하고자 한다. 다섯째, 아프가니스탄의 이슬람 종교와 생활에 대한 이해부족과 현지인들의 경제생활에 나타나는 열악한 교통수단으로 인해 느껴지는 많은 어려움들이 교육지원 운영에 있어서 문제점으로 나타났다. 이러한 여건을 개선하기 위해서 종교 활동 보장과 남, 여 성차별을 개혁하는 2부제 수업실시, 안전이 보장되는 출입통로 확대 등을 제시하고자 한다. 현지인들의 높은 문맹률을 낮추기 위한 기초 교육 현장 구축을 하였고 생계활동을 위해 기술교육과 산업현황이 이루어질 수 없는 빈곤한 현실에서 현지인들이 의상제작 기술교육 지원을 받고 스스로 자활하여 산업현장을 구축할 수 있는 직업능력을 가질 수 있도록 하고자 한다. 수준 높은 기술교육의 지원을 위해 현재 한국에서 진행되는 의상교육 시스템을 단계별 교육기간에 맞춰 중간, 기말 평가를 하여 적합성을 판단하였고 그 결과로 실습물 완성과 전시회를 통하여 평가를 하였다. 또한 기술교육뿐만 아니라 교육기관의 특성을 살리기 위해 교육생들에게 아낌없는 문화적인 지원과 교육과정 이수 후에 취업과 창업을 위한 지원을 하였고 그 결과를 연구하였다. 현재 KECC의 교육지원은 종료시점을 앞두고 있다. 이 연구를 통해 파르완 지역의 차리카 PRT 자체 교육 실현 완성도와 기술의 질적 향상수준을 기대하고, 아프가니스탄의 산업 인프라 구축 및 빈민국 탈출의 기대를 도모하는데 도움을 줄 수 있을 것이라 생각된다. 또한 향후 다른 개발도상국들의 산업구축에 한국의 의상제작 기술교육 지원이 초석이 될 것으로 기대한다. OECD 회원국의 소임을 다하고 인도주의적 방향에 따른 한국의 의상제작 기술교육 지원이 개발도상국들의 산업화 구축에 바탕이 되며 나아가 이들과의 경제협력을 통해 개발도상국들의 삶의 질을 향상시키고 한국의 대외 이미지 협력에 실질적인 도움이 되길 기대하며 이 연구의 목적을 두고자 한다.

버추얼 미술관의 디지털 브랜드 경험 강화가 브랜드 커뮤니케이션 향상에 미치는 영향 연구 : 사비나미술관을 중심으로

김지수 홍익대학교 산업미술대학원 2023 국내석사

본 연구는 확장하는 미디어 환경과 온라인으로 이동한 미술관 패러다임 속에서 버추얼 미술관(Virtual Museum)의 디지털 브랜드 경험(Digital Brand Experience) 강화를 통한 효과적인 브랜드 커뮤니케이션(Brand Communication)이 고객과의 관계 형성과 미술관의 생존, 그리고 성장에 있어 중요한 영향을 미칠 것이라는 인식에서 출발하였다. 지역 사회에 물리적인 거점을 두고 확장해온 미술관이라는 사업 형태는 지금까지 오프라인을 중점적으로 관람객과의 커뮤니케이션을 진행해왔다. 하지만 디지털시대에는 버추얼 미술관과 같은 디지털 매체가 관람객이 가장 먼저 브랜드를 만나는 창구로 변화하고 있다. 미술관 아이덴티티(MI)는 관람객이 미술관을 접하는 상황에서 가장 먼저 접하는 시각물일 가능성이 크다. 버추얼 미술관 아이덴티티는 실제 오프라인 전시를 관람할 때 관람객이 대면하게 되는 미술관의 전경, 어플리케이션 시스템, 전시 디스플레이 등 미술관의 얼굴을 대신하게 될 것이다. 이러한 변화에 따라 디지털 브랜드 경험은 온라인 공간에서 전체적인 브랜드 인상을 형성하고 기능적으로는 관람객의 브랜드 커뮤니케이션을 좌우하는 핵심 요소로 작용한다. 이러한 중요성에 따라 본 연구는 국내 미술관 최초로 VR 전시 프로그램을 개발하여 2012년부터 현재까지 40여 개의 전시를 버추얼로 구축해온 사비나미술관을 연구 대상으로 선정하여 연구를 진행하였다. 사비나 미술관은 기존 아이덴티티를 충분히 활용하지 못해 버추얼 미술관 내에서 디지털 브랜드 경험이 현저히 부족한 문제, 작품 감상 효율성 부족의 문제 등을 개선할 필요성이 존재하였다. 이러한 필요성에 따라 본 연구는 다음과 같이 진행되었다. 버추얼 미술관의 디지털 브랜드 경험과 브랜드 커뮤니케이션에 대한 이론적 고찰을 진행하고, 선행 연구 고찰을 통해 디지털 브랜드 경험과 브랜드 커뮤니케이션의 정의를 내린 후 디지털 브랜드 경험 평가지표를 도출하였다. 또한 국내외 버추얼 미술관의 디지털 브랜드 경험 사례를 조사하고 디자인 관점과 전시 감상 효율성 측면에서의 문제점을 조사 및 분석하였으며 전문가 심층 인터뷰를 실시하여 버추얼 미술관의 디지털 브랜드 경험 키워드와 시각 사례 요소를 추출하였다. 이를 바탕으로 디지털 브랜드 경험을 어떠한 프로세스로 강화할 것인지 그 방안을 설명하고 개선된 디지털 브랜드 경험을 제안하였다. 본 연구에서는 디자인 개선안을 토대로 설문지를 구성하여 버추얼 미술관의 디지털 브랜드 경험 강화 전 아이덴티티와 강화 후 아이덴티티의 브랜드 커뮤니케이션 향상 정도에 관한 실증 연구를 진행하였다. 연구 대상은 통계청이 발표한 '국민 삶의 질 2022'에 근거하여 문화예술 관람 횟수와 문화 여가 지출률이 가장 높은 39세 이하 성인(20대, 30대)을 중심 대상으로 선정하였으며 버추얼 미술관 이용 경험 유무에 따라 디지털 네이티브 그룹(Digital native)과 디지털 이미그런트 그룹(Digital immigrant)으로 나누어 반응 차이를 측정하고자 하였다. 총 206명을 대상으로, 2023년 04월 28일 ~ 2023년 04월 30일 3일간 진행되었으며, 구글 폼(Google forms)을 통한 모바일, 온라인 설문 진행 방법을 이용하였다. 실증 분석을 위한 프로그램으로는 SPSS 26.0을 이용하였으며, 빈도분석, Varimax 회전 방법을 통한 요인분석, Cronbach's α계수를 이용한 신뢰도 분석, 기술통계분석, 독립표본 t-test,분산분석(two-way-ANOVA)을 실시하였다. 분석 결과를 요약하면 다음과 같다. 첫째, 디지털 브랜드 경험 강화 후 아이덴티티가 강화 전 아이덴티티보다 브랜드 커뮤니케이션(인지적 반응, 감정적 반응, 행동의욕적 반응) 평가가 모두 높게 나타나 연구 문제1의 가설은 모두 채택되었다. 이는 본 연구에서 논의된 디자인 개선 방안과 그 적용이 효과적이었음을 입증한다. 둘째, 디지털 브랜드 경험을 강화했을 때 이용 경험의 유무에 따른 브랜드 커뮤니케이션의 차이는 ‘있다’보다 ‘없다’의 평균값이 높게 나타났지만, 통계적으로 유의하지 않은 것으로 나타나 연구 문제2의 가설은 모두 기각되었다. 이는 디지털 네이티브 그룹과 디지털 이미그런트 그룹의 경계의 차이가 조절변수에 적게 나타나 본 연구의 실험자극물이 기존 버추얼 미술관 이용 경험 유무와 관계없이 쉽게 상호작용 가능하게 제작되었음을 의미한다. 앞서 분석한 연구 결과에 따라 얻은 제언은 다음과 같다. 첫째, 선행 연구 분석을 통해 도출한 디지털 브랜드 경험 평가지표(가독성, 상호작용성, 서사성, 심미성, 일관성, 편리성)는 FGI(Focus Group Interview) 시행 결과 버추얼 미술관의 디지털 브랜드 경험을 평가하기에 충분한 평가지표임이 입증되었다. 둘째, 종합 분석에 따라 사비나미술관의 버추얼 미술관에 대한 디지털 브랜드 경험 개선과 디자인 개선을 진행한 결과, 디지털 브랜드 경험 강화 후 아이덴티티가 강화 전 아이덴티티티보다 브랜드 커뮤니케이션(인지적 반응, 감정적 반응, 행동의욕적 반응)이 향상된 것을 증명하였다. 특히 디지털 브랜드 경험 강화뿐만 아니라 작품 감상 효율성 향상을 위한 버추얼 미술관 감상 여정에 대한 개선을 동시에 진행하였기 때문에 지금도 계속되고 있는 전시 및 행사의 온라인화(on-line化)에 대한 관련 기초 자료로 활용될 수 있다는 학술적인 가치가 있다. 셋째, 실증 연구를 통해 과반수 이상의 관람객은 버추얼 미술관의 전시 경험이 오프라인 전시와 큰 차이가 있을 것이라고 생각하지만, 한편으로는 과반수 이상이 문화 향유권 보장 측면에서 이동이 불편한 장애인이나 비용의 문제에 직면한 이들에게 버추얼 미술관이 전시 관람의 어려움을 해소할 수 있을 것이라는 긍정적인 인식을 확인할 수 있었다. 실제로 버추얼 미술관은 음성 해설, 영상 등의 구성이 비교적 용이한 장점이 있다. 넷째, 본 연구의 결과는 소비자 유형을 버추얼 미술관 이용 경험 유무에 따라 구분하고 디지털 브랜드 경험이 브랜드 커뮤니케이션 향상에 어떠한 영향을 미치는지를 검증하였다. 예상과 달리 디지털 네이티브 그룹과 디지털 이미그런트 그룹의 차이가 유의미하게 나타나지 않았다. 다만 본 연구는 버추얼 미술관 관람객의 주축인 20대에서 30대 사이의 연령층을 중점적으로 연구하였기 때문에, 전 연령을 대상으로 하거나 특정 연령 세대에 대해서는 다른 결과가 나타날 수 있으므로 관련된 후속 연구로 보완이 필요할 것으로 판단되며 모든 연령층을 적절히 고려해야 함을 시사한다. 다섯째, 팬데믹(Pandemic)으로 인해 폭발적으로 증가했던 버추얼 미술관에 대한 관심이 사회적 거리두기가 전면 해제됨에 따라 다시 오프라인 전시로 이동하며 그 공급과 수요가 다시 팬데믹 이전으로 점차 돌아가고 있다. 이러한 상황 속에서 버추얼 미술관의 중요성을 다시 한번 상기시킨 것에 그 시사점이 있다. 본 연구는 다양한 이론적 고찰과 사례 분석 및 실증 분석을 통해 버추얼 미술관 디지털 브랜드 경험의 가이드라인을 제안하고자 노력하였다. 본 연구의 연구 결과가 추후 버추얼 미술관 디지털 브랜드 경험 개발의 기초 자료로써 활용되길 바라며, 미술관의 역할 증대와 매체의 다양화에 따라 다양한 디지털 브랜드 경험을 제공하는 버추얼 미술관의 성행을 기대한다. In this thesis started from the recognition that effective brand communication through strengthening the digital brand experience of virtual museums in the expanding media environment and the online paradigm of museums will have a significant impact on the survival of museums. The business form of art museum, which has expanded its business with a physical base in the local community, has been communicating with visitors with a focus on offline so far. However, in the digital age, digital media such as virtual museums are changing into the first window for visitors to meet brands. Museum identity (MI) is likely to be the first visual object to be exposed to visitors when they come into an art museum. The virtual MI will replace the face of the museum, such as the front view of the museum, application system, and exhibition display, that visitors face when viewing actual offline exhibitions. In accordance with these changes, the digital brand experience forms the overall brand impression in the online space and functions as a key element that influences the brand communication with visitors. Noting the importance above, this study selected the Savina Museum of Art as a research subject, which developed a VR exhibition program for the first time as a domestic art museum and has built about 40 virtual exhibitions from 2012 to the present. There was a room for an improvement on the problem of a significant lack of digital brand experience within the virtual museum and the lack of efficiency in appreciating works because the identity of the existing Savina Museum of Art was not fully utilized. Due to the needs as above, the study was conducted as follows. Theoretical considerations on the digital brand experience and brand communication of the virtual art museum were conducted, and digital brand experience evaluation indexes were derived after defining the digital brand experience and brand communication through consideration of preceding studies. Also, both domestic and international digital brand experience cases of virtual museums were investigated, problems in terms of design and exhibition appreciation efficiency were investigated and analyzed, and in-depth interviews with experts were conducted to extract keywords and visual case elements of virtual museums' digital brand experience. Based on this, how to strengthen the digital brand experience and suggested an improved digital brand experience was explained. In this study, a questionnaire was selected based on the design improvement plan, and an empirical study was conducted on the degree of improvement in brand communication of the identity before and after the digital brand experience enhancement of the virtual museum. Based on the 'Quality of People's Life 2022' announced by the Statistics Korea, the research subjects were selected mainly for adults under the age of 39 (20s and 30s) with the highest number of cultural art visits and the highest rate of cultural leisure expenditures, and whether or not they had experience using virtual art museums. Purpose of this questionnaire is to measure the difference in response by dividing it into a digital native group and a digital immigrant group. It was conducted for 3 days from April 28, 2023 to April 30, 2023, total of 206 people, using mobile and online survey methods through Google forms. SPSS 26.0 was used as a program for empirical analysis, and frequency analysis, factor analysis through Varimax rotation method, reliability analysis using Cronbach's α coefficient, descriptive statistical analysis, independent sample t-test, and analysis of variance (two-way- ANOVA) was performed. The summary of the analysis results is as follows. At first, after the digital brand experience reinforcement, the evaluation of brand communication (cognitive response, emotional response, and willingness to act) was all higher than the identity before the reinforcement, so all hypotheses in Research Question 1 were accepted. This proves that the design improvement method discussed in this study and its application were effective. Secondly, when the digital brand experience was reinforced, the difference in brand communication according to the presence or absence of use experience showed a higher average value of 'NO' than 'YES', but it was found to be statistically insignificant, so all hypotheses in Research Question 2 were rejected. This means that the difference in the boundary between the digital native group and the digital immigrant group was small in the moderating variable, which means that the experimental stimuli in this study were made to be easily interactive regardless of the experience of using the existing virtual art museum. The suggestions derived from the research results analyzed above are as follows. First, the digital brand experience evaluation indexes (readability, interactivity, narrativity, aesthetics, consistency, convenience) derived through the analysis of previous studies proved to be sufficient evaluation indexes to evaluate the digital brand experience of virtual art museums as a result of FGI implementation. Secondly, according to the comprehensive analysis, as a result of improving the digital brand experience and design for the virtual museum of the Savina Museum of Art, the identity after the digital brand experience was strengthened compared to the identity before the strengthening.) proved to be improved. Especially, it is of academic value that it can be used as a related basic data for the ongoing online of exhibitions and events, as it simultaneously improved the virtual art museum appreciation journey to enhance the efficiency of art appreciation as well as strengthen the digital brand experience. Thirdly, through empirical research, more than half of the visitors believe that the virtual museum exhibition experience will be significantly different from offline exhibitions. It was confirmed that the audience had a positive perception that the virtual art museum would be able to resolve the difficulties of viewing the exhibition. In fact, virtual art museums also have the advantage of relatively easy configuration of audio commentary and video. For the fourth, the results of this study classified consumer types according to whether or not they had experience using virtual art galleries, and verified how digital brand experiences affect brand communication improvement. In contrast to expectations, there was no significant difference between the digital native group and the digital immigrant group. However, since this study focused on the age group between the 20s and 30s, which is the mainstay of virtual art museum visitors, it can be supplemented with related follow-up research since different results may be obtained for all ages or for a specific age group. It is judged necessary and suggests that all age groups should be properly considered. For the last, interest in virtual art museums, which upturned due to the pandemic, is moving back to offline exhibitions as social distancing is completely lifted, and supply and demand are gradually returning to pre-pandemic levels. There is an implication in reminding once again of the importance of such a virtual art museum. This study tried to propose guidelines for the digital brand experience of a virtual museum through various theoretical considerations, case analysis, and empirical analysis. It is hoped that the research results of this study will be used as basic data for the development of digital brand experiences in virtual museums in the future, and virtual museums that provide various digital brand experiences are expected to become popular as the role of museums increases and media diversification.

예술고등학교의 멀티미디어 디자인 교육에 관한 연구 : 컴퓨터 그래픽스 교육과정을 중심으로

최성호 홍익대학교 산업미술대학원 2002 국내석사

본 연구의 목적은 멀티미디어 시대에 있어서 예술고등학교 디자인교육의 문제를 점검하고 예술고등학교만의 차별화 된 디자인교육을 위한 교육과정과 그 방향을 제 시하기 위해 멀티미디어 디자인교육의 실태를 분석하여 현행 디자인교육의 문제점 과 그 개선방안을 모색하는데 있다, 연구 방법은 주로 문헌조사와 설문조사, 그리고 디자인 담당교사와의 인터뷰조사를 통해 연구하였다. 설문조사는 수도권에 거주하는 6개 예술고등학교 미술교사의 멀티미디어 디자인 교육에 관한 인식조사와 예술고교 학생들의 디자인교육에 관한 의식조사를 병행 실시하였으며, 인터뷰조사는 수도권에 거주하는 6개 예술고등학교의 멀티미디어 디자인 담당교사를 직접 방문 조사하였다. 예술고등학교의 미술 교육과정에 관련된 디자인 교과과정의 현황 및 문제점을 구체적으로 비교 분석하였고, 멀티미디어 시대에 있어서 디자인교육의 방향 모색과 컴퓨터와 관련한 멀티미디어 디자인교육의 실태를 조사하였으며, 외국 예술고등학교와 미술 교육과정을 비교하여 이에 따른 새로운 학습체제의 변화를 모색해 보았다. 본 연구에서 도출된 결론들을 요약해 보면 다음과 같다. 첫째, 예술고등학교의 디자인 교과과정은 미술대학 입시제도에 종속되어 있기 때문에, 교육부에서 제시한 디자인 교과과정의 정체성을 실현하지 못하고 있다. 따라서 미술대학은 지금까지의 입시제도의 형식에서 벗어나, 각 대학마다의 학과와 세대에 걸맞는 실험적이고 창의적인 다양한 제도를 개발해 중등교육을 선도할 수 있는 책임 있는 기관으로서의 역할을 충실히 해야 할 것이다. 둘째, 급속히 확산되고 있는 정보화 및 멀티미디어의 활성화로 인해 미술교육 현장에서는 새로운 패러다임을 요구하게 되었다. 그러나 교육 현실은 학교당국의 미온적인 지원과 담당교사의 인식 부족 등으로 기존의 틀에서 벗어나지 못하고 있는 실정이다. 교육 현장이 급변하는 시대에 걸맞는 새로운 책임과 역할을 다하지 못한다면, 미래의 비전을 제시할 수 있는 디자인교육의 흐름을 따라잡을 수 없을 것이다. 셋째, 예술고등학교의 디자인 교과과정은 대학입시 결과에만 치중한 나머지 창의성을 잃어버린 교육과정이 되었다, 디자인교육에서 창의성 교육은 가장 중요한 부분 이다, 현재 예고는 학생들의 창의성을 개발하는데 특성과 장점을 이용하지 못하고 있다. 예고의 디자인교육은 학생들의 소질과 능력, 개성 등을 고려한 다양한 교육내용 및 방법을 전개시켜 본래의 교육목표와 창의성 개발에 역점을 둔 교육이 되어야 한다. 넷째, 예술고등학교 멀티미디어 디자인교육이 창의력과 전문성을 겸비한 인재를 육성하기 위해 지도교사의 수준향상이 필수적으로 요구된다, 교사는 학생에 관한 한 전문가가 되어야 하며, 시대적 요구와 발전속도에 적응할 수 있는 자세가 필요하다, 또한 학교 자체에서도 교과목의 특수성과 전문성 재고를 위한 교사들의 재교육 프로그램을 적극 개발. 지원해야 할 것이다. 다섯째, 멀티미디어시대 디자인교육은 근본적으로 커뮤니케이션에 기초한 학문임 을 염두에 두고, 새로운 커뮤니케이션 프로세스에 대한 적극적인 대응이 필요하다. 그러므로 컴퓨터와 같은 멀티미디어 기기와 인터넷을 활용하는 교육체제가 필수적으로 요구된다. 또한 예술고등학교와 디자인 교육사이트와의 연계시스템 교육도 고려해야 한다. 이러한 아웃소싱 연계시스템은 현재 예고의 시설과 전문교사 부족을 극복하는 동시에 디자인교육의 질을 향상시키는 상호간의 시너지효과를 일으킬 것이다. 여섯째, 현대 사회가 다원화되면서 디자인 또한 그 범위가 광역화 되어가고 있는 만큼, 디자인교육을 체계적으로 세분화하여 다양한 교과목을 편성하고 학생의 능력 과 적성에 따라 선택할 수 있도록 해야 한다. 제7차 교육과정은 학교와 지역에 따라 자율성과 융통성을 발휘해야 하는 교육과정이다. 학교는 교육과정의 취지를 살려 학습자 중심의 교육기관이 되도록 해야 할 것이다. 일곱째, 미술교과서 안에서 디자인 관련부분은 학생들의 요구를 충족시키지 못하며 부족함을 드러내고 있다. 또, 현재의 정보화시대를 거쳐 미래사회에서 차지할 것으로 예견되는 디자인의 광범위한 영향력을 고려해 볼 때, 디자인을 언제까지나 미술이라는 영역내의 한 부분으로 취급할 수는 없다. 따라서 디자인은 미술교과서의 테두리를 벗어나 독립된 교과로 분리되어야 하며 디자인교과서는 심도 있는 디자인 학습 교재로서의 역할을 해야한다. 여덟째, 외국의 예술고등학교 디자인 교육과정은 전 학년에 걸쳐 수준별로 교육을 하고 있으며, 일관된 교육과정을 가지고 단계적으로 심도 있게 교육하고 있다, 또한 학생들의 요구를 반영하여 다양한 전문교과를 편성하고 전문예술인을 키위내기 위 한 밀도 있는 과정이 이루어지고 있다, 수업 시간의 상당량을 미술관을 비롯한 현장 견학과 유명작가 또는 초빙강사들에 의한 전문성을 살리는 외국의 교육과정은 우리나라의 예술고등학교가 교육과정을 편성, 운영하는데 좋은 본보기가 될 것이다. 본 논문은 우선 예술고등학교의 멀티미디어 디자인교육의 현실적인 문제를 진단하고, 국가적인 교육정보화 정책과 선진국 고등학교의 디자인교육 마인드를 접합하여 대안을 모색하고자 했다. 현재 예술고등학교 디자인교육이 우리나라의 디자인교육에 있어 밑거름이 되고 있는 것은 사실이지만, 멀티미디어 디자인교육은 초보적 단계에 머물고 있다. 이를 발전시키기 위해서는 교육과정 속에서 학교, 교사, 학생들 상호간의 활발한 의견교류를 통해 효율적이고 능동적인 디자인교육 방법을 도출해야 한다. 앞으로 예술고등학교는 입시 위주의 교육기관이 아닌 창의적인 디자이너로서 자질 함양과 전문인으로 성공할 수 있는 기초지식을 습득하는데 책임을 다할 수 있는 교육기관으로 자리 잡아야 할 것이다. This study is to examine the problems of design education in art high schools of multimedia era and to find solutions on those problems of present design education through the analysis of multimedia education in order to suggest a new curriculum and direction of a refined program for art high schools, The methods of research in this study include document, sampling quest and interview with the teachers of design programs in the field. The summary of study is as the following: First, for most of the design program of art high school is subordinated to that of art college, the program can not have its identity presented by the Ministry of education no more. This is due to the schools' stress on college entrance exam itself instead of the true purpose of art high schools, the nurturing a creative and genuine young artist. In that, art colleges should regain their roles of the responsible institutions to guide high school education through the unique and originative questions rather than mere staying status quo. Second, there is a request for new paradigm in art education field of nowadays informationalized and multimedia based environment. However, the present status still reside in the established frame by the schools and teachers. It would be impossible to retake the flows of pragmatic and systematic design education in need if art high schools do not respond to changing milieu nor neglect their duty to find new responsibilities and roles suitable for the present education. Third, the upgraded knowledge of teachers in class is essential for the art high schools' multimedia design education to nurture creative and professional students. The teachers should be well-knowledged professionals in their students and relentlessly study on their guidance in the class. Also, schools should develop re-educational program for the teachers and support their professions without any hesitation. Fourth, as design education of multimedia era is a discipline based on the communication, art high schools should react positively to the new communication process. It is why the need of multimedia equipment as computers and the use of internet is essential in the educational system. furthermore, the cooperating system between art high school and design educational web site should be worth of considering. Such a cooperating system would meet the need of art high schools' equipment and teacher as well as bring the effect of synergy for the better quality in design education. Fifth, as the modern society grows in various diversity and its need for design becomes broaden day by day, the course of design education should be systemically refined to meet the need of aptitude and choice of the students attending classes. The Seventh Educational Process itself stresses on autonomy and flexibility by the region and school. Art high schools should exert on student oriented program by the Process. Sixth, examples regarding design in the text book of fine arts do not satisfy the students' need and reveal their poor qualities. In addition, considering vast design power to effect on future society through present informationalized era, it can not be restricted to a mere part of fine art any more. So, design must be separated as an independent discipline from the narrow boundary of fine arts text book and choose its own text book to convey the depth of design education. Seventh, the foreign art schools' design education apply the different levels for students' entire course, which maintain continuity and advanced steps toward its goals. They also accept the students' request for various professional course to their curriculums for talented young artists. It would be much helpful for our art high schools in determining educational management to examine the courses of foreign art high schools investing much of their time to visiting museums and to invite famous artists and lectures to the class. This study is to explore the alternatives by the diagnosing on the problems of present design education and the combination of national approach on the infomationalized education and the design attitude of foreign art high schools. Although the design education of art high schools have founded that of nation overall, our multimedia design education has just begun. To develop this rich field, all schools, teachers and students based on close relationship have to find effective and positive method of design education through active sharing opinions with each other in design curriculums. From now on, the design education of art high schools should be responsible not for the preparing to the college entrance exam but for the nurturing young talented artists for creative and professional designers.

현대 니트 패션에 나타난 장식적 표현 기법의 경향 연구 : 2000년 ~ 2006년 해외컬렉션을 중심으로

심선영 홍익대학교 산업미술대학원 2007 국내석사

과거 우리나라의 니트 산업은 풍부한 노동력을 바탕으로 주요 수출 산업으로 육성․발전되었으나 고부가가치 산업으로서의 준비와 전환이 늦어지면서 차츰 사양 산업으로 인식되는 결과를 맞이하게 되었다. 세계 니트 시장에서 불고 있는 새로운 패러다임은 니트 시장을 고부가가치에 바탕을 둔 고가 제품의 시장과 대량 생산 방식에 바탕을 둔 저가 제품의 시장으로 양극화 시키는 동시에 니트 선진국들이 전자의 시장을 차지하고 중국이 후자의 시장을 담당하는 결과를 가져오게 되었다. 아울러 니트 시장의 양적 팽창이라는 결과 또한 함께 가져오게 되었다. 이러한 변화는 우리나라의 니트 산업의 활로가 다른 니트 선진국들처럼 고부가가치 니트 제품의 디자인과 개발에 달려있음을 시사한다고 할 수 있다. 우리나라 니트 산업의 활로를 모색하기 위해서는 니트 산업을 사양 산업이 아닌 고부가가치 산업으로 전환시켜 꾸준히 발전시켜나가고 있는 해외의 니트 선진국들의 사례를 벤치마킹할 필요가 있다. 그래서 니트 패션에서 어떠한 장식적 표현 기법들이 사용되고 있는지를 그 경향과 변화를 알아보는 일은 니트 패션 디자이너들에게 디자인 개발의 방향을 제공하고 니트 패션의 부가가치화를 위한 실질적 데이터로 활용할 수 있으리라 생각한다. 이론적 고찰을 통해 니트 패션의 장식적 기법들의 용어와 의미를 명확히 하였다. 기법들은 엠브로이더링, 아플리케, 꼴라쥬, 퀼팅, 패치워크, 술 장식, 슬래싱, 프린팅, 비딩, 세퀸(스팽글), 스토닝(핫픽스) 기법의 10개영역으로 분류하였다. 컬렉션에서 니트의 비중이 높다고 판단되는 Anna Sui, Blumarine, Mark Jacobs, Missoni, Krizia, Kenzo 을 선정하였다. 2000년부터 2006년 까지 니트 패션에 나타난 니트의 표현 기법과 장식적 기법의 경향과 그 변화 추이를 분석 하였다. 장식적 표현 기법은 단일적 표현 기법, 혼합적 표현 기법으로 분석 하였고 그 기법들을 활용한 작품들을 제시하였다. 본 연구를 통하여 얻은 결론은 현대 니트 패션에서 단일 장식적 표현 기법 이외에도 몇 가지 요소들을 함께 사용한 혼합적 기법으로 니트 패션의 미적 가치를 높이고 조형 예술의 범위를 넓혀 현대 패션의 중요한 요소로 자리 잡아 가고 있게 되었다. 니트 패션의 디자인과 제품 개발은 끊임없이 연구되고 미적 조형물 승화 시키는데 기여한다. 또한 니트 패션을 고부가치 산업으로 육성하여 우리나라 패션 산업 발달에 크게 기여 할 수 있으리라 여겨진다. In the past, the Korean knit wear industry was fostered and developed as one of the major exporting fields based on the rich labor force. However, this has come to face the recognition as declining industry gradually as there have been not the timely preparedness and the appropriate transition to high value added industry. The newly generating paradigm in the world knit wear market is characterized of polarization into two. One is the high priced market with high value added products while the other is the relatively low priced market with mass production method, which brings forth the outcome that the advanced countries occupy the former and China take up the latter. At the same time, the volumetric expansion has taken place in the knit wear sector. Such changes suggests that our domestic knit wear industry should be directed towards the production with high level of valued design and development as in the case of the advanced nations in knit wear industry. To find a solution to make our related industry active, it is needed to benchmark the cases of those overseas advanced countries in this field who have constantly been shaping it up into a valued industry. In doing so, it is believed that knowing what decorative expression techniques is being used in knit wear fashion regarding its tendency and change will provide the designers with a developing direction and the chances to utilize them as practical data to realize as value addition. Through the theoretical examination in this writing, the terms and meanings were clearly defined for the decorative expression technique in knit wear fashion. The method applied here was divided into ten categories: embroidering, applique, collage, quilting, patchwork, fringe, slashing, printing, beading, sequins (spangle), and stoning (hotfix). With regard to the collection, such selections as Anna Sui, Blumarine, Mark Jacobs, Missoni, Krizia, and Kenzo were taken, which are generally given much weight in collections. The analysis was performed on the traits and inclination of depicting techniques and decorating techniques in knit wear from 2000 through 2006. The decorative expression technique was examined in terms of the single expression technique and the complex expression technique and the works with the application were presented, respectively. Through this study, it is concluded that the complex expression technique with several components incorporated can enhance the aesthetic value in knit fashion and furthermore widen the range of formative arts realm in the modern knit wear fashion as well as the single expression technique, which helps positioning as an important element in the modern fashion. The development of design and product for knit fashion has been ceaselessly researched and this contributes to the improvement of formative structures in the aesthetic aspect. Fostering the knit fashion into high value added industry is considered to give a great contribution to the domestic fashion area.

패션산업을 이용한 쉼터노숙인 자활에 관한 연구

박소영 홍익대학교 산업미술대학원 2010 국내석사

In the fashion industry, the sewing industry was one of the representitive industries which paved the way for modern basis and accomplished the growth of the Korean economy as key industries of Korea. However, at present, the domestic sewing industry failed in a shift in generations because of the poor working conditions and the declination of social understanding like 3D jobs work. For that reason, many points at issue like the graying problem of human power, the decrepit of equipment, and the nation's system(the structural steppingstone which will be accumulated the professional function) has arisen but the breakdown of the fashion sewing industry is caused because the measure for one of them satisfactorily is not prepared. So the weight and dependence of production investment in foreign country get higher. But a manpower shortage is growing more and more severe because of the increase of personnel expenses casusd by the rapid economic growth in China and foreign producers. These situations endanger production base of Korean clothing manufacture enterprises advanced abroad because of world's financial difficulties and soon mean the collapse of production base of our clothing manufacture. Even if the enterprises desire to change the production base into the interior of country again, they are in a dilemma because of the loss of domestic base. These situations show the development of fashion industry is expected no more and we will be able not to head for a world-wide fashion power if there is no solution of the problem of the domestic sewing industry which might be the root of the fashion industry. At present, as the solution for the biggest problem, the man shortage, in the domestic sewing industry, there is somewhat in the purpose of the solution studying for this problem through the educational development of the fashion industry in rehabilitation programs for the homeless. There are a lot of problems to be substitute for the man-power of the homeless of the sewing industry in the fashion industry. However, the homeless are increasing continuously because of two IMF currency crisis of Korean economy, on the other hand, if the sewing industry is collapsed because of the man-power shortage, this studying might be necessary to reduce the vicious circle of the present once after a point at issuet of wo problems is redeemed mutually. As a method of the study, the present condition of the sewing industry in Seoul is analyzed and is examined through the data collection and the survey of sewing enterprise from the necessary organizations, the Ministry of Labor, the National Statistical Office, the Ministry of Commerce, industry and Energy, and the Sewing Association and so forth. At present, we examine and analyze the actual condition of the rehabilitation program after we survey the recognition degree and concern or unconcern and so forth with the homeless who live in the Seoul shelter as the center. With analyzing the point at issue infered from this, the rehabilitation program of fashion sewing industry be applied for the characteristc of the homeless is developed. To judge the application possibility of the program, the case is studied after the recipient who has the interest and the enthusiasm in the homeless of the shelter is selected. Through this study, it turned out to be the possibility of the self-support of the homeless who live in the shelter. Here, about 20% in the shelter-homeless have the condition for self-support because they have the basic labor ability and also about 20% of them have the possibility of self-support through the education of the self-support. Also, about 30% have the limitation of the self-support condition and again about 30%, the remnant of them, have the environmental variable which might be the limitation for the self-support according to the circumstance. These results show that it is possible for about 40% in the shelter-homeless being substitute as the man-power of the fashion industry through the education of the fashion self-support. So, after the analysis and complement of the point at issue showed through this study, various programs of the fashion sewing industry be applied for the self-support characteristic of shelter-homeless are developed. So we hope that it has a stable role to maintain the self-support of the homeless, takes out the effect of the job creation the shelter-homeless and becomes a part of fashion industry development after they are trained as the new man-power to be substitute for the master mechanics. 패션산업 중에 봉제 산업은 한국의 기간산업으로 근대적인 기틀을 마련하여 한국의 경제성장을 이루는데 대표적인 산업 중에 하나였다. 하지만 현재 국내봉제 산업은 근로 환경 조건의 열악함과 3D업종 이라는 사회인식 저하로 세대교체를 실패하였다. 그로인해 인력의 노령화문제, 설비의 노후, 국가의 제도(전문 기능을 축적할 수 있는 구조적 발판)등 많은 문제점이 발생했지만 어느 것 하나 제대로 대책을 마련하지 못해 패션봉제 산업의 붕괴를 초래하고 있다. 그래서 해외 생산투자 비중과 의존도는 높아 졌다. 하지만 중국 및 해외생산국들의 급속한 경제성장으로 인건비 상승으로 인력난이 점차 심해지고 있다. 이러한 현상은 세계 경제난으로 해외에 진출한 한국 의류제조 기업들의 생산기지가 흔들리며 곧 우리 의류제조 생산기지의 붕괴를 의미한다. 기업들은 생산기지를 국내로 돌리고 싶어도 국내기반의 상실로 진퇴양난을 격고 있다. 이러한 현상은 패션산업의 뿌리라고 할 수 있는 국내 봉제 산업의 문제 해결 없이는 패션산업의 발전은 더 이상 기대할 수 없으며 세계적인 패션 강국으로 나아갈 수 없을 것이다. 현재 국내 봉제 산업의 가장 큰 문제인 인력난의 해결방안으로 노숙인 재활 프로그램 중에서 패션산업 교육을 개발하여 조금이나마 이 문제의 해결방안을 연구하는 목적이 있다. 패션 산업 중에서 봉제 산업의 노숙인 인력을 대체하기란 많은 문제점이 있다. 하지만 두 번의 IMF 경제외환위기로 노숙인은 계속 늘어나는 반면에 봉제 산업은 인력난으로 무너진다면 한 번쯤 이 두 문제의 문제점을 상호 보안하여 현재의 악순환을 줄여보는데 본연구가 필요하다고 본다. 연구 방법으로 서울시 봉제 산업의 현황을 노동부, 통계청, 산업자원부, 봉제협회 등 필요한 기관으로부터 자료수집과 봉제업체 설문조사를 통해 조사 분석한다. 현재 서울시 쉼터에서 생활하는 노숙인들을 중심으로 패션산업의 인식정도와 관심여부 등을 설문조사하여 가능성과 재활 프로그램 실정을 조사 분석한다. 여기에서 추론된 문제점을 분석하여 노숙인의 특성에 맞는 패션 봉제 산업 재활 프로그램을 개발한다. 프로그램의 활용 가능성을 알아보고자 쉼터 노숙인중 봉제 산업에 관심과 열의가 있는 대상자를 선정하여 케이스 연구를 한다. 이 연구를 통해 쉼터에서 생활하고 있는 노숙인 자활의 가능성이 있는 것으로 밝혀졌다. 여기서 쉼터노숙인 중에서 약20%는 기본적인 노동능력을 가지고 있어 자활의 조건을 가지고 있으며 약20%는 자활교육을 통해서 자활가능성을 가지고 있다. 또한, 약30%는 자활조건의 제한을 가지고 있으며 약30%는 환경에 따라서 자활에 제한이 있을 수 있는 환경변수를 가지고 있다. 이러한 결과는 쉼터노숙인 중에서 약 40%는 패션자활 교육을 통해서 패션산업의 인력으로 대체 가능성이 있는 것으로 볼 수 있다. 그래서 이 연구를 통해 나타난 문제점을 분석·보안하고 패션봉제 산업의 다양한 프로그램을 쉼터노숙인의 자활특성에 맞도록 개발한다. 그래서 노숙인의 자활이 안정적으로 유지될 수 있는 역할을 하여 쉼터노숙인의 고용창출의 효과와 고령화 되고 있는 기능장들을 대체할 새로운 인력으로 양성하여 패션산업 발전의 한 부분이 되기를 바란다.

캐릭터 비지니스의 성공사례를 통한 캐릭터 개발에 관한 연구

이정희 홍익대학교 산업미술대학원 2001 국내석사

그동안 정보통신, 전자 분야로 집약되었던 벤쳐의 열풍이 서서히 디자인 업계로 확대되고 있다. 아직은 미비하지만 이같은 열기는 흔히 캐릭터 디자인 분야에서 두드러지게 나타나고 있으며 캐릭터산업은 고부가가치의 실현을 특징으로 하는 문화산업 중에서도 핵심적인산업으로 자리잡고 있다. 또한 이런 경제적 가능성 외에 문화적 중요성으로 보아도 결코 소홀히 할 수 없는 분야이다. 캐릭터는 자본주의가 발달하고 대중매체가 널리 보급화되고 다각화됨에 따라 부가가치를 지닌 하나의 상품으로 대두되고 있으며, 자본주의 경제체제에서는 자본과 노력을 투자하여 상품가치를 높이는 스타로서 그 가치를 재창조 해내고 있다. 현재 국내 캐릭터 시장의 90% 이상을 외국산 캐릭터들로 점령당하고 있다는 사실이야말로 캐릭터산업에 대한 우리의 인식 전할이 시급하다 하겠다. 최근 캐릭터 사업은 황금 알을 낳는 사업, 고부가가치 사업이라는 말로 화려하게 포장되어 세간의 이목을 집중시키고 무수히 많은 캐릭터 업체가 우후죽순처럼 창업되어지고 있으며 또 많은 대다수의 업체들이 고전을 면치 못하고 있다. 이는 캐릭터 산업에 대한 전반적인 이해가 부족한 탓이다. 국내의 대부분의 기업들은 별도의 마케팅 커뮤니케이션이 요구되지 않는, 앞선 캐릭터 문화와 산업적인 노하우를 가지고 있는 일본.미국등의 외국의 인지도 있는 캐릭터를 주로 사용하고 있는데, 이는 자체 개발하기 보다는 이런 외국의 캐릭터를 도입하여 사용하는 것이 빠른 시간에 효과를 볼수있다는 심리 에서 기인된다 하겠다. 이에 우리나라의 캐릭터 시장이 외국캐릭터에 잠식되어 있고 점점 그 비중이 점점 더 커져가고 있는 심각한 실정이다. 물론 손쉽고 빠르게 캐릭터를 제품에 이용하여 상품화시키는 것은 초기 캐릭터 사업에 진입할 수 있는 편법이 될수 있겠지만 결코 캐릭터가 롱 런 할수 있는 방법이라고 할수는 없다. 외국의 유명한 캐릭터들의 엄청난 힘과 가능성은 하루 아침에 만들어지는 것이 아니라, 오랜기간 동안 캐릭터로서 사업적 가치를 인정받고, 일단 그 가치가 인정되는 순간부더는 별도의 투자없이 수익을 창출할때 이른바 고부가가치 사업이 되는 것이다. 캐릭터비지니스는 독특한 디자인과 마케팅전략이 근간 되어야 함은 물론 이고, 무엇보다 시장에 대한 철저한 이해가 바탕이된 마케팅 능력이 비즈니스의 근간 되었음을 우리는 주지해야 한다. 따라서, 본 연구는 캐릭터를 하나의 문화 산업으로서 캐릭터의 가치와 가능성을 인식하고 캐릭터가 캐릭터 자체로서의 독립적 성격과 더불어 여러 산업 분야와 연관되어 부가가치를 높이는 강력한 힘을 파악하여 캐릭터가 단순한 이미지로부더 탈피하여 문화를 심는 하나의 '문화 상품'으로서의 인식의 전환을 유도하였다. 이러한 이유로 다음과 같은 방법과 과정으로 연구를 진행하였다. 본 연구에서는 디자인과 마케팅이라는 두 축을 중심으로 다양한 캐릭터 디자인의 성공사례를 통해 캐릭터 비지니스의 성공전략을 제시하고자 한다. 먼저 캐릭터의 이론적 배경의 측면에서 캐릭터의 정의와 유행분류, 활용에 대해 고찰하고, 아울러 캐릭터 디자인과 마케팅 전략과의 연관관계에 대해서 규명함으로서 캐릭터 산업에 있어서의 마케팅의 중요성을 이해하는 계기를 마련하였다. 또한 국내외 캐릭터 산업 현황의 전반적인 상황을 살펴봄으로서 캐릭터 산업을 함에 있어서 반복되는 시행착오를 줄일수 있는 방법을 모색하고자 하였다. 위의 연구 과정을 통해 제시된 캐릭터 산업의 문화적 함의를 토대로 대표적인 성공사례로 포켓몬스더, 헬로우 기티, 아기공룡 둘리, 블루베어 등을 중심으로 캐릭터가 만들어지는 시스템과 고부가가치를 창출해 내는 캐릭터 산업에 대해 알아봄으로서 국내 캐릭터산업이 고부가가치를 창출하기 위한 방법의 해결책을 모색하고자 한다. 종합적으로 본 연구는, 문화산업이라는 각도에서 캐릭터가 창출하는 문화적 이미지의 가치, 글로벌 마케팅으로서의 전략적이고 통합적인 비즈니스 산업으로서의 가능성 등 통합적인 시각에서 하나의 문화적 코드로서 캐릭터 산업의 인식 전환을 시도함에 그 의의가 있다고 하겠다. The fervor on venture concentrated in the IT and electronic areas is gradually shifting toward the design industry. Although this trend is in a beginning stage, the fervor is specially focused on the character design field. Character design industry is a high-value business and it takes its position as one of the core part of the culture business area. Besides its economic potential, character design is a very important area in terms of the culture. As the capitalism evolves and mass media becomes popular and diversified, character design emerges as one the most important value-added businesses. Under the capitalism economy, this value-added business recreate its value as a star that enhances the value of the products through the investment of capital and labor. In the mean time, a special measure needs to be taken in the Korean character business industry, considering that more than 90% of the Korean character market is dominated by the imported character goods. The character business is decorated with many attractive terms such as a golden-egg business and high-profited business, drawing attention from many people. This stimulates many companies to invest on the character business, but many of them are in a difficult situation since their involvement in this business. Part of the reason of this is because they do not have thorough understanding about the character industry. Most of the Korean character business companies import the character goods from Japan, America and other countries as they don't have to invest on the marketing and other business activities. The core reason of this is because they can achieve results within a short period of time. And, this is a big concern that the Korean character market will become an arena for the foreign marketers in the long run. Although companies entering the market with the import-character goods may take advantages in the market, this may not be a means of long-run of their business. The big potential and marketing power of the foreign companies are not given within a day, but it took a lot of time until they are recognized as the successful character companies, and once they are recognized, they don't need to make an additional investment but crop high profit from what thy have planted previously. The character business needs to be based on the unique design and marketing strategies, and in particular, the marketing ability will be a key to the success of a company. Considering all these factors, this study intends to describe the character business as one of the most important "cultural products" that convey the culture of a country by understanding the value and potential of the character business as a part of the cultural business industry and its potential to become a high valued business in relation to other business areas. Based on these, the study employed the following procedures and methods: In this study, successful business strategies are introduced based on the previous cases focusing on the design and marketing. By defining the terms of the character business, categorizing the products, investigating their use and identifying the relation between the design and marketing strategies, this study emphasizes the importance of the marketing in the character industry. Also by investigating the overall status of the Korean character industry, this study presents the method hoe to reduce the risk involved in the character business. Based on the cultural identification of the character business through the above procedures, this study suggest the method how to improve and promote the high-valued character business in Korea through the investigation of the cases of the success of the character business from the Pocket Monster, Hello Kitty, Dooly the Baby Dinosaur and Blue Bear. As a conclusion, the purpose of this study is to emphasize the value and image of the character business in terms of the cultural business and the potential of the character business as a strategic and global business and to attempt to change the recognition of the character business as a cultural code in terms of an integrated vision.

패션素材 컨버터의 役割과 機能에 關한 硏究 : 淑女服 컨버터를 中心으로

유영선 弘益大學校 産業美術大學院 2001 국내석사

20세기 이후 급속히 진행된 산업화는 기능성. 실용성. 단순성을 추구하게 하였고 기계적 산업생산에 의한 대량생산은 주요보다 공급을 크게 하는 요 인이 되었다. 21 결과 만들면 팔리는 시대에서 소비자가 다양한 선택을 할 수 있는 시대로 변화 했다. 소비자의 선택으로 살아남아야 하는 기업 간의 경쟁은 상품에서의 디자인의 중요성과 의미를 최고의 가치로 부여하게 되었다. 패션산업에 있어서 최종제품의 가치에 중요한 역할을 하는 소재의 경우도 예외일 수는 없다. 어패럴에 있어서의 소재는 이미 디자인을 말하고 있으며 개성화와 차별화를 추구하는 많은 디자이너들에 의해 소재산업은 이제 모든 디자인산업의 주축을 이루고 있다. 패션산업이 고부가가치를 창출하는 미래산업으로 육성되기 위해서는 소재 개발이 선행되어야 하는 것은 당연한 사실이다. 그러나 아직도 우리나라의 섬유업계는 고부가가치의 차별화 된 소재개발이 미흡하여 수입소재에 의존 하고 있으며 패션산업의 경쟁력도 패션선진국에 비해 낙후되어 있는 실정이 다. 이에 본 연구에서는 패션산업의 각 부문들 소재메이커와 어패럴. 소비자의 중간에서 소재기획, 상품기획 등의 코디네이터역할을 수행하여 소재개발 의 중요한 역할을 담당해야 하는 소재 킨버터의 역할과 기능을 고찰해 보았다. 이론적 연구에서는 컨버터의 개념과 발생배경, 필요성과 컨버터의 역할로서 정보수집 및 제공, 소개기획. 생산 등의 기능을 살펴보았다. 패션소재컨버터의 현황으로는 세계섬유산업에서 중요한 위치를 차지하고 있는 이탈리아 섬유산업을 분석하고 실증조사로 우리나라 패션소재컨버터의 현황을 설문조사에 의해 분석해 봄으로서 소재개발의 현주소를 파악 문제점 과 해결방안 등을 모색하여 소재개발활성화를 위한 자료로 활용하고자 한 다. 국내 숙녀복컨버터를 대상으로 컨버터의 역할과 기능에 관한 설문조사 분석결과는 다음과 같다. 첫째, 컨버터의 일반적인 현황은 중소기업으로는 다소 규모가 큰 것으로 나타났으나 개발되는 소재가 기본 물에 치우쳐 있어 소재의 차별화와 다양화가 부족한 것으로 나타나 어패럴의 수입소재의 사용증가를 초래하는 것으로 보인다. 이러한 문제는 컨버터뿐 아니라 어패럴과 생산업체의 유기적인 노력이 요구된다. 둘째, 정보수집현황에 대한 조사결과 소재개발을 위한 정보원으로 해외전 시회정보나 해외정보지에 의존하고 있고 소비자정보나 판매실적정보의 활용 은 미흡한 것으로 나타났다. 우리소비자에 대한 분석과 이를 바탕으로 재해석된 해외정보의 활용으로 독창적 인 소재개발이 이루어져야 할 것이다. 셋째, 소재개발을 위한 샘플개발과 시직 등 개발비에 상당부분 투자하고 있는 것으로 나타나 소재개발의 중요성과 필요성은 절감하고 있으나 원사나 가공 등 생산에 많은 어려움을 겪고 있는 깃으로 나타나 각 생산부문의 전 문화와 발전이 필요한 것으로 나타났다. 또 개발의 모티브로 수입원단을 가 장 많이 활용하고 있는 것으로 나타나 우리의 소재개발수준이 외국의 소재를 모방 하는데 그치고 있음을 알 수 있다. 넷째, 상품을 프로모션하는 방법은 방문상담에만 의존하고 있어 어패럴과 긴밀하게 협조하여 전시회 등을 개최 소재개발의 장으로 활용하고 있지 않는 것으로 나타났다. 우리나라 컨버터는 패션선진국인 이탈리아와 비교해 볼 때 패션산업에서 의 코디네이터로서의 기획지의 역할을 제대로 수행하지 못하는 것으로 나타났다. 이러한 결과는 컨버터만의 문제가 아니라 우리나라 패션산업전반의 많은 문제점이 있는 것으로 방산업체 각부문간의 전문화의 부족과 어패럴과 생산업체의 유기적인 네트워크의 부재 등을 들 수 있다. 국내 소재컨버터의 현황 분석을 통해 소재개발의 현주소와 향후 발전 방향을 모색해 보는데 이 연구의 의의를 두고자 한다. The rapid growth of industrialism after the 20th century has resulted in search for functionality, practicality and simplicity as well as the mass production due to development of technology which became the main factor for the increase of supply over demand. As the result of that, the consuming pattern has changed where consumers are exposed to more products and have more options when purchasing a product. The key to surviving this competitive market solely depends on their ability to creating new and better products according to consumers' needs. In the fashion industry, one of the most important factors which determine the quality of a product is material. Material says basically everything about a garment besides design, and many leading designers who aim for characteristics and uniqueness pay great attention to materials more than ever. In order to develop fashion business successfully in the future and provide products with higher quality, new materials need to be developed. However, in domestic textile business, merchandisers depend mainly on imported fabrics which leads them to fall behind in the global fashion world. Therefore, this research studied on the role and functioning of fabric manufacturers in different fields of fashion industry and their tasks as the coordinators in material, product planning and fabric converters who play the essential role in material development process. In theoretical research, the background and concept of converters who play the major role in presenting and gathering information, material planning and production are studied. To analyze today's current status of fashion textile converters, precise study on Italian textile industry was done, as well as the domestic fashion textile converters' condition which was verified upon poll in order to obtain the current situation of the market. That will lead us to answers to settlement plan and use those references to activate better material development. At first, the converters' general status is found out to be quite larger than medium enterprises. But the fabrics that are developed by them tend to be focused mainly on basic items, lacking balance and variety, therefore result in increase of imported fabrics, The continuous effort to solve these problems is required not only by converters but also by manufacturers as well. Secondly, according to the poll on reference research, information gathered from various international textile fair and international forecasting references were the only sources used for aids to material development, but the consumer information and sales result information were merely studied. Thirdly, it is found out that manufacturers are well aware of the importance of material development, and much money is invested on developing samples for material development and test weaving is widely done accordingly. But yet, the techniques to yam production and finishing processes are still insecure and the improvement on each production department's professionalism is greatly required. Furthermore, as for pattern designs, most of the domestic manufacturers mostly rely on foreign materials, imitating and modifying from them. Lastly, the methods to promote the productions only rely on door-to-door consultation, not associating with apparel industry well and use fairs and exhibitions to promote new developed materials and network with other manufacturers. Compared to Italy, the world's most advanced fashion country, converters in Korea are not playing their role as coordinators and planners in fashion industry effectively. This is not only the converters' problem but also domestic fashion industry as a whole, due to the lack of professionalism in each section and of terminable networking throughout the industry. The significance and ultimate purpose of this research is to analyse domestic converters' current status to find helpful answers to more vigorous material development and to grope for future improvement.

국·공립 미술관의 사진전시와 소장 : 국립현대미술관을 중심으로

정윤희 홍익대학교 산업미술대학원 2003 국내석사

사진이 발명된 1839년 당시 천문학계의 권위자이면서 하원위원이었던 프랑수아 아라고(Francois Arago)는 다게르(Louis Jacques Mande´ Daguerre)의 사진발명의 대변인 자격으로 1839년 7월 3일 하원에서 연설을 했는데 그 초안을 보면, 국가에 사진의 발명권을 매입하라고 요청하면서 미술은 자연에 대한 정확한 '관찰과 연구'를 위해 '태양광선을 통해 자연이 그려내는 가장 섬세한 데생'인 사진을 참조해야 하며, 또한 '사진이라는 데생'은 이러한 예술가의 목적에 봉사하여야한다고 하였다. 더 나아가 이 새로운 기술이 응용될 영역을 천체물리학에서부터 문헌학에 이르기까지 매우 폭넓게 잡았다.1) 즉 당시 예술인들에게 사진은 원근법의 규범을 정확히 준수할 수 있게 하는 보조물이자 정확한 데생을 위한 도구였으며 과학자들에게는 각 영역의 조사와 기록의 수단, 그리고 관찰과 연구를 위한 연구재료였다. 그러나 사진은 그 자리에 머물러있지 않았다. 처음에는 회화의 데생을 위한 보조기구로 시작하여 점차 그 정확한 기록성을 인정받아 지질탐사, 토지측량, 문화재보존 건축기록, 도시재개발 사업 등에 이용되기도 하고 혹은 인종학 사진과 죄수들의 신원확인 기록사진에 쓰이는가 하면 회화에 비해 저렴하였으므로 서민들의 초상화 대용으로 애용되기도 하였다. 또 오늘날과 같이 세계의 왕래가 빠르지 않았을 무렵이었으므로 미지의 세계를 대중에게 보이기 위한, 그럼으로써 그 사진을 본 서민들로 하여금 직접 그곳을 갔다 왔다는 환영을 갖게 하는 역할도 하였다. 그런데 사진의 그 쓰임새가 다양해짐에 따라 실용적인 목적으로만 쓰이는 것이 아니라 개인의 즐거움과 감수정의 표현을 위해 자연의 연필이라는 명목으로 회화가 담당했던 데생을 직접 그리기 시작하면서 '과학과 예술의 비천한 하녀'였던 사진이 더 이상 하녀로서 만의 역할에 만족하지 않게 되었다. 즉 사진이 외화의 표현양식상의 유사성을 모방하고 강조하면서 사진도 작가의 상상력과 창조성 그리고 감수성을 포함한 생산물임을 증명하려고 시도하였던 것이다. 더 나아가 사진이 회화와의 종속적인 관계에서 벗어나 사진만의 고유한 특성을 강조하였는데 그것은 육안의 한계를 뛰어넘는 재현력과 선예도를 자랑하면서 독자적이고 자율적인 사진만의 성질을 내세워 순수예술로서의 단계까지 올라서게 된 것이다. 이런 현대사진의 특성은 19세기 말 사진의 초기시대 사진에도 적용되어 현대에 와서 다시 재해석되기 시작하였다. 즉 사진이 가지는 정확한 선예도와 재현력 그리고 육안을 뛰어넘는 피사계심도를 특질로 하는 19세기 사진-예술을 목적으로 제작된 사진이 아닌-들도 예술작품의 관점에서 바라보게 되었던 것이다. 이것은 곧 사진발명 100주년을 기념하여 유럽과 미국의 대형미술관들이 19세기 사진부터 시작하여 현대사진에 이르기까지 전시하는 계기가 되었고, 이 전시는 세계사진사에 있어서나 미술사에 있어서나 획기적인 사건이 되었다. 왜냐하면 사진이 발명 된 당시로 거슬러 올라가서 생각하면 사진이 미술관에 전시되리라고 전혀 기대할 수 없었기 때문이고, 또 미술관에 전시된 사물들이 예술의 의미에서 바라보게 되어지는 사회적인 현상으로 인해 사진도 당연히 예술작품의 맥락에서 검토되어야 했기 때문이다. 이 사진발명 100주년 기념전에 이에 MoMA에 사진 분과가 탄생하였고 MoMA의 치밀한 사진연구와 전시기획으로 말미암아 사진의 종주국이었던 프랑스는 그 자리를 미국에 넘겨주게 되었다. 곧 MoMA에서 개최 된 사진전들은 세계 각국은 물론 국내의 사진계에도 그 영향을 미치기 시작하였고, 또 사진은 다른 매체와의 융합이 매우 빠르게 이루어져 세계미술계에서 사진이 미치는 파장은 상상할 수 없을 정도로 막대하게 되었으며 더 나아가 사진이 미술관에 전시됨으로 모더니즘의 쇠락이라는 새로운 의미도 수반하였다. 이러한 세계예술계의 사진에 관한 관심은 국내의 미술관들에게도 사진에 큰 관심을 보이게 하였다. 국내에 사진전문 미술관이 개관하고, 국제적인 사진 영상 페스티벌도 열리며, 미술관들마다 사진전을 개최하는 횟수도 빈번해지고 있을 뿐 아니라, 사진을 수집하는 율도 상승하고 있는 것이다. 이에 국내 국·공립 미술관 중에서 가장 많은 사진작품을 보유하고 있는 국립현대미술관을 중심으로 미술관에서 사진전이 열린 동기와 과정 그리고 소장정책과 규정 등을 살펴보고 국내에서의 사진의 위상을 가늠해 보고자 한다. Francois Arago, who is an authority on astronomy and a member of the national assembly, made a speech that demanded the France government purchase the right of photography invention from Daguerre in 1839(the year of photography invention). and he said Art should refer to the most delicate design of photography for making accurate observation of nature, and photography must render a service to artists for the purpose. and from astronomical physics to bibliography, this new technique would have wide application. That is, photography was only an assistant or an implement of artists to be in accurate perspective representation and was a material to investigate, document to scientists for study. But that is not all of photography. as time passes, being used photography was widen and it could represent artistic presentation; one's delight, anger and sadness and so on. namely feelings, sensibility. but that was not Art's expectation. so photography attempted to verify perpetually that photography is a product of a creature with sensibility of artist. for this purpose, photography put great emphasis on its inheritance; representation of deep depth. over the ordinary sight ability. then, this thing became a distinctive character of photography of modern art. In order for photography to be recognized as an art form, an institutional structure of acknowledgment is necessary. the very first case is the exhibition, Photography: 1839-1937 organized by Beaumont Newhall, the curator in charge of photography at the Museum of Modern Art, New York and the first curator of photography in the world, is recognized as the first instance in which a museum recognized photography as an artistic medium. And the establishment in 1940 of the department of photography at MoMA. Following the precedence set by the MoMA, many museums and galleries began to collect photography. These facts helped to wrest away the title of the center of photographic art from paris(which previously had been predominant in the field) and handed it over to New York. Influence of photography has greatly expanded. the vagueness of the boundaries between media and the cross-over phenomena that have occurred across the board spectrum of contemporary art have also brought about the dismantlement of distinction between art and photography. In recent years, the percentage of photography at international biennial exhibitions and museum exhibitions in Korea as well as overseas has increased stunningly, especially in comparison with the past. From this perspective, this essay is written to address a need to consider the direction for photography exhibitions and collection in the National Museum of Contemporary Art in Korea. In this essay, I observe the patterns of photography exhibition and collection at the museum. From that perspective, I hope this assessment of photography exhibition and collection at the museum proves to be meaningful for the photography.