전쟁 상황을 다룬 예술작품에서의 인간의 두려움에 대한 표현 특성 -제2차 세계대전 전후 전쟁 트라우마 관련 작품을 중심으로-

선영현,정금희 한국기초조형학회 2023 기초조형학연구 Vol.24 No.2

This study aims to present an insightful perspective on how the concept of trauma, which representing fear among various human inner psychologies, can be expressed through visual art. Through this, we aim to present the methodology for interpreting artworks dealing with war trauma. The subject of the study is a work of art related to war trauma that depicts before and after World War II and the tragedy of the Holocaust. To present a framework for interpreting the work, we fused trauma-related theories of Karl Jung, Dominic Lacapra, and Marianne Hirsch. The main results of this study can be summarized into the following three categories. 1) When the results of anlayzing works depicting war trauma were classified in a way that expresses human fear, it could be largely divided into a way that expresses human cruelty and fear, human anxiety and unconsciousness, and daeth. 2) As a result of analyzing the work depicting the war trauma at the content level of the embodiment of brutality and fear, they experienced war firsthand, reconstructed it on the spot based on their experiences, or recalled memories after a certain point to embody brutality and fear. These artists intended to induce reflection, criticism, and indirect experiences of war trauma to viewers according to their respective expressions. 3) As a result of analyzing the work depicting the war trauma at the content level related to anxiety and unconsciousness, they expressed the unconsciousness and emptiness of war trauma by directly expressing the death caused by the war trauma by leaving scary red blood marks on the completed work and the meaninglessness of the war situation through ambiguity. The final results analyzed through this study can be presented as follows. Writers played a role in reflecting on the forgotten memories by stimulating humanity’s collective unconsciousness of war horrors, fears, and anxiety, reflecting on the past, and conveying what attitude we should maintain.

미술 교육에서의 온라인 미술관 : 가치와 활용의 새로운 가능성

선영현 유럽문화예술학회 2025 유럽문화예술학논집 Vol.16 No.1

본 연구는 온라인 미술관이 미술교육적 관점에서 가지는 교육적 가치를 분석하고, 학교 교육에서의 활용 가능성을 탐색하는 것을 목표로 하였다. 이를 위해 문헌연구와 사례분석을 통해 국내외 온라인 미술관의 운영 현황을 비교하고, 국내 온라인 미술관의 개선 방향을 모색하였다. 연구 결과, 해외 온라인 미술관은 AI 및 디지털 기술을 적극 활용하여 상호작용성과 맞춤형 학습 환경을 제공하는 반면, 국내 온라인 미술관은 정적인 정보 제공 방식에 머무르고 있어 교육적 활용에 한계가 있는 것으로 나타났다. 이에 따라 국내 온라인 미술관이 보다 효과적인 교육 플랫폼으로 기능하기 위해서는 실시간 상호작용 시스템 구축, 자유선택학습 활성화, AI 및 VR/AR 기술을 활용한 개인 맞춤형 학습 환경 조성이 필요함을 제안하였다. 본 연구는 국내 온라인 미술관 교육의 발전 방향을 제시함으로써, 향후 미술교육에서 디지털 기술과 연계한 온라인 학습이 나아갈 방향을 탐색하는 기초 자료로 활용될 수 있을 것이다. This study examines the educational value of online museums from an art education perspective and explores their potential applications in school curricula. Through a literature review and case analysis, it compares the operational strategies of online museums in South Korea and abroad to identify areas for improvement. The findings indicate that while international online museums actively integrate AI and digital technologies to enhance interactivity and provide personalized learning experiences, domestic online museums primarily rely on static information delivery, limiting their educational effectiveness. To function as an effective educational platform, domestic online museums must establish real-time interactive systems, promote free-choice learning, and implement AI- and VR/AR-based personalized learning environments. This study contributes to advancing online museum education in South Korea and serves as a foundational resource for future discussions on the integration of digital technology in art education.

2022년 초등학교 개정 미술과 교육과정 목표 이행을 위한 실기수업 및 교사 전문성 개선안

선영현 학습자중심교과교육학회 2023 학습자중심교과교육연구 Vol.23 No.11

Objectives The purposes of this study were to analyze the objectives of revised art curriculum, and to propose improvements for elementary art education. Methods To achieve this, the 2015’s and 2022’s revised curriculums were compared and analyzed, and, previous studies related to the elementary art education plans were reviewed, and improvement plans were considered. Results The 2022 revised curriculum emphasizes the linkage between aesthetic experience, expression, and appreciation, compared to 2015’s. Additionally, it appears to emphasize the goals of art education from an integrated perspective. However, according to previous studies, there are limitations in the separation of domains and the development of teaching methods. In particular, the limitations of materials and expertise were pointed out in the expression class. As a result, improvement was proposed for practical classes and the cultivation of teacher expertise. Conclusions This study is significant in that it examined practical improvement for achieving the goals of elementary school revised art curriculum by comparing and analyzing their goals and limitations.

동시대 시각문화에서 헤테로토피아 공간에 관한 연구

선영현,정금희 유럽문화예술학회 2020 유럽문화예술학논집 Vol.11 No.2

이 논문에서는 헤테로토피아 이론을 개념적으로 설명하고 미술과의 연관성을 확인하였다. 그리고미술계에서 설치미술로 가장 주목받는 작가인 아니쉬 카푸어와 올라퍼 앨리아슨의 작품을 분석하여헤테로토피아의 공간이 미술로 구현된 양상을 살펴보았다. 두 작가의 공간 표현법에 초점을 두고살펴본 결과, 일상에서 인식하기 어려운 헤테로토피아의 공간을 감상자들이 보다 쉽게 지각할 수있도록 작업하였고, 헤테로토피아의 공간을 표현하기 위해 건축, 과학, 공학 등과 협업함으로써 해당분야의 집약된 기술을 이용하였음을 확인하였다. 이는 미술이 앞으로 어떻게 발전해야 하는지를 보여준 것으로, 특히 설치미술의 공간에 대한 개념 확장에 기여하여 정치, 사회, 문화, 역사적인 공간으로까지 설치미술의 외연을 한층 넓혔다는 점에서 의미가 있다. 아울러 미술에서 헤테로토피아 공간의재현이 푸코의 이론을 실현한 것임을 확인할 수 있었다. In this paper, we explained the concept of Heterotopia theory and confirmed the association with art. And we analyzed the works of Anish Kapoor and Olafur Eliasson, the artists who are most noted for installation art in the art world, and looked at the aspect of Heterotopia's space being embodied in art. As a result of focusing on the two authors' spatial expression method, it was confirmed that the viewer perceived Heterotopia more easily and that the space of Heterotopia was used in the field by collaborating with architecture, science, and engineering to express the space of Heterotopia. This shows how art should develop in the future, especially in that it has contributed to the expansion of the concept of installation art space and expanded the appearance of installation art to include politics, society, culture, and historical space. It was also confirmed that the reproduction of Heterotopia in art was a realization of Foucault's theory.

시각예술을 통해 전쟁 트라우마가 표현되는 양상 연구 : 추모와 제의 및 치유와 승화를 중심으로

선영현,정금희 유럽문화예술학회 2023 유럽문화예술학논집 Vol.14 No.1

In this study, works that express memorial and ritual as a means of overcoming war trauma, and works that express healing and sublimation, were examined. Memorial and ritual were expressed symbolically by artists creating works or setting themes for works with humanistic values that can be sympathized by everyone. Healing and sublimation criticized reality while indicating the direction for the future world or showed the attitude to overcome the scars of war. These works serve as a means of expressing mourning for the noble deaths that can pass away as temporary memories, and also function as a device that reminds the audience of the value of noble sacrifices. They deliver a message of solace in regards to war trauma. Through visual art, past and present people form a social empathy and promote healing and growth. Additionally, it is argued that it is necessary to objectively view the dark aspects inherent in war trauma and to take the opportunity to mourn the victims who bear the scars of war trauma. 이 연구에서는 전쟁 트라우마를 극복하기 위한 일환으로 추모와 제의를 표현한 작품과 치유와승화를 표현한 작품을 살펴보았다. 추모와 제의는 예술가들이 상징적으로 표현해 내는 작품들을 제작하거나 모두가 공감할 수 있는 휴머니즘적 가치를 작품 주제로 설정하였다. 치유와 승화는 현실을비판하면서 앞으로 나아갈 세상에 대한 방향성을 알리거나 전쟁의 상흔을 극복하기 위한 태도를보여주었다. 이 작품들은 일시적인 기억으로 지나칠 수 있는 숭고한 죽음들을 추모하기 위한 애도의표현 도구이자 관람자들에게 숭고한 희생에 대한 가치를 되뇌게 하는 장치로 기능하여 전쟁 트라우마에 대한 위로의 메시지를 전달하였다. 또한 시각예술을 통해 과거와 현재의 사람들이 사회적 공감대를형성하여 치유와 승화를 도모하는 사회 통합의 기능을 수행하였다. 이 외에도 전쟁 트라우마에 내재된어두운 면을 객관적으로 바라보아야 하고, 전쟁 트라우마의 상흔을 지닌 희생자들을 애도하는 기회로삼아야 함을 주장하였다.

팬데믹 시대의 문화예술축제 대안 연구 : 유네스코 미디어아트 창의 도시의 사례를 중심으로

선영현 유럽문화예술학회 2021 유럽문화예술학논집 Vol.12 No.2

이 연구에서는 코로나 시대에 국내 문화예술축제와 유럽 문화예술축제의 진행 상황을 살펴보았다. 그리고 코로나 팬데믹 상황에서 진행된 유럽의 린츠, 리옹, 카를스루에의 문화예술축제와 광주의 미디어아트페스티벌 사례를 분석하여 포스트 코로나 시대, 팬데믹 시대를 위한 문화예술축제의 운영 과 대응 방향을 제시하였다. 유럽의 경우 언택트 시대에 관람객들의 수요와 요구를 즉각 반영하여 다양한 온라인 시스템을 개발하고 4차 산업혁명 기술을 활용하여 수준 높은 서비스를 온라인으로 제공하였다. 광주의 경우에도 코로나19의 확산 방지와 안전한 축제 진행을 위해 작품을 여러 곳에 분산 배치하는 등 행사 방역관리 지침과 운영 준수사항을 마련하고 이를 충실하게 이행하였다. 이상의 사례들을 통해 팬데믹 시대에 문화예술을 어떻게 기획하고 준비해야 하는지 알 수 있었으며, 문화예술 축제의 새로운 변화와 가능성을 확인할 수 있었다. This paper examines the progress of the Korean Culture and Arts Festival and the European Culture and Arts Festival during the Corona Pandemic. This paper also analyzes the cases of the Lintz, Lyon, Karlsruhe Culture and Arts Festival, and the Gwangju Media Art Festival. In Europe, a variety of online systems were developed to reflect the needs of visitors immediately in the Untact era. High-quality online services were provided using the technology of the Fourth Industrial Revolution. To further prevent the spread of covid-19 and conduct safe festivals, Gwangju also prepared and implemented guidelines for event prevention and operation management, such as distributing works in various places. These examples show how to plan and prepare culture and art in the post-corona era and identify changes and possibilities of the Culture and Arts Festival.

국제 아트페어의 성공 요인 분석과 한국 아트 페어의 발전 방안 연구

선영현 유럽문화예술학회 2024 유럽문화예술학논집 Vol.15 No.2

본 연구에서는 유럽의 주요 아트페어들의 현황과 성공 요인을 분석하였다. 아트페어는 미술 시장 활성화와 문화 예술 저변 확대에 중요한 역할을 하고 있으며, 그 수가 전 세계적으로 증가하고 있다. 그러나 성공적으로 운영되는 아트페어는 여전히 제한적이다. 한국에서도 다양한 아트페어가 매년 새롭게 등장하고 있지만, 여러 도전 과제와 한계로 인해 국제적인 수준으로 도약하는 데 어려움을 겪고 있다. 본 연구는 아트 바젤, 아트 쾰른, 프리즈 등 세계적으로 인정받은 아트페어들의 사례를 통해 한국 아트페어가 성장할 수 있는 전략을 모색하였다. 이를 위해 차별화된 콘텐츠 기획, 다채로운 문화 행사 기획, 후원 및 협찬 네트워크 확장 등의 구체적인 방안을 제시하였다. This study analyzes the current status and success factors of major European art fairs. Art fairs play a crucial role in revitalizing the art market and expanding the cultural and artistic base, with their number increasing globally. However, the number of successfully operated art fairs remains limited. In Korea, various art fairs are newly emerging every year, but they face numerous challenges and limitations in achieving international recognition. This study explores strategies for the growth of Korean art fairs through the cases of globally renowned art fairs such as Art Basel, Art Cologne, and Frieze. To this end, specific measures such as differentiated content planning, diverse cultural event planning, and expansion of sponsorship and partnership networks were proposed.

VR 기술을 활용한 미술 감상 수업 지도안 제안

선영현 한국국제미술교육학회 2022 미술과 교육 Vol.23 No.4

본 연구의 목적은 VR 기술을 활용한 미술 감상의 교육적 가치를 고찰하고 효과적인 VR 수업 지도안을 제안하는 것이다. 이를 위해 문헌 탐색을 통해 VR의 개념과 특징 및 미술 감상 교육에 있어 VR 활용의 교육적 가치 및 기대효과를 살펴본 뒤 현직 교사의 의견 수렴을 통해 학습모형을 도출하였다. 연구 결과 중ㆍ고등학생을 대상으로 하는 총 6차시의 수업 지도안을 제안하였으며, 몰입과 상호작용을 가능하게 해주는 VR 기술을 적극 활용할 수 있는 학습자 체험형 미술 감상 수업을 설계하였다. 이때 현장 도입 가능성에 대한 현직 교사의 비평을 수렴함으로써 실제 교육 현장에서의 VR 활용 수업의 실현 가능성을 비판적으로 검토하였으며, 현장 활용도를 높이기 위한 제언으로 연구를 마무리하였다.

동시대 시각예술 작품에 나타난 ‘추’의 미학

선영현 한국기초조형학회 2024 기초조형학연구 Vol.25 No.3

본 연구의 목적은 동시대 현대미술에서 나타나는 ‘추’의 미학을 분석하고 이 ‘추’의 미학의 사회적 가능성을 제시하는 것이다. 예술에는 아름다움뿐만 아니라 추함이 공존한다. 19세기 이후부터 예술가들은 작품에서 아름다움을 재현하는 데서 그치지 않고, 오히려 낯설고 불편한 ‘추’의 이미지를 노골적으로 보여준다. 이에 따라 본 연구에서는 동시대 미술에서 왜 이러한 현상이 나타났는지 ‘추’의 개념과 ‘추’의 관점 변화에 대해 연구하고자 하였다. 결국 ‘추’의 부각은 이성과 논리적 사유를 중시하는 이전의 전통에 대한 회의와 반항이며, 아름다움에 대한 의미의 변화와 확장이었다. 나아가 시각예술에 있어서 ‘추’의 미학이 어떻게 전개되었는지 ‘추’의 발전 과정을 살펴본 결과 ‘추’는 현실 고발의 이미지 또는 개인의 내면을 표현하는 도구로 역사적으로 이미 사용되고 있었음을 알 수 있었다. 이를 바탕으로 동시대 예술가인 키키 스미스, 로버트 고버, 셰리 레빈 등의 작품이 어떻게 표현되었는지를 먼저 해석한 후, 이들의 작품에 나타나는 ‘추’의 의미를 분석하고자 하였다. 동시대 작품에 표현된 ‘추’의 미학은 부조화와 파괴, 뒤틀림으로 이루어진 ‘추’의 개념을 제시함으로써 사회적 금기에 대항하며 여러 형태의 경계를 없애 결국 갈등을 해소시킴을 확인하였다. 또한 작품 속에 표현된 ‘추’는 부정적인 개념이 아닌 긍정적인 요소로써 활용되고 있었다. 그러므로 겉으로 보이는 것, 아름다운 것만을 추구하는 현대사회에서 ‘추’의 미학이 시사하는 바가 매우 크다고 볼 수 있다. 미는 주관적인 판단에 따라 그 기준이 정해지고, 모든 사람에게 아름답다고 인정받지 못한 그 외의 것들이 모두 부정적인 것만은 아니라는 것이다. 또한 ‘추’를 통하여 우리가 느끼는 불안과 우울과 공포, 그리고 우리의 무의식에 존재하는 트라우마를 극복하고, 공존하는 사회로 나아가는 데 예술이 그 역할을 할 수 있음을 확인하였다. The purpose of this study is to analyze the aesthetics of ‘ugliness’ appearing in contemporary art and to present the social possibilities of this aesthetic of ugliness. In the past, only beauty and sublimity were considered important. Since the 19th century, however, artists have not avoided depicting ugliness in their works, but rather deliberately expressed and expanded the image of ‘ugliness’ in a bold manner. Accordingly, this study aimed to investigate why such a phenomenon appeared in contemporary art, focusing on the concept of ‘ugliness’ and changes in perceptions of ‘ugliness’. Ultimately, this is an inquiry and reflection on the ethical aspects of depicting negative and tragic elements in art, and a change and expansion of meaning regarding ugliness. In contemporary art, it was possible to see that the aesthetics of ‘ugliness’ was already being used historically as a device to express the process of ‘ugliness’ development or to represent the inner side of reality or individuals. Based on this, after first analyzing how the works of contemporary artists such as Kiki Smith, Robert Gober, and Sherrie Levine were represented, I attempted to analyze the meaning of ‘ugliness’ appearing in their works. The aesthetics of ‘ugliness’ expressed in contemporary works presents the concept of ‘ugliness’ as complex and multifaceted, thereby addressing social taboos and ultimately aiming to bring about catharsis despite various forms of discomfort. Furthermore, ‘ugliness’ expressed in the works is functioning not as a negative concept but as a positive element. Therefore, in conclusion, it can be seen that the aesthetics of ‘ugliness’ plays a very important role in contemporary society, which pursues only beautiful things. This is not to say that everything is beautiful according to subjective standards, or that everything not recognized as beautiful by everyone is positive. Also, it was confirmed that art can play a role in creating and sharing trauma and healing through ‘ugliness’, and in criticizing and overcoming the society that exists in our unconscious.

한국전쟁과 미술 : 트라우마의 형상화와 승화 -한국 근대 미술을 중심으로-

선영현 한국기초조형학회 2025 기초조형학연구 Vol.26 No.2

This study analyzes artworks related to the Korean War to explore how war-related art functions not merely as documentation, but as a medium for expressing, transforming, and ultimately healing trauma. The Korean War was not merely a military conflict; it left profound psychological scars on both individuals and communities. The visual representation of these traumatic experiences has served as a crucial medium for interpreting and sharing the memories of war. Applying psychoanalytic theory and concepts of Post-Traumatic Stress Disorder (PTSD), this study examines how trauma is expressed and reenacted through repetition compulsion in war-related artworks. Furthermore, by incorporating the concept of Post-Traumatic Growth (PTG), it investigates how trauma is artistically transformed and sublimated through visual art. The analysis focuses on artists who directly experienced the war, those who lived as refugees, and those who observed the Korean War from an external perspective. These different perspectives offer a multifaceted view of how trauma is processed and represented across various socio-historical contexts. Korean War art powerfully visualizes the horrors and psychological impacts of war while simultaneously conveying the possibility of recovery and hope. Particularly, this research demonstrates how individual and collective trauma caused by war can be reinterpreted and resolved through artistic practice, thereby functioning as a means of psychological healing. It also emphasizes how visual art acts as a bridge between personal memory and collective historical consciousness, linking past suffering with future resilience. This study highlights the role of visual art not only in recording historical events but also in mediating collective memory and emotional recovery. It suggests that war-related art serves as a cultural medium through which trauma is recontextualized and transformed into a narrative of resilience. Moreover, the implications extend to contemporary conflicts, reaffirming the relevance of art as a powerful tool for both remembrance and healing in modern societies.