모차르트 오페라 <Don Giovanni> 대한 분석 연구 : 소프라노 아리아 6곡 분석 & 서곡 오케스트레이션을 중심으로

왕커융 호서대학교 대학원 2022 국내박사

Opera from the classical period as the large background environment, to develop the opera characteristics of the classical period, especially the detailed analysis of the orchestral parts in the soprano aria. Mozart is unique figure throughout the history of art. His works are very numerous, varied and unique. Tang Juan this opera and other opera, can best reflect his concept of opera works, also highlights the Mozart in the process of creation and superb skill, represents the summary of life and expression of spiritual ideal infinite yearning, in the face of feudal autocracy and stubborn religious pressure, Mozart in the form of music to the era of "freedom", "personality liberation" "return" bravely expressed, has a strong rebellious spirit, is a very valuable opera. When he likes the opera, Mozart pays great attention to the character, emotion and enthusiasm, conflict and contradiction. He puts his feelings into the little people living at the bottom of the society, and depicts the typical character and delicate psychological changes with music. Avoid the symphony orchestra infringing on the beauty of vocal melody and endangering the art of opera, organically combining the band accompaniment with the beautiful melody of vocal voice. Respect the beauty of singing art, pay attention to the beauty of the voice in vocal singing without violating the nature of vocal music. Melody is the basis of music and the most direct expression of human emotion. Mozart's soprano aria occupies an important position in the opera, and the soprano character aria has beautiful melody, beautiful wisdom, and distinctive sound characteristics, which has become the type of voice that people can easily accept and love. Such as the high and passionate dramatic soprano, the voice is characterized by vigorous, magnificent, soft and beautiful lyric soprano, the voice is soft, beautiful. And what kind of soprano accompaniment is to foil the type of sound leads to the analysis of the perspective of orchestral color, and leads to the fusion of orchestral and vocal music in the classical period, which is the innovative point of research in this paper. Through learning research Mozart Tang Juan soprano aria singing and orchestral analysis of the aria, and strive to clearly understand a artistic understanding of Mozart of various character shaping and character characteristics, also hope that through the study of aria analysis, improve a learner's understanding of Mozart aria. Mozart was the first composer to use music for psychological depiction and character depiction, most of which the music reflected the social contradictions and national spirit of the time, as well as the ideological connotation of the civilian class, especially in the opera genre. Mozart changed in essence the Italian opera performance only attaches importance to the protagonist of the singing part ignore the instrumental part of the same time to the opera of the orchestra part of the singing foil, form image, heart depiction, environmental description, action foil, leading motivation, six arias poetry and melody layout and cooperation is particularly prominent. The paper makes a comprehensive and detailed analysis of the writing of Mozart aria Band part, deeply analyzes the orchestral accompaniment style and characteristics of Mozart aria, and further understands the singing and drama of the performance of Mozart aria.

Wolfgang Amadeus Mozart의 Opera <Le Nozze di Figaro>의 분석 연구 : Susanna와 백작부인 중심으로

서혜진 연세대학교 대학원 2003 국내석사

본 논문은 Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791)의 Opera 중에서 대표작이라 할 수 있는 <Le Nozze di Figaro>에 대한 연구이다. 18세기는 이성과 인간을 강조하는 계몽주의시대였으며 인간 개인의 자유가 확장, 발전하게 되었다. 이로 인해 인간의 감정은 감정 자체로 높은 평가를 받게 되었고 예술에서도 개성의 자유로운 전개가 펼쳐지게 되었다. 이 시기에 Mozart는 Orchestra와 성악, 연극적 요소와 등장인물에 따른 다양한 음악을 다 표현할 수 있는 Opera를 작곡하면서 그의 천재성을 보여주었다. Opera seria, Singspiel과 다른 장르의 Opera도 많이 작곡하였으나 특히 Opera buffa에서는 Buffa의 사실적인 면이 극과 음악의 조화로 이루어 졌다. 그의 Buffa 작품 중 <Le Nozze di Figaro>는 프랑스의 극작가인 Pierre Augustin Caron de Beaumarchais(1732-1799)의 희극을 Lorenzo da Ponte(1749-1838)가 대본 화하여 1786년 작곡한 작품으로, 18세기 Opera를 대표하는 Opera buffa이며 오늘날까지 많은 무대에 올려지고 있으며 많은 연구가 되고 있는 유명한 작품이다. 본 논문에서는 Opera buffa의 기원과 특징을 간략히 알아보았으며 다음으로<Le Nozze di Figaro>의 작품배경을 알아보았다. 특히 기존의 음악형식 안에서 Opera buffa의 특징들을 표현함과 동시에 어떻게 발전시켜나갔는지 두 여성, 백작부인과 Susanna의 Aria의 분석을 통해 나타내었다. This thesis is an analysis study of the music from <Le Nozze di Figaro>, one of the most representative operas composed by Mozart. The eighteenth century was the period of the Enlightenment, when humanity and reason received the great consequence and therefore more freedom of individuals was given. Human emotion became highly respected, especially in arts; therefore, human individuality could be incredibly developed in the creation of arts. In this period, Mozart showed his genius in his composition of operas, in which he could comprise various musical expressions for characterization and drama in both vocal and instrumental parts. He also composed the other genres of opera such as opera seria and singspiel however, his opera buffa has received the highest rank among these genres, since he created the perfect harmony between drama and music in this genre. Among Mozart's operas, <Le Nozze di Figaro> is one of the most representative opera buffasin the eighteenth century and one of the most frequently performed and commonly studied operas in the world throughout the centuries. <Le Marriage de Figaro>, the play written by Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, was revised as a libretto for this opera by Lorenzo de Ponte and then composed by Mozart in 1786. In this thesis, I succinctly discussed the origin and the characteristics of opera buffa and the compositional background of <Le Nozze di Figaro>. I especially focused on how Mozart represented the characteristics of opera buffa within the Classical style, particularly in the arias and duet of the two main female characters, the Countess and Susanna.

W. A. Mozart의 Violin Sonata in Bb Major K.378에 대한 분석 연구

이채형 이화여자대학교 대학원 1999 국내석사

본 논문은 석사과정 이수를 위한 졸업 연주회에서 연주하였던 작품들 중에서 W. A. Mozart의 Violin Sonata in B^(♭) Major K. 378을 연구, 분석한 것이다. 고전주의의 선구자인 Mozart(1756∼1791)는 전생애에 걸쳐 방대한 양의 작곡을 하였으며 Opera, Sonata, Corncerto, Symphony,Serenade, Piece, Chamber Music, 종교음악, 미사곡, 건반음악등 거의 모든 장르의 작품들에서 그의 천재성을 드러내었다. 그는 이미 7세 때부터 Piano와 Violin을 위한 Sonata를 작곡하기 시작하여 그의 말기시대까지 모두 27개의 Violin Sonata를 작곡하였다. Sonata in B^(♭) Major K.378은 1779년 초 Salzburg에서 작곡된 곡으로 중기 작품에 속한다. 곡의 구성은 3악장의 Sonata형식으로 1악장은 Sonata악장 형식, 2악장은 겹세도막 형식, 3악장은 론도 형식으로 되어 있다. 본 논문은 W. A. Mozart의 Violin Sonata in B^(♭) Major K.378을 연주하는데 있어서 작곡자의 의도에 보다 깊게 접근하고 폭넓은 이해를 하는데 그 목적이 있다. This study was designed to examine and analyze Wolfgang Amadeus Mozart Violin Sonata in Bb Major K. 378. Mozart composed violin sonatas through his all life, and this sonata was completed in 1778 in Salzburg, showing the typical characters of the Classicism. This work consists of three movements; the first movement takes sonata form in B^(♭) major, with the second movement in song form in E^(♭) Major, and the last one in Rondo in B^(♭) Major. Especially, Mozart utilized the measure variation in the last movement, which contributed to the dynamism proper to Mozart. Also, we can see other typical characters of Mozart’s sonata such as alberti bass, arpeggio, scale and trill, through the entire work. The harmony in this work is mostly based upon fundamental chords, adding to the work light and distinct touches. Mozart provides for natural continuity through the whole work, by repeating several melodies with different rhythms and tonalities. Concerning dynamics, Mozart depends more on impromptu than the organic structure of the sonata, so that he can emphasize each section by its own character. In conclusion, this work is not a sonata only for the violin, but the one which represents a well harmonized ensemble for the piano and violin.

W. A Mozart Clarinet Concerto in A Major K.622 중 1악장 연주기법의 비교 연구 : Focused on an Articulation

송민희 단국대학교 교육대학원 2012 국내석사

클라리넷은 고전주의 시대부터 독주악기로 쓰이기보다는 주로 화음을 이루는 반주악기로 사용되었다. 그러나 독주 악기로써 미약했던 클라리넷의 가치를 높여준 것이 바로 모차르트 작품 중 마지막 협주곡인『Clarinet Concerto in A Major K. 622』이다. 본래 클라리넷 협주곡 가장조 K. 622는 Basset-horn을 위한 G장조 협주곡이었으나, 모차르트는 평소 친분이 있던 Clarinet 연주자인 안톤 슈타들러(Anton Stadler)를 위하여 ‘재탄생된 곡’으로, 처음에는 Basset-Clarinet로 연주 하였으나, 지금은 A Clarinet으로 바뀌어 연주 되고 있다. 이 논문에서 모차르트의 클라리넷 협주곡 가장조 K. 622를 연구하기 위해서 유명한 Clarinetist 6명(Karl Leister/ Paul Meyer/Sabine Meyer/Richard Stoltzman/신현각/Sharon Kam)의 연주를 듣고, 그들의 각기 다른 연주기법을 비교 분석하는 것은 매우 의미 있는 일이라고 할 수 있다. 우선 이 곡을 비교 분석 연구하기 위해 모차르트의 관한 문헌을 읽고, 고전시대 모차르트의 콘체르토에 대한 양식 및 특징을 조사하였고, 이후 악곡의 올바른 이해를 도모하기 위해 각기 다른 연주자들의 CD를 반복적으로 들으면서 아티큘레이션을 중심으로 연주기법에 대해 비교 연구해 보았다. 그 연구 결과는 다음과 같았다. 본래 모차르트 협주곡에 연주되는 클라리넷은 Basset-Clarinet과 A Clarinet으로 나뉜다. 현재는 A Clarinet을 주로 사용한다. 위 6명의 연주자 중 Sabine Meyer,와 Sharon Kam은 Basset-Clarinet으로 연주를 하는데 A Clarinet보다 두 음이 낮은 Basset-Clarinet 특유의 저음 음역을 살려 연주를 하였으며, 다른 연주자들(Karl Leister / Paul Meyer / Richard Stoltzman / 신현각)은 A Clarinet만의 음색으로 곡의 분위기를 부드러우면서도 한층 더 밝은 느낌으로, 아티큘레이션을 살려 그들만의 연주기법을 잘 표현하고 있다. 각기 다른 연주자마다 해석의 차이가 다양함을 알 수 있었고, 비교 연구를 통해 작품의 예술적 가치와 연주자들의 다른 스타일을 이해 할 수 있었으며, 그들의 아티큘레이션에 따라 곡의 음악적 느낌이 매우 달라지는 것을 알게 되었다. 또한 이 연구를 통해 모차르트의 클라리넷 협주곡이 듣는 사람에게 흥미와 동기를 부여하며, 연주자들이 보다 이해하기 쉽고, 효율적으로 연주 하는데 도움이 되길 바란다. Clarinet has been played as an accompaniment instrument to harmonize with others rather than a solo since the classical period. However, it was 『Clarinet Concerto in A Major K. 622』, Mozart's last concerto, that enhanced the value of Clarinet as a solo instrument that had been weak. Although 『Clarinet Concerto in A Major K. 622』had been Basset-horn concerto in G Major at first, it was recreated for Anoton Stadler, who was a clarinetist and acquaintance of Mozart. In those days, it was played by Basset-Clarinet, but it is been played by A Clarinet now. To study Mozart's Clarinet Concerto in A Major K. 622 in this thesis, it is significant to listen to superb plays by six well-known clarinetists ( Karl Leister/ Paul Meyer/ Sabine Meyer/ Richard Stoltzman/ Shin Hyeon-gak/ Sharon Kam) and suggest the thesis after comparing and analyzing their different playing techniques. Most of all, for the comparative analysis on them, Mozart's Concerto style and feature were researched through reference books. Since then, I have made a study the playing techniques based on articulation, listening to different clarinetists' CDs to fully understand the piece of Mozart. The results are as follows: Though Clarinet for Mozart's Concerto primarily consists of Basset-Clarinet and A Clarinet, the latter is mostly used now. Sabine Meyer and Sharon Kam among the six Clarinetists above play with Basset-clarinet, expressing its unique low register that is two notes lower than A Clarinet. The rest of them (Karl Leister / Paul Meyer / Richard Stoltzman / Shin Hyeon-gak) make the mood of the piece smoother and brighter, focusing on articulation with their own techniques. The interpretations of the piece can vary by different players and it is comprehensible from this comparative analysis that not only the piece has its artistic value but each clarinetist has its own playing style. In other words, the very piece that was composed by Mozart can have different musical expressions by player's different playing technique and articulation. Lastly, I also hope that through this research, motivates those who listen to Mozart's Clarinet Concerto to have interest in it. in addition, I would be happy if Clarinet players understand it better and play it more efficiently through this research.

Mozart와 Beethoven의 Violin 협주곡 비교 연구 : Mozart의 violin 협주곡 K.219와 Beethoven의 Violin 협주곡 op.61을 중심으로

이석미 강원대학교 교육대학원 2000 국내석사

유명 연주자들의 Mozart Clarinet Concerto K. 622의 연주법 비교 연구 : Articulation을 중심으로

이은경 단국대학교 대학원 2003 국내석사

Mozart의 Clarinet Concerto in A Major K.622는 Clarinet Concerto 중에서 가장 많이 연주되는 것 중의 하나이다. 많은 연주자들이 연주하는 것을 들어보면 연주자마다 다르게 연주되는데 그 이유는 악보에 articulation과 dynamic, cadenza 등이 표시되어 있지 않기 때문이다. 또한 처음에는 클라리넷을 위해 작곡된 것이 아니라 1789년에 Basset-horn을 위한 G장조 협주곡(K.621b)으로 쓰여 진 것을 1791년에 슈타틀러가 제작한 Basset-clarinet을 위해 A장조로 이조한 것도 원인이라 할 수 있다. 현재는 개량된 악기인 A조 클라리넷으로 연주되는데 A조 클라리넷으로 옮기면서 Basset-clarinet의 최저음인 E♭, D, D♭, C음을 소리 낼 수 없기 때문에 한 옥타브 올리고 음을 바꾸면서 악보를 수정한 것도 하나의 원인이다. 이 논문의 연구자는 이 곡을 여러 번 연주하면서 연주할 때마다 연주법에 여러 가지 의문을 갖게 되어 많은 연주자들이 연주한 CD를 통해서 연주법을 연구하게 되었으며 이러한 연구 과정에서 이를 비교분석하여 제시하는 것은 매우 의미있는 일이라고 생각하게 되었다. 이를 위해 먼저 음악서적과 논문을 통해 모차르트 당시의 연주 관습과 작품 배경 및 곡 형식을 살펴보고 현대 연주자들의 연주법을 비교하기 위해 연주자들의 CD를 수집하여 그들의 CD를 하나하나씩 들으며 Mozart Clarinet Concerto의 melody만으로 된 Solo part 악보를 만들어 articulation을 표시한 뒤 두드러지는 부분들을 구분하여 이들을 중점적으로 비교 연구하였다. 그 연구 결과는 다음과 같다. articulation에 따라 연주자들마다 다르게 표현되는데, legato를 박자 단위로 연결하여 연주한 사람과 마디 단위로 연결하여 연주한 사람으로 나눌 수 있다. 특히 slur와 staccato를 다르게 표현하여 많은 차이점이 나타나는데 예를 들어 Hasty는 slur와 tenuto를 강조하여 꽉 찬 클라리넷 소리와 음악적 표현에 중점을 두고 연주하였고 Gigliotti는 slur를 다음마디 첫 음까지 연결 시켜 음 연결에 melody line을 강조하여 연주하였으며 S.Meyer와 Pay는 전 악장을 거의 non-legato로 연주하여 다른 연주자들과 두드러진 차이를 보였다. dynamic에 있어서 Mozart는 p 와 f 로만 적어놨지만 출판업자들이 여러 가지 dynamic을 구분하여 출판하였고 대부분의 연주자 역시 dynamic을 구분하여 연주한 반면 Marcellus는 dynamic의 큰 변화 없이 연주하였다. trill은 모차르트 시대의 연주 관습에 의해 하행하는 음계에서 앞꾸밈음 trill을 사용하는데 이 관습을 따른 S.Meyer, Pay, Brymer는 모든 trill에 앞꾸밈음 trill을 사용하였고 Leister와 Prinz는 전혀 앞꾸밈음 trill을 사용하지 않았으며 그 외에 다른 연주자들은 개성에 따라 표현하였다. cadenza 역시 모차르트 시대의 관습에 의해 4,6화음이나 5도음 위에 fermata가 나올 때 즉흥 연주를 하는 것이 보통인데 S.Meyer와 Pay는 전 악장에 cadenza를 연주하였고 나머지 연주자들은 2악장에서만 연주하였다. Mozart's Clarinet Concerto in A Major K.622 is one of the most famous clarinet concertos that is very frequently performed. Every performances of the piece by the performers are different because Mozart didn't indicate the articulation, dynamic, and cadenza in his music. Another reason for this is that it was originally written, in 1789, for the basset-horn, rather than the clarinet, in G major concerto (K.621b); this was later transposed to A major for the basset-clarinet that was made by stadler in 1791. Furthermore, these days, it is played by the modern A clarinet which can not play the low E♭, D, D♭, C keys of the basset-clarinet, and therefore it was rearranged by modern clarinetists. The writer of this thesis performed the piece numerous times and got several questionable thoughts about the varying performances, and researched the performance of various performers. It seemed to be meaningful to compare and analyze this through research. For the research, first, the performing trend of Mozart's ages, background of the piece, and the form was investigated. Various performances of different performers were listened and the clarinet Concerto parts were written into scores. Then, the articulation was marked and the significance was chosen and compared and researched. The results of the research are as the following. The performance differs according to the articulation, they can be sorted into performances that play legato in the unit of beat or measure. Especially, the difference in staccatos and slurs gave much difference in the piece. For example, Hasty performed it with concentrated sounds by emphasizing slur and tenuto. Gigliotti connected slur to the first note of the following measure to stress the melody line. S.Meyer and Pay played it a lot of time with non-legato by using staccato. Mozart marked only p and f in the music, but modern music companies publishes it with various dynamic marks, and most modern performers play it with diverse in dynamic but Marcellus played it without using much dynamic. In Mozart's period, if there is a trill following a scale going down, the trill should be an appoggiatura trill. S.Meyer, Pay, and Brymer followed the rule while Leister and Prinz did the contrary, and others played it by their taste. Traditionally in Mozart's time, if there is a fermata on a six-four chords of tonic harmonies or dominant harmonies, they usually played improvisational cadenzas. S.Meyer and Pay played cadenza in every movements but other players played it only in the second movement.

W.A.Mozart의 피아노 협주곡 K.466에 나타나는 낭만적 요소

권효상 同德女子大學校 大學院 1990 국내석사

18세기 중엽부터 나타나는 사회적, 문화적, 정치적 상황의 변화들이 음악에도 지대한 영향을 미치게 되고, 그로 말미암아 오랫동안 청중들에게 익숙했던 음악적 환경에도 변화가 나타나게 되었는데, W.A. Mozart(1756-1791)는 이러한 새로운 음악적 아이디어를 잘 흡수함과 동시에 그의 천재성을 발휘하여 음악사상 위대한 음악들을 생산해 내었다. 본 논문에서는 Mozart의 23개 피아노 협주곡 중에서 단조 협주곡인 K. 466의 분석을 통해 Mozart에게서 나타나는 고전적 양상을 넘어선 낭만적 요소들을 살펴 보았다. 그러기 위해 먼저 협주곡이 무엇이며 협주곡이 형성되어온 내력을 살펴보고, 또한 협주곡의 어원 및 성립배경을 연구하여 바로크와 고전으로 구별되어 나타나는 협주곡의 변화를 알아 보았다. 즉, 바로크 협주곡은 주로 합주 협주곡(Concerto grosso) 중심의 그룹 연주였으며 고전 협주곡은 경쟁의 연주 형태인 solo와 orchestra의 조화를 통해 solo와 tutti간의 대조원리를 사용하고 있음을 알 수 있다. 바로크에서 자라난 협주곡이 전고전시대의 A. Vivaldi(1678-1741)와 J.S. Bach(1685-1750)를 거쳐 로코코양식과 만하임악파의 양식에 이르러 바로크 협주곡에서 보다 여러가지 음악적 변화를 만들어 내게 되었는데, 그것은 한 악장 내에서 주제들 간에 대조적인 성격을 갖거나 장식적인 선율 혹은 appoggiatura의 사용으로 우아하고 화려한 성격을 갖는 것이었다. 이러한 유산위에서 Mozart는 그의 음악적 재능을 덧붙여 형식적인 면에서 고전 Sonata의 완성을 보게 되었다. 그는 그 이전의 모든 작곡가들의 solo 악기와 orchestra 관계에서 차이를 보이는데, 그것은 피아노 음역이 자유자재함에 있어서 관현악과 거의 동등하기 때문에 이 두가지가 동등한 주역으로서 분명하게 구분되어 규칙적으로 교대되는 옛 관념을 수정시켰던 것이다. Mozart의 피아노 협주곡 중에서도 초기의 것과는 달리 낭만적인 정서로 가득 차 있는 그의 피아노 협주곡 d단조 K. 466은 형식이나 기법적인 면 뿐아니라 그 음악적 내용에 있어서도 피아노의 특성을 감안하여 표현하려는 감정들을 조화있게 구사하고 있음을 전악장에 걸쳐 찾아 볼 수 있다. 그래서 3악장 전반에 걸쳐 일반적인 분석을 통하여 Moaart의 피아노 협주곡 K. 466에 나타난 낭만적 요소를 발견할 수 있었는데 그것은 다음과 같이 요약할 수 있다. 객관적인 정서가 주를 이루어 고전시대 음악에 비해 한층 더 극적이고 정열적으로 곡이 이루어 졌으며, 또한 적절하게 사용된 반음계와 비화성음들, 그리고 목관의 사용이 두드러져 다양한 색채감을 나타내는 것, 10˚가 넘는 넓은 도약, 당김음과 다양한 리듬 등의 모든 것이 협주곡을 고전시대 완성의 차원을 넘어서서 이미 낭만주의 성향을 내포하고 있을 뿐 아니라 다음 세대에 전성기를 맞는 협주곡의 초석을 마련해 주는 것이었다. 결국 그는 음악의 천재성뿐만 아니라 고전음악의 대가이면서 동시에 피아노 협주곡 K. 466에서 볼 수 있는 바와같이 낭만적 감정의 밀도높은 표현을 함으로써 시대를 초월한 그의 천재성을 확인시켜 주고 있다. It was the age of enlightenment when W. A. Mozart (1756-1791) was about to be exposed to the public as a great composer and as a pianist. During the middle of the 18th century, the European countries were undergoing radical changes in social, cultural, and political revolt against pre-existant power of authorities. The philosophers, such as Rousseau, Montesquieu, Locke, Hume, and Voltaire were the apostle of the social reform. This change directly influenced the literature, art, and music of that period. Mozart was the composer who attempted to achieve this contemporary movement in his compositions. With this inborn talent and refined musical ideas, he could not be confirmed himself to any authocreat patrons. Thus, he parted form the archbishop in Salzburg, and stood alone as an independent composer in Vienna. During this Vienna period, he composed about seventeen piano concertos for the public concerts and they were well received. These piano concertos of his late period, belonged to the most precious repertoire in the history of piano concertos. Almost all of Mozart's works were in major made but piano concerto K. 466 and K. 491 were written in minor largely exposing his innermost emotions, which was restrained in most of his other works. Therefore, this thesis attempted to point out the romantic elements contained in this work. In the course of studying, the piano concerto K. 466 in d minor, the auther made reviews on the use of origin and development of concertos up to the period of Mozart. Also, one made the comparison between the concertos of the Baroque era and Classic period. During the Baroque period, concerto was meant mainly concerto grosso started by A. Corelli and inherited by Torelli and Vivaldi. With Vivaldi, Solo concerto became more common and had three movement structure (fast-slow-fast) which became the model of the concerto of the classic period. During the middle of the 18th century, pre-classic period, the concertos took place some changes from Baroque concerto grosso. The basic structure of the concerto was kept but the contrastive characters and highly decorative melody and virtuosic elements were given to the solo. On this musical heritage, Mozart completed the form of concerto in the classic period. In the concertos of Mozart, the difference between solo and tutti are desicively distinctive. Sometimes, solo had its own themes and became almost equivalent to the orchestra in terms of diverse development of the themes, highly refined musical ideas and virtuosity. Above all, Mozart adopted sonata form to the pre-existant ritornello form, thus with him, the classical concerto form was firmly established. Among his piano concertos, K. 466 in d minor was the only composition which exhibits such a rich romantic expression unrestrained throughout the whole movements. He even wrote down, "Romance" for the second movement in which romantic sentiment was even more obvious. The romantic elements presented in piano concerto K. 466 in d minor may be summarized as follows. 1. The unrestrained emotional expression makes this work much more dramatic and sentimental exhibits non of his other works so obviously. 2. The proper use of chromatic and non harmonic tones increases the harmonic intensity. 3. Conspicuous use of woodwind instruments adds the diverse tone color. 4. The wide leaps which sometimes extend over 10ths are quite dramatic. 5. The use of syncopations and various rhythmic divisions are also romantic elements. In conclusion, the music of W.A. Mozart which is considered as the most represented classic music, also contained highly romantic emotional sentiments in most of his works, although they are strictly restrained except K. 466, thus it was the task of L. van Beethoven, the saint of music, the great junior of Mozart.

W. A. Mozart 오페라 마술피리(Die Zauberflöte) 분석 연구 : 밤의 여왕 아리아를 중심으로

정유선 수원대학교 2018 국내석사

Mozart(Wolfgang Amadeus Mozart, 1756∼1791), as a typical composer of classical music, left a wide range of music like concerto, symphony, chamber and religious music, and opera. Mozart’s opera, 「The Magic Flute(Die Zauberflöte) K.620」 is the most famous of Singspiel in German so that it is performed frequently. This piece has not only fairy-tale and enlightenment components but also an idea of freemason that Mozart involved. This thesis analyzed two arias after understanding a feature of the Queen of the Night among character of Mozart’s opera, The Magic Flute. For this analysis, Mozart’s life, his Major music pieces, composition background of 「The Magic Flute」 that reflected the idea of freemason, and correlation between Mozart and freemason were examined and analyzed two arias of the Queen of the Night, “O Zittre nicht, mein lieber sohn” and “Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen”. The conclusions of analysis of the Queen of the Night are as follows. First, a structure of the first aria ‘O Zittre nicht, mein lieber sohn’ can be divided into recitatives, aria A and B at a general. A prelude and recitatives are played four-four time, B flat Major and allegro maestoso and these give solemnity of queen by using syncopation. The overall sense of aria A is sorrow of the queen changing into three-four and larghetto, key signature also uses g minor, relative Major and minor key of B flat Major, depending on meter and tempo. Finally, it leads to allegro moderato and change into four-four and B flat Major again like recitatives in aria B, so that it ends as lively with hope. As using syncopation not only a prelude but also recitatives and aria B, the whole music has a unity. And a heightened part has more than six-interval disjunct and reflects atmosphere of lyrics and inspired emotion for disjunct progression and chromatic melodic progression. Finally, it leads to climax ascending melisma and treble F gradually. Next, the structure of the second aria ‘Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen’ can be divided into aria A and B at a general and uses four-four and allegro assai. The part of A can be divided a-b-c-d-d’ and key signature also uses d minor and F Major, relative Major and minor key, starting with d minor. The part of B can be divided interlude-e-e’-f-g-postlude. Not only e’ part modulates g minor but also f part change into original key signature d minor. By doing so, the music ends. This piece shows tremolo and chromatic conjunct progression of bass. It shows sending and receiving between vocal melody and accompaniment and stresses inspired emotion and lyrics using disjunct progression of melody and repetitive sequence. An eighth note and triplet show melisma, and using melisma of lavish coloratura, staccato and treble F repeatedly has a dramatic effect to queen’s revenge. As a result, Mozart described not only queen’s charisma but also mother’s heart who has a daughter in two arias of Queen of the Night. It also showed musical dramatic effect using melisma, treble F, and the feature of coloratura. As you see in this thesis, the musical features of opera, 「The Magic Flute」, represent Mozart’s superior ability of music.

Mozart의 「Concert Aria」에 대한 고찰 : "Bella mia fiamma", K.528.을 중심으로

황현정 숙명여자대학교 대학원 1996 국내석사

볼프강 아마데우스 모짜르트(Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791)는 그의 오페라 작품에 수록된 아리아 이외에, 독립적인 콘서트 아리아 (Concert aria)를 57개 작곡하였다. 본 논문은 이러한 콘서트 아리아에 대한 고찰을 목적으로 하였다. 모짜르트는 36년이라는 그의 짧은 생애 동안에, 항상 오페라에 대하여 지대한 관심을 가지고 있었고, 보다 많은 오페라 작품을 쓰기를 원하였다. 하지만 완전한 길이의 전막 오페라를 작곡할 수 있는 기회가 늘 그에게 오는 것은 아니었기 때문에, 모짜르트는 그의 오페라에 대한 열정을 표현하는 하나의 방법으로서 콘서트 아리아들을 작곡하였다. 모짜르트는 개인적으로 친분이 있는 특정한 가수들을 위하여, 그들의 목소리와 능력에 맞는 아리아를 만들어 주기를 즐겼다. 또한, 콘서트 아리아에 대한 청탁은 완전한 길이의 전막 오페라에 대한 청탁보다 얻기가 쉬워서, 그의 경제적인 면에 많은 도움을 주었다. 콘서트 아리아들은 다음과 같은 몇 가지 대표적인 유형으로 나누어 볼 수 있다 : 첫째, 삽입 아리아, 둘째, 대체 아리아, 셋째, 연습 아리아, 넷째, 가정음악 아리아, 다섯째, 기획음악 아리아, 여섯째, 진정한 콘서트 아리아. 이러한 대표적인 유형들은 각각의 유형별로 많은 작품을 가지고 있다. 모짜르트는 그의 성악 작품에 있어서, 음악이 시보다 우선한다는 사실을 인정하는 가운데, 시와 음악의 융화와 등장인물의 성격묘사 또한 극의 분위기를 음악적으로 표현하기 위하여 많은 노력을 기울였다. 또한 모짜르트는 그의 오페라적 시각에 적합한 대본을 찾는데 늘 관심이 있었으며, 이러 한 대본들은 그의 특별한 작곡능력에 의해서 대본이 가지고 있는 풍부한 잠재력을 실현시킬 수 있었다. 연구 결과, 콘서트 아리아는 "가수의 요구에 충실하고, 또한 훗날 오페라에 사용하기 위하여"라는 특정한 목적을 위해서 작곡되었다. 모짜르트의 성악음악 작곡가로서의 가장 중요한 특성은, 개인적인 가수들의 기량과 목소리에 그의 음악을 맞추어주는 능력이었다. 이러한 모짜르트의 특성은, 그의 여러가지 쟝르의 작품들 중에서도, 특히 콘서트 아리아에 가장 잘 나타나고 있다. 모짜르트는 오페라를 쓰고 싶은 그의 강렬한 욕망을 콘서트 아리아를 통하여 표출시켰다. 그리고 이러한 그의 무대용 독창 아리아들은, 오페라 아리아에 버금가는 극적인 배경과 화려한 음악을 가지고 지금까지도 많은 가수들에 의하여 불리워지고 사랑 받고 있다. Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) composed 57 separate arias in addition to the arias composed for opera. This report is a compendium of those concert arias composed apart from the opera pieces. In his short 36 years of life, Mozart's passion for music lied in his opera pieces and composed as many as time had allowed him. However, his opportunity to compose a full-length opera pieces did not come as readily as he wished. Instead, Mozart concentrated on concert arias, which was one of his ways to express his love of opera. When Mozart composed his concert arias, it was usually written for his close friend and diva. The composition was written with scales and notes to optimize the full ability and to bring about the full beauty of one's voice. In other words, the composition was specific to the diva bringing out the best in each with the aria working together as one. Furthermore, these concert aria pieces filled his financial gaps helping him between the opera pieces. The concert aria can be categorized into the following types, and they are as follows: 1) Insertion aria 2) Substitution aria 3) Apprentice aria 4) House-music aria 5) Aria for occasions of state 6) the true concert aria Within each category of concert arias, there are many pieces written under those categories. Although Mozart is known more for his musical composition than the poems, his music reveals a perfect harmony and character with each aria piece. His effort is clearly represented in the mood that is established in his pieces. Moreover, while he was searching for the right composition for the opera, the opera pieces be wrote exuded all of its potential and beyond in terms of a musical composition. In short, Mozart's concert aria had a special purpose in mind, that is, "to be faithful to the diva and to the opera." Mozart's most special talents lies in creating a music piece that bring out the full musical ability and its beauty of a human voice of a diva. Of all of his other musical genres, this unique ability is revealed in his concert arias. Mozart's desire for opera is expressed in his concert arias. Today, Mozart's solo arias are well received and loved by all the opera singers. Mozart's arias are received with equal status as the full blown opera arias with all the make ups and stage plays.

W. A. Mozart Piano concerto K.488, A major의 분석 연구

박은희 梨花女子大學校 大學院 1986 국내석사