아이디어 특성을 고려한 마케팅 과업

허인준 전남대학교 대학원 2003 국내석사

1985년 미국마케팅학회(AMA)에서는 그 동안 논란이 거듭되어온 마케팅에 대한 용어를 새롭게 정의하였는데 그 중 특히 괄목할 만한 것은 마케팅의 객체를 비단 제품 및 서비스뿐만 아니라 아이디어까지 포함시키고 있다는 것이다. 그 동안의 아이디어 마케팅은 주로 캠페인이나 주장, 이념 등 주로 사회적 관점의 맥락에서 접근하고 있으나 21세기 지식기반사회가 도래하기 시작하면서 인터넷 및 네트워크 등 디지털 기술이 발달하게 되고 이를 통해 아이디어 자체를 자유자재로 사고 팔 수 있는 공간이 생겨나고 있음을 볼 때 이는 아이디어 마케팅을 새로운 시각에서 접근해야 할 필요성을 절실히 요구하고 있다고 볼 수 있다. 따라서 본 논문에서는 이러한 필요성을 인식함과 아울러 아이디어를 사회적 관점이 아닌 상품적 요소로서 접근하고자 시도한 것이다. 이러한 시도는 선행연구를 토대로 기존 학자들에 의해 주장되어온 아이디어 특성을 종합하는데서 시작하고 있으며 이러한 특성들을 경제적 분리에 입각하여 마케팅 과업들을 유추해 봄으로써 최대한 논리적 근거에 중점을 두고자 하였다. 그 결과 아이디어의 특성은 무형성, 대중성, 결과지향성 3가지로 압축할 수 있었으며 각각의 특성들에 대하여 마케팅 과업을 고찰해 본 결과 무형성은 아이디어의 기호화 및 디지털 기술의 활용, 지식탐색시스템 구축전략 등, 대중성의 경우 지적재산권제도 및 아이디어의 사유화, 고정비용회수전략 등으로, 마지막으로 결과 지향성의 경우 경험 재로서의 성격극복, IT기술을 활용한 고객 데이터베이스 및 쌍방향커뮤니케션 구축 전략, 정보중개업자의 활용 들을 통해서 각각의 특성들에 의해 야기되는 경제적 분리들을 해소시킬 수 있을 것으로 사료된다. In 1985, American Marketing Association(AMA) suggested that the new term of 'Marketing' which had made controversy in the past. Especially, The remarkable thing of new term is that the objects of marketing contain not only products and services but also ideas. The old concept of Idea Marketing was social point which contains campaign, cause, ideology and so on. But as the knowledged-based society appeared, the space where was able to sell and buy the idea freely was also appeared by digital technologies which contain internet and network. This phenomenon demands the necessity what the Idea Marketing must be understood by new concept. So, this paper recognizes this necessity coincidently, and tries to translate the idea what is not the social point but the commercial point. This trial starts from the unite of characteristics of ideas which are insisted already by old scholars. And from this characteristics the Marketing Tasks are analogized by Economic Separation Theory. As the result, the characteristics of ideas are summarized in three factors. These are "Intangibility", "Popularity", and "Inclination of result". The result of investigation of Marketing Tasks about each characteristics are; First, the economic separations of Intangibility are solved by symbolization of idea, application of digital technology and construction of Knowledge-search system. Second, the economic separations of Popularity are solved by Intellectual-property regime, privatization of idea, collection strategies of fixed costs. Last, the economic separations of Inclination of results are solved by recovery of character as experience-good, construction of customer data base, interaction communication strategy and application of infomediary.

The Synergistic Effect of Combining Idea Generation and Evaluation on Creative Idea Generation

김가현 서울대학교 대학원 2024 국내석사

This research explores the effects of combining idea generation and evaluation upon creative idea generation. Previous literature has primarily emphasized either idea generation or evaluative thinking. We hypothesized that combining these two activities would result in a synergistic effect upon creative idea generation. To test this hypothesis, two experiments were conducted with college students. In Experiment 1, the condition of combining idea generation and evaluation were compared with that of idea generation only. The results supported the hypothesis. In Experiment 2, alongside replicating the results of Experiment 1, we examined whether there is a difference in effect on idea generation between the evaluating one's own ideas and evaluating others' ideas. Although there was no difference between the two evaluation conditions, the replication was successful. The creative idea generation performance of the two evaluation conditions outperformed that of the idea generation only condition. These findings suggest that combining the training of idea generation and evaluation is more effective than training idea generation only in enhancing creative idea generation. 본 연구는 아이디어 생성과 평가를 결합하는 활동이 창의적 아이디어 산출에 미치는 영향에 대해 알아보았다. 대부분의 이전 연구는 아이디어 생성 또는 평가적 사고 중 하나에 초점을 맞추었다. 본 연구는 이 두 가지 활동을 결합하여 창의적 아이디어 산출에 시너지 효과를 발생할 것이라는 가설을 검증하였다. 대학생을 대상으로 두 개의 실험을 수행하였다. 첫 번째 실험에서는 아이디어 생성과 평가를 결합하는 조건과 아이디어 생성만 수행하는 조건을 비교하였다. 그 결과, 두 활동을 결합한 집단이 아이디어 생성만을 반복한 집단보다 창의적인 아이디어를 산출하였다. 두 번째 실험에서는 첫 번째 실험의 결과를 재현하고, 자신의 아이디어를 평가하는 상황과 다른 사람의 아이디어를 평가하는 상황이 창의적 아이디어 산출에 어떠한 차이를 불러오는지에 대하여 알아보았다. 실험 결과, 두 평가 조건 간에는 차이가 없었다. 하지만 실험 1에서와 마찬가지로, 이 두 평가 조건에서 아이디어 생성만을 한 조건에서 보다 창의적 아이디어가 더 많이 산출되었다. 이상의 결과는 아이디어 생성과 평가의 결합이 아이디어 생성만 반복하는 것보다 창의적 아이디어 생성을 더 향상시킨다는 것을 시사한다.

중소기업의 아이디어 보호에 관한 연구

염혜진 동국대학교 일반대학원 2025 국내석사

본 논문은 중소기업의 “아이디어” 보호에 관한 연구로, 특히 우리나라 중소기업의 아이디어 보호 제도에 중점을 두고 있다. 4차 산업혁명과 같은 기술 발전이 가속화됨에 따라, 아이디어는 중소기업 경쟁력의 핵심 자산으로 자리 잡았다. 그러나 우리나라의 법제 하에서는 아이디어에 대한 보호가 충분하지 않아 아이디어 탈취 등과 같은 문제가 발생하고 있으며 이는 특히 중소기업의 생존에 심각한 위협이 되고 있다. 본 연구는 아이디어 보호와 관련된 현행 법제를 분석하고, 그 한계점을 도출하며, 개선 방안을 제안하는 것을 목적으로 한다. 먼저, 아이디어의 개념 정의와 한국과 미국의 아이디어 보호 제도를 비교 분석한 후 중소기업에 있어 아이디어 보호의 중요성을 고찰한다. 특히 「부정경쟁방지법」, 「하도급법」, 「상생협럭법」, 「중소기업기술보호법」 등 주요 법률에서의 아이디어 보호 가능성을 검토하였다. 연구 결과, 보호 범위의 불명확성, 아이디어 탈취에 대한 형사 처벌 부재, 그리고 피해 보상 수단의 부족 등 여러 문제점이 도출되었다. 이를 해결하기 위해, ‘아이디어 보호법’ 제정, 기존 법률에 ‘아이디어’ 개념 명시, 침해의 추정, 입증책임의 완화 및 손해배상액 산정방식 개선, 형사적 처벌 규정 도입 등을 제안한다. 본 논문은 이러한 법적 개선을 통해 중소기업의 혁신적인 아이디어가 효과적으로 보호될 수 있는 법적 환경을 조성하는 데 기여하고자 한다. This thesis examines the protection of small business ideas in South Korea, where rapid technological advancements, notably the Fourth Industrial Revolution, have made ideas essential to competitiveness. Current legal safeguards for ideas remain inadequate, leaving small businesses vulnerable to risks such as idea theft. Analyzing the current legal framework, this study identifies key limitations in protecting ideas and proposes targeted improvements. The examination begins by defining ideas and conducting a comparative analysis of protection systems in South Korea and the United States, followed by an exploration of the importance of idea protection for small businesses. Key statutes, such as the Unfair Competition Prevention Act, the Subcontracting Act, the Act on the Promotion of Collaborative Cooperation Between Large Enterprises and Small-Medium Enterprises, and the Act on Support for Protection of Technologies of Small and Medium Enterprises, are evaluated for their applicability to idea protection. Findings reveal critical issues: unclear protection scope, lack of criminal penalties for idea theft, and inadequate compensation mechanisms. Proposed reforms include enacting an “Idea Protection Act,” explicitly defining “ideas” within existing laws, adopting presumptive infringement principles, relaxation of the burden of proof, improving damage assessment methods, and introducing criminal penalties. By establishing a robust legal framework, this research seeks to more effectively protect small business innovation and support sustainable growth.

아이디어/表現 二分法 適用의 限界에 관한 硏究

김경수 동국대학교 2010 국내석사

著作權法上 보호의 대상이 되는 著作物을 어떻게 정의하느냐는 著作權法에 있어서 매우 핵심적인 부분이다. 2011년 현재까지 著作權法은 총 18차례에 걸쳐 개정되었고, 그 중 1986년과 2006년의 著作權法 개정에서 ‘著作物’ 정의 조항이 일부 변경 되었다. 물론 이러한 ‘著作物’ 정의 조항 개정이 기존에 지니고 있던 ‘著作物’ 정의의 의미를 크게 변화시키거나 변경한 것은 아니다. 즉, ‘著作物’ 정의 조항 개정은 기존의 判例가 가지고 있던 ‘著作物’에 대한 인식을 반영해 좀 더 명확하게 ‘著作物’을 정의하기 위한 것에 불과하다고 할 것이다. 著作權法의 역사는 著作物 확장의 역사라고 말할 수 있다. 사진 또는 영상기기와 같은 새로운 기술이 출현하거나 문화와 산업이 점차 발달되어 갈수록, 기존과 다른 방식으로 만들어진 결과물을 著作物로 인정할 수 있을지에 대한 논란이 생겼다. 그리고 이러한 논란을 거치면서 著作物의 범위는 점차 확대되어 갔다. 하지만 그렇다고 하여 著作物의 범위가 무한정으로 확대 된 것은 아니며, 법에 명시된 著作物의 정의 조항이 그 기준으로 작용하였다. 著作權法上 보호의 대상이 되는 著作物이 무엇인지 정의하는 방법은 각 국가별로 조금씩 차이가 있지만, 일반적인 成立要件에 있어서는 큰 차이를 보이고 있지 않다. 즉, 대부분의 국가들이 著作權法上 보호가 되는 著作物을 아이디어가 아닌 表現에 한정하고 있는 것이다. 하지만 문제는 아이디어와 表現을 구분하는 것이 쉽지 않다는 것에 있다. 美國에서 이를 해결하기 위해 아이디어/表現 二分法 이론이 判例를 통해 발달했지만, 아이디어와 表現을 구별하는 것에 대한 근본적인 어려움은 해결되지 않은 상황이다. 따라서 본 硏究에서는 각 국의 立法例를 검토함으로써, 著作權法上 보호의 대상이 되고 있는 것이 表現임을 확인하고, 아이디어와 表現을 구별하기 위해 美國에서 발달한 이론인 아이디어/表現 二分法과 이 이론을 적용할 때 발생하는 한계점과 개선방안에 대해 살펴보고자 한다. The history of copyright law can be called the history of the expansion of works. As new technologies emerged such as photo or video equipments or culture and industry gradually developed more, there has been controversy to acknowledge that the works created by new ways different from the existing ways, have copyrights. In addition, over the course of this debate, the scope of works has gradually been expanded. But even so, the scope of works was not expanded indefinitely and the provisions of definition of works according to the law were applied as criteria. Even if the way to define the work that could be an object of protection under copyright law is slightly different in each country, general requirements to become an object of protection do not show a big difference. In other words, most of countries restrict works protected under copyright law not to ideas, but to expression. However, the Idea/Expression dichotomy theory has been developed through precedents in order to solve this problem, but the fundamental difficulties to distinguish ideas from expression were not resolved yet. Therefore, this study is to identify whether the expression is the object of protection under the copyright law by examining the examples of foreign country's legislations and investigate the Idea/Expression dichotomy developed to distinguish ideas from expression in US and the limitations and improvements on this theory.

현대미술의 아이디어와 저작권에 관한 연구 : 개념적 미술의 저작권법상 보호가능성과 저작자 판단을 중심으로

정수영 서울대학교 대학원 2024 국내박사

Copyright law only protects expression, not ideas. Since a work under copyright law refers to a creative expression of ideas, thoughts, or feelings obtained by human mental endeavor in the field of culture such as literature, academia, or art, copyright protects only the creative form of expression that specifically expresses ideas to the outside world through words, letters, sounds, colors. Therefore, the idea or basic theory behind the expression, even if it has originality and novelty, cannot be a work in principle except in the case of a novel story. Under U.S. copyright law, copyright protection for original works of authorship does not extend to ideas, procedures, processes, systems, methods of operation, concepts, principles, or discoveries, regardless of the form in which they are described, explained, depicted, or embodied in the work. In the case of artistic works, according to the judicial court, the subject matter, style, texture of the picture, and technique are not protected as ideas, and the specific elements of the external appearance of the work, such as the shape of a specific pattern, a properly arranged multicolored flower pattern, the shape of a flower, and the type, position, shape, and color of insects placed around the flower, as well as the shape and color of stems, leaves, and leaves, the specific shape of a design, the shape of the face of a rabbit doll, and the shape of the eyes, nose, mouth, arms, and legs, are considered to be expressions protected by copyright law. This means that only the externally visible form of the work is an expression that is subject to copyright protection. As only the external appearance of an artwork is considered an expression protected by copyright law, many contemporary works of art fail to be protected by copyright law. One of the most important characteristics of contemporary art is that it is conceptual, meaning that ideas are at the essence of the work, and in conceptual art, ideas form the originality of the work and often have little creative expression. The decision of what to consider as an idea and what to consider as an expression is ultimately a judgment on what to protect by copyright law, so it is necessary to examine what constitutes originality in conceptual art and is therefore worthy of protection. In the past, in the case of representative art, the artist's creative personality was expressed through the uniqueness of the technique while the subject matter was shared, but in conceptual art, the concept that the artist wanted to present to the audience through the work is given priority, and the creative personality can be found in the concept inherent in the work of art. Therefore, in contemporary art with conceptual features, it is not the external appearance of the work, but the form in which the idea inherent in the work is organically combined with the appearance of the work that should be considered as an expression and protected by copyright law. On the other hand, it is possible to criticize that this argument leads to protecting ideas and encourages a monopoly of ideas that should be in the public domain, which goes against the ultimate goal of copyright law. However, the form in which an idea is organizationally combined with extrinsic elements of a work is distinct from the idea itself, as it presupposes the external manifestation of the idea. Nevertheless, it can be argued that this argument is not free from the subjective and arbitrary judgment of the court, as it inevitably involves a judgment about the idea inherent in the original work in determining copyright infringement. This is because ideas are not tangible. However, this overlooks the fact that most conceptual art today is presented with a critical text that explains the artist's intentions and the meaning of the work. These texts can serve as a kind of objective sign of the ideas that the work was meant to embody. Furthermore, it can be argued that it is the ideas contained in the works that provide the economic incentive for the authors of conceptual art, that conceptual art works are actively created due to market demand without the protection of copyright law, and that the rights to conceptual art works are already protected by social norms in the art world, so copyright law does not need to protect conceptual art. However, the protection of copyright law provides a remedy for infringement of rights and cannot simply be replaced by economic compensation. In addition, protection by social norms in the art world is likely to be limited to some famous artists, so legal protection should still be considered as a valid means of protection. Recent cases in Japan have recognized installation artworks that blur the boundaries between ideas and expression as copyrightable, and cases in Korea have denied the substantial similarity of two similar works by focusing on the intrinsic elements of the works, suggesting the possibility of protecting the ideas of conceptual art. Conceptual contemporary art is characterized by the fact that the person who actually makes the work is often separated from the person who conceives it. In order to be recognized as an author, creative contribution to the work is required, and creative contribution refers to the actual act of creation. If the creativity of the work lies in the idea and the appearance of the work is only the realization of the idea, and the organic combination between the idea and the concrete expression of the idea is considered to be the object of copyright protection, then the person who conceived the idea of the work and conceived the way to express it in a concrete way, not the person who only made the appearance of the work, would be the author as the person who made the creative contribution to the work. Instead, the work should not reflect the draftman's personality, and even if it does, it should be a secondary element of the work and should not affect its identity. Furthermore, the author's instructions should be so specific that the creation of the work can be characterized as nothing more than the execution of his or her concept. The determination of what constitutes a forgery may also change if the author is considered to be the one who conceived the work rather than the one who actually made it. In the case of traditional paintings and sculptures, the work must have had the author's actual touch in order to be considered authentic. The ability to determine authenticity through scientific appraisal means that authenticity can be determined from the artwork itself, based on the physical elements of the artwork. On the other hand, in the case of conceptual art, where the authorship of the artist is not important, the authenticity is determined by whether or not the artist has authorized the work. It can be said that the standard for determining authenticity has shifted from scientific appraisal to legal authorization. In conceptual art, the physical object that embodies the artist's ideas is no longer a guarantee of authenticity in and of itself. Furthermore, since the artwork is not treated as a unique authenticity, but as an embodiment of an idea, it can be replaced at will, so even if the artwork is damaged, it is less likely to infringe on moral rights than before. In addition, even if the artwork has been approved as authentic by the author, if the approval is withdrawn, the artwork may lose its status as authentic. In contemporary art that is conceptual in nature, expression as an object of copyright protection should no longer be limited to the outward appearance presented to the viewer, but should be redefined in such a way that the ideas, feelings, concepts that the artist intends to convey to the viewer are linked to the specific elements that consist the work. This is because the traditional view of copyright law, which divides the creative personality of an artist into ideas and expression, and protects only the expression, or appearance, of a work, is rooted in the classical view that a work of art reflects a universal truth or transcendent essence that cannot and should not be captured or controlled by a single artist. Conceptual art, on the other hand, cannot be explained solely by the visual effect it has on the viewer, as the context in which it was conceived and created, the way it was produced, and the way it is exhibited are inextricably linked to its identity, and cannot be grasped from a single view. In order to protect the copyright of conceptual art, in which the creative personality of the artist is expressed in the process of selecting and arranging elements to realize the idea and the concrete realization of the work, rather than the finished work itself, it is necessary to redefine the dichotomy between idea and expression that has been applied to artistic works. In the case of conceptual art, it is not only the result that is presented to third parties, but also the artist's thoughts, feelings, concepts inherent in the work, which are organically combined with the specific expression of the work, that should be considered as the expression that is protected by copyright law. 저작권법은 아이디어가 아닌 표현을 보호한다. 저작권법상 저작물은 문학·학술 또는 예술과 같은 문화의 영역에서 사람의 정신적 노력에 의하여 얻어진 아이디어나 사상 또는 감정의 창작적 표현물을 가리키므로 그에 대한 저작권은 아이디어 등을 말·문자·음·색 등에 의하여 구체적으로 외부에 표현한 창작적인 표현 형식만을 보호대상으로 하는 것이어서 표현의 내용이 된 아이디어나 그 기초 이론 등은 설사 독창성·신규성이 있는 것이라 하더라도 소설의 스토리 등의 경우를 제외하고는 원칙적으로 저작물이 될 수 없다는 것이 우리 대법원의 오랜 태도이다. 미국 저작권법은 저작물의 표현만이 저작권의 보호 대상이 되며 아이디어는 보호 대상이 될 수 없다는 점을 명시하고 있다. 미국 저작권법에 따르면 원저작물에 대한 저작권의 보호는 작품에서 그것이 기술, 설명, 묘사, 구현된 형식과 관계없이 아이디어, 절차, 과정, 제도, 작동 방법, 개념, 원리 또는 발견에는 확장되지 않는다. 미술저작물의 경우 전통적인 관점에 따르면 주제, 화풍, 화면의 질감, 제작기법은 아이디어에 해당하는 것으로서 보호를 받을 수 없으며 구체적인 문양의 형상, 적당하게 배열된 여러 가지 색채의 꽃무늬, 꽃의 형상 및 꽃 주변에 배치된 곤충의 종류·위치·형태·색채와 줄기, 나뭇잎의 형태·색채, 도안의 구체적인 형상, 토끼인형의 얼굴 모양, 눈, 코, 입, 팔, 다리의 형태 등 작품을 이루는 외관의 구체적인 요소가 저작권법의 보호를 받는 표현에 해당하는 것으로 판단되었다. 외부에 드러난 구체적인 형태만이 표현으로서 저작권의 보호대상에 해당한다는 것이다. 외부에 나타난 것만이 저작권법의 보호를 받는 표현이라고 본다면 일부 현대미술작품의 경우 저작권법의 보호를 받을 수 없게 된다. 특히 개념적 미술작품은 그 외형만을 놓고 보면 창작적 개성을 파악하기 어려운 사례가 다수 발견되기 때문이다. 저작권법에서 무엇을 아이디어로 보고 무엇을 표현으로 볼 것인지 여부는 결국 무엇을 보호할 것인가에 대한 판단이므로 개념적 미술에서 어떤 것이 창작성을 가지는 것으로서 보호가치가 있는지를 살펴볼 필요가 있다. 과거 재현적 미술의 경우 주제는 공유하되 표현의 독창성을 통해 작가의 창조적 개성이 발현되었다면 개념적 미술에서는 작가가 관객에게 사상, 감정, 개념 등의 아이디어를 전달하기 위해 선택한 구성요소의 배열 및 조합에서 작가의 창조적 개성을 발견할 수 있다. 따라서 개념적 특징을 지닌 현대미술에서는 작품의 외연 뿐만 아니라 작품에 내재된 아이디어와 이를 구현하기 위해 선택, 배열, 조합된 구체적인 구성요소가 유기적으로 결합한 형식을 표현으로 보고 이를 저작권법의 보호대상으로 삼아야 한다. 한편 이와 같은 주장이 결국 아이디어를 보호하는 것으로 귀결되며 공공의 영역에 있어야 할 아이디어의 독점을 야기하여, 창작을 장려하고자 하는 저작권법의 취지에 반한다는 비판이 가능하다. 그러나 아이디어와 작품 외적 요소가 유기적으로 결합한 형식은 아이디어를 외부로 현출하는 것을 전제하므로 아이디어 그 자체와는 구분되는 것이다. 그럼에도 불구하고 이와 같은 주장은 결국 저작권 보호 판단 시 저작물에 내재된 아이디어에 대한 판단을 수반하므로 법원의 주관적이고 자의적인 판단으로부터 자유로울 수 없다는 비판도 가능하다. 아이디어는 눈에 보이는 것이 아니기 때문이다. 그러나 이는 오늘날 개념적 미술이 대부분 작가의 의도, 작품의 의미 등을 설명한 텍스트와 함께 제시된다는 점을 간과한 것이다. 이와 같은 텍스트는 작품이 구현하고자 한 아이디어에 대한 일종의 객관적 징표로 기능할 수 있다. 나아가 개념적 미술의 저자에게 경제적 인센티브를 부여하는 것은 작품에 담긴 아이디어로서 개념적 미술 작품은 저작권법의 보호 없이도 시장의 수요로 인해 활발히 창작되며 또한 개념적 미술 작품에 대한 권리는 이미 예술계의 사회적 규범에 의해 보호되므로 저작권법이 개념적 미술을 보호할 필요가 없다는 비판이 가능하다. 그러나 저작권법의 보호는 권리 침해에 대한 구제수단을 제공하므로 단순히 경제적 보상으로 대체될 수 없다. 또한 예술계의 사회적 규범에 의한 보호는 일부 유명한 작가에 한정될 가능성이 높다는 점에서 법에 입각한 보호는 여전히 유효한 보호 수단으로 고려될 필요가 있다. 최근 일본에서는 아이디어와 표현의 경계가 불분명한 설치미술작품을 저작권의 보호대상으로 인정한 판례가 있으며 국내에서도 작품의 내재적 요소에 주목하여 외형이 유사한 두 작품의 실질적 유사성을 부정한 판례가 등장하였다는 점은 개념적 미술의 아이디어에 대한 보호 가능성을 시사하고 있다. 개념적인 현대미술에서는 작품을 실제로 제작한 자와 구상한 자가 분리되는 경우가 많다. 작품의 저작자로서 지위를 인정받기 위해서는 작품에 대한 창작적 기여가 필요한데 이때의 창작적 기여란 사실행위로서의 창작행위를 말한다. 만약 작품의 창작성이 작품의 외형에 있지 않고 작품에 담긴 아이디어와 이를 구현하기 위해 선택, 배열, 조합된 구성요소 간의 유기적 결합형식에서 발견된다면 작품의 외형만을 제작한 자가 아니라 작품의 아이디어를 떠올리고 이를 구체적으로 표현할 방식을 구상한 자가 작품에 창작적 기여를 한 자로서 저작자에 해당할 것이다. 대신 작품의 외관에 저작자의 기획 범위를 벗어난 제작자의 개성이 반영되어 있어서는 안 되며 설령 제작자의 개성이 일부 반영되었다고 하더라도 이는 작품의 부차적인 요소로서 작품의 정체성에 영향을 주어서는 안 될 것이다. 또한 작품을 구상한 자의 지시가 매우 구체적이어서 작품을 제작하는 것은 그가 제시한 개념을 실행한 것에 불과한 정도라고 평가될 수 있어야 할 것이다. 작품을 실제로 제작한 자가 아니라 구상한 자를 저작자로 볼 경우 무엇이 위작인지에 대한 판단도 달라질 수 있다. 전통적인 회화, 조각 등의 경우 해당 작품을 진품으로 보기 위해서는 작품에 저작자의 실제 터치가 있었을 것이 요구된다. 과학적 감정을 통해 진품인지 여부를 가릴 수 있다는 것은 작품의 물리적 요소를 근거로 하여 작품 그 자체로부터 진품 판단이 가능하다는 것을 의미한다. 반면 작가의 친작(親作) 여부가 중요하지 않은 개념적 미술의 경우 작가가 해당 작품을 자신의 작품으로 승인하였는지 여부가 진품을 결정하기도 한다. 과학적 감정에서 저자의 승인으로 진품 결정의 기준이 변화한 것이라고 할 수 있다. 개념적 미술에서 작가의 아이디어가 구현된 물리적 대상은 더 이상 그 자체로 진품으로서의 지위를 보증하지 않게 된다. 나아가 작품은 유일무이한 진품으로 취급되는 것이 아니라 아이디어의 구현물에 불과한 것으로서 얼마든지 대체 가능하므로 물리적인 작품의 훼손이 저작인격권 침해의 문제로 직결되지 않는 경우도 있다. 또한 저작자로부터 진품으로 승인 받은 작품이라고 하더라도 이후 해당 승인의 철회에 따라 작품은 진품으로서의 지위를 박탈당할 수 있다. 개념적 특징을 가지는 현대미술에서 저작권의 보호 대상으로서 표현은 더 이상 관객에게 제시된 외형으로 한정되어서는 안 되며 작가가 관객에게 전달하고자 하였던 사상, 감정, 개념 등이 작품을 이루는 외적 요소와 연결되는 방식으로 재정의될 필요가 있다. 저작물을 아이디어와 표현으로 이분하여 표현, 즉 외형만을 보호하는 전통적인 저작권법의 시각은 예술 작품이 한 예술가에 의해 포착되거나 통제될 수 없고 통제되어서도 안 되는 보편적인 진리 또는 초월적 본질을 반영한다는 고전적 관점에 뿌리를 두고 있기 때문이다. 반면 개념적 미술은 작품의 외관 그 자체보다 해당 작품이 구상 및 제작된 배경, 의도, 제작 과정 등 작품의 이면에 놓인 요소가 작품의 정체성과 불가분의 관계에 있기 때문에 작품이 관객에게 주는 시각적 효과만으로 설명될 수 없는 경우가 다수 존재한다. 작품에 담긴 아이디어와 이를 실현하기 위해 구체적인 요소를 선택하고 배열하는 일련의 과정에서 작가의 창조적 개성이 발현되는 개념적 미술의 저작권 보호를 위해서는 저작권의 보호 대상으로서의 표현을 다시 바라볼 필요가 있다. 개념적 미술의 경우 작품의 외관에서 작가의 창작적 개성을 발견하기 어렵다고 하더라도 제3자 앞에 단면적으로 현출된 결과물뿐만 아니라 작품에 내재된 작가의 사상, 감정, 개념 등이 작품의 구체적인 표현방식과 유기적으로 결합된 형식에 독창성이 존재한다면 이를 표현으로서 보호하여야 한다.

과학적 창의성 활동에서 활동시간에 따른 유창성의 변화

강대혁 전남대학교 교육대학원 2013 국내석사

유창성은 과학적 창의성의 기본 요소이며 학생들의 발산적 사고를 키우는데 효과적이다. 그동안 과학적 창의성 요소로써 유창성에 대해 정의하는 연구는 많이 있었으나 과학적 창의성 활동 중에서 유창성만을 대상으로 한 연구는 거의 없었다. 따라서 본 연구에서는 학생들이 과학적 창의성 활동에서 활동시간에 따라 산출하는 아이디어 수가 어떻게 변하는지 분석하고, 학생특성(일반학생, 영재교육을 받는 학생)에 따라 산출하는 아이디어 수가 어떻게 다른지 분석하며, 일반학생의 경우 과학성적과 유창성 사이에 어떤 상관관계가 있는지 분석하였다. 본 연구는 일반학생과 영재교육을 받는 학생 121명을 대상으로 하였으며, 학생들의 유창성을 조사하기 위해 2가지 과제를 투입하였다. 활동시간에 따라 산출하는 아이디어 수를 알아보기 위해 지도교사가 1분 간격으로 시간을 체크하여 학생에게 알려주면 학생이 시간을 조사지에 표시하도록 하였다. 자료 분석은 학생들이 산출한 아이디어 수를 세어 Excel 프로그램에 입력한 후 그래프와 추세선을 그려 분석하였고, SPSS 프로그램을 이용하여 t-검정을 하였다. 연구 결과 활동시간이 흐를수록 학생들이 산출하는 아이디어 수가 감소하였다. 즉, 학생들은 과학적 창의성 활동 초기에 가장 많은 수의 아이디어를 산출하였다. 영재교육을 받는 학생은 일반학생보다 더 많은 수의 아이디어를 산출하였으므로 영재교육을 받는 학생이 일반학생보다 유창성이 높다고 할 수 있다. 학생들이 산출한 전체 아이디어의 90%에 해당하는 아이디어를 산출하는 시간이 과학적 창의성 활동에 필요한 적절한 시간이라고 봤을 때, 유창성에 관한 과학적 창의성 활동에 필요한 적절한 시간은 일반학생의 경우 13분이었고, 영재교육을 받는 학생의 경우 42분이었다. 일반학생의 경우 과학성적과 유창성(아이디어 수)은 상관이 없었다. 즉, 과학성적이 높더라도 적은 수의 아이디어를 산출할 수도 있고, 과학성적이 낮더라도 많은 수의 아이디어를 산출할 수 있다는 것이다. 그러므로 과학적 창의성 활동은 과학성적이 높은 학생만을 대상으로 실시하는 것이 아니라 모든 학생을 대상으로 실시하여야 한다.

지식표상이론을 적용한 아이디어 발상 창의력 증진에 관한 연구 : 중등 미술교육과정에서의 디자인 교육을 중심으로

강서진 국민대학교 교육대학원 2010 국내석사

현대사회는 다양하고 복잡한 정보화, 국제화 사회이다. 인터넷과 다양한 멀티미디어의 발달로 전 세계의 정보가 개방되고 국가 간의 경쟁이 치열해짐에 따라 변화의 속도는 점차 가증되고 있다. 이처럼 다변화의 속도가 빨라지고 경쟁력이 커지는 현대 사회에서 창의성을 개발시키는 일은 급변하는 미래사회를 위한 진정한 교육이라고 할 수 있다. 창의적 교육의 중요성은 이미 오래전부터 강조되어 왔으나, 현실적인 학교제도에 밀려 제 구실을 다 하지 못하고 있는 실정이다. 창의성은 모든 인간에게 내재되어 있는 능력이며, 어떠한 문제를 해결하기 위해서 그에 적합한 아이디어를 산출하여 새로운 가치를 창조하는 능력을 말한다. 이는 오늘날 우리나라의 전반적인 교육과정에 있어서 가장 크게 차지하고 있는 부분이다. 21세기는 세계화와 정보화의 세계가 될 것이며, 범람하는 지식과 정보의 소용돌이 속에서 인간의 무한한 사고 능력의 원천인 창의성은 가장 큰 자원이 될 것이다. 디자인교육은 변화하는 사회에 스스로 적응해나가고 항상 새로운 것에 대처할 수 있는 창조적 인간의 육성에 그 목적이 있다. 학생들은 이제 보고 그리는 단순한 모방에서 벗어나 모든 것에 대한 새로운 눈으로 인식할 수 있어야 한다. 하지만 현재 디자인 교육은 교과서의 한 부분에서 극히 소수로 다루어지고 있고, 단순한 지식 전달 수준에만 그치는 것이 현실이다. 이제 미술교육은 보고 그리는 것에만 익숙한 사실적인 표현 문제가 아닌, 남들과는 다른 생각을 가지고 얼마나 개성 있게 표현하느냐에 대한 디자인 교육이 강조되어야 한다. 더 나아가서는 미술을 잘 그리는 학생들에게만 국한된 수업이 아닌 모든 학생에게 표현의 자유를 느끼게 해주고, 무한한 상상력을 발휘할 수 있게 도와주는 흥미로운 수업이 되어야 한다. 교육에서 특히 예술교육은 학생들에게 자발성과 독탕적인 표현력을 길러주기 때문에 창조성과 개성신장에 크게 이바지하고 있다. 이러한 예술교육에서 미술교과에 포함되어 있는 디자인 교육은 창의적인 인간 육성이라는 측면에서 미적 경험을 부과하는 교육적 목적과 함께 사회적 수준의 향상과 더불어 보다 편하고 안정된 삶을 살려는 인간의 욕구에 따라 그 중요성이 강조되고 있다. 디자인 교육에 있어 지적 능력이 개발되기 시작하는 미래의 주역들에게 일반화된 규칙을 주입시키는 것 보다는 자유로운 표현능력과 창조성을 자연스럽게 발전시키는 학습방법을 적용하는 것이 바람직하다. 창조성과 자유로운 사고는 ‘만들고 행하는’ 디자인 학습에서 개발되어질 수 있으며 중등학교의 일반교육과정에서 디자인 교육이 새롭게 체계적으로 적용되어야 하는 이유가 여기에 있다. 현 디자인 학습에서는 디자인 교육이 흥미 위주로 다루어져 디자인 기초 교육을 제대로 수행하지 못하고 있다. 이는 디자인 사고 과정에서의 아이디어 표출화 전개가 개념과 모방에 치우치게 하는 요인이 된다. 따라서 그러한 교육은 디자인 과정에서 얻어지는 디자인적 사고, 즉 단계적 창의적 사고와 창의적 문제 해결 능력을 기를 수 없다. 이러한 점을 감안하여, 본 연구에서는 미술교과의 디자인 교육에 있어서 창의력 신장의 필요성과 중요성을 깊이 인식하고 지식표상이론을 활용한 창의적인 아이디어 발상 교육연구에 초점을 맞추어 수업지도계획을 세운 후 수업지도안을 제시하고 실제 수업에 적용하여 그 효과와 능동적 활용가치를 연구하는데 주된 목적이 있다. 이를 위해서 첫째, 현재 인문계 고등학교 미술교과 디자인교육의 아이디어 발상교육의 현황 및 실태와 교과내용, 발상과정 등을 분석한 후, 현재 인문계 고등학교에 재학 중인 학생들의 설문조사를 통하여 현재의 창의적인 디자인 아이디어 발상교육에 대한 흥미도와 필요성, 그리고 문제점의 실태조사를 통하여 창의성 교육의 중요성 및 필요성을 밝혔다. 둘째, 지식표상과 창의성에 대한 이론적 고찰로, 지식표상의 이론적 고찰을 통하여 아이디어 발상교육에 있어서 창의성을 발달시킬 수 있는 교육의 적용 가능성을 제시하였다. 셋째, 지식표상을 활용한 창의적인 아이디어 발상 교육 방안인 일상 사물을 소재로 한 ‘이해, 버림, 체험, 이야기․통합’의 4가지 단계를 수업에 적용하여 학생들의 반응을 살펴보고 적용하기 전과 후의 수업결과물을 비교, 분석하는 과정을 통하여 다양한 디자인 과정에 있어서 창의적이고 효과적인 표현 능력을 위한 확산적 사고의 유도와 자신의 생각에 대한 유창성, 시각화 능력을 보다 효과적으로 훈련할 수 있는 방법을 모색함으로써 창의적인 아이디어 발상 교육 프로그램을 제시하였다. 본 연구의 단계별 결과로써 지식표상을 활용한 창의적인 아이디어 발상 교육 프로그램의 진행과정과 그 결과를 요약하면 다음과 같다. 1단계 이해 단계는 일상에서 사용하고 경험하는 사물의 다양한 의미들에 대해 생각하는 과정이다. 사물의 보편성에 대해 이야기하고, 그것이 실제 개별 사용자의 기대치와 얼마나 가까이 혹은 멀리 있는지를 알아본다. 사물에 대한 학습자의 지식표상을 표출하는 단계이다. 2단계 버림 단계는 사물이 가지는 보편적이고 일반적인 기대나 인식을 버리고, 자유롭게 사물을 바라보는 과정이다. 그 과정에서 서로 관련이 없어 보이는 것들 사이의 연관성을 발견할 수 있다. 이 단계를 통해 사물에 대한 일반적인 이해와 관념들을 버리고 새로운 사물과 만나야 한다. 3단계 체험단계에서는 사물이 보편적으로 가지고 있는 명칭이나 기능을 배제하고, 물질로서의 사물을 관찰과 체험을 통해 인지하는 훈련을 한다. 사물을 관찰하고 체험하는 과정을 통해서 보다 능동적으로 적극적인 수업 분위기를 유도할 수 있었고, 학습자의 창의적인 아이디어 발상에 대한 확산적인 사고를 향상시킬 수 있었다. 4단계 이야기․통합 단계는 1부터 3단계까지 얻어진 재료들을 언어놀이와 형태놀이 등의 방법으로 병치, 혼합, 재구성하고 새로운 이야기를 만들어 가는 단계이다. 앞의 3단계에서 도출된 세 개의 문장 혹은 세 개의 이미지를 조합하거나 융합하여 새로운 개념을 만들어내는 단계이다. 이러한 단계를 통하여 학습자는 다양한 작품에 대한 비교, 분석을 통해 창의성에 대한 다양한 시각이 향상되었고, 창의적인 아이디어 발상의 중요성을 다시 한 번 확인하는 과정을 갖게 된다. 위와 같은 연구과정을 통해 창의력 개발 프로그램 등 새로운 형태의 수업보다 그림 잘 그리기와 잘 만들기를 중시하는 표현 기능 위주의 수업이 중심이 되고 있는 학교의 미술수업의 한계점을 극복하고 학생들의 개성을 존중하고 상상력을 자극하며 내제된 창의력을 이끌어 낼 수 있는 프로그램을 제시하고자 하였고, 일 상사물을 통한 창의적인 아이디어 발상 프로그램으로 인해 학생들의 흥미를 유발시키고 창의력 신장을 통해 아이디어 발상에 대한 어려움을 극복할 수 있도록 하는데 주된 목적을 두었다.

창작물에 내재된 아이디어의 보호에 관한 연구 : 아이디어-표현 이분법의 적용 및 그 제한에 대한 고찰

강태욱 서울대학교 대학원 2017 국내박사

국문초록 인간의 사상과 감정이 표현된 창작물은 저작권법에 의하여 보호되어 왔고, 이에 비하여 기술적 사상의 창작은 특허법에 의하여 보호가 이루어져 왔다. 인간의 사상과 감정이 담긴 창작물에 대하여 저작권법에 의하여 독점적 권리를 부여하는 것은 창작자에 인센티브를 부여한다는 의미와 인류의 문화발전이라는 측면에서 볼 때 균형있는 해석이 필요하였고 이를 위하여 표현은 보호하되 아이디어는 보호하지 않는다는 아이디어-표현 이분법의 원칙이 100년 이상 유지되어 왔다. 이와 같은 아이디어-표현 이분법은 각 국의 저작권법 조항에 구체적으로 표현되어 있지는 않으나 대부분의 국가에서 인정되고 있는 원칙으로, 그 아이디어의 의미에 대하여는 Paul Goldstein 교수에 의하여 구체적으로 설명되는 구분론이 가장 널리 받아들여지고 있지만 이 구분 방식 역시 몇 가지 문제점들을 안고 있다. 나아가, 아이디어-표현 이분법에 있어서 무엇이 아이디어이고 무엇이 표현인지를 구분하기 위한 기준 역시 오랜 기간 동안 발전하여 왔는데, 전통적인 영미법제 식의 아이디어 표현 구분 기준과는 다른 내용-형식 구분법이 대륙법계에서 발전하여 아직까지 우리나라에도 영향력을 미치고 있으며, 아이디어-표현 이분법 역시 추상화 테스트, 패턴 테스트를 거쳐 컴퓨터프로그램에 대한 대비에서 활용되기 시작한 추상화-여과-비교의 3단계 테스트가 널리 받아들여지고 있는 반면, 아이디어를 배제하지 않는 전체적인 관념과 느낌 테스트 역시 그 분석 방법의 편의성 등을 이유로 아직까지 미술저작물 등의 대비 작업에 있어서 활용되고 있다. 나아가, 아이디어의 보호와 관련하여 저작권법에 의한 보호 이외에도 특허법, 부정경쟁방지법에 따른 영업비밀로서의 보호 등이 가능하나, 이러한 전통적인 지식재산권법 체계에 의한 보호는 그 보호 요건이 엄격하여 새롭게 보호가 요구되는 아이디어 영역의 정보에 대한 보호에는 미흡한 점이 있다. 또한, 미국에서는 창작물에 있어서 아이디어의 보호와 관련하여 계약법적인 법리에 따른 보호와 불법행위 법리에 따른 보호 가능성에 대한 논의가 이루어져 왔으며, 우리나라 역시 위와 같은 일반 계약법 및 불법행위 법리에 의한 보호가 논의되어 왔으나 아직까지 그에 따른 보호가 이루어졌다고 볼 수 있는 사례는 찾아보기 어렵다. 최근 부정경쟁방지법 제2조 제1호 (차)목 조항의 신설로 인하여 위 조항에 의한 아이디어 영역에 대한 보호가 시도되고 있다. 그런데, (차)목 조항의 입법 목적, 보충적 일반조항으로서의 성격, 해당 조항의 각 개별 요건사실, 저작권법 상 아이디어-표현 이분법과의 관계 등을 살펴볼 때 (차)목 조항은 해당 아이디어를 보호하지 않으면 그로 인하여 지적창작물을 창출하거나 선행 창작자에게 인센티브를 줄 수 없음이 명백하게 되는 ‘특별한 사정’이 있는 경우에 그러한 행위 태양에 대한 규제를 통하여 아이디어를 보호하는 방식을 채택하는 것이 적절하다고 본다. 즉, 나아가 출구조사 사건 및 캔디크러시사가 게임 사건 등을 통하여 법원이 제시하고 있는 바와 같이 위법성을 인정할 ‘특별한 사정’에 대한 행위 규제 기준을 구체화할 필요가 있으며, 위 각 사건들에서 법원이 제시하고 있는 바와 같이 ① 절취 등 부정한 수단에 의하여 아이디어를 취득한 경우, ② 선행자와의 계약상 의무 내지 신의칙에 위반한 모방행위, ③ 의도적인 영업방해 내지 오로지 경쟁자에게 손해를 줄 목적으로 성과물을 이용하는 행위, ④ 예속적 모방이 아닌 타인의 성과를 대부분 그대로 가져오면서 창작적 요소를 거의 가미하지 아니한 직접적 모방에 해당하는 행위의 기준은 그 기준들의 몇 가지 불명확성에도 불구하고 일응 ‘특별한 사정’의 존재 여부를 결정할 수 있는 의미있는 구체적인 기준이 될 수 있다고 생각된다.

창의성 개발 및 성취동기 향상을 위한 디자인 아이디어 발상 교육 연구 : - 실업계 고등학교 디자인과 수업을 중심으로 -

장선애 경희대학교 2007 국내석사

현대 사회는 지식 정보의 사회로서, 단순 보편적인 지식이 아닌 창의력과 잠재력을 지닌 인재를 필요로 하고 있다. 사람이 경쟁력인 현 시대에 맞는 인재 양성을 고려할 때, 과거 학생의 개인차, 성격, 성적 등을 무시한 획일적인 주입식 교육의 답습은 더 이상 의미가 없다. 교육은 그 시대에 맞춘 인재 양성을 위해 자발성과 독창성을 길러 주고 이를 표현할 수 있도록 하여야 한다. 이러한 교육의 시대적 상황을 비추어 볼 때, 디자인 교육에서도 중요한 과정 중 하나이다. 과거에는 창의성은 특별한 재능을 가진 몇몇 예술가나 과학자들에게 국한되는 선천적인 능력으로 여겨져 창의성 향상을 위한 노력이나 교육 활동이 활발하지 못하였으나, 현재는 교육 · 훈련을 통해 계발 및 증진이 가능하다는 이론을 받아들이게 됨에 따라 이를 향상시키기 위한 교육 방법 내지는 프로그램들이 왕성하게 개발되고 있다. 이에 본 연구에서는 성취동기 이론과 창의력에 관한 이론적 고찰을 통해 학생들의 성취 수준에 따라 나타나는 특정한 성격 유형을 파악하고, 이를 통해 학생들의 성취동기를 향상시키고 창의성 높은 아이디어 발상 교육 프로그램 개발을 위한 학습 진행 단계를 제시했다. 그 단계는 다음과 같다. 준비단계는, 학습 목표를 제시하고 흥미를 유발하여 학생들에게 성취할 수 있다는 기대감을 고취시키며, 시각적 예시로 조형에 대한 관찰력을 향상시키고자 창의적인 발상의 예를 보여 주며, 발상 의욕을 자극하고 동기를 유발시킨다. 1단계는 두뇌의 준비운동 단계이다. 주어진 주제 중 하나의 주제를 선택하여 자유로운 연상을 하며 카테고리나 이미지를 나열하여 아이디어를 찾아 나가는 방법으로 글과 그림으로 표현하는 과정의 반복적 훈련을 통해 확산적 사고를 기른다. 2단계는 창조적 이미지를 형성하는 단계로 주어진 원, 사각형, 삼각형을 주요소로 사용하여 아이디어를 표현하는 과정이다. 과거 선행 경험의 해체 및 재구성을 통해 시각적 표현 능력과 창의적 발상 능력을 계발한다. 3단계는 이미지에 형을 부여하는 단계로 제시된 형을 다양한 시선으로 바라보며 개성과 다양함을 표현할 수 있도록 학생들의 창의력 향상을 돕는 과정이다. 사물의 특징과 개성을 찾아 차별화된 아이디어를 제안할 수 있도록 하는 훈련이다. 4단계는 지금까지의 다양한 발상 훈련을 바탕으로 종합적이고 심화된 문제를 수행하는 단계로 제시되는 음악을 듣고 자신의 느낌을 시각적으로 풀어 표현하게 함으로써 감정의 표현력을 향상시킨다. 모든 단계들에 대한 평가는 성취동기 향상을 위해 성적에서 자유로워질 수 있도록 최대한 배려하여 학생들이 사고를 경직됨 없이 자유롭게 표현할 수 있도록 한다. 위와 같은 학습 진행 단계로 디자인 아이디어 발상 교육 프로그램을 수업에 적용한 결과, 학생들은 단계별 아이디어 발상 과정을 거치면서 다양한 사고를 하며 자기 능력을 발휘해 볼 기회를 가졌으며, 성취감을 경험하게 되었다. 또한 자신이 스스로 문제를 발견하고 해결하면서 성취동기가 향상되었다. 이렇듯 본 연구에서는 창의성과 성취동기를 향상시키고자 하였으며, 기존의 획일적인 발상 교육을 보완한 새로운 아이디어 발상법의 교육 방법을 제안하고자 하였다. The modern society requires the people who have creativity and potential, instead of simple and universal knowledge. Considering the competitive human characters appropriate to the current times, it is not meaningful any more to follow previous type of uniform and cramming education ignoring the individual difference, personality and records etc. Education needs to contribute to increase and express the spontaneity and uniqueness required by this time. From this aspects, this concept should be integrated into design education. In the past, the creativity was considered inborn nature limited to a few talented artists and scientists and the effort for such education activities was not also active. However, as accepting the theory that it may be developed through education and training, a lot of methodologies and programs are actively being developed. In this regard, this study attempts to understand specific personality types appeared by students' achievement level through Achievement Motive theory and others on creativity, through which it presents the learning phases that increase motivation and develop the idea creation education programs. Such phase are as follows. In the preparation phase, it inspires the students to expect for achievement by presenting the learning objectives and arousing interest, stimulating and motivating the drive for creative ideas by showing them visual examples to ensure their observation to formative art. The first phase is brain warming-up in which the students select one from given themes and arrange the category and image under Free Association to explore ideas. This may grow divergent thinking through repeated training of writing and drawing. The second phase helps the students form creative images and express ideas by mainly using the circle, square and triangle. De-section and recomposition of the past experiences will help develop visual expression and creative idea ability. The 3 phase gives the shape to image, enabling the students to observe suggested shapes with various eyes and to express their own uniqueness and diversity. This is the training that helps them to find out characteristics and uniqueness of certain objects and to present differentiated idea. In the 4 phase, the students perform more comprehensive and further problems, based on various training so far, and they may increase expression of emotion by listening to music and then visually describing their feeling. As for the evaluation for all these phases, the teachers should allow the students to express without rigid thinking free from the worries about school records, in order help them to have increased motivation. In the result of applying the design idea education programs to class as described as above, the students experienced the feeling of achievement and had the chance to exhibit their ability through various thinking and idea generation process by phase. In addition, they had increased motivation in discovering and solving the problems on their own. The purpose of this study is to increase the creativity and motivation for achievement and to present new education method for idea generation that complements the existing uniform type of education.

시각적 사고를 통한 아이디어 발상교육에 관한 연구 : 타이포 일러스트레이션을 중심으로

최정화 국민대학교 교육대학원 2007 국내석사

디자인은 단순히 새로운 것을 생각해내고 마음대로 표현하는 행위가 아니다. 디자인의 의미는 "이미 존재하는 기호를 해석해서 새로운 기호를 창조하는 활동"이다. 풀어보면 우리의 문화, 전통, 관습을 이해하고 이를 바탕으로 능동적인 창조활동을 하는 과정인 것이다. 수학문제를 푸는 것은 이론일 수 있지만 그 과정 또한 하나의 디자인으로 해석될 수 있다는 것이다. 즉, 디자인은 조형성을 만들어내는 것 그 자체가 아닌 창조활동의 과정으로, 자체 접근의 문제해결과정과 결론이라 볼 수 있다. 이러한 디자인은 통합성과 창조성 육성을 기본으로 살아있는 경험 속에서 디자인이 발견, 분석, 해결되어져야 할 것이며 이를 다시 생활 속에서 확산시켜나가는데 디자인 교육의 의의가 있다고 볼 수 있다. 앞으로의 디자인 교육은 과거의 실기교육 차원에서의 디자인 교육이 아니라 창의적인 생각을 전개시킬 수 있는 능력과 생각을 그림으로 표현할 수 있는 체계적인 창조적 문제 해결 능력을 키울 수 있도록 교육되어야 한다. 이는 다양한 표현방법과 다양한 아이디어가 필요한 디자인 교육에 있어 좋은 영향을 미칠 것이라고 생각된다. 여기서 창의적인 생각을 전개시키기 위해서는 창의적인 발상이 밑바탕이 되어야만 가능하다. 창의적인 발상은 아무 것도 없이 저절로 생겨나는 일은 없으며, 아이디어는 정신에서 나온다. 그리고 지식, 경험, 날카로운 관찰로 가득 찬 정신은 더욱 창의적인 생각을 낳기 쉽다. 이때 새로운 경험 및 관찰은 여러 감각기관을 통해 이루어지는데 그 중에서 시각이 다른 감각정보의 자극이나 통합의 원천으로서 가장 중요한 역할을 한다. 따라서 시각, 곧 '보는 것'은 창의적인 발상에 중요한 역할을 한다. 우리는 시각이라는 것을 전적으로 눈의 감각적인 작용으로 생각하기 쉽지만, 눈은 그 자체로 완전하지 못하다. 시각, 즉 보고 이해한다는 것은 '본다'라는 눈의 물리적인 작용과 '이해한다'라는 마음의 작용이 협동한 결과이며, 때문에 시각적 사고의 가능성이 있는 것이다. 그동안 디자이너들은 조형의 문제를 형태 자체의 문제 또는 디자인과 그것에 대한 사람들의 눈의 반응 문제로만 보아왔다. 이는 디자인과 사람의 눈이 만나는 그 찰나에만 집중하는 것이기 때문에, 결국 대부분의 조형적 노력은 순간적인 시각적 효과로 귀결될 수밖에 없다. 이렇게 되면 우리는 눈을 자극하는 화려한 형태에만 치중하는 오류를 범하기 쉬우며, 디자이너의 조형적 역량은 편협하고 정형화되기 쉽다. 하지만 시각이라는 것이 순간이 아니고 과정이므로, 조형에 대한 접근은 그러한 과정을 고려한 입체적 대응이 되어야 한다. 따라서, 본 연구에서는 시각적 사고를 고찰함으로써 아이디어 발상교육의 효율적인 학습방안을 모색하는데 의의가 있다. 본 연구의 방법은 시각과 지각, 그리고 사고의 관계를 고찰하여 시각적 사고의 이론적 배경을 마련하고 이를 적용한 타이포 일러스트레이션의 아이디어 발상교육 프로그램을 제시함으로써, 학습자가 아이디어 발상을 시각화하는 문제 해결 과정을 단계적으로 접근하여 보다 신속하고 다양한 발상이 이루어질 수 있는 프로그램을 제안하였다. 이를 위해서 첫째, 타이포 일러스트레이션의 개념 및 특성, 시각적 사고에 관한 관련 서적과 학술자료를 통해 이론적 배경을 고찰하였다. 둘째, 설문조사를 통하여 아이디어 발상교육 프로그램의 교육적 적용 가능성의 기반을 마련하였다. 셋째, 이론 및 현황분석 결과를 토대로 아이디어 발상교육을 위한 시각적 사고의 전략을 연구하였고, 이를 토대로 구체적인 시각적 사고를 통한 아이디어 발상교육 방안을 제시하였다. 본 연구의 결과로 제시한 시각적 사고를 통한 아이디어 발상교육 프로그램의 진행과정을 요약하면 다음과 같다. 첫째, 시각적 사고 준비 단계에서는 감각으로 수용한 타이포 일러스트레이션의 작품을 감상·토론함으로써 다양한 시각적 관점을 교류한다. 둘째, 자율적 심상 단계에서는 주제에 친근감을 가지고 판단을 유보하여 많은 아이디어를 그려봄으로써 문제해결 기회의 폭을 넓히도록 한다. 셋째, 시각적 회상 단계에서는 아이디어의 변환, 해석, 추론을 통하여 자율적 심상 단계의 아이디어보다 더욱 명료화한다. 넷째, 과제 해결 단계에서는 아이디어를 최종으로 발전시켜 타이포 일러스트레이션을 완성한다. 아이디어는 정착된 아이디어나 이미지로 완성되어가는 미완성의 그림이다. 때문에 단계별로 중요한 사항을 충분히 고려하면서 각 단계를 신속히 진행하는 것이 필요하다. 이를 바탕으로 제시된 시각적 사고를 통한 아이디어 발상교육 프로그램은 순간적·일시적으로 이루어지는 발상을 구체화하는 과정을 통해 학습자가 단계별로 중요한 사항을 충분히 고려할 수 있도록 함으로써 단계의 주의집중을 유도할 수 있다. 본 연구는 아이디어 발상교육을 더욱 효과적으로 실시하고 현재의 한계점을 보완하기 위한 방안으로 시각적 사고 이론을 제시하는데 의의가 있다. Be not acts a design has thought simply about new thing, and expressing freely. Meaning of a design is activity interpret a symbol to already exist, and creating a new symbol. Be to be processes it understands our culture, a tradition, a custom, and doing creation activity to be active with early bases. It can be theory to solve a mathematical problem but Can be interpreted to designs too one the process. In processes of the creation activity that is not itself be a problem solving process of own approach and conclusions, and a design can see to have made molding anger. These designs shall consist of integration and creativity enlightenment at experiences with bases, It is a meaning of design education to achieve again this in lives. Future design education is not design education of historic actual technique educational level. Be not acts a design has thought simply about new thing, and expressing freely. Meaning of a design is activity interpret a symbol to already exist, and creating a new symbol. Be to be processes it understands our culture, a tradition, a custom, and doing creation activity to be active with early bases. It can be theory to solve a mathematical problem but Can be interpreted to designs too one the process. In processes of the creation activity that is not itself be a problem solving process of own approach and conclusions, and a design can see to have made molding anger. These designs shall consist of integration and creativity enlightenment at experiences with bases. It is a meaning of design education to achieve again this in lives. Future design education is not design education of historic actual technique educational level. Creative thinking, and were able to picture a thought to pictures, and have to teach systematic problem solving ability. Various expression ways and ideas are good for necessary design education this will affect. A base shall work the originality idea that there is in order to think that there is. An idea does not rise of itself, and an idea is said in spirits. At this time new experience and observation play most a vital role as a stimulus of visual other sense information or the sources of integration among him to be performed through a lot of sensory organ tubes. Therefore, a sight plays a vital role to a creative idea. We are easy to think wholly about thing called time by sensible operations of an eye, but an eye cannot be perfect to itself. It is the results that physical operation and mind of an eye cooperated with to understand. As is so, be for there to be possibility of a visual thinking. In the meantime, designer thought about a plastic problem in a problem own a form or a problem of a design and a response regarding it. A design and an eye meet this be as concentrate in a moment. Effort for molding cannot but be finally over by a visual effect. We are easy to commit an error to be devoted to a splendid form to stimulate an eye if we become like this, and ability of a design is easy to be narrow-minded. But time is not a moment, and be processes. As is so, approach regarding molding shall take a process into consideration. There is a meaning look into a visual thinking, and to therefore grope for education for idea. A study way thinks about be visual perception and relation of an accident. Provide in theory background of a thought to be visual with early bases, and present educational program of the early typo illustration which applied. An idea is the unfinished picture which will be finished to a perfect idea or image. It is a need take enough an important matter into consideration, and to progress quickly according to steps as is so. There is a meaning this study executes more effectively idea education, and to present accident theory to be visual in ways to supplement the current critical point.