시청각과 신체활동 영상을 통한 '다중지능 놀이 음악이론' 연구 : 창작동요와 율동을 중심으로

이지선 명지대학교 문화예술대학원 2021 국내석사

본 논문은 시청각과 신체활동 영상을 통한 ‘다중지능 놀이 음악이론’ 연구라는 제목의 논문으로 음악이론을 시각, 청각, 노래, 율동, 도구, 음원이 합쳐진 24개의 뮤직비디오를 시청하면서 직접 활동하는 놀이 음악이론에 관한 논문이다. 이론으로만 배우는 음악이론이 아닌 신체활동과 다중지능 측면을 함께 교육했을 때 더 많은 교육적 이해도의 상승과 활용도, 즐거운 활동을 통해 이뤄지는 교육적 활동이라는 것을 증명하고자 한다. 본 교육실험을 통해 얻는 좋은 시너지를 기대하며 연구를 진행했고, 본 연구를 통해 학생들이 이론 책과 문제집으로 풀었을 때보다 음표와 쉼표, 박자 수, 음악 용어들을 더욱 잘 인지하게 되었다. 머리와 몸이 함께하는 다중지능 놀이 활동의 재미와 긍정성을 얻게 된 것을 알 수 있었다. 이 다중지능 놀이 음악이론 활동을 통해 피아노 교육과 다양한 아동 음악이론 지도와 음악활동에 도움이 되기를 바라는 마음으로 논문을 썼다. 다양한 놀이 활동을 접목하고 창작동요를 통해 만들어진 다중지능 놀이 음악이론 영상이 장소를 불문하고 언제든지 누구에게나 자유롭게 활용될 수 있는 교육 매개체가 되기를 바란다. This study, titled " A Study on the Theory of 'Multi-intelligent Play Music' through Video Clips Containing Audiovisual and Physical Activities - Focusing on Creative Children's Songs and Dances,” introduces a music theory of play and application while watching 24 music videos that combine visual and auditory senses, singing, dancing, tools, and songs. It expects more than just a theory, but an activity that anticipates a synergy that comes from the educational activities enacted by an in-depth educational understanding, its applications, and enjoyable activities when educated with physical activities and multiple intelligence aspects.

아동 발달 이론에 기초를 둔 효과적인 유·아동 피아노 교수법 연구

나미라 명지대학교 문화예술대학원 2022 국내석사

본 논문은 아동 발달 이론에 기초를 둔 유·아동 피아노 교수법 연구에 관한 논문이다. 유아음악 교육자들은 음악교육의 최적기를 5세~8세 라고 입을 모은다. 그 이유는 음악 감각 기능을 담당하는 뇌가 유아기에 일찍 발달하여 9세 정도에 희미해지기 때문이다. 또한 음악이 유아에게 미치는 영향은 음악적 재능뿐만 아니라 유아기에 필요한 인지적 발달, 신체 발달, 정서 발달, 사회 발달 등의 전인격적 성장에도 도움을 준다. 음악교육의 시작 연령이 빨라짐에 따라 기능만을 강조하는 주입식 교육이 아닌 유아기 특징에 맞는 효과적인 교수법을 찾아 적용하는 것이 이 시대에 필요한 교육 방향일 것이다. 이러한 교육을 위해 교사의 자질과 역할의 중요성을 강조하며, 효과적인 교수법을 설명하기 위해 본 논문은, 저자가 지도하는 학생들의 사례를 들어 그에 맞는 교수법을 제시했다. 5세 유아의 놀이 식 수업을 제시하고, 언어발달(부정확한 발음)을 위한 교수법, 정서발달을 위한 교수법, 눈과 손의 협응력을 위한 소근육 교수법, 경계선 지능의 발달을 위한 교수법 등을 제시하며 피아노 교육이 결코 음악 하나만을 위한 것이 아닌 삶의 전체를 만들어가는 연결고리임을 보여주고자 한다. This thesis is about the study of piano pedagogy for children based on the theory of child development. Early childhood music educators agree that the optimal age for music education is 5 to 8 years old. The reason is that the brain responsible for the sensory function of music develops early in infancy and fades around the age of 9. In addition, the influence of music on children helps not only musical talent, but also the cognitive development, physical development, emotional development, and social development necessary for infancy. As the starting age of music education increases, the direction of education needed in this era is to find and apply effective pedagogy suitable for the characteristics of infancy, rather than an infusion type education that emphasizes only functions. In order to emphasize the importance of the teacher's qualities and roles for such education, and to explain effective pedagogy, this paper presents a teaching method suitable for the case of the students that the author guides. Presenting a play-style class for 5-year-old children, pedagogy for language development (incorrect pronunciation), pedagogy for emotional development, fine muscle pedagogy for eye-hand coordination, and pedagogy for developing borderline intelligence, etc. I want to show that piano education is not just for music alone, but a link that makes the whole of life.

L.v. Beethoven Piano Sonata Op.31-3, E♭Major에 관한 연구 분석

강효진 명지대학교 문화예술대학원 2013 국내석사

루드비히 반 베토벤(Ludwig van Beethoven 1770~1827)은 서양음악사 가운데 가장 위대한 음악가 중의 한 사람으로서 하이든(Franz Joseph Haydn 1732~1809), 모차르트(Wolfgang Amadeus Mozart 1756~1791)와 함께 고전주의를 대표하는 작곡가이다. 베토벤은 고전주의의 음악양식을 발전시켰으며, 형식을 중요시했던 고전주의 전통에 자신만의 독창적이고 실험적인 정신을 투영하여 양식적 변화를 시도하였다. 그 결과 후대의 많은 작곡가에게 지대한 영향을 끼쳤으며, 낭만주의 시대의 초석을 마련한 위대한 작곡가로 평가받고 있다. 특히, 베토벤의 피아노 소나타는 작곡가 생애 전반에 걸쳐 꾸준하게 작곡되었으며, 피아노 문헌의 신약성서라는 평가받을 정도로 음악사 적으로 매우 중요한 위치를 차지하고 있다. 그가 작곡한 32곡의 피아노 소나타는 그의 작품시기 행보와 함께하였는데, 작품의 성격과 형식적 구조의 변화에 따라 세 가지 시기로 구분하고 있다. 그의 피아노 소나타를 세 가지로 구분해보면, 초기(1770~1802년), 중기(1802~1816년), 후기(1816~1827년)로 나누어 살펴볼 수 있다. 그중에서 본 연구는 그의 중기에 속하는 베토벤 ‘피아노 소나타 Op.31-3을 중심으로 시대적 특징과 악곡 분석, 그리고 연주 방법에 대해서 연구하였다. 피아노 소나타 Op.31-3의 특징은 각 악장에 사용된 형식과 템포에서 초기 소나타와 큰 차이를 보인다는 점이다. 피아노 소나타 Op.31-3은 중기에 작곡한 피아노 소나타 중 유일하게 4악장으로 구성된 소나타이며, 또한 일반적인 소나타 구조의 빠름-느림-빠름이 아닌 4악장 모두 빠른 악장으로 구성 되어 전통적인 느린악장이 없으며, 대신 시작 부분인 Allegro와 마지막 Presto con fuoco 사이에 스케르초 악장과 미뉴에트 악장이 들어간 확대된 소나타로 되어있다. 2악장 역시 느린 아다지오가 아니라 스케르초 형식으로 되어있는데, 이는 스케르초와 미뉴에트 중 하나를 선택하여 사용하던 소나타 형식의 규범에서 탈피하여 제2, 3악장에서 연속적으로 사용하고 있다. 그리고 이후의 피아노 소나타에서 미뉴에트 악장이 등장하지 않는다는 점에서 베토벤 피아노 소나타 가운데 독립된 미뉴에트 악장을 포함하는 마지막 소나타라고 할 수 있다. 곡 전체는 매우 활기차고 경쾌하며, 베토벤 특유의 위트와 유머가 담겨 있고, 각 악장 사이의 주제는 전 곡의 유사한 리듬형을 이루며 악곡에 통일감을 부여하고 있다. 제1, 2, 4악장은 전형적인 소나타 형식으로 제시부․전개부․재현부와 코다로 이루어져 있고, 각 악장마다 주제를 확실하게 드러내는 유려한 선율선이 매우 특징적이다. 제1악장의 리듬 구조는 동기 제시에서 많은 변화를 예고해 주고 있으며, 제2악장은 베토벤의 여러 가지 새로운 시도를 엿볼 수 있는 악장으로 스케르초의 일반적인 특징은 3/4 박자의 가운데 부분에 트리오가 들어가는 것이 원칙이지만, 이 악장은 2/4 박자의 소나타 알레그로 형식으로 되어있어 1주제와 2주제의 관계가 딸림조로 나타나는 전통적인 소나타 형식과 달리 1주제와 2주제의 관계가 장6도로 나타난다. 악장 전반에 계속되는 스타카토와 트릴은 설렘과 긴장감을 자아내며, 스포르찬도에 의한 주제의 강도표시가 매우 특징적이다. 제3악장은 미뉴에트 형식으로 베토벤이 피아노 소나타에 미뉴에트를 사용한 것으로는 매우 아름다우며 우아하고 포근한 선율로 시작된다. 전체적으로 유일하게 정적인 분위기를 형성하여 서정적이며 애수적인 표현을 하고 있다. 제4악장 악곡 전체에 기본이 되는 8분음표의 분산화음의 연속적인 리듬형태를 이루며 선율과는 대조되는 타란텔라 리듬으로 이루어지며 왼손이 교체되어 고음에서 같은 음을 반복하는 4마디의 짤막한 리듬이 특징적이다. 또한, 베토벤은 3도, 4도의 음정으로 동형진행을 사용하여 선율을 발전시키고 있는데 이 방법은 고전시대 작곡법 중에 하나이다. 화성적으로는 전조나 감7화음의 사용을 들 수 있는데 이것은 내면성을 표출하기에 적합하다. 이 작품에서는 트릴과 스타카토의 쓰임이 많은데 이것은 피아노의 기능적인 발달을 이용한 시도라고 볼 수 있다. 이처럼 초기 소나타의 특징을 유지하는 동시에 낭만시대의 작곡법도 미리 엿볼 수 있다. 본 Op.31-3은 베토벤이 유서를 남긴 이후, 새로운 음악을 쓰겠다는 생각에서 작곡되어 있어 고전적인 피아노 소나타의 완성적 작품이라기보다, 더 나아가 이어지는 낭만파 음악을 시도하고 있음을 보여 주고 있다. 따라서 본 연구를 통해 베토벤은 고전적 피아노 소나타와 초기 낭만적 피아노 소나타로 확장되는 과정과 피아노 소나타의 진수를 살펴볼 수 있으며, 이 작품을 통하여 초기에 확립된 작곡 기법 안에서 음악적 표현 효과를 극대화 시키고 베토벤만이 가지는 독특한 유머와 위트로 곡에 활기찬 생명력을 부여하고자 하였다. Ludwig Van Beethoven(1770~1827) is one of the greatest musicians in Western music history, and he is the composer who represents the classicism along with Franz Joseph Haydn(1732~1809) and Wolfgang Amadeus Mozart(1756~1791). Beethoven not only had developed the musical styles of the classicism but he also had attempted the stylistic changes by reflecting his own creative and experimental spirits to classicism tradition which emphasized formality. As a result, it provided a huge influence to many composers of future generation, and he is assessed as a great composer who laid cornerstones of the Romanticism era. Especially, Beethoven's piano sonatas were steadily composed throughout the composer's life, and they are regarded to be important in music history as they are assessed as the New Testament of the piano literature. 32 of his piano sonatas were written throughout his life, and they are classified into 3 eras according to the nature of the work and formal structure. As for his piano sonatas, they can be classified into 3 eras including the early era(1770~1802), the mid-era(1802~1816), and the later-era(1816-1827). Among them, this research paper examined the periodical features, music analysis, and performance methods focusing on the Beethoven's piano sonata Op.31 which was written in mid-era. The feature of piano sonata Op.31 E♭is that it is quite different from early sonatas in terms of the forms and tempos used in each movement. Though it is the only sonata that is composed of 4 movements, as it is composed of fast movements that are not the general sonata structure in principle, there are no traditional slow movements, but it is a sonata that is in the expanded form with having Scherzo movement and Menuetto movement between the initial part; Allegro and the final Presto con fuoco part. Also, the 2nd movement is not in the form of slow Adagio but it appears as the Scherzo form, and it avoids the norms of the sonata forms and it rather consecutively uses both forms in the 2nd and the 3rd movement. And it can be regarded to be the last sonata that includes the independent Minuette movement among Beethoven's piano sonatas in terms of the fact that Minuette movements do not appear in the later piano sonatas. The entire piece is lively and cheerful, and it has Beethoven's unique wits and humors, and each of themes between the movements assign the unity to music by forming similar rhythms throughout the entire piece. The 1st, 2nd, and 4th movements are the typical sonata formats; they are composed of exposition, development, recapitulation and coda, and the elegant melodies that clearly reveal the themes for each of the movements are very remarkable. The rhythm structure of the 1st movement predicts a lot of changes in the present motive, and the 2nd movement is the movement that makes it possible to see various attempts of Beethoven, and although the general feature of Scherzo is that there are trios in the middle part of 3/4 time in principle, but this movement is in the form of 2/4 time sonata Allegro form, and unlike the traditional sonata form in which the relation between 1st theme and the 2nd theme appears as dominant key, the relation between 1st theme and the 2nd theme appears as M.6. The staccato and the trill that repeat throughout the movement generate the excitement and the tension, and the strength display of the themes by sforzando is quite remarkable. The 3rd movement is the Minuette form and as a movement in which Beetheven used Minuette in piano sonata, it begins with very beautiful, elegant and warm melodies. And it solely forms the static atmosphere to make poetic and sorrowful expressions in Op.31-3 that is lively overall. The distributed chords of the 8th note that is fundamental to the entire music in 4th movement realizes the consecutive rhythm forms, to be realized as the Tarantella rhythm that is contrast to melodies, and the short rhythms of 4 measures that repeat the same sounds as left hand gets replaced, are remarkable. Also, it can be seen that Beethoven develops the melodies by using sequence, with 3 tune and 4 tune pitch, and this is one of the classical composition methods. Harmonically, modulation, present motive diminish 7th chord can be used, and they are appropriate for expressing internality. In this piece, there are a lot of usages of trills and staccato, and it can be regarded to be an attempt of using functional developments of the piano. Like this, it is possible to maintain the features of the early sonatas and peek the composition methods of romanticism era. This Op.31 was composed after Beethoven left his will, in a belief of composing new kind of music, and rather than considering it as the complete piece of the classical piano sonatas, it shows that is attempting the romanticism music that is continued by the descendants. Accordingly, through this research paper, it is possible to see the process of how Beethoven's classical piano sonatas get expanded into early romanticism piano sonatas as well as the essence of the piano sonatas, and the intention of the study of this piece was to maximize the musical expression effects within the composition techniques established in the early eras, and also to give lively vitality with Beethoven's unique humors and wits.

J.S. Bach Toccata BWV 916 연구 분석 : 장식음을 중심으로

이효은 명지대학교 문화예술대학원 2012 국내석사

음악의 대부이자 전통적인 음악의 완성자라 불리는 요한 세바스찬 바흐(Johann Sebastian Bach 1685∼1750)는 후기 바로크 시대의 음악가로 프로테스탄트로서의 깊은 신앙에 입각한 종교적 칸타타와 수난곡 등을 남기고 있지만, 그의 다른 한 면은 <관현악의 모음곡>을 비롯한 실내악곡인 <푸가의 기법>, <바이올린 협주곡>, 독주곡 <토카타와 푸가 라단조> 등 음악사에 획을 그을 만한 기악음악의 발달을 주도한 음악가이기도 하다. 특히, 바흐는 오르간을 비롯한 건반악기와 류트나 소규모 합주를 위한 춤곡, 성악곡의 편곡, 판타지나 전주곡과 같은 소곡 등 각국의 특징을 살린 기악곡을 작곡했고, 이러한 기악곡들을 악기마다 특유의 장식적 기법을 담아 완성했다. 장식음의 역사는 이미 고대와 중세에도 널리 사용되었으나 그때까지만 하더라도 장식음은 기보법 없이 즉흥적으로 연주하는 것이 전부였다. 본격적인 장식음의 발전은 르네상스 시대에 이르러 정형화되었고, 바로크 시대에 이르러 체계화하였다. 장식음의 전성기는 17세기에서 19세기로 이어져 발전하였으며, 19세기 이후에도 여러 작곡가에 의해 쓰였지만 20세기 들어서부터는 그 종류와 사용 빈도가 점차 감소하고 있다. 바로크 시대 음악에서 중요한 연주 방식인 즉흥연주는 장식음의 연구가 반드시 필요하므로 바흐 Toccata BWV 916을 중심으로 이 곡에 쓰인 장식음 연구를 진행하게 되었다. 본 논문에서는 바로크 시대 장식음의 의미와 역할, 바흐 토카타 총 7곡에 기보 된 장식음의 기능과 종류를 알아본 후 전곡을 비교 분석하였다. 또한, 토카타 7곡 중 바흐가 마지막에 작곡한 토카타 BWV 916을 중심으로 각 악장의 구조와 원전 악보와 해설 악보에서 사용한 장식음을 비교 분석하였고, 피아니스트 안젤라 휴잇(Angela Hewitt 1958~ )이 연주에서 사용한 장식음 종류와 실제 연주방법을 제시했다. 이 논문을 통해 바로크 시대 음악에서 널리 사용된 장식음의 종류와 연주 방법을 바르게 이해하며, 실제 연주자의 연주기법 연구를 통해 올바른 연주법의 이해와 함께 작곡가의 의도에 맞는 바흐 Toccata BWV 916의 자료가 되길 바란다. Johann Sebastian Bach (1685∼1750) who is called the completer of traditional music and godfather of music has left many passion music and religious cantata based on the belief in the protestant musician in the later baroque era, but he’s other aspect is a musician that lead the development of the instrumental music which marked a new era in the history of music with such as <Orchestral Suites> and other chamber choirs <Die Kunst der Fuge>, <Violin Concerto>, Solo <Toccatas & Fugues D Minor>. Especially, Bach composed instrumental pieces expressing the characteristic of each such as arietta, prelude, fantasy, vocal music arrangement, dance music for small ensembles or a lute with keyboard instruments such as organs, but these instrumental pieces holding the unique decorative technique of each instruments was composed. The grace’s history has been already used widely in ancient times and the middle ages but until so far the grace was performed improvised on with out a music notation. The genuine development of the grace was standardized when it came to the Renaissance, and systemized when it came to the Baroque Era. The grace’s golden days were from the 17th to 19th century, and after the 19th century it was used by many composers, but in the 20th century its kind and usage frequency gradually diminished. The improvisation was an important recital method in the music of the Baroque era and the grace’s research was indispensable, therefore in the current research we performed feeling the necessity of analytic research through the Toccata BWV 916 of Bach who is the Baroque Era’s representative composer. In the current thesis we will find out about the grace’s function and kind, role and meaning of the Baroque Era’s Toccata, and comparative analyse the 7 Toccata that Bach composed by era. Also, centered to he’s last Toccata BWV 916, we comparative analyzed the grace used in the exposition note and grace used in the original note and concert master analysis, and proposed the performing method of the grace used in the performance of the pianist Angela Hewitt (1958~ ). Through this thesis, through the research of the performance technique of the real musicians and also the performing method of the grace of the Baroquian music, along with the proper understanding of the performance custom of the Baroque era and also hope that this be a precious data of the Bach Toccata BWV 916 that fits the purpose of the composer.

Erard 피아노와 현대 피아노의 음향 차이에 따른 연주기법 연구 : - L. v. Beethoven Piano Sonata No. 21, Op. 53, 3악장을 중심으로 -

김이희 명지대학교 문화예술대학원 2019 국내석사

Ludwig van Beethoven’s (1770-1827) life was interrelated with the history of the piano development. The technology for piano was innovated intensively from 1770 to 1830, and in this course, many musicians exchanged with the piano producers actively, participating in the production of the pianos. Among them, Beethoven who wanted to complete and expand the sonata form affected the development of the piano enormously through his desire of creation. If we review his 32 piano sonatas, we would be able to examine the process whereby the composing techniques had changed depending on the development of the piano. The purpose of this study is to review the correct piano playing techniques depending on the differences of the piano sound, focusing on the 3rd movement of Beethoven’s ‘Piano Sonata No.21, Op.53’ Beethoven composed most of his mid-term sonatas with Érard piano. The Walter piano he had used before had been equipped with the knee pedals, but Érard piano he had received as a present in 1803 had 4 foot pedals, which stimulated his creative desire; the new piano allowed for unique foot pedalling unprecedently. This study reviews the differences between Walter and Érard pianos, and then, examines the differences of the sound between Érard piano and its contemporary counterpart, centered about the pedalling and octave playing techniques. Beethoven’s ‘Piano Sonata No.21, Op.53’ was composed between 1803 and 1804. It was dedicated to his earlier sponsor Ferdinand Von Waldstein (1762∼1823), and thus, it was called ‘Waldstein sonata.’ Hereinafter in this study, it would be referred to ‘Waldstein sonata’ rather than the number of work for convenience’s sake. This piece consists of 2 movements; the first movement is of the sonata form, while the second one has the Rondo form. If the introduction part should be regarded as the second movement, it may well consist of 3 movements. The researcher interprets it as a 3-movement piece, which is discussed in details in the Chapter VI. In the Rondo movement that the researcher interpret as the 3rd movement, unique pedalling and trilling create an orchestra sound effect, and then, an enormous-scale coda would appear. This study focuses on the octave glissando interestingly. This study reviews the history of the piano development, and then, examines the pianos used by Beethoven, and thereby, compares the differences of the sound effect in reference to Érard piano, focusing on ‘Waldstein sonata’. Then, this study addresses the problems when the sonata is performed with the contemporary piano, and suggests their solutions. Beethoven’s ‘Waldstein sonata’ manifests his will to contain the sound effects of the orchestra in piano, and in this regard, it is quite differentiated from his former sonatas. Then, this study reviews the playing techniques of the old piano in comparison with those of its contemporary counterpart. Furthermore, this study suggests the correct ways to play the contemporary piano in terms of touching and pedalling, in reference to the old pianos. All in all, it is hoped that this study would be helpful to those who study or play ‘Waldstein sonata’. 베토벤(Ludwig van Beethoven, 1770-1827)의 생애는 피아노 발달 역사와 맞물려 있다. 피아노의 기술혁신은 1770년부터 1830년 사이에 집중적이면서도 본격적으로 이루어졌는데 이 과정에 많은 음악가가 피아노 제작자와 활달한 의견교환을 하며 적극적으로 참여하였다. 그 중 베토벤은 피아노 소나타를 작곡하는 과정 중에 넘치는 창작욕구로 피아노 발달에 큰 영향을 미친 작곡가이다. 그의 32곡의 피아노 소나타를 연구하면 피아노 발달에 따른 작곡기법의 변천과정을 살펴볼 수 있는데 본 논문에서는 그의 중기를 대표하는 『피아노 소나타 No. 21, Op. 53』의 3악장을 중심으로 피아노의 발달과 악기의 음향 차이에 따른 올바른 연주기법을 연구하고자 한다. 베토벤은 중기 소나타 대부분을 에라르 피아노로 작곡하였다. 이전에 사용하였던 발터 피아노는 무릎 페달을 사용한 데 반해 1803년에 선물 받은 에라르 피아노는 발페달을 4개 가지고 있는 구조로 베토벤의 창작 욕구를 자극하여 이전에 볼 수 없었던 독특한 페달링을 사용하는 것을 볼 수 있다. 본 논문에서는 발터 피아노와 에라르 피아노의 차이점을 비교한 후에 에라르 피아노와 현대 피아노를 비교하여 음역과 타현방식, 페달링에 따른 음향적 차이를 고찰하며 연주기법에 관해 연구하며 논의하려 한다. 베토벤의 『피아노 소나타 No.21, Op.53』은 1803년에서 1804년 사이에 작곡된 곡으로 베토벤의 초기 후원자인 페르디난드 폰 발트슈타인(Ferdinand Von Waldstein, 1762∼1823)에게 헌정되어《발트슈타인 소나타》라고 불린다. 앞으로 본 논문에서는 편의상, 작품번호 대신《발트슈타인 소나타》라고 표기하도록 하겠다. 이 곡은 소나타 형식의 1악장과 서주부가 있는 론도 악장으로 보면 2악장 구성으로도 볼 수 있고, 서주부를 2악장으로 해석하게 되면 3악장 구성으로도 볼 수 있다. 필자는 세 가지 근거를 들어 3악장으로 해석하였는데 이에 관하여 본문 4장에서 자세히 다루었다. 필자가 3악장으로 해석한 론도 악장에서는 독특한 페달링과 트릴을 통해 오케스트라 음향 효과를 만들어내며 장대한 규모의 코다가 등장하는데 그 가운데 옥타브 스케일을 흥미롭게 살펴보았다. 본 논문은 피아노 발달의 역사를 살펴보고 베토벤이 사용하였던 피아노에 관해 연구한 후, 《발트슈타인 소나타》중 3악장을 통해 에라르 피아노를 기준으로 전후의 음향적 차이를 비교하며 현대 피아노로 연주할 때 마주하는 문제점들을 살펴보고 그 해결방안을 제시한다. 베토벤의 《발트슈타인 소나타》는 이전 작품과 다른 면모를 보이며 오케스트라의 음향을 피아노에 담아내려 했던 베토벤의 의지를 확인할 수 있는 작품이다. 초기 피아노의 타현 원리가 현대 피아노와 얼마나 차이가 있는지 연구하고 초기 피아노의 울림에 대해서도 생각하여 현대 피아노로 연주할 때 터치와 페달을 올바르게 사용할 수 있도록 연구하며 그 근거를 제시한다. 이를 통해, 필자뿐 아니라 베토벤의 《발트슈타인 소나타》를 공부하고 연주하는 이들에게 조금이나마 도움이 되기를 바라는 바이다.

M. Ravel Sonatine op.40 연구분석

김해진 명지대학교 문화예술대학원 2015 국내석사

19세기 후반에 이르러 예술, 음악 및 시각예술은 새로운 미학적 시대에 돌입하였다. 프랑스에서는 민족 고유의 요소를 기초로 하여 자국의 정체성과 국민 생활을 음악적으로 표현하려는 프랑스 작곡가들에 의해 독일 낭만주의 음악 양식이 점차 쇠퇴하면서 인상주의 음악이 새로운 사조로 나타났다. 이러한 프랑스 인상주의 음악을 대표하는 클로드 드뷔시(Claude Debussy, 1862~1918)와 모리스 라벨(Maurice Ravel, 1875~1937)이다. 19세기 드뷔시의 뒤를 잇는 라벨은 고전적 전통위에 인상주의적인 기교를 채택하였고, 깨끗한 선율윤곽, 뚜렷한 리듬, 고전주의적 견고한 형식 구조를 가졌다. 인상주의 기법과 고전주의 양식을 잘 결합시킨 라벨 《소나티네》작품인데, 이 곡은 선율의 진행이 분명하고 추상적이지 않으며, 고전주의 형식의 영향을 받아 화성과 형식이 간결하다. 본 논문은 곡의 분석에 앞서 라벨의 생애와 피아노 음악에 대해 살펴보았으며, 그의 삶과 음악에 대해서 알아보았다. 라벨이 활동한 당시는 인상주의 미술사조로부터 인상주의 음악이 성행하던 시기였다. 따라서 그가 추종했던 인상주의 음악의 특징과 작곡기법을 제시하였고, 그의 작품을 시기별로 구분하여 특징을 파악한 후 《소나티네》가 가지는 의의와 각 악장별 음악적 특징인 형식, 선율, 리듬, 화성, 종지를 연구 분석하였다. 결과적으로 라벨의 작품은 서양음악사 안에서 낭만주의와 다가오는 20세기 음악을 연결하는 중요한 역할을 하였으며, 특히 그의 주장과 개성을 잘 나타낼 수 있었던 피아노를 통하여 인상주의의 음향과 신고전주의 양식을 잘 결합시켜 작곡하였다. 그의 작품 중《소나티네》는 고전주의 형식에 다양한 악상과 구성, 화성, 장·단음계 체계를 바탕으로 인상주의적 색채감을 표현하였다. 특히 《소나티네》는 전통적인 형식의 범위와 인상주의 음악의 특징을 잘 살려 라벨의 독창성을 발휘한 작품으로 20세기 신고전주의적인 기법으로 이어지는 중요한 작품이라 할 수 있다. 라벨의 피아노 《소나티네》는 고전적 작품경향과 근대적 피아노 음악의 가능성을 확장하는 중요한 작품으로 평가받고 있으며, 따라서 본 논문은 피아노 연주곡 중 라벨의 《소나티네》를 통해 근대 피아노 음악의 흐름을 제시하고자 본 논제를 연구하게 되었다. In the late 19th century, art, music, and visual art entered into a new aesthetic era. In France, French composers attempted to express their own country's identity and people's life with music based on unique elements of their nation, which led to gradual decline of German romantist music style and emergence of impressionist music as a new trend. It is Claude Debussy (1862~1918) and Maurice Ravel (1875~1937) who represented such impressionist music. Ravel who succeeded to Debussy in the 19th century adopted impressionist techniques to classic tradition and had clean melody outline, obvious rhythm, and classicist solid formative structure. Ravel's 《Sonatina》 well combined such impressionist techniques with classicist style and this music had obvious progression of melody, was not abstract, and had simple chord and form, affected by classicist form. This paper examined Ravel's life and piano music before analyzing his music. At the time of Ravel, impressionist music prevailed amid impressionist art trend. Accordingly, this study presented characteristics and composing techniques of impressionist he pursued, differentiated his music by periods and figured out its traits, and then analyzed the meaning of 《Sonatina》, each movement's musical characteristics--form, melody, rhythm, chord, and cadence. Resultantly, Ravel's works played an important role of connecting romanticism and the upcoming 20th music. In particular, he well combined impressionist sounds with neo-classicist style through his piano which was able to well represent his arguments and personality. 《Sonatina》among his works expressed an impressionist sense of color based on classicist style and diverse motives, composition, chords, major and minor systems. In particular, Ravel revealed his originality through 《Sonatina》 by showing well traditional form's scope and impressionist music's characteristics; 《Sonatina》 is an important work which leads to the 20th century's neo-classicist techniques. Ravel's piano 《Sonatina》 is evaluated to be a crucial work which expands classicist work trend and modern piano music's possibilities. Therefore, the researcher came to study this topic in order to present modern piano music's flow through Ravel's 《Sonatina》 among piano musics.

F. Chopin의 Ballade No.1, Op.23의 연구분석

김은미 명지대학교 문화예술대학원 2015 국내석사

프레데릭 쇼팽(Fryderyk Chopin, 1810~1849)은 19세기 낭만주의를 대표하는 작곡가로서 고전주의 시대에 연결된 초기 낭만주의 시대를 열었던 폴란드 작곡가이다. 그는 프랑스의 문학가, 예술가들과의 다양한 교류를 통해 고전적 전통과 유럽사상의 음악 양식을 융합하여 고전적 소나타 형식의 틀에서 벗어나 자유로운 낭만적 요소들을 가지고 피아노라는 악기를 통해 음악적 표현의 가능성을 실현시켰고, 피아노의 시인이라는 별명이 붙을 정도로 그의 작품의 중심에는 늘 피아노 작품이 있었다. 쇼팽의 피아노 음악의 표현법은 매우 독창적이고 창조적이다. 그는 조국을 열정적으로 사랑한 음악가로 폴란드 민속적 음악 정신이 담은 마주르카, 폴로네즈, 녹턴, 즉흥곡 등 성격 소품의 피아노 작품을 비롯하여 다양한 형식의 곡을 작곡하였다. 그를 통하여 19세기이전부터 성악곡으로 현존하던 발라드가 기악곡인 피아노곡의 새로운 장르를 이끌어간 것도 작곡가 쇼팽이다. 쇼팽은 39세의 짧은 인생을 통해 많은 작품을 남겼는데, 특히, 21살이 되는 1831년부터 1842년까지 10여 년에 걸쳐 4곡의 발라드를 작곡했다. 그의 4곡의 발라드는 낭만파 음악을 대표하는 성격 소품의 작품으로 설화적인 성격의 작품이다. 그 중에서도 쇼팽 발라드 제1번은 음악어법의 핵심인 화성, 리듬, 선율, 음계에 이르기까지 슬라브 특유의 감성이 녹아져 있는 수작(秀作)으로 평가받고 있다. 본 논문은 쇼팽의 생애와 그의 피아노 음악의 특징을 살펴보고, 특히 중세 프랑스 시(詩) 형식에서 유래한 피아노 발라드 작품의 유래와 발달사를 살펴보고, 또한 그의 피아노 발라드가 갖는 시대적 중요성과 그의 피아노 음악만이 가지는 독창적인 세계를 살펴보고자 했다. 본 논문은 쇼팽의 네 곡의 발라드 작품의 특징을 비교 분석하였다. 그중에 「발라드 No. 1, Op.23」을 중심으로 연구 분석하였고, 자유로운 소나타형식으로 작곡된 이 작품은 역시 시와 함께 줄거리를 가진 발라드의 특징을 가지고 있으며, 역시 자유스러운 소나타 형식으로 작곡되어 전형적인 소나타형식에서 볼 수 없는 서주부와 코다를 가진 제시부와 발전부 그리고 재현부의 형식을 취하고 있다. 선율과 리듬은 이탈리아 오페라 작곡가 벨리니(Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini, 1801~1835)의 벨칸토 양식인 아름답고 풍부한 서정적인 주선율과 반음계적 진행과 동형 진행을 사용하고 있으며, 선율의 변형과 장식, 템포, 복합 리듬의 변화, 루바토, 페달 등을 사용하여 자유로운 변화를 주는 것이 특징이다. 또한, 급격한 나폴리 6화음 등의 사용과 비화성음, 경과음, 불협화음을 사용하고 있으며, 전조 변화와 이명동음을 이용한 조바꿈 그리고 12음계의 반음계적 화성 진행을 사용한 점으로 고전주의 전통적인 틀에 얽매이지 않고, 자신만의 독창적인 작곡 기법으로 변형 발전시키고 있다. 본 논문은 피아노 음악의 극치를 보여주고 있는 쇼팽「발라드 No. 1, Op.23」을 분석 연구하였다. 전통적인 고전주의 소나타 형식의 틀을 자유로운 낭만주의 음악을 담는 도구로 승화시켰고, 피아노 시인으로 불리어진 쇼팽은「발라드 No. 1, Op.23」의 분석 연구를 통해 연주하고자 하는 이들에게 본 논문이 조금이나마 보탬이 되기를 기대해본다. Fryderyk Chopin(1810~1849) is a Polish composer and leading musician of the early Romantic era in the 19th century that followed the Classical era. To realize musical possibilities through the piano, he went beyond the classical sonata form and instilled free romantic elements into his compositions by integrating the classical tradition and European style by the influence of his friendships with French writers and artists. The piano was always at the center of his works, which earned him the title the 'poet of piano.' The piano music of Chopin is very creative and original. He, as a passionate lover of Poland, wrote various forms of piano character pieces such as Mazurkas, Polonaises, Nocturnes, and impromptus in which the spirit of Polish folk music is alive. It was Chopin who established instrumental ballade though vocal ballade had been around for long. He left a number of works for his short life of 39 years. Especially, he composed four ballades during the decade from 1831(when he became 21 years old) to 1842. They are narrative character pieces which exemplify the Romantic music. Among them, his Ballade No.1 is regarded as a masterpiece that contains unique Slavic in all aspects of harmony, rhythm, melody and scale. This paper intends to look into the origin and development of piano ballades that came from the French poetic style in the Middle age as well as Chopin's life and musical characteristics. It aims to explore the timely significance of Chopin's piano ballades and the creative world of his piano music, too. This paper is comparatively analyzing the features of Chopin's four ballades with a focus on his Ballade No. 1, Op.23. Ballade No. 1 includes a story associated with a poem and takes on a free, rare form of sonata that consists of the exposition with the introduction and coda, the development and the recapitulation. The melody and rhythm of Chopin's Ballade No. 1 adopted the Belcanto style of the Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini(1801~1835). So, Ballade No.1 is characterized with a beautiful, lyrical main melody and chromatic sequences that bring about melodic change and decoration, tempo and rhythmic transition and free alteration using rubato and pedal techniques. It also uses a radical Neapolitan sixth chord and dissonant chords such as non-harmonic tone and a passing tone along with modulation harnessing enharmonic keys and chromatic sequences of 12 major scales. Through his Ballade No. 1, Chopin developed his distinctive composing techniques instead of being limited to the traditional frame of Classism. This paper is to comparatively analyze Chopin's Ballade No. 1 as the culmination of piano music. The author hopes that the paper on the masterpiece of the poet of the piano who took the classical form of sonata into a new level of free Romantic music will be helpful to pianists.

L.v. Beethoven Piano Sonata Op.27 No.2 in c#minor 분석 연구 : L.v. Beethoven Piano Sonata의 시기적 위치를 중심으로

고소라 명지대학교 문화예술대학원 2017 국내석사

루드비히 반 베토벤(Ludwig van Beethoven 1770-1827)은 고전주의를 대표하는 작곡가로 18세기 후반에서 19세기 초반까지 활동하였다. 고전주의 음악은 하이든(Joseph Haydn 1732-1809)과 모차르트(Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791), 베토벤이 주도적으로 이끌며 형식과 구성, 주제의 진행 방법 등에 뚜렷한 특징을 가진다. 고전주의 음악은 조성이 명확하며 수평적이고 선율적인 주제를 사용하고, 구조적인 균형과 대칭을 중요하게 여겼다. 또한 고전주의 시대에는 바로크 시대의 건반 악기인 클라비코드(clavichord)의 단점을 보완하여 개발된 피아노(piano forte)가 지속적으로 발달하여 건반 악기의 중심이 점차 피아노로 옮겨졌다. 이에 고전주의 작곡가들은 피아노를 위한 독주곡과 실내악곡, 협주곡 등을 다수 작곡하였다. 베토벤의 피아노 작품을 시기적으로 분류하는 것은 음악사적 위치에서 매우 중요하다. 본 논문은 베토벤의 피아노 소나타의 분석 연구로, 피아노 작품을 통한 여러 작곡 기법을 찾아볼 수 있다. 전기 작품에서 보이는 고전주의와 후기에서 보이는 낭만주의 음악적 경향 및 특징을 비교하여 제시하고자 했다. 또한 베토벤은 바로크 음악의 전통적인 형식을 유지하면서 새로운 요소를 접목시켰으며, 자유로운 기법을 사용하여 다음 시대를 여는 음악을 창작하였다. 베토벤은 피아노를 위한 소나타를 총 32곡 작곡하였는데, 그의 생애와 깊은 연관이 있다. 그의 작품 경향과 생애를 따라 32곡의 피아노 소나타를 시기적으로 초기(1782-1801)와 중기(1802-1814), 후기(1816-1826)의 세 시기로 구분하였다. 초기에는 바로크 시대의 대표 작곡가인 J.S. 바흐(Johann Sebastian Bach 1685-1750)와 초기 고전주의 음악의 영향을 받아 간결한 선율로 이루어진 주제를 사용하였고, 조성과 구성이 단편적이며 형식과 음악적인 표현에 있어서 절제의 성격이 강하다. 중기에는 고전주의 음악 형식의 기본적인 틀을 유지하면서 그 안에 다양한 형식을 접목시켰다. 조성 및 화성에서는 자유로운 화성과 전조를 사용함으로 점차 고전주의 음악에서 벗어나 베토벤만의 독자적인 스타일을 확립하였다. 자유로운 리듬과 조성, 색채감 있는 화성적 표현이 적극적으로 나타난다. 후기 작품에서는 보다 내면적이고 원숙한 음악성이 두드러지게 나타난다. 형식적으로는 바로크 및 고전주의 음악의 형식을 다시 사용하여 전통적인 구조를 견고히 하는 동시에 새로운 음향을 찾고자 불협화음과 반음계, 폭 넓은 다이나믹과 색채감 있는 화성을 사용하여 이후 낭만주의시대 음악의 충분한 길잡이가 되었다. 베토벤의 피아노 음악 중 「피아노 소나타 Op.27」의 no.1과 no.2의 두 곡은 초기의 음악 형식을 확실히 벗어난 작품이다. 그는 곡 처음 부분에 ‘환상곡풍으로’라는 문장을 직접 표기함으로 이전의 고전주의 작품과 차이점을 두었다. 각 악장에서 자유로운 형식을 사용하였으며, 다채로운 화성과 선율을 통해 낭만주의 음악 어법을 시도하였다. 「피아노 소나타 Op.27 no.2」는 세 개의 악장으로 구성되어 있으며, 중기 피아노 음악의 특징을 보여주는 작품이다. 소나타의 일반적인 구조에서 제1악장은 빠른 템포의 소나타 알레그로 형식이다. 그러나 베토벤은「피아노 소나타 Op.27 no.2」에서 제1악장을 느린 템포의 3부 형식, c♯단조로 시작한다. 화성적으로는 주요 3화음이 아닌 색채감 있는 감7화음을 사용함으로써 환상곡풍의 분위기를 표현하였다. 제2악장은 제1악장의 c♯단조와 동음관계조(이명동음)인 D♭장조이다. 트리오를 포함하는 미뉴에트 형식과 흡사한 3부 형식이며 경쾌한 분위기의 빠른 악장이다. 베토벤 음악의 특징인 순환 기법이 제1악장과 동일하게 순차 하행으로 나타난다. 제3악장은 조성이 원조(c♯단조)로 돌아오며, 빠르기는 제2악장 보다 더 빠른 Presto이다. 또한 음악적 구조는 전통적인 소나타 알레그로 형식을 사용하였는데, 제시부와 발전부, 재현부 이후에 연결되는 코다를 확장시켰다는 점이 특징이다. 곡 전체의 중심을 제1악장이 아닌 제3악장에 두는 구조적 특징을 갖는다. 따라서 본 논문은 이 작품의 가장 중심적 악장인 제3악장을 제시부, 발전부, 재현부로 나누어 분석 연구하였다. 코다(Coda)는 곡의 종결구에 짧게 등장하는 부분이지만, 베토벤은 코다를 4부분으로 확장시켰다. 4부분의 코다는 앞서 사용하였던 주제의 짧은 동기로 이루어지거나 자유로운 레치타티브 부분으로 구성되어 있다. 코다를 통한 동기의 반복은 마지막까지 곡의 긴장감이 유지되는 효과를 준다. 본 논문은 베토벤의 중기 시대를 대표하는 「피아노 소나타 Op.27 no.2」을 통해 고전주의 형식에 낭만적인 음악 어법을 시도한 그의 독자적인 음악 세계를 살펴본다. 이전의 고전주의 작곡가들의 음악과 확연히 다른 그의 피아노 작품 「피아노 소나타 Op.27 no.2」을 분석, 연주하는데 조금이나마 도움을 주고자 연구하게 되었다.

L. v. Beethoven Piano Sonata Op. 2, No. 2 4악장 분석 및 연주기법 연구 : 죠르지 샨도르의 다섯 가지 테크닉 중심으로

박인영 명지대학교 문화예술대학원 2020 국내석사

Ludwig van Beethoven(1770-1827) is the representative musician of the Classical period, and he worked with Joseph Haydn(1732-1809) and Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791). Classical music is concise and uses beautiful melody along with distinct tonality. The contrasting composition of melodies is used to create balance. Also, the Classical period was an era of development of the sonata form. Beethoven opened up Romantic music through the development of the sonata form that was completed by Haydn and Mozart. Beethoven composed 32 pieces of piano sonatas throughout his life. By the structure and musical diction of the pieces, Beethoven’s piano sonatas can be divided into early, middle, and late sonatas. His early sonata was influenced by Haydn and Mozart, using concise melody and stable tonality while following the typical structure of the Classical period, but also started to show his individuality and originality. This paper will explore Beethoven’s early sonata 「Piano Sonata Op. 2, No. 2」 4th mov. through the analysis of the characteristics of Beethoven’s early sonata. 「Piano Sonata Op. 2, No. 2」 is consisted of four movements, the first movement being in the sonata form, the second movement in a slow movement ternary form, the third movement in the scherzo form, and the fourth movement in the rondo form. The new form of the movement structures of the third and fourth movements presents Beethoven’s uniqueness. This paper will analyze 「Piano Sonata Op. 2, No. 2」 4th mov. and its piano techniques by applying pianist Gyorgy Sandor’s(1912-2005) five fundamental methods explained within his book, 『On Piano Playing』. The five methods are Free Fall, Arpeggio, which is Scale used by five fingers, Rotation, Staccato and Thrust. The most frequently used methods in 「Piano Sonata Op. 2, No. 2」 4th mov. will be analysed first. The reason why this paper’s analysis is based on Sandor’s methods is because Sandor’s opinion on how to play to solve technical problems is an interesting approach, although Sandor’s five methods cannot be applied to all composers’ pieces, and in hope that this paper will help students who are learning the techniques for the first time, or others whom are having a hard time applying the methods onto other pieces. Also, it is anticipated that this paper will be of help to those who are studying or performing this piece as an example of the appliance of the methods. 루드비히 반 베토벤(Ludwig van Beethoven, 1770-1827)은 고전주의를 대표하는 음악가이며, 하이든(Joseph Haydn, 1732-1809), 모차르트(Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791)와 함께 활동하였다. 고전주의 음악은 간결하고 아름다운 멜로디를 사용하며 조성이 뚜렷하다. 서로 대조되는 멜로디의 구성은 균형을 이루기 위해 사용하였다. 또한, 고전주의는 소나타 형식이 발전하는 시기였다. 하이든과 모차르트가 완성을 이룬 소나타 형식에서 베토벤은 이를 더욱 발전시켜 낭만주의의 길을 열어주었다. 그리하여 베토벤은 생애 전반을 걸쳐 총 32곡의 피아노 소나타를 작곡하였다. 작품의 구조나 음악적 어법에 따라 시기를 나누어 초기(1782-1801), 중기(1802-1814), 후기(1816-1826)로 구분하였다. 특히, 베토벤의 초기 소나타는 하이든과 모차르트의 영향으로 간결한 선율과 안정적인 조성을 사용하고, 고전주의의 정형적인 구조를 따랐지만, 그만의 개성과 독창성이 나타나기 시작하였다. 필자는 베토벤의 초기 소나타인「피아노 소나타 Op. 2, No. 2」의 4악장 작품을 연구하기 위해 초기 소나타의 특징을 살펴보려고 한다. 「피아노 소나타 Op. 2, No. 2」작품은 모두 네 개의 악장으로 구성되어있으며, 1악장은 소나타 형식, 2악장은 느린 악장의 3부 형식, 3악장은 스케르초 형식이며, 4악장은 론도 형식이다. 3악장과 4악장은 악장 구성의 형식을 새롭게 하여 베토벤의 개성이 나타난다. 본 논문에서는 「피아노 소나타 Op. 2, No. 2」의 4악장을 연구하며, 피아니스트인 죠르지 샨도르(Gyorgy Sandor, 1912-2005)의 저서인 『온 피아노 플레잉』의 다섯 가지 기본 테크닉 패턴을 적용하여 연주기법을 논하려고 한다. 다섯 가지 테크닉은 자연낙하(Free Fall), 다섯 손가락을 이용한 스케일, 아르페지오(Scale, Arpeggio), 로테이션(Rotation), 스타카토(Staccato), 순간 밀기(Thrust)로 「피아노 소나타 Op. 2, No. 2」의 4악장에서 가장 많이 적용되는 테크닉 순서부터 설명하려고 한다. 샨도르의 다섯 가지 테크닉으로 모든 작곡가의 곡에 적용할 수 없지만, 기교적인 문제점을 해결하기 위해 어떻게 연주되어야 하고, 적용되는지 논하는 샨도르의 의견이 흥미롭게 느껴져 테크닉을 처음으로 배우는 학생이나 테크닉을 작품 안에서 어떻게 적용해야 하는지 어려워하는 학생들에게 도움이 되고자 테크닉을 중점으로 연구하였다. 또한, 테크닉을 적용하는 하나의 예시로써 이 작품을 공부하고 연주하는 학생들에게 조금이나마 도움이 되기를 바란다.

F. Mendelssohn의 「Variation Sérieuses, in d minor, Op. 54」의 연주 기법 연구

조연정 명지대학교 문화예술대학원 2015 국내석사

19세기 한 세기를 풍미했던 낭만주의 음악은 형식을 중요시 여기던 고전시대와는 달리 매우 주관적이며 예술가 자신의 감정과 개인의 독창성을 강조하는 특성을 지녔다. 19세기 초 탄생한 펠릭스 멘델스존(Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy, 1809∼1847)은 시기적으로는 낭만주의에 속하지만, 그 당시 감성과 화려한 음악을 추구했던 다른 작곡가들과는 달리 바로크와 고전주의 시대의 음악기법을 낭만주의 이상과 결합시킴으로써 형식적으로는 전통적이면서도 낭만주의 음악적인 어법을 발전시켰다. 특히 그는 그의 작품에 있어서 피아노를 중요한 표현수단으로 생각했기 때문에 많은 피아노 작품을 남긴 작곡가이다. 그의 피아노 음악은 리듬 패턴과 박자, 형식 등 여러 음악적 요소들이 고전적인 형태를 따르고 있으며, 때로는 바로크 시대의 자유로운 전주곡(prelude)이나 엄격한 푸가(fuga) 양식의 전통적인 작곡 방식을 사용하였다. 이러한 고전주의적 성향은 멘델스존의 피아노 작품 중에서「엄격변주곡 라단조 작품 54(Variations Serieuses, in d minor, Op. 54)」에서 잘 나타나 있다. 본 연구 「엄격변주곡 라단조 작품 54」의 기본적인 구조는 고전주의시대 변주곡의 형식을 지키면서, 내용면에서는 웅장하고 화려하며 기교적인 낭만적인 요소를 가지고 있어 낭만시대 초기의 피아노 변주곡 형식에 있어서 중요한 기점인 작품이다. 멘델스존은 이 작품에서 고전주의 장식변주곡의 형식과 구조를 지키는 동시에, 낭만주의 시대에 나타나는 자유롭고 화려한 성격 변주곡, 즉 자유곡의 특징을 담고 있다. 따라서 두 시대의 양식적인 특징이 혼합된 「엄격변주곡 라단조 작품 54」는 변주곡의 역사에 있어서도 고전적인 형식 구조 위에 낭만주의 형식을 잘 조합시켜 결합된 변주곡의 새로운 시도를 보여준 가치 있는 작품이라 할 수 있다. 본 논문에서 논자가 의도하는 것은 이 작품의 연구를 통하여 실제적으로 연주하는 이들에게 도움을 주고자 하는 목적을 가지고 있다. 따라서 본 논제의 구성은 멘델스존의 생애와 피아노 작품 및 변주곡의 역사와 유형을 알아보았고, 「엄격변주곡 라단조 작품 54」의 선율, 형식, 조성, 화성, 페달링 등을 분석하였으며, 각 변주에서 나타나는 연주 기법과 악상, 터치와 테크닉 등을 살펴보았다. 또한,「엄격변주곡 라단조 작품 54」의 여러 가지 리듬과 화성, 극적인 악상대비로 인한 고전주의적 구조를 지키면서도 낭만주의 음악의 화려함과 웅장함까지도 보여주고 있음을 비교 연구하였다. 멘델스존의 후기 피아노 작품 중 걸작인 「엄격변주곡 라단조 작품 54」은 낭만주의 성행하던 자유롭고 화려함보다는 고전주의의 양식을 토대로 멘델스존 자신만의 변주 기법을 통해 그만의 엄격함과 품격을 보여주는 작품으로써, 본 논문을 통하여 낭만주의 피아노 음악의 발달사와 피아노 연주 기법에 대한 이해를 돕는데 다소나마 보탬이 되기를 바래본다. Romantic music which was the predominant music in 19th century had features of focusing on subjectivity, an artist's own emotion and uniqueness unlike classics era focusing on forms. Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdi(1809∼1847) who was born in the early 19th century belonged to Romantic era in periodically, but at that time, he developed romantic musical expression with traditional forms by combining musical methods of Baroque and classical period with Romantic ideal while others were pursuing emotion and fancy music. Especially, he thought a piano as critical means of expression in his works. He is the composer who remained many piano pieces as well. In his piano music, rhythm, pattern, beat, form and another musical features follow classical form, and sometimes traditional composing methods such as free prelude in Baroque period, and strict form of fuga were used. This classical tendency is well shown in Variations Serieuses, in d minor, Op. 54 of Mendelssohn's piano pieces. The basic structure of in this study, Variations Serieuses, in d minor, Op. 54, keeps a variation form in the classical period, but in contents wise, it has magnificent, fancy, and artful romantic components. Therefore, it is a piece that is critical starting point in variation forms in the early of Romantic era. Mendelssohn kept a form and structure of classical figurative variation at the same time, he also put free and fancy character variation which is shown in Romantic era, so his work contained features of music with free forms. Therefore, Variations Serieuses, in d minor, Op. 54 mixed with two era's stylistic features, is a worthy piece even in a variation history. Because it truly showed new try of well combination by mixing romantic forms over the classic forms. In this study, the writer's intention is to help people who actually play music through the study of this piece. Thus, the composition of this study carried Mendelssohn's birth, his piano works, and history & kind of variations. Also the melody, form, chord, key, pedalling and etc were analyzed in Variations Serieuses, in d minor, Op. 54, and the performing techniques, a melodic subject, touch and other skills were treated as well. A comparative study was also made about keeping classical structure caused by various rhythms, chords, and a dramatic melody subject contrast of Variations Serieuses, in d minor, Op. 54 and showing fancy and magnificent of romantic music at the same time. Mendelssohn's masterpiece, Variations Serieuses, in d minor, Op. 54, of his latest piano works, is a piece that shows his unique strictness and dignity through his own variation method based on classical style rather than free and fancy romantic methods. Hope this study would help people who try to understand development history of Romantic piano and its performing techniques.