관객 수용에서 바라본 일제강점기 한국 연극의 대중성

김호연 단국대학교 동양학연구원 2009 東洋學 Vol.45 No.-

The author in this study investigated the popularity of Korean dramas during Japanese colonial rule from the view of audience reception in three aspects. First, the ways of audience’s reception of interludes provided by popular dramatic companies. Interludes are a type of drama in order to simply arouse an interest in audience between acts. However, interludes were more popularized than main dramas, and some even visited theaters just to see interludes. Despite the fault that audience were indulged in retrogressive avoidance, interludes are significant in that their constant performances provided various interesting subjects. Second, the author identified ‘the Society of Research for Dramatic Art’ in 1930s with the mode of audience reception of popular dramatic companies. The Society of Research for Dramatic Art (극 예술연구회) was a representative dramatic company for realism, but after the performance of ‘Chun-hyang-geon’ in 1936, it began to focus on securing popularity through performances in grand theaters. Also, popular dramatic companies grew out of simple, retrogressive dramas and received more wide-ranged audience through well-formed dramas. However, in early 1940s of so-called an era of ‘the National dramas,’ only national dramas for openly promoting Japanese spirits, audience were regarded as a tool. It was recorded as the time of the biggest change in the history of Korean dramas. The audience during Japanese colonial rule were limited in various aspects, but they were reborn to be a 본 논문은 일제강점기 관객 수용을 통해 한국 연극의 대중성에 대해 살펴본 것이다. 이에 본 논문은 크게 세 가지 측면에서 논의해 보았다. 먼저 대중극단들의 막간극이 어떻게 관객에게 수용되었는지 살펴 보았다. 막간극은 막과 막 사이 관객들에게 단순한 흥미를 주고자 올린 연극 형태이다. 그렇지만 이러한 형태는 오히려 본 연극보다 관객들에게 호응을 얻었으며 이를 보기 위해 극장을 찾는 이가 있을 정도로 파급 효과가 컸다. 이는 관객들을 퇴영적 도피성에 젖게 만든다는 단점이 있지만 끊임없는 공연을 통해 다양한 흥밋거리를 제공하였다는 점에서는 그 의미가 있다. 두 번째는 1930년대 ‘극예술연구회’와 대중극단들의 관객 수용 양상이다. 극예술연구회는 대표적인 사 실주의 연극 집단이었지만 1936년 <춘향전> 공연 이후 대극장을 통한 대중성 확보에 힘쓰게 된다. 또한 대중극단들은 이전의 단순하고 퇴영적 모습에서 벗어나 잘 짜인 연극을 통해 더욱 두터운 관객층을 수용 하게 된다. 그렇지만 1940년대 초 이른바 국민연극 시대에 와서는 노골적으로 일본정신을 심는 국책극 만이 남아 관객은 하나의 도구로 여겨지기도 하였는데 한국 연극사에서 가장 큰 변화 양상을 보이는 시 기로 기록된다. 일제강점기 대중들은 여러 측면에서 제한적 위치에 놓여있었지만 공연예술을 보며 집단적 체험을 통 해 時代苦를 잊고 문화를 향유하는 집단으로 거듭난다. 또한 여러 장르의 변화 과정 속에서 수용, 소비, 생산주체로 참여하여 다양한 변형 발전에 참여한다는 점에서 그 의미가 있을 것이다.

악극(樂劇) 성립에 관한 연구

최승연 민족어문학회 2004 어문논집 Vol.49 No.-

This study focuses on the beginning period of Korean music drama. The main concern is to shed light on the historic background and situation surrounding the formation of music drama and the early state of it. In order to achieve this purpose, "Chy-Sung Troupe" and "Sam-Chun Opera Company" are specifically examined. Music drama(Ak-Kuk) began to be formed as a popular theatre when opera(Ka-Kuk) was broadly used as a term containing any form of drama proceeded by music in the later 1920's and the beginning of the 1930's. The early form of music drama, namely opera, evolved from the interlude. The interlude was inducted by the "Chy-Sung Troupe", whose leader was So-Rang Kim, and was favourably performed by the majority of popular theatre companies as part of their repertory. They showed the various interlude shows mixed up with dance, song and witty talk placed between tragedy and (comic) opera and comedy. This was the common mode which popular theatre companies had been absorbed in. Then, this form of interlude, the early music drama of the popular theatre company, developed into a more mature state when the professional opera company was established. The first was "Sam-Chun Opera Company". It can be said that this company was a pure music drama company because it's repertory was constituted by music drama only at the beginning days. However, when So-Rang Kim was in charge of this troupe, it started to be transformed into a popular theatre company. This is because there was not any difference between it's style of repertory and that of the popular theatre companies of the period. Moreover, "Sam-Chun Opera Company" broke into the long run with instant and sharply changeable repertories just like the popular theatre companies of the time. 이 논문은 악극(樂劇)이라는 대중극 양식이 성립되던 시기를 당시 신문기사와 잡지의 기사를 중심으로 자세하게 조명할 것을 목표로 한다. 1920년대 말과 1930년대에는 대중극의 한 종류로 악극이 성립함과 동시에 매우 성행하였는데, 이러한 양상을 적극적으로 다시 읽을 필요가 있다는 판단아래에서이다. 이 시기 악극은 ‘가극’이라는 명칭으로 불렸다. 당시 가극이라는 용어는 모든 음악극 양식을 포괄하여, 창가를 주음악적 재료로 사용한 음악극, 오페라, 창극, 그리고 신파극단들이 당시 유행가를 적극적으로 활용하여 만든 음악극이 전부 가극으로 불렸다. 이러한 스펙트럼 속에서 악극이 독립된 양식적 명칭으로 불리게 된 것은 대체로 1940년대 들어서면서 이다. 악극은 신파극단의 막간극에서 시작되었다고 알려져 있다. 이를 처음 시작한 극단은 김소랑이 이끌던 취성좌로 1928년 7월 가극 「극락조」를 선보이면서 대중의 인기를 얻기 시작하였다. 취성좌는 약 5일간의 흥행을 기점으로 비극-가극-희극으로 이루어진 레퍼토리를 바꾸었고, 고정적인 연기스타일로 한 가지 인물형을 연기하던 배우들이 일회적, 단편적인 각종 레퍼토리를 소화해 나갔다. 이러한 공연방식은 당시 대중극단들의 공통적인 공연방식으로 자리 잡았으며, 근대극운동의 선두에 섰던 토월회조차 이 방식에 침윤되기도 했다. 이후 본격적인 악극은 ‘삼천가극단’에 의하여 주도되어, 비극과 희극 사이에 삽입되어 있는 악극으로서가 아니라, 순수한 악극으로 이루어진 레퍼토리를 선보였다. 그러나 김소랑이 삼천가극단의 경제적 뒷받침을 하게 되면서 다시 여타 대중극단들의 레퍼토리를 받아들여 흥행을 중심으로 한 경영방식을 택하게 된다. 삼천가극단은 질 높은 무용과 음악으로 본격적인 악극을 선보였으나, 당시 대중극단들에 밀려 단명하고 말았다.

근대 가곡의 시조, 전통 가곡 수용 考

신웅순(Shin Woong-soon) 한국시조학회 2009 시조학논총 Vol.30 No.-

본고는 시조와 전통 가곡이 어떻게 근대 가곡에 수용되고 있는가를 비교 검토 해보는 논문이다. 시조의 초ㆍ중ㆍ종장의 석줄과 근대 가곡의 2모둠, 전통 가곡의 중여음, 시조의 여박 과 근대 가곡의 간주, 시조의 어단 성장과 근대 가곡의 장행 갈이가 그것이다. 첫째는 ‘시조의 석줄과 큰대 가독의 2배수 모둠’ 에 대한 논의이다. 홍난파는 시조의 석줄을 살리면서 근대 가곡을 2배수로 모둠지어 처리했다. 음악과 시의 충돌을 피하기 위해 간주를 넣거나 시조의 종장을 두 줄로 늘려 쓰는 방법을 택했다. 둘째는 ‘전통 가곡의 중여음, 시조의 여박과 끈대 가옥의 간주’에 대한 논의이다. 근대가곡의 2배수 모둠의 처리 과정에서 전통 가곡의 중여음과 시조의 여박에 해당되는 곳에 근대 가곡의 간주를 넣었다. 근대 가곡에서 전통 가곡과 시조의 영향을 보여주고 있다. 셋째는 ‘어단 성장’에 대한 논의이다. 전통 가곡과 시조는 어단 성장으로 되어 있다. 시조의 3음절일 경우 처음 음절은 짧게 둘째 음절은 길게 소리를 낸다. 시조의 이런 창법이 홍난파의 근대 가곡에서 그대로 나타나고 있다. 넷째, ‘행갈이’에 대한 논의이다. 시조가 고시조와 현대 시조가 구분되어 있는 것 중의 하나가 장행갈이이다. 이 은상은 시조를 석줄로 써서 6줄의 장행갈이는 하지 않았다. 홍난파는 근대 가곡 ‘봄처녀’에서 6줄로의 장행갈이를 보여주고 있다. 이러한 ‘봄처녀’의 장행갈이는 현대 시조와 맥을 같이하고 있어 주목될 수 있는 부분이다. This study is to examine how Sijo is being accommodated to modern Gagok by comparing them. In details. the work is about comparison between three verses in Sijo and twofold grouping in modern Gogok. JoongYuUm in traditional Gagok, YuBak in Sijo. the interlude. ADanSungJang. and changing verses in modern Gagok. First point is about three verses in Sijo and a rhythm of twofold grouping in modern Gagok. In particular. modern Gagok is treated as a group of twofold leaving three verses of Sijo. The way is chosen that whether it sets on an interlude into a song or the third part of three verses in Sijo is extended to avoid its logic of music and poem. Second. the discussion moves points on between an interlude in traditional Gagok and in Sijo. In the process of grouping twofold in modern Gagok. the parts which are interludes of both in traditional Gagok and in Sijo. combined with the interlude of the modern Gagok. It shows that the modern Gagok is affected on both the traditional Gagok and the Sijo. In addition. it explains elements of ADanSungJang - - tones and sounds in the modern Gagok. Originally. the traditional Gagok and sijo are composed of tones and sounds. At this point. tones are short. whereas sounds should be longer. This kind of way in the song has appeared on the modern Gagok of Hong. Nan-Pa. Lastly, the factors is about changing verses of modern Gagok. The one of differences between the modern Sijo and traditional Sijo is verses. For example, when it comes to sijo by Lee. Eun-Sang. he used to create his sijo with three verses. Hence, he did not change verses on his works. Whereas, the modern song "The Spring Lady" by Hong, Nan-Pa has shown the phenomenon that is separating three verses into six verses. It is noticeable that this phenomenon in "The Spring Lady" has the same bases with the modern Sijo.

『홀로이드 부인의 과부되기』의 막간극: 상호 이해를 향한 희망과 좌절

강경숙 한국로렌스학회 2019 D.H. 로렌스 연구 Vol.27 No.2

Lawrence presents the condition of a harmonious human relationship through the conflicts between an instinctive working-class miner and an intellectual middle-class woman in The Widowing of Mrs. Holroyd. To explore it, he introduces an interlude in the play. The interlude, in which two tavern women appear, serves a dramatic means for the recognition of difference between Holroyd and Mrs. Holroyd. Clara, representing Holroyd, invites Mrs. Holroyd to realize the value of instinct. Clara tries to have a sense of solidarity with Mrs. Holroyd in order to let her know her arrogance, but she ignores it. When the children appear in the interlude, there is a change in Holroyd’s mind. He realizes that a compulsion of instinct can result in dissolution. He wants to apologize to his wife for his forcible ways, acknowledging her values. On the other side, Mrs. Holroyd doesn’t recognize narrow-mindedness of her values and keeps her decency. During the interlude, both Holroyd and Mrs. Holroyd become a position of audiences, who perceive and then re-consolidate their separate identities. Mrs. Holroyd doesn’t give up her established pattern of her life while frustrated Holroyd regresses to patriarchy, reasserting his mastery over her. The interlude schemed by Holroyd doesn’t destroy the middle-class standard of Mrs. Holroyd. Finally, Holryd pays her out by self-destructive death. By means of the interlude, Lawrence dramatizes the fact that the mutual understanding arises from the recognition of difference between the two opposites.

Tudor Interlude at Court: Reconstructing the Scenes behind the Scenes of Henry Medwall’s Fulgens and Lucres

노애경 한국영어영문학회 2012 영어 영문학 Vol.58 No.3

The earliest wholly secular Interlude that still survives, Henry Medwall’s Fulgens and Lucres invites vigorous scholarly attempts to reconstruct the contexts behind its first staging in 1497. The play’s secular and humanistic concerns of marriage and true nobility, its political function as a diplomatic entertainment, and last of all, its indoor setting unique to the genre of Interlude necessitate the examination of the contextual circumstances that led to its composition and performance, such as the political and social backdrop behind Medwall’s commissioned writing of the play, the playwright s relationship with the early Tudor Politics and contemporary dramaturgical practice, and the technical difficulties and solutions in staging indoors the play about an obscure common man having an ascendancy over a nobleman in the presence of diplomatic emissaries and noble audience. Mainly dealing with the social and political scenes both inside and outside the venue of the play’s performance,this paper aims to supplement other previous studies done on the play’ relation to the early Tudor politics and the performance aspects of Tudor Interlude in general.

유진 오닐의 『이상한 막간극』 ―가면으로서의 독백과 방백의 효용성

손경환 ( Sohn Kyung-hwan ) 대한영어영문학회 2013 영어영문학연구 Vol.39 No.1

This study aims at interpreting Eugene O’Neill’s Strange Interlude from the efficacy of the stage monologue and aside as a mask. O’Neill tried to express the desires of contemporary man and its social problems, according to ritual, fantasy and disillusionment he worked drastically hard to experiment with the expressionistic and naturalistic stages. He also used masks to go for profound analysis of the inner as well as the fact that shares character’s appearance. In Strange Interlude unlike the actual mask, psychological masks can be remarkable as the effect of the novel, revealing the stream of consciousness technique. Also it was a very useful dramatic device with stage technic. This application in Strange interlude is accomplished to the stage monologue and aside such as the psychological mask device, therefore all the characters and the elements of psychological conflicts that occur in are shown in the appearances of masks. (Wonkwang Health Science University)

한자어의 경음화에 대하여

배주채 성심어문학회 2003 성심어문논집 Vol.25 No.-

구원의 어머니상: 유진 오닐의 『이상한 막간극』과 『잘못 태어난 자의 달』 읽기

조용재 ( Cho Yongjae ),권승기 ( Kwon Seungki ) 대한영어영문학회 2011 영어영문학연구 Vol.37 No.2

Eugene O’Neill, through his research of modern man’s conflict and suffering, hoped to find the meaning of existence and salvation. The female characters in his plays have a cold recognition as to the reality and play an important role for the male characters and help them acquire salvation through awakening. Both Nina, a mythologized woman and an active, positive mother in Strange Interlude, through her Life Force, and Josie, a perfect woman god and Earth Mother in A Moon for the Misbegotten, through her pity, forgiveness, and love, lead the male characters of the former, who suffer from mother-complex, and Tyrone of the latter, who suffers from his mental anguish and conflict caused by his mother’s death, to salvation for the return of true reality. Nina and Josie, as a mother and a helper, play a decisive and important role leading the male characters to salvation beyond the tradition and the restriction of mask. Therefore, the female characters, in the long run, enable the male characters to draw hope, brightness, affirmation, victory, and delight from despair, darkness, negation, defeat, and sorrow. (Wonkwang University · Cheongam College)

『파도』-교차하는 서술 층위

김정 ( Jung Kim ) 한국현대영미소설학회 2007 현대영미소설 Vol.14 No.1

1930년대 매체환경의 변화와 장막극의 극작술에 투영된 연극적 매체성 – 동양극장의 레퍼토리를 중심으로

이광욱 한국공연문화학회 2023 공연문화연구 Vol.- No.46

This paper attempted to reveal that the concept of ‘theatricality’ in theater criticism in the 1930s was produced in the process of being aware of the film as competitive media. In particular, talkie have broken down the existing distinctions that have divided play and film by contrasting visibility and hearing. The birth of talkie was a momentum to request a new understanding of the media specificity, and research took place after the production of the Chunhyangjeon, first Korean talkie. The way of screening silent films in colonial theaters relied on the performance of the byunsa, but after the screening of talkie, the film gradually strengthened its character as a reproduction media. On the contrary, play could clarify its character as a human media, and the pursuit of ‘play-like play’ was a common goal of the people who work for the theater in the 1930s. In this context, it should be noted that the practice of Dongyang Theater, which adopted multi-act plays as its core program instead of interlude or kino-drama. While analyzing the representative repertoire of Dongyang Theater, this paper attempted to examine the process of forming a horizon of expectations for the media and the reason why it could establish itself as an effective box office strategy. As a result, it was confirmed that the dramaturgy in the multi-act play of the Dongyang Theater considered the specificity of the theater audience who had to rely on memory, while inducing the audience to present the past. 본고는 1930년대의 연극 비평에 드러난 ‘연극성’ 개념이 영화라는 경쟁 매체를 의식하는 과정에서 산출된 것이었음을 밝히고자 했다. 특히 발성영화는 시각과 청각을 대비하며 연극과 영화를 구분지어 왔던 기존의 변별점을 무너뜨렸다. 발성영화의 탄생은 매체적 특수성에 대한 새로운 이해의 지평을 요청한 사건이었으며, 최초의 조선어 발성영화 <춘향전>의 제작 이후부터 본격적 탐색이 이루어졌다. 식민지기 극장의 무성영화 상영 관습은 변사 연행에 의존하고 있었지만, 발성영화의 도입 이후 영화는 점차 복제매체로서의 성격을 강화해 나갔다. 반대로 연극은 인간매체로서의 성격을 분명히 할 수 있었는데, ‘연극다운 연극’에 대한 추구는 1930년대 연극계의 공통적 지향점이었다. 이러한 맥락에서 막간이나 연쇄극 대신 장막극을 핵심 프로그램으로 채택했던 동양극장의 실천에 주목해 볼 수 있다. 본고는 동양극장의 대표적 레퍼토리를 분석하면서 매체에 대한 기대지평이 형성되어 가는 과정과 그것이 유효한 흥행전략으로 자리매김할 수 있었던 이유를 살펴보고자 했다. 그 결과, 동양극장의 장막극에 나타난 극작술이 기억에 의존해야 하는 연극 관객의 특수성을 고려하는 한편, 관객들이 과거 장면들을 현재화할 수 있도록 유도하고자 했음을 확인할 수 있었다.