대학 외국문학 교육 교수법 및 평가 유형 시론

윤혜준(Yoon, Hye-joon) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2007 외국문학연구 Vol.- No.28

오늘날 문학은 대학의 인문학 및 교양 교육의 중요한 몫을 차지하고 있다. 그럼에도 문학을 교수법의 문제로, 특히 교수법의 가장 핵심적인 문제인 평가의 문제를 전면에 놓고 고민해온 논의들은 찾아보기가 쉽지 않다. 그러나 외국어 능력 제고라는 실용적인 요구 앞에서 외국문학 교육이 스스로를 정당화할 의무를 부여받고 있는 작금의 현실 속에서 문학교육의 실무적인 차원에 대한 진지한 논의는 더 이상 미룰 수 없는 과제이다. 이러한 실무적 논의의 핵심은 평가가 차지한다. 평가를 통한 학점 부여가 대학 강의의 객관적인 존재이유이기 때문이다. 외국 문학교육에서의 평가는, 문헌학적 평가, 해석학적 평가, 수사학적 평가, 이렇게 크게 세 가지로 구분하여 생각할 수 있다. 먼저, 문헌학적 평가의 필요성은 문학적 ‘가치’와 ‘교양’을 심어주기 전에 구체적인 문학사 및 지역학적 사실을 알려주고 숙지하게 하는 단계를 건너뛸 수는 없다는 데서 그 필요성이 있다. 그 다음으로는 외국문학 교육이 인문학 교육의 일부인 한, 문학교육은 사유훈련을 유도해야 하기에, 독서를 통한 사유 훈련이란 의미에서의 해석학적 훈련이기도 하고, 이에 맞는 평가 모형이 필요하단 점에서 해석학적 평가가 필요하다. 마지막으로, 수사학적 차원의 평가는 작품 이해에서 출발한 다양한 응용과 각색, 활용을 장려하는 형태를 취한다. 이를 통해 사고와 경험의 폭을 넓혀줄 뿐 아니라 외국어 구사력을 늘리고 활용하는 데 결정적인 기여를 할 수 있을 것이다. In so far as literature is an established subject in current university education, those involved in teaching literature cannot be free from the obligation to take part in a more down-to-earth discussion of its practical features, above all the business of assessing and grading student performance. Such obligation has become more incumbent due to the increasingly vociferous criticism offered by the language education specialists, from whose perspective the presence of literature in a foreign language education program is an anomaly, for literary language, in their view, is the diametrical opposite of the authentic current language which they seek to teach with maximum efficiency. Faced with such criticism, literature teachers can do worse than to go to the very roots of literary education, drawing from the classical, medieval, as well as modern precedents, a more systematic program of assessment, which we propose as a three-fold structure. First comes the philological dimension, for literature is part of a general cultural history, and since factual knowledge of literary phenomena is bound to form the basis for more sophisticated discussions. Philological understanding also embraces grammar, the first subject of medieval trivium, since the ability to comprehend a foreign language in its best classical samples must be claimed as an educational objective addressed in literature courses. Philological assessment, however, must be supplemented by hermeneutic assessment, for literary education, as an essential core of general liberals arts, must encourage the students to draw personal meaning (or “significance”) from the texts: the thought experiment conducted in each discussion session is bound to broaden the sympathies and mentalities of the students. Finally, literary education should never shy away from using the texts as instruments for various rhetorical games and exercises. Such activities as re-writing, imitation, performance, and adaptations would enhance the pragmatic value of literature courses both in the eyes of the students and in the eyes of the university administration.

외국인을 위한 고전시가 활용의 한국어/문학/문화의 통합적 교육

양민정 한국외국어대학교 외국문학연구소 2008 외국문학연구 Vol.- No.29

본 연구는 외국인 학습자를 위한 고전시가 활용의 한국어/문학/문화 교육의 통합적 방안에 대한 고찰이다. 한국어교육은 궁극적으로 한국 문화교육에 귀결되는 것인바, 어학/문학/문화교육을 통합적으로 아우를 수 있는 효율적 주요 텍스트는 고전문학이다. 본고에서는 고전시가 중에서도 「動動」을 연구대상으로 삼았다. 한국어문화교육에서 이러한 통합적 교육 방안 연구가 거의 전무한 학계의 현황에서 본고는 그 방법론을 모색해 본 試論的 성격과 동시에 최초의 연구의의를 지닌다. Ⅱ장에서는 고전시가를 통한 한국문학교육의 중요성 및 필요성에 대해 논의하였으며, Ⅲ장에서는 「동동」을 현대역으로 번역하고 외국인 학습자의 수준을 고려하여 분석하였다. Ⅳ장에서는 「동동」에 나타난 한국문화적 요소를 고찰하였다. Ⅴ장에서는 본 작품을 활용한 한국어/문학/문화교육의 통합적 방안을 각각의 영역에서 고찰하였다. Ⅵ장에서는 통합적 의의 및 과제에 대해 살펴 보았다. This paper examines the way of synthesizing the education of the Korean language, literature, and culture by using Korean traditional poetry, especially for Korean language learners from other countries. As the Korean language education is basically linked with Korean culture education, traditional literatures are effective ways to combine all those sides: language, literature, and culture. This paper especially delves into the work Dong-Dong among old Korean poems. This paper is important and has its meaning in that there has rarely been the studies on the combined way of Korean culture education. In chapter two, the importance and necessity of Korean literature education using traditional poetry is examined. In chapter three, Dong-Dong is translated into the modern Korean language and analyzed considering the language ability of the foreign Korean learners. In chapter four, Korean traditional factors in Dong-Dong are considered. In chapter five, using Dong-Dong, the combined way of educating the Korean language, literature and culture is studied. Finally in chapter six, concerning this combined education, its meaning and what's still left to be examined are considered.

제37차 국제펜서울대회와 번역의 정치성

이상경(Lee Sang kyung) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2016 외국문학연구 Vol.- No.62

This paper aims to retrace the processes by which the 37th PEN International Congress took place in Seoul, and thereby reveal the methods by which influence in the literary sphere of South Korea acted under the Cold War system and the results they produced, as a touchstone of the many issues and problems arising in the process by which a work of literature gains recognition in its linguistic sphere and is translated into other languages. It examines the process by which the 37th PEN International Congress was bid for and organized, through newspapers, magazines, official materials from the event, and the selection of works published post-congress, to discuss how the ‘classic’ status is conferred upon certain works in a nation’s literary sphere as well as the politics of globalization in translation. The 37th PEN International Congress held by the International PEN Korea Center in 1970 in Seoul was a major international event supported not just by the literary sphere but by the power of the state as well. The process by which the congress was bid for, prepared and held, followed by the establishment of the Asian Writers’ Translation Bureau for the publication of Asian Literature as a follow-up project, was the first time the Korean literary sphere gave earnest thought to the globalization of Korean literature. In the process of preparing for the congress, questions of how Korean literature should be introduced to international readers as well as which authors and works should be nominated for the Nobel Prize in Literature were raised. In the discussion of such questions, serious and detailed consideration was given to which works should be translated and how, in order to transcend the borders of nation and language, in addition to whether Korean literature could become a part of global literature. 이 글은 문학작품이 자국어권에서 인정을 받고 외국어로 번역되는 과정에서 발생하는 여러 문제와 고민을 살펴볼 수 있는 하나의 시금석으로 제37차 국제펜서울대회의 제 과정을 정리하면서 냉전 체제하 남한의 문단 권력과 문단 외적 권력이 작동하는 방식과 그 결과를 밝히고자 하는 목적에서 작성되었다. 이를 위해 당시의 신문, 잡지의 기사와 행사 자료집 등을 통해서 제37차 국제펜서울대회의 유치 및 개최과정을 정리하고 그 후속 작업으로 나온 영역본 한국문학선집 등을 통해서 일국 문학의 정전화와 번역을 통한 세계화의 정치성을 따져보았다. 1970년 국제펜클럽한국본부가 서울에서 개최한 제37차 국제펜대회는 문단뿐만 아니라 국가 권력의 지원을 받은 거국적인 국제행사로 치러졌다. 이 대회를 유치하고, 준비하고, 개최하고, 또 그 후속 작업으로 아시아작가번역국을 설치하고 『아시아문학 』을 발간하는 과정은 한국문단이 한국문학의 ‘세계화’를 진지하게 고민한 최초의 사건이었다. 대회 준비 과정에서 외국인에게 어떤 한국문학을 어떻게 소개할 것인지, 어떤 작가와 작품을 ‘노벨문학상’ 후보로 추천할 것인지 하는 문제가 제기되었고, 그 논의 과정에서 민족어와 국민국가의 테두리를 넘어서기 위해서 어떤 작품을 어떻게 번역해야 할 것인지, 그리하여 어떻게 한국문학이 세계문학의 일원이 될 수 있을 것인지를 진지하게 그리고 구체적으로 고민했다. 그 결과로 한국문학의 정전을 추려 번역한 한국문학선집을 내었고 ‘동양권’ 문학을 ‘서양권’ 독자들에게 알리기 위해 아시아작가번역국을 설치하고 『아시아문학』을 3권 펴내었다. 그러나 이때에 이루어진 한국문학의 정전화 작업이나 번역 작업은 냉전 체제하 남한의 문단 권력 및 문단 외적 권력이 작동하면서 ‘순수문학’을 제도화시키는 편향된 방식으로 진행되었다는 한계를 가진다. ‘아시아문학’ 담론을 선도하겠다는 계획 역시 냉전 체제 하에서 온전할 수 없었고 물적 기초 또한 빈약하여 일회적 사건으로 끝나고 말았다.

대학 외국문학 교육 교수법 및 평가 유형 시론

한국외국어대학교 외국문학연구소 2007 외국문학연구 Vol.- No.28

<P>오늘날 문학은 대학의 인문학 및 교양 교육의 중요한 몫을 차지하고 있다. 그럼에도 문학을 교수법의 문제로, 특히 교수법의 가장 핵심적인 문제인 평가의 문제를 전면에 놓고 고민해온 논의들은 찾아보기가 쉽지 않다. 그러나 외국어 능력 제고라는 실용적인 요구 앞에서 외국문학 교육이 스스로를 정당화할 의무를 부여받고 있는 작금의 현실 속에서 문학교육의 실무적인 차원에 대한 진지한 논의는 더 이상 미룰 수 없는 과제이다. 이러한 실무적 논의의 핵심은 평가가 차지한다. 평가를 통한 학점 부여가 대학 강의의 객관적인 존재이유이기 때문이다. 외국 문학교육에서의 평가는, 문헌학적 평가, 해석학적 평가, 수사학적 평가, 이렇게 크게 세 가지로 구분하여 생각할 수 있다. 먼저, 문헌학적 평가의 필요성은 문학적 ‘가치’와 ‘교양’을 심어주기 전에 구체적인 문학사 및 지역학적 사실을 알려주고 숙지하게 하는 단계를 건너뛸 수는 없다는 데서 그 필요성이 있다. 그 다음으로는 외국문학 교육이 인문학 교육의 일부인 한, 문학교육은 사유훈련을 유도해야 하기에, 독서를 통한 사유 훈련이란 의미에서의 해석학적 훈련이기도 하고, 이에 맞는 평가 모형이 필요하단 점에서 해석학적 평가가 필요하다. 마지막으로, 수사학적 차원의 평가는 작품 이해에서 출발한 다양한 응용과 각색, 활용을 장려하는 형태를 취한다. 이를 통해 사고와 경험의 폭을 넓혀줄 뿐 아니라 외국어 구사력을 늘리고 활용하는 데 결정적인 기여를 할 수 있을 것이다.</P>

외국문학연구회와 양주동의 번역 논쟁

김욱동(Wook Dong Kim) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2010 외국문학연구 Vol.- No.40

이 논문은 1927년 양주동이 ‘외국문학연구회’가 발행한 잡지 《해외문학》에 실린 번역 작품을 비판하면서 촉발된 일련의 번역 논쟁을 다루는 데 그 목적이 있다. 양주동은 이 잡지에 실린 외국문학연구회 회원들의 번역이 만족스럽지 못하다고 지적한다. 그 이유로 그는 이하윤과 김진섭을 비롯한 번역자들이 1) 자국어가 있는데도 난삽한 한자어를 많이 사용하였고, 2) 의역보다는 축자적 직역을 시도하였고, 3) 자국어에는 없는 ‘비어(非語)’나 외래어 또는 신조어 등을 사용하였다는 점을 든다. 양주동의 이러한 비평에 대하여 이하윤과 김진섭은 반론을 제기하여 세계 언어사를 보아도 한 국어의 어휘는 번역 과정에서 비롯하는 경우가 적지 않음을 지적한다. 그들은 이러한 외래어나 신조어는 처음에는 아무리 생경하게 느껴지더라도 곧 자국어에 흡수되어 자국어를 더욱 풍부하게 한다고 주장한다. 외국문학연구회를 창립하는 데 크게 이바지한 정인섭도 이하윤과 김진섭의 편을 들면서 외국문학 작품을 자국어로 옮길 때 번역자는 어쩔 수 없이 신조어를 만들어 사용할 수밖에 없다고 지적한다. 외국문학연구회 회원들의 이러한 반론에 대하여 양주동은 앞서 내세운 입장을 철회하기는커녕 오히려 다시 한 번 번역에 대한 소신 있는 태도를 천명한다. 한편 외국문학연구회의 번역에 대한 양주동의 평가에는 사사로운 개인적인 감정이 개입하였을 가능성을 완전히 배제할 수 없다. 양주동은 《해외문학》이 출간되기 4년 앞서 문예지 《금성》을 창간하여 번역에도 깊은 관심을 보였기 때문이다. 번역 방법론을 둘러싸고 양주동과 외국문학연구회 회원들 사이에서 일어난 일련의 논쟁은 획기적 사건으로 한국 번역사에서 최초의 의미 있는 논쟁으로 평가받아 마땅하다. Descriptive rather than analytic in its approach, this article attempts to explore disputes over translation between Joo-dong Yang and the Society for Research in Foreign Literature, a literary society established by Korean students who majored in foreign literature at colleges in Tokyo, Japan, in the late 1920s. The debates occurred in the spring of 1927 when Yang criticized most of translations in Foreign Literature, a magazine published by the members of the Society for Research in Foreign Literature, for being poor―so poor, in fact, that they could be seen as “a nearly total failure.” Yang’s somewhat acrimonious criticism was based on three premises: 1) translators should employ fluent style so that the reader of the target text may have easy access to the translated works; 2) they must try to render the source text into the target language freely rather than render it too literally; and 3) they should be very careful when they use loan-words and calques. A strong defender of the Korean language as well as Korean literature, Joo-dong Yang argues that the translators have failed in these three aspects and that most of the translations in Foreign Literature suffer pitifully where readability is concerned. Some members of the Society, such as Ha-yoon Lee, Chin-sup Kim, and In-sob Zong, immediately joined in answering back to Yang’s critique, pointing out that new vocabulary and phrases, however strange and awkward they seemed at first, would become domesticated. Cosmopolitan in their weltanschauung, the members strongly maintained that loan-words and calques in translation would eventually contribute to the development of the target language.

프랑수아 모리악의 『테레즈 데케루 Thérèse Desqueyroux』를 통해 본 번역 비평의 가능성 연구

김모세 한국외국어대학교 외국문학연구소 2012 외국문학연구 Vol.- No.48

Published in 1927, Thérèse Desqueyroux is one of François Mauriac's most outstanding achievements in which the author meticulously analyzes people's desires and conflicts by utilizing different points of view and changes in chronological narratives. First introduced to Korean readers in 1958, Thérèse Desqueyroux has been translated nine times first by Choi Wan-Bok and most recently by Jeon Chae-Rin in 1999. Recently there has been vibrant activity in evaluation or criticizing translated literature. The fact that target texts -which had once heavily concentrated on practical texts- are shifting their emphasis to literary texts shows that the discussion on translation is moving from "evaluation" to "criticisme." This also signifies that the debate on translation has taken the front stage in research of the foreign literature. But it seems that Korean research projects on literature translation up to now have barely been able to move past evaluating. This study attemps to go beyond the current quantitative assessment of literature translation in order to broaden the scope of discussion to include criticism. More specifically, this study will take the translations of literature specialists (a key characteristic of literary translation in Korea) and examine how these individuals analyze the source and target language, how they perceive the act of translating, and how they understand the work itself as literary critics themselves. This research will not assess which translation is superior or inferior, but aims to observe the unique characteristics of each version. 1927년 출판된 『테레즈 데케루 Thérèse Desqueyroux』는 프랑수아 모리악 François Mauriac의 대표작이며, 인간 내면 속의 욕망과 갈등의 양상을 다양한 관점의 변화와 소설적 시간의 변화를 통해 세밀하게 분석한 작품으로, 이 작품을 통해 모리악은 심리 소설의 대가 자리에 오르게 된다. 이 작품은 1958년 최완복에 의해 우리나라에 처음 번역 소개된 이후, 1999년 전채린의 번역에 이르기까지 총 9회에 걸쳐 번역되었다. 작품의 특성과 번역 현황을 미루어 볼 때 우리는 이 작품이야말로 ‘번역평가’에서 ‘번역비평’으로의 이행을 모색해볼 수 있는 좋은 대상이라고 생각한다. 최근에 들어 문학 번역에 대한 평가 혹은 비평 작업이 활발히 진행되고 있다. 주로 실용텍스트에 집중되어 있던 도착어 텍스트가 문학 작품으로 변화했다는 것은 번역에 대한 시각이 ‘평가’에서 ‘비평’ 쪽으로 옮겨가고 있음을 말해준다. 이는 또한 번역에 대한 논의가 외국문학 연구의 한복판으로 들어오게 되었음을 의미한다. 하지만 지금까지 국내에서 진행된 외국문학번역에 대한 검토 작업은 여전히 ‘평가’의 수준을 완전히 넘어서지 못한 것으로 보인다. 본 연구는 앞서 진행된 문학번역평가 작업들의 바탕 위에서 한 걸음 더 나아간 연구의 가능성을 모색해보고자 한다. 이를 위해 정량적 평가 방식을 지양하고, 번역평가와 번역비평을 잇는 연결 고리로서의 한 예를 제시하고자 한다. 구체적으로 말하면, 한국에서의 외국문학번역의 주요한 특징이기도 한 연구자들에 의한 번역을 대상으로 삼아 각 번역자들이 원텍스트와 도착어텍스트를 바라보는 시각, 번역 행위를 바라보는 시각, 그리고 작품 자체를 바라보는 비평자로서의 시각에 초점을 맞추고자 한다. 또한 우리는 연구를 수행함에 있어 번역본의 우열을 나누지 않고, 각 번역본이 가진 특징을 심층적으로 살펴보고자 한다. 이를 통해 번역 비평의 새로운 가능성을 모색해봄과 동시에, 문학번역에 대한 보다 활발한 토론의 장이 열리길 기대한다.

아르뚜로 뻬레스-레베르떼의 해양소설 『항해지도』에 나타난 여성성과 남성성 탐구

조구호(Cho, Guho) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2012 외국문학연구 Vol.- No.48

‘대항해 시대’와 더불어 세계의 바다가 넓고 깊게 탐험됨으로써 세계에 대한 인간의 눈이 새롭게 뜨이고, 인간이 바다와 접촉함으로써 다양한 해양문학이 생산되어 왔다. 해양문학의 개념을 흔히 “바다와 관련된 내용을 제재나 주제로 하는 문학”이라고 규정하듯 해양문학에서 가장 중요한 것은 바다다. 바다와 인간의 관계다. 인간의 삶이 치열하게 이루어지는 현장, 인간의 바다에 대한 환상, 동경, 욕망 등 다양한 감성이 투사된 공간으로서의 바다다. 스페인과 중남미는 거의 대부분이 바다에 둘러싸여 있고, 바다를 통해 두 지역이 인종적ㆍ문화적으로 연결되어 있기 때문에 콜럼버스의 『항해일지 Diario de a bordo』와 더불어 시작된 스페인어 권 해양문학의 역사는 길다. 스페인어 권 문학에서 특별하게 해양문학을 연구해야 하는 이유는, 바다에 대한 인문학적 성찰과 상상력의 소산이라 할 수 있는 해양문학을 통해 인간의 삶, 역사, 문명의 한 축을 이루는 바다와 인간의 관계를 총체적으로 고찰할 수 있기 때문이다. 그런데 지금까지 바다는 흔히 남성의 ‘탐구’ 대상이고, 바다에서 이루어지는 ‘모험’은 남성의 전유물이며, 해양문학은 ‘남성에 의한, 남성을 위한, 남성의’ 것으로 인지되어 왔다. 스페인 출신 소설가 아르뚜로 뻬레스-레베르떼의 『항해지도 La carta esférica』(2000)는 기존 해양소설의 패러다임을 전복한다. 『항해지도』에서는 바다에 대한 탐색과 모험 그리고 서사를 여성이 주도하고 남성은 여성의 협조자나 방해자로 등장한다. 그렇기 때문에 『항해지도』에서 바다는 여성성과 남성성이 대립하고 또 화합하는 공간이다. 바흐친의 용어를 빌자면, 여성성과 남성성이 ‘대화주의적 dialógico’ 관계를 맺는 공간이다. 따라서 본 연구의 목적은 여성적 가치(페니미즘)를 부각시키면서 여성성과 남성성의 상호보완을 시도하는 『항해지도』의 서사적 특징과 의미구조를 파악함으로써 바다가 지닌 인문학적 의미, 물질에 대한 인간의 욕망, 여성성과 남성성의 의미와 상호작용의 과정을 ‘탐색’해 보는 데 있다. With the ‘Age of Discovery’, the world’s seas began to be explored more widely and deeply, opening the human eyes to the world. Furthermore, human contact with the seas have led to the creation of various marine literature. As the concept of marine literature is defined as “the literature whose theme and contents are related to the sea”, the most important thing in marine literature is the sea. The sea is the place where fierce human life is realized, and a space where various human emotions such as aspiration, fear, and desire towards the sea are projected. Because Spain and Latin America are mostly surrounded by sea, and the two areas have been linked racially and culturally through the sea, the history of Spanish marine literature that began with Diario de a bordo of Christopher Columbus is very long. The particular need for academic studies in Spanish marine literature comes from the fact that through marine literature, the product of humanistic reflections on the seas and the product of human imagination, we can wholly reflect on the relationship between the sea and human beings. However, until now, the sea has been commonly regarded as the object of a man(male)’s investigation, and adventures on the sea as an exclusive property of a man. La carta esférica(2000), the distinctive marine fiction of Spanish novelist Arturo Pérez-Reverte overthrows the existing paradigm of marine novels. In La carta esférica, the woman leads the exploration, adventure and narrative, and the man appears as a cooperator or obstructor in her work. Because of this reason, the sea in La carta esférica is a space in which femininity and masculinity conflict and harmonize with each other at the same time. Borrowing from the Bakhtinian terminology, the sea is a space in which femininity and masculinity form the dialogical relationship. Therefore, the purpose of this study is to investigate the characteristics of narrative and the semantic structure of La carta esférica that characterizes and accentuates the feministic value(feminism) while trying to achieve mutual complementation between femininity and masculinity. By extension, this study seeks to ‘explore’ the humanistic meaning of the sea, materialistic desires of human beings, and the meaning and the process of interaction between femininity and masculinity.

문학적 풍자와 근대과학지식 사이에서 읽는 다니엘 켈만의 『세계를 재다』

김연수(Kim Yeon soo) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2017 외국문학연구 Vol.- No.65

본 논문에서는 작가 다니엘 켈만이 소설 『세계를 재다 Die Vermessung der Welt』에서 18, 19세기 독일의 근대과학지식의 발달과 인문학의 위상 및 세계인식의 문제를 문학적으로 어떻게 다루고 있는지 분석하고 있다. 그는 훔볼트와 가우스의 전기적 사실과 문학적 허구 사이, 진지함과 코믹함 사이를 오가며 과학주의적 계몽과 근대화에 대한 탈근대적 성찰을 문학의 범주에서 시도한다. 이 소설에서 훔볼트와 가우스의 삶을 통해 프로이센의 위로부터의 계몽, 교양시민계층의 부상과 관료화, 학술문화증진과 프로이센 국가 브랜드 가치제고가 함께 맞물려 돌아가면서 동시에 일부 유용성의 가치에 부합하지 않는 부분은 배제되거나 억압되는 근대지식장의 풍토를 엿볼 수 있다. 무엇보다도 근대 자연과학과 (인)문학 사이의 미분화와 분화과정 상태에서 상호 경쟁적 긴장 관계를 관찰할 수 있다. 이를 효과적으로 전달하기 위하여 작가의 코믹한 허구적 묘사를 통해 실제 역사적 인물들에 대한 작가의 버전이 부각된다. 이로써 작가가 서있는 현재에서 과거시간에 대한 미학적, 문학적 유희는 “독일적인 것이란 무엇을 의미하는가?”, 혹은 “외국에서 독일인이라는 것은 무엇을 의미하는가?”라는 문제로 환원된다. 이런 문제의식은 그의 남아메리카 문학에 대한 관심에서 비롯된다. 즉 타문화의 문학이라는 우회로를 통해서 독일의 대표적인 정신문화의 위대성과 그 이면을 성찰한다. 특히 계몽기 과학적 세계측정과 이해방식의 위대성과 그 이면을 문학적 이해방식과 대치시키며 성찰하고 있다. 여기엔 문화와 문화 간의 차이에서 비롯한 문화 간 상이성의 시각과 세대 간의 차이에서 비롯한 문화내적 상이성의 시각이 동시에 작동하고 있다. This article analyses how the German author Daniel Kehlmann treats the development of modern science and the humanities, and the problems of world cognition and of fields of knowledge in German in the 18th to 19th centuries, based on the biographies of Humboldt and Gauß. In his novel The Measure of the World, Kehlmann tries to reflect the Enlightenment with regard to science and modernization, treading a fine line between fiction and biographical facts and between comedy and seriousness, about the two men. In the biographies in this novel, one can read the atmosphere of the German fields of knowledge in the 18th to 19th centuries, the interconnections among the top-down manner of the Prussian Enlightenment, the emergence of the cultured citizen and his bureaucratization, the promotion of academia, and the improvement of the image of the state. And yet, the author’s fictionalized version of the historical persons is markedly comic, and his aesthetic literary playfulness tends to be reduced to a couple of questions: “What does it mean to be German?” and “What does it mean to be German people in a foreign state? These questions come from his interest in South American literature and culture. This means that he reflects the great side of the German representative culture and its hidden side through the detour via South American literature and culture. In particular, Kehlmann reflects upon the confrontation of the Enlightenment’s scientific measure of the world with the literary awareness of the world. This novel is driven not only by intercultural alterity, but also by intracultural alterity, which stems from the differences between generations within a cultural boundary.

위로의 의미읽기와 문학치료- 영화, 〈그녀에게 Hable con ella〉를 중심으로

채연숙(Chae, Yonsuk) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2012 외국문학연구 Vol.- No.48

어느 시대를 막론하고 위로를 필요로 하지 않는 사람은 없을 것이다. 이것은 우리 삶에서는 물론 문학 텍스트에서도 마찬가지이다. 특히 나날이 심각성을 더해 가는 미래에 대한 불안이나 상실감으로 점철된 21세기를 살아가는 현대인들에게 위로는 고난을 헤쳐 나가는 힘이 되기도 삶을 살아가는 원동력이 되기도 한다. 이처럼 위로를 줄 수 있는 힘은 격려의 말 Zu-spruch과 위로의 말 Trost-spruch을 통해서도 가능하겠지만 문학치료의 주요 매체이자 주요 동인이라 할 수 있는 ‘형상화된 언어 gestaltete Sprache’, ‘쓰여진 언어 Geschriebenes Wort’를 통해서도 가능하다. 따라서 본 논문에서는 영화, 〈그녀에게 Hable con ella〉에서 인물들이 구사하는 위로 Spruch의 말과 행동이 주변 사람들에게 어떠한 영향을 미치는 지를 영화장면을 통해 살펴보았으며, 또한 이러한 과정을 통해 일어나는 일련의 변화를 문학 치료적 실천이라 규정하고, 그것이 갖는 문학 치유적 의미를 탐색해 보고자 하였다. 본 영화에서는 인물 한 사람 한 사람이 상대방에게 위로의 말을 건네는 장면이 자주 등장하는 데, 그러한 위로의 말이 상대에게 치유적 반향 Resource을 줄 수 있다는 점, 그리고 그러한 말이 위로를 하는 사람에게도 동시에 치유적인 요인으로 상호 작용하고 있다고 보았다. 그런 맥락에서 보아 문학치료 과정에서 목도되는 참여자들의 모든 언어적ㆍ비언어적 행위들은 일종의 위로 행위로 본다. 가령 위로 행위를 통해서 참여자 스스로는 물론 다른 참여자들도 자신의 과거와 화해를 하고 새로운 삶의 의미를 찾을 수 있다. 다시 말해 위로는 결국 상대방과의 공감을 통해 가능하다. 그 외에도 본 논문에서는 위로를 표현하는 다매체적 예술 장르들(여기서는 무용극, 음악, ‘영화 속의 영화’, 문학, 춤 등)과 상호 매체적 기법이 영화 텍스트 내에서 교차적으로 사용이 되고 있는 것은 문학치료학의 이론적 토대인 “창의적인 인간학”에 의거한 긍정의 의미가 기저하고 있는 것과 맥을 같이 한다고 본다. 또한 이것이 본 논문에서는 위로의 의미가 문학치료와 만나는 접점으로 보았다. From the movie in which two stories are running parallel, the characters console each other for their misfortune and sorrow, and it creates the effect of feeling alive. Reviewing their personalities and psychological analyses, those dramatized characters are interpreted through not only their inherent alter egos but also the compensation of their inner pain. Therefore the characters could be a metaphor which represents the overall crisis of our contemporaries face. In other words, they demonstrate the contemporary post-moderns who cannot receive requests and orders of the current society, and live independently. As mentioned above, from the feedback in therapeutic literature sessions to the life energy they generate, these characters reveal the various consolation figures simultaneously. Especially from ballet scenes and gestures in the middle of the movie which represents Begnino’s inner aspiration, we could find that those are equivalent to cross media technology based on an integrated art therapy. Such therapy is used in therapeutic literature. It must be pointed out that multi-media arts and cross media technology are in collusion with the positive film aesthetics, “Creative Anthropology”, which is a base for therapeutic literature. Furthermore, those characters’ own ways of consolation have the tendency to create literature figures, and also have the therapeutic factors to achieve success in contextualization with the reality of the audience. It is a meaning of consolation in the therapeutic literature, and could also affect the participants in literature therapy sessions. Therefore, the beneficiaries of these consolation words and actions are not only the counterpart characters in the movie, but also the audience of the movie.

[서평] 망명상황에 대한 브레히트의 미학적 대응 : 시 「왜 내 이름이 불리어야 한단 말인가」

이승진(Lee, Seung Jin) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2011 외국문학연구 Vol.- No.44

독일 현대시인 브레히트 Bertolt Brecht(1898-1956)의 삶과 문학은 그가 살았던 20세기의 역사와 분리해서 생각할 수 없다. 그는 문학을 통해 역사의 흐름에 간여하려 했기 때문에 그 흐름이 변하면 자신의 문학 역시 변모시켰다. 브레히트의 문학에 가장 큰 변화를 요구한 것은 무엇보다도 망명이라는 특수한 상황이었다. 16년간(1933-1949)의 망명생활은 동시에 히틀러와의 투쟁의 시간이었으며, 그의 문학의 가장 중요한 목표는 독일인을 히틀러의 압제로부터 해방시키는 것이었다. 이와 같은 실천적인 목표를 위해 그는 자신의 문학, 특히 전파력이 강한 시에서 많은 변화를 시도한다. 내용적으로는 시를 주관적인 정서의 문학이란 좁은 틀에서 해방시켜 사회적·실천적인 소통의 수단으로 기능 전환시키려 하였으며, 형식적으로도 이를 뒷받침할 수 있는 사실적인 운율형식인 '불규칙 리듬을 갖는 무운시'를 개발하였다. 본 논문은 망명이라는 외적 상황에 대응하는 브레히트의 미학적 변모를 연구하기 위해 1936년에 쓰여진 시 「왜 내 이름이 불리어야 한단 말인가」를 분석한다. 이 시에서 시인은 특히 문학의 영속성을 화두로 삼아 자신의 변화를 과거와 현재로 구분해 제시한다. 과거의 그는 비록 문학의 영속성에 대한 부르주아적 관념을 받아들이지는 않았지만, 그래도 인류를 위해 압제와 투쟁하는 실천적인 시들을 써왔기 때문에 독자들이 자신의 이름을 잊지 않으리라고 생각했다. 하지만 이제 망명이 심화되고, 히틀러의 만행이 전 유럽을 삼키려는 시점에서 브레히트는 자신의 명성에 대한 모든 욕심을 버린다. 그리고 히틀러와의 싸움에서 자신의 시가 사용될 수 있다면, 문학의 영속성이란 개념도 포기할 수 있는 것이며, 자신의 이름도 잊혀질 수 있다는 점에 동의한다. 망명 시작 3년 후에 쓰여진 이 시는 그 후 13년간이나 지속된 브레히트의 망명문학의 미학적 태도를 예견케 하는 작가의 선언적 텍스트이다. The life and literature of the poet Bertold Brecht cannot be separated from the history of the 20th century. Brecht wanted to intervene in history with literature. Therefore, his works reflect the socio-historical change and upheaval he lived through. Forced into exile by the Nazis, Brecht turned the turbulent crisis in life into a radical turning point in his literary career. The long sixteen year exile period for him was the time of the militant fight against Hitler, and, as he defines, "the bad time for lyric poems!" He nevertheless kept working on his literature and literary experimentations, because the goal of his literature was the liberation of the German people from Hitler. In order to achieve this goal, he came up with a different way of composing his works, particularly his poems, which had broad and comprehensive social contents and, for that reason, exerted a profound influence on the general readership. Intending to liberate his poems from a private, enclosed space of personal affects, Brecht made them function politically and practically as an active means of communication. He also developed a type of poetry with a more practical, irregular rhythm with no constraints of any rhyme scheme. With a view to examining the aesthetic changes caused by Bertold Brecht's exile, this essay analyses the poem: "Warum soll mein Name genannt werden?" (Why should my name be called?). By bringing up for discussion the topic of the eternity of literature, Brecht in this poem compares the present and the past in terms of his changed literary views or beliefs. Even though he did not embrace the bourgeoisie concept of the eternity of literature, Brecht in the past believed that his name would not be forgotten, for he had consistently written politically active, practical poems fighting against social oppression. After the turbulent historical upheaval, however, he now rejects the civil eternity value (Ewigkeitswert) of poetry and replaced it by the use value (Gebauchtswert) of poetry. His poetry is to be used in the fight against any type of oppression of humanity and can then to be "forgotten." At a critical point where Hitler is about to jeopardize and destroy the entire Europe, Brecht in his exiled condition no longer has any personal ambition for his literary reputation. Therefore, he asks, "Why should my name be called?" Written by Brecht three years after the beginning of his exile, this poem, like a literary manifesto, sums up Brecht's changed view and principle on art. The poem, thus, can be seen as an exemplary work representing his exile literature and the aesthetic attitude he sustained for his exile years.