카프 演劇大衆化論의 展開와 宋影 諷刺劇의 媒體美學

이광욱 한국어문교육연구회 2018 어문연구 Vol.46 No.4

Song Young gradually began to create a satirical comedy in which he comicize the bourgeois, breaking away from the early works that staging a consciousness of proletarian. I tried to emphasize that satiric comedies must have been recognized as a self-renewal way to combine the two principles of genre recognition and proletarian literature movement, which he maintained. Also, when the KAPF leadership, which had been engaged in the play as a method of propaganda and agitation, finally sought to maintain the legal struggle line, Song young could not help awaring of the conditions for staging. As talkie began to be shown in colonial chosun, the movie gradually came out of the medium hybridity of the silent movie era and became a fully technology-replicating medium. In line with this, the play begins to establish its own character as a "human media." In this regard, the elements of the slapstick comedy and exaggerated appearance that Song Young showed in a satirical comedy were devices that highlight the existence of the human body. And the use of drama space to play the sound of proletarian's footstep was an effective technique to find active interaction between the audience and the stage. 이광욱, 2018. 카프 연극대중화론의 전개와 송영 풍자극의 매체미학, 어문연구, 180 : 285~317 송영이 견지했던 극작술의 두 가지 원칙은 장르에 대한 인식과 계급문예운동의 방법론이었다. 본고는 자기 갱신을 추구하던 송영이 풍자극으로의 작풍 전환을 통해 이러한 두 가지 원칙을 유기적으로 결합해 내는 데 성공했음을 강조하고자 했다. 또한 선전․선동의 방법론으로서 연극에 착목해왔던 카프 지도부가 끝내 합법투쟁 노선을 유지하고자 했을 때, 송영은 당대 극장환경의 조건을 의식하지 않을 수 없었으리라고 보았다. 식민지 조선에서 발성영화가 상영되기 시작하면서 영화는 매체적 혼종성을 드러내던 무성영화기의 관습으로부터 벗어나 완전한 기술복제 매체로서의 조건을 갖추게 되었고, 이에 발맞추어 연극은 ‘인간매체’로서의 속성을 고유한 성격으로 확립해나가기 시작한다. 이렇게 볼 때 송영이 풍자극에서 보여주었던 슬랩스틱코미디의 요소와 과장된 외양 묘사 등은 인간 육체의 현존성을 부각시키는 장치였으며, ‘노동자의 발소리’를 들려주는 드라마공간의 활용은 관객과 무대 사이의 적극적 상호작용을 모색하기 위한 효과적인 기법이었다.

김능인과 그의 時代: 大衆이라는 大前提와 橫斷의 論理

이광욱 한국어문교육연구회 2022 어문연구 Vol.50 No.3

Before passing away at a young age, Kim Neung-in was a multi-talented and active artist, working as a children’s author, playwright, and popular lyricist. This article presupposes his occupational variation served to deepen his initial agenda. In other words, Kim Neung-in emphasized that expanding contact with the “popularity” was a prerequisite of social movement. This position aligns with the spirit of the 1930s, the golden age of popular culture. Having participated in the Korean language education movement and cultivating a sense of social consciousness during his school days, Kim Neung-in advanced to a more serious practice through proletarian children’s literature activities. Though he felt limited by the deterioration of the objective situation, the artist tried to overcome this hindrance through playwriting. Kim Neung-in’s interest in theater first developed through his activities in the Yeon-jeon drama circle. He then worked as a playwright in the popular theater company, shinmudae, and sought ways to communicate with the popular culture. In addition, he acted as an intermediate mediator, suggesting ways to connect the popular theater group to the proletarian theater movement group, who were considering agitation and propaganda for the people, and demanding improvement of the popular theater by referring to new drama discourse. Kim Neung-in then worked as a popular lyricist, overseeing the planning of a record company. The record distribution business of the Korean language textbook and the discovery of shinminyo (new folk song) are examples of what he expected from the technology medium of the record. He wanted to revive songs like “Chosun Color” and “Locality,” which were able to enter a more stable archive through records and a spread effect could also be expected. As such, Kim Neung-in’s practice is noteworthy in that it crosses borders and cannot be contained— either by the dichotomy of the popular and the elite or the logic of black-and-white class conflict. 이광욱, 2022, 김능인과 그의 시대: 대중이라는 대전제와 횡단의 논리, 어문연구, 195 : 199~245 김능인은 젊은 나이에 세상을 떠났지만, 아동문학가, 극작가, 대중작사가로 활동하면서 다방면으로 활약한 인물이었다. 이 글은 김능인이 보여 준 경험의 이행 경로에 주목하면서, 그가 견지했던 최초의 문제의식이 심화되어 가는 과정을 파악하고자 했다. 즉, 김능인은 대중과의 접점을 확대하는 것이 사회운동의 대전제라고 보았으며, 이는 대중문화의 전성기를 맞이한 1930년대의 시대정신과 조응하고 있다는 것이다. 학창시절 문자보급운동에 참여하며 사회의식을 함양한 그는 프롤레타리아 아동문학 활동을 통해 본격적인 실천의 길로 나아간다. 그러나 객관적 정세의 악화 때문에 한계를 느낀 김능인은 연극을 통해 돌파구를 마련하고자 했다. 연전 연극부 활동을 통해 연극에 관심을 갖게 된 그는 대중극단 신무대에서 극작가로 활동하며 대중과의 소통 방안을 모색해 나갔다. 또한 그는 대중화 방안을 고민하던 프롤레타리아 연극운동 진영에 대중극단과의 연계 방안을 제안하는가 하면, 신극 담론을 참조하여 대중극단의 개선을 요구하는 등 중간적 매개자의 역할을 수행했다. 이후 대중작사가로 활동하게 된 그는 레코드 회사의 음반기획을 총괄했는데, 조선어 독본 음반 보급 사업이나 ‘신민요’ 발굴 사업은 그가 레코드라는 기술매체에 기대했던 바를 보여주는 사례들이다. 그가 되살리고자 했던 ‘조선색’과 ‘향토미’는 레코드를 통해 보다 안정적인 아카이브 속에 진입할 수 있었으며, 전방위적인 확산 효과 또한 기대할 수 있었기 때문이다. 이처럼 김능인의 실천은 대중과 엘리트의 이분법, 계급갈등에 기반한 흑백논리로 모두 재단할 수 없는 지점들을 횡단하고 있다는 점에서 주목할 만하다.

석사학위 논문 : 1930년대 연극·영화의 대중성 담론과 매체 인식 연구

이광욱 서울대학교 국어국문학과 2011 冠嶽語文硏究 Vol.36 No.-

초창기 조선어 발성영화의 존재 조건과 매개변수로서의 관객 : <미몽>(1936)에 나타난 시청각 이미지의 양상을 중심으로

이광욱 건국대학교 GLOCAL(글로컬)캠퍼스 스토리앤이미지텔링연구소 2019 스토리&이미지텔링 Vol.18 No.-

Mimong is the oldest Korean talkie passed on today. While paying attention to the analytical multilayered nature of Mimong, I wanted to emphasize that the complexities of itself, which are not read in any single sense, are close to the essence of the work. And in order to find out the cause of such a multi-layered interpretation, we should take into account the nature of the implied audience that Gyeongseong studio was trying to envision, while we were engrossed in the cultural environment surrounding the production of the Korean talkie. In other words, it was Mimong's plan that aimed to target the largest number of audience whose ethnic or gender differences were wiped out, unlike previous Chosun movies that used 'particularity of Chosun culture' as their main box office strategy. Furthermore, Mimong was a work that allowed the audience to organize their own text while leaving enough space for the context of the time to squeeze in, rather than moving toward a tightly-knit text structure. I wanted to look at the way the contemporary cultural icon Cho Taek-won, a dancer, intervened in the film, and the points where the contemporary reputation surrounding leading actor Moon Ye-bong could be reflected in the film's interpretation. Mimong also continues to threaten the audience's status as a "transcendental subject" by creating a number of scenes that are based on the methodology of the continuity cutting but also violate it. In other words, Mimong was a film that offered an empty seat for the audience's desire to stay, while suggesting that the multi-layered nature of the desire could not result in a single narrative. <미몽>은 현재 전해지는 가장 오래된 한국 발성영화이며, 다양한 각도에서 해석되어 온 텍스트이다. 본고는 <미몽>의 해석적 다층성에 주목하면서 어느 하나의 단선적인 의미로 독해되지 않는 복잡미묘한 성격 자체가 작품의 본질에 가깝다는 점을 강조하고자 했다. 그리고 이와 같은 해석의 다층성이 발생되게 된 원인을 파악하기 위해서는 조선어 발성영화의 제작을 둘러싼 문화환경의 변화에 착목하는 가운데, 경성촬영소가 구상하고자 했던 내포관객의 성격을 염두에 두어야 한다고 보았다. 즉, ‘조선적인 것’을 주요한 흥행전략으로 삼아 왔던 기존의 조선영화와는 달리 민족 또는 성차가 소거된 최대 다수의 내포관객을 겨냥하고자 한 것이 <미몽>의 기획이었다는 것이다. 더욱이 <미몽>은 단단하게 짜여진 텍스트 구조를 지향하기보다는 당대의 컨텍스트가 틈입할 수 있는 공간을 충분히 열어놓으면서 관객들 스스로 나름의 텍스트를 구성할 수 있게 만들어 준 작품이었다. 본고는 무용가 조택원이라는 당대의 문화적 아이콘이 영화에 개입하는 양상이나, 주연배우 문예봉을 둘러싼 당대의 평판이 영화의 해석에 반영될 수 있는 지점들을 살펴보고자 했다. 또한 <미몽>은 연속편집의 방법론을 주조로 하면서도 이를 위반하는 장면 역시 적지 않게 만들어내면서 ‘초월적 주체’로서 관객이 차지하는 지위를 지속적으로 위협하고 있다. 다시 말해 <미몽>은 관객들의 욕망이 머물 수 있도록 빈 자리를 제공하는 영화인 동시에, 그 욕망의 다층성이 하나의 서사로 귀결될 수 없음을 암시하고 있던 영화였다.

놀이의 개념과 이론적 변천과정

이광욱 한국스포츠리서치 2007 한국 스포츠 리서치 Vol.18 No.5

HUIZINGA의 놀이이론의 분석

이광욱 한국스포츠리서치 2007 한국 스포츠 리서치 Vol.18 No.6

<스토브리그>에 나타난 자기반영성과 시청자의 존재론

이광욱 한국극예술학회 2023 한국극예술연구 Vol.- No.80

This paper tried to emphasize that the unique self-reflection and ordinariness inherent in television dramas are the result of viewers' activism and the strategic interaction of producers that presuppose it. Viewers understand dramatic fiction as a metaphorical Image Scheme, replacing television dramas with narratives related to their lives. In that sense, it is worth paying attention to the Stove League, which has a paradoxical slogan, "This is not a baseball story." Stove League depicts the struggle of those who try to maintain value-oriented rationality against the violence of the world that forces instrumental rationality through the story of running a baseball team. What is important that Stove League embodies not only the heroic performance of the protagonist, Baek Seung-soo, but also the value of mutual recognition and solidarity. Unlike other sports dramas, Stove League, which dealt with the professional subject of team management, was able to draw sympathy from people who are not familiar with baseball thanks to this metaphorical structure. In addition, this paper attempted to pay attention to Barthes's concept of Punctum that provides a passage for subplots with relative independence to access the various desires of viewers while creating a counterpoint to the main plot. On the other hand, Stove League was a work that showed a clear perception of the psychological affinity between viewers and characters. Baek Seung-soo looks straight ahead at the last line and takes a way of speaking directly to viewers who have been watching his life so far. Furthermore, Viewers of Stove League protested against SBS's policy through the homepage for Viewers, confirming that the broadcaster's policy was identified with the violence of the Jaesong Group in Stove League. 본고는 텔레비전드라마에 내재된 특유한 자기반영성과 일상성이 시청자들의 적극성을 전제한 전략적 상호작용의 결과물임을 강조하고자 했다. 시청자들은 극적 허구를 은유적 구조의 영상도식으로서 이해하는 가운데 텔레비전드라마를 자신의 인생과 관련된 서사로 치환해낸다. 그런 의미에서 “이것은 야구이야기가 아니다”라는 역설적 슬로건을 내건 <스토브리그>에 주목해 볼 수 있다. <스토브리그>는 야구단을 운영하는 사람들의 이야기를 통해 도구적 합리성을 강요하는 세계의 폭력에 맞서 가치지향적 합리성을 지켜나가려는 투쟁을 그려낸다. 주인공 백승수의 영웅적 활약을 묘사하는 데 그치지 않고, 상호인정과 연대의식의 가치도 형상화하고 있다는 점 역시 중요하다. 여타 스포츠드라마와 달리 구단 운영이라는 전문적 소재를 다뤘던 <스토브리그>는 이러한 은유적 구조에 힘입어 야구에 문외한인 이들의 공감까지 이끌어낼 수 있었다. 또한 본고는 바르뜨의 ‘푼크툼’ 개념을 통해, 상대적 독립성을 지닌 서브플롯들이 시청자들의 다양한 욕망에 접속할 수 있는 통로를 제공하는 동시에, 메인플롯과 대위법적 관계를 이룬다는 점에 주목하고자 했다. 한편, <스토브리그>는 시청자와 등장인물 사이의 심리적 친연성에 대해 분명한 인식을 보여 준 작품이었다. 정면을 응시하며 발화된 백승수의 마지막 대사는 자신의 삶을 근거리에서 지켜 봐 온 시청자들에게 직접 말을 거는 방식을 취한다. 더 나아가 <스토브리그>의 시청자들은 시청자게시판을 통해 방송사인 SBS의 정책에 대해 문제를 제기한 바 있는데, 방송사의 전횡은 <스토브리그>에 나타난 재송그룹의 폭력과 동일시되고 있는 것을 확인할 수 있었다.

1930년대 매체환경의 변화와 장막극의 극작술에 투영된 연극적 매체성 – 동양극장의 레퍼토리를 중심으로

이광욱 한국공연문화학회 2023 공연문화연구 Vol.- No.46

This paper attempted to reveal that the concept of ‘theatricality’ in theater criticism in the 1930s was produced in the process of being aware of the film as competitive media. In particular, talkie have broken down the existing distinctions that have divided play and film by contrasting visibility and hearing. The birth of talkie was a momentum to request a new understanding of the media specificity, and research took place after the production of the Chunhyangjeon, first Korean talkie. The way of screening silent films in colonial theaters relied on the performance of the byunsa, but after the screening of talkie, the film gradually strengthened its character as a reproduction media. On the contrary, play could clarify its character as a human media, and the pursuit of ‘play-like play’ was a common goal of the people who work for the theater in the 1930s. In this context, it should be noted that the practice of Dongyang Theater, which adopted multi-act plays as its core program instead of interlude or kino-drama. While analyzing the representative repertoire of Dongyang Theater, this paper attempted to examine the process of forming a horizon of expectations for the media and the reason why it could establish itself as an effective box office strategy. As a result, it was confirmed that the dramaturgy in the multi-act play of the Dongyang Theater considered the specificity of the theater audience who had to rely on memory, while inducing the audience to present the past. 본고는 1930년대의 연극 비평에 드러난 ‘연극성’ 개념이 영화라는 경쟁 매체를 의식하는 과정에서 산출된 것이었음을 밝히고자 했다. 특히 발성영화는 시각과 청각을 대비하며 연극과 영화를 구분지어 왔던 기존의 변별점을 무너뜨렸다. 발성영화의 탄생은 매체적 특수성에 대한 새로운 이해의 지평을 요청한 사건이었으며, 최초의 조선어 발성영화 <춘향전>의 제작 이후부터 본격적 탐색이 이루어졌다. 식민지기 극장의 무성영화 상영 관습은 변사 연행에 의존하고 있었지만, 발성영화의 도입 이후 영화는 점차 복제매체로서의 성격을 강화해 나갔다. 반대로 연극은 인간매체로서의 성격을 분명히 할 수 있었는데, ‘연극다운 연극’에 대한 추구는 1930년대 연극계의 공통적 지향점이었다. 이러한 맥락에서 막간이나 연쇄극 대신 장막극을 핵심 프로그램으로 채택했던 동양극장의 실천에 주목해 볼 수 있다. 본고는 동양극장의 대표적 레퍼토리를 분석하면서 매체에 대한 기대지평이 형성되어 가는 과정과 그것이 유효한 흥행전략으로 자리매김할 수 있었던 이유를 살펴보고자 했다. 그 결과, 동양극장의 장막극에 나타난 극작술이 기억에 의존해야 하는 연극 관객의 특수성을 고려하는 한편, 관객들이 과거 장면들을 현재화할 수 있도록 유도하고자 했음을 확인할 수 있었다.

영화 실천을 경유한 유치진 연극론의 재구성 —<도생록>의 창작을 전후하여

이광욱 한국현대문학회 2023 한국현대문학연구 Vol.- No.71

극연은 신방침을 선언한 후 공연 재생산을 위한 시스템 확립에 역점을 두었는데, 극연 영화부의 신설은 경제적 수익 증대방안의 일환으로 설명되어 왔다. 그러나 본고는 이를 극연이 수행한 문화정치의 양상 가운데 하나로 해석하고자 했다. 조선어 발성영화 생산이 본격화됨에 따라 영화와 문학의 접점이 생겨났으며, 조선영화계는 문인들이 문화적 권위를 발휘할 수 있는 새로운 장으로 떠올랐다. 이러한 흐름을 고려한다면 극연의 영화 진출은 문화적 헤게모니를 보다 공고히 다지려는 의도와 관련되어 있다는 것이다. 같은 맥락에서 유치진의 시나리오 <도생록>이 창작된 배경에도 주목해 볼 수 있다. 그는 <춘향전>의 성공에 힘입어, “리얼리즘에 토대를 둔 로맨티시즘”이란 개념을 발전시켜 나갔다. 유치진은 리얼리즘의 한계를 강조하면서 그에 대한 대안으로 로맨티시즘을 주장했지만, 당대 담론장 내에서 리얼리즘이 여전히 강력한 상징자본으로 기능하고 있다는 점 또한 감지했다. 결과적으로 그는 리얼리즘과 로맨티시즘의 화학적 결합 가능성을 증명해야 했으며, 극연 영화부의 첫 영화 <애련송>이 좌초된 상황에서 창작된 <도생록>은 이러한 문제의식의 발로였다. 그러나 <도생록>은 문단과 영화계로부터 모두 외면받았던 바, 유치진은 창작의 동력을 잃었고, 활력을 잃은 극연은 해산의 길로 접어들 수밖에 없었다. After declaring the new policy, Kuekyeon focused on preparing a system for reproduction, but the establishment of the film department has only been explained as part of a plan to increase economic profits. However, this paper attempted to interpret this as one of the aspects of cultural politics carried out by Kuekyeon. As the production of Korean talkie became active, the contact point between films and literature was created, and the Joseon film industry has emerged as a new chapter for writers to exercise cultural authority. Considering this trend, Kuekyeon’s entry into film is related to the intention of strengthening cultural hegemony. In the same context, attention can be paid to the background in which Yoo Chi-jin’s scenario Dosaengrok was created. Thanks to the success of Chunhyangjeon, he developed the concept of “romanticism based on realism”. Yoo emphasized the limitations of realism and insisted on romanticism as an alternative to it, but he also sensed that realism still functions as a strong symbolic capital within the discourse fields of the time. As a result, he tried to prove the possibility of a chemical combination between realism and romanticism. Dosaengrok, created at a time when the first film Aryeonsong of the film department of Kuekyeon was struggling, was the result of this problem consciousness. However, Dosaengrok was neglected by both the literary and the film scene, and Yoo lost the power of creation, and the Kuekyeon, which lost its vitality, was forced to enter the path of dissolution.

색차 왜곡 방지를 위한 벡터투사 기반 언샤프 마스킹 기법

이광욱,단병규,김승균,고성제,Lee, Kwang-Wook,Dan, Byung-Kyu,Kim, Seung-Kyun,Ko, Sung-Jea 한국전기전자학회 2009 전기전자학회논문지 Vol.13 No.2

Unsharp masking is a popular image enhancement technique used to sharpen an image appearance in gray images. However, the conventional unsharp making techniques amplify the noise and easily cause overshoot artifacts. Moreover, the unsharp masking tends to introduce color distortion when it is applied to the each color component independently. To solve these problems, we propose a novel unsharp masking technique based on human visual system and vector projection. The proposed algorithm consists of two steps. First, the proposed algorithm controls the level of sharpening by exploiting the characteristics of the human visual system and contrast region. Then the vector projection is applied to remove the color distortion. Experiment results show that our proposed algorithm successfully produces sharpened images that are free of noise and color distortion commonly found in the conventional unsharp masking algorithms.