C. Fr. Zelter의 리트창작에 관한 연구

이미선(Lee, Mi Sun) 학습자중심교과교육학회 2014 학습자중심교과교육연구 Vol.14 No.11

첼터와 그의 베를린 리트악파 및 북부독일 동료들에 의한, 전 생애에 걸친 노력은 슈베르트와 함께하는 예술가곡의 탄생에 기여한다. 이탈리아 오페라로부터 시민사회의 사교적 생활노래로 방향전환 한 그들은 고귀한 단순성을 추구하면서도 “가사 먼저, 그 다음에 음악”이라는 개혁오페라의 원칙도 수용한다. 이 원칙 하에서 첼터와 괴테의 교류도 이루어지는데, 괴테는 자신의 시와 첼터의 음악을 각각 풍선과 그속의 가스에 비유한다. 이 두 예술가의 반평생에 걸친 창의적 협동작업은 시와 음악 사이에 창작을 위한 상호 동기부여라는 하나의 “순환체계”를 형성하게 한다. 이들의 교류는 문학과 음악의 이상적인 동반자의 길을 열고자 한 하나의 의도된 예술 프로젝트와도 같다. 첼터는 괴테-시의 해석에서 독일 민속음조, 바로크-이탈리아 성악의 멜리스마 및 칸타빌레 특성을 접목시킴으로써 종종 모방자로 오인되었으나, 괴테의 전적인 동의를 얻는다. 그는 자기 고유양식의 정립엔 취약했으나 리트의 가능성들을시험하였다. 첼터의 리트미학은 멘델스존, 뢰베 등의 리트·발라드·로만체로 전수되었을 뿐 아니라, 슈베르트의 리트에도 조그만 흔적들을 남기고 있다. The effort that Carl Zelter and his fellow colleagues dedicated into transforming German Lied into an Art Lied received both praise and criticism. After the “period without Lied” came to an end, the composers were inspired by free an easy melodies and folksy tunes, and rejected the bombastic Italian operas. Although their Lied-art was based off of an elegant and simple folk song, they adhered to the principle that composers should support poets by accepting the essence of operatic reforms, and believed that music should be subordinated to texts. Zelter also tried to include aspects of Baroque music, and the principles of cantabile in Italian vocal music into the creation of his Lied. Through his close friendship with Goethe, Zelter built a strong position as an ideal interpreter of Goethe’s poem and in return, his Lied music acted as an inspiration for Goethe’s poems, thus forming a mutualistic relationship that motivated each other. Therefore, their 36-year interaction is an art project of trying to pave the way for an ideal partnership between literature and music. Zelter spent his entire lifetime trying to integrate the attributes of Baroque music and the principles of Italian vocal music with German lyrics text. However, critics often viewed his Lieders as excessively straightforward and emotional. As a result, Zelter may have not been able to establish a distinct style, but he enriched the materials of Lieder. Furthermore, his mutual exchanges with Goethe and the application of the Baroque and Italian vocal music makes him a recognizable composer who added cantabile to German Lied. The features of Zelter’s Lied not only got passed on to the ballads and romances genre, but also started to leave traces in Schubert’s Lied.

하이든의 독일어 텍스트에 의한 초기가곡작품(HW 1-24)을 통해 살펴본 음악어법

김미선 한국서양음악학회 2010 서양음악학 Vol.13 No.1

Haydn energetically concentrated on his composition for instrument and challenged to his composition for Lied at his late age. Although his Lieder were not enough in terms of their quantity, but made a turning point into a new era based on traditional Lied. These factors are developed into the Liedform of through-composed pieces of Mozart and cyclic forms of Beethoven. Haydn, who contributed to the establishment on self-standing instrumental music, has started his Lied composition when he was over 50-years old and composed intensively during this short period. Contrary to the earlier Lieder(before Haydn), which didn't allow unnecessary music in order to express the poem, Haydn's new style of Lied composition contributed by showing musical varieties through piano accompaniment by granting freedom to music, and freeing it from the poet's authority. Especially, folk tunes for Lieder have been used in symphonies as well as for main themes in instrumental pieces, which were very interesting by using both instrumental music and vocal music. Being divided into two volumes, the 24 pieces of Lieder für das Klavier, which were an early part of Haydn's Lied composition, were performed frequently and successfully at that time, but he continued to compose the Lied again 10 years later. Between 1794 and 1795, 14 pieces of Lieder, being composed in England during his stay in London, showed more varied expressions in the piano accompaniment, while the vocal part was totally separated from piano part. One of the most notable characteristics of these pieces is that they maintained strophic form for Lied composition.

독일 가곡과 슈만의 문학적 음악세계

김희열 ( Hi Youl Kim ) 韓國獨語獨文學會 2009 獨逸文學 Vol.109 No.-

Die vorliegende Arbeit wird in zwei Teile gegliedert: die Entstehung sowie die Entwicklung des deutschen Liedes bzw. Kunstliedes und die poetische musikalische Anschauung Robert Schumanns. Aus historischer Sicht wird das Lied gleichzeitig auf der literarischen und der musikalischen Ebene seit langer Zeit praktiziert. Die Theorie des Liedes entfaltete sich erst im 18. Jahrhundert im soziohistorischen Zusammenhang mit dem Gedankengut, der kulturellen Atmosphare und dem Bewusstsein zum Staat. Insbesondere durch den Anstoß von Herder und dem jungen Goethe haben die Musiker der Berliner Liederschule, die einfache Strophenlieder und einen Volkston bevorzugten, unzahlige Lieder komponiert und eine Musiktheorie entwickelt. Diese Komponisten fanden den Text wichtiger als die Musik und akzentuierten die Einheit von Wort und Ton wie im Minnesang. Das deutsche Kunstlied im 19. Jahrhundert begann aber 1814 mit Schuberts 「Gretchen am Spinnrade」 nach Goethe. Das Kunstlied, das anders als das einfache, naturhafte Volkslied etwas Kunstlerisches und Kompliziertes hat und nach hohen Anspruchen der neuen Gattung komponiert wurde, erlebte seine Hochblute besonders in den Liedern von Schubert, Schumann, Brahms, Hugo Wolf und Richard Strauss. In den meisten Epochen der Liedgeschichte sind jedoch Volkslied und Kunstlied nicht streng getrennt, sondern eng miteinander verbunden. Seit 1950 ging die Tendenz zur Liedkomposition absolut zuruck, trotzdem ubte die Gattung des deutschen Liedes großen Einfluss auf viele andere Musiker der Nachbarlander aus. Die Identitat von Lied und lyrischem Klavierstuck als musikalische Lyrik verkorperte Robert Schumann am erfolgreichsten. Er war ein seltener Fall, der mithilfe seiner Doppelbegabung einer der literarischsten Komponisten in der Musikgeschichte war. So war er einwandfrei als außergewohnlicher Kenner der Literatur, produktiver Leser, seelenvoller Dichter, Musikschriftsteller und asthetiker, Herausgeber einer progressiven Zeitschrift fur Musik, Vorkampfer fur eine neue Richtung in der Musik des 19. Jahrhunderts, herausragender Musiker und großter Liederkomponisten in der Hochromantik anerkannt. Wenn man seine poetische Musik aus der Sicht der Liedkompositionen betrachtet, bedeutet diese Musik die veredelte Sprache der Seele, poetische Freiheit, romantische Musik als `eine progressive Universalpoesie` im Sinne von F. Schlegel, die mit der Phantasie als der hochst `poetischen Kraft` im Jean Paulschen Sinne eine ganz erfullte Musik, eine geheimnisvolle Traumwelt darstellt. Daruber hinaus ist sie die Kunst, in der sich das Komponieren und das Dichten vereinigen konnen, namlich Gedichte konnen zur Komposition poetischer Musik werden-umgekehrt kann poetische Musik zum Dichten werden. Aufgrund seiner Doppelbegabung sind die Literatur und die Musik in eins verschmolzen-im orginellen Sinne des Liedes. Die Lieder und die Zyklen, die er im so genannten Liederjahr 1840 komponiert hat, verlieren nicht den glanzvollen Ruhm des romantischen Kunstliedes in der Moderne. Die Lieder einschließlich der Operatorien und Musikdramen der spateren Schaffensperiode in der Zeit vom 1847 bis 1852 sind vollig anders als die Lieder im Liederjahr 1840. Die spateren Musikstucke stellen keine eigene gattungsmaßig abgeschlossene Form dar, sondern einen Teil eines umfassenden Konzepts von Vokalmusik, das uberwiegend vom nichtsolistischen Stil gepragt wird. Das ist mit den allgemeinen gesellschaftlichen, politischen Landschaften der 1840er Jahre und den damaligen kompositorischen Tendenzen eng verbunden.

한국예술가곡 효시에 관한 연구

이지연 ( Ji-yeon Lee ),공정배 ( Jeong-bae Kong ),김용범 ( Yong-beom Kim ) 한국사상문화학회 2016 韓國思想과 文化 Vol.85 No.-

본 연구는 독일어권에서 비롯된 예술가곡 리트(Lied)의 한국적 전이과정을 통해 한국예술가곡의 효시를 규명하고자하는 목적이다. 예술가곡은 시문학과 음악의 합일된 예술장르로서 독일과 오스트리아를 포함한 독일어권에서 발달된 가곡으로, 시인의 시에 작곡가가 선율을 붙이고 이를 성악가가 부르는 음악 양식이다. 그 효시를 슈베르트의 `실 잣는 그레첸(Gretchen am Spinnrade)`로 비정하고 있다. 작곡가의 임무란 좋은 시를 널리 알리는 것이었기 때문에 음악은 시에 종속되어 있었다. 그러나 예술가곡은 상호매체성에 의한 문화융합결과물로서 시와 음악이 서로가 각기 독립된 예술이었던 상태로부터 벗어나 완전히 하나로 융합되면서 또 하나의 새로운 양식으로 탄생한다. 슈베르트 이후 가곡의 작곡자는 더 이상 시의 언어 음율을 선율적으로 고양시키는 낭음자가 아니라 가사에서 말로 표현될 수 없는 영역을 음악적으로 표출하는 시의 자유로운 해석자의 역할을 하게 된다. 음악을 단순히 시를 쉽게 이해하는 보조수단에 국한시킨 이전의 가곡미학을 극복하고자 하는 새로운 경향들이 나타나면서 이전까지 작법인 유절가곡이 아닌 통절 작곡 형식이 새롭게 떠오르기 시작하였다. 이렇게 완성된 예술가곡은 1835년경 이후부터 독일을 벗어나 다른 나라로도 전파되어, 각 나라의 음악적 특징에 맞는 독자성을 지니며 민족음악으로 자리잡는다. 그리하여 그 갈래의 하나가 한국에 이르게 된다. 독일 예술가곡의 개념과 정의 및 조건에 맞는 한국 최초의 예술가곡이 어떤 작품인가는 학자들의 견해에 따라 논란이 존재 한다. 그러나 이 관점은 예술가곡을 시와 음악의 등가의 결합을 전제로 보았을 때 우리 시문학사적 위상과 일치하는 시기이다. 한국 시문학사는 1930년대에 이르러서 성숙함이 묻어나면서 시인들은 창작 행위에 대한 확고한 자신의 색깔을 드러내기 시작했다. 이 시기에 전문적인 시인의 등장이 활발해지는데 이때 정지용을 대표적으로 꼽을 수 있다. 1932년 7월 동방평론 4호에 발표한 정지용의 시 `고향`에 작곡가 채동선이 곡을 붙였고, 채선엽이 독창을 맡았으며 반주는 김애식이 맡았다. 작곡가 채동선은 독일에서 정통으로 작곡을 공부하고 귀국하여 <고향>을 작곡하였고 시기적으로는 물론 예술가곡의 완성의 필요충분조건은 모두 갖춘 한국 최초의 예술가곡 그 효시로 비정할 수 있다. This study aims to clarify the beginning of the Korean art song by reviewing how the German art song "lied" was traditionally transferred and spread in Korea. As a genre of art that unites poetry and music, the art song was originally developed in German-speaking countries including Germany and Austria; the then composers put a melody on poems so that singers(vocalists) could sing the songs. Gretchen am Spinnrade by Franz Peter Schubert is considered the beginning of such a style of music. Since promulgating good poems was one of the composer`s missions then, music was viewed as subordinate to poems. As an outcome of cultural convergence through intermediality, however, the two independent forms of art, poetry and music, came to converge into a completely single genre, heralding a birth of a new music style. Since Shubert, composers were no longer a mere reciter exalting poems by putting melodies on rhythmical poetic language; instead, they served as a free interpreter of poems to express the sentiment beyond the lyrics musically. In an attempt to overcome the stereotype that regarded music simply as an aid to better understand poems, a new trend such as through-composed songs, away from traditional strophic songs, emerged. Those German art songs were widely disseminated beyond Germany since 1835, and took root in many areas as folk music combined with each country`s traditional musical hallmarks. Korea was no exception. With Korean art songs originated from Germany, scholars in the field have long disputed over which one is the first Korean art song that complied with the concept, definition, and conditions of the German lied. When we consider the art song as a fair combination of poetry and music, a hint can be found from the history of Korean poetry. Korean poetry began to mature in the 1930s with poets clearly expressing their own signature colors in their creations. Professional poets actively broke onto the art scene, and Ji-yong Jeong was one of them. Mr. Jeong released a poem titled "Home (Gohyang)" on No. 4 Dongbang Critique in July, 1932, and Dong-sun Chae, a composer, put a melody on it; later it was sung by Sun-yub Chae with the piano accompaniment by Ae-sik Kim. After studying composition officially in Germany, Dong-sun Chae returned to Korea and composed the song, meeting all of necessary and sufficient conditions of the German lied. In this sense, "Home (Gohyang)" can be regarded as the first Korean art song.

김성태의 가곡연구

김용환 ( Kim Yong Hwan ) 한양대학교 음악연구소 2005 音樂論壇 Vol.19 No.-

Der vorliegende Aufsatz behandelt die Lieder von einem koreanischen Komponist, Kim, Soung Tai(1910-), der einer der bedeutenden Komponisten in der koreanischen Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts ist. Neben einigen Orchester-, Kammer-und Klavierwerken komponierte Kim liber 50 Lieder. So ist das Lied kompositorisch seine Hauptgattung, und er wurde auch unter anderem als Lied-Komponist bekannt. Kim verdiente sich die Entwicklung der koreanischen Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts dadurch, daB er zuerst bereits im 1937, wahrend seiner Studienzeit in Japan, seine ersten drei Liedem veroffentlichte, die man als "Kunstlieder" bezeichnen konnen. Das Klavier und die Singstimme in diesen Liedem zeigen sich gleichberechtigt, selbstandig und miteinander verknupfend. wahrend die bisdahin in westlich-musikstilischer Art und Weise komponierten Lieder fast nur den Text begleiteten und harmonisch unterstutzten. Sogar versuchte er in diesen und weiteren Liedem, koreanisches musikalisches Idiom zu verwenden und mit dem europaischen Musikstil zu fusionieren. Zu akzentrieren ist, daB Kim in den weiteren Liedkompositionen absichtlich in zwei Gruppen unterscheidete und zwar im "Kunstlied" und '"Popular- bzw. Allgemein-Lied/,(Das letzte nannte der Komposer manchmal auch "home song"). So ergibt sich diese Studie die Gruppierung und die stilistische Charakteristik seiner Lieder und zwar Skala, Modus bzw. Tonart, Wahl des Textautors, Wort-Ton Verhaltnis etc.

<슈만> 특집 : 슈만의 가곡이중창에 나타난 성부유도기법과 드라마성

임채흥 ( Chae Heung Lim ) 서울대학교 서양음악연구소 2006 음악이론연구 Vol.11 No.-

한국인이 작곡한 헤세의 시와 노래

정경량 한국헤세학회 2009 헤세연구 Vol.22 No.-

Von den Gedichten Hermann Hesses wurden drei von Koreanern vertont, und zwar die Schöne, Über die Felder... und Weisse Wolken. Die Schöne wurde im Jahre 1972 vom Sänger und Song-Writer Yuseok Seo vertont. Über die Felder... wurde im Jahre 1985 und Weisse Wolken wurde im Jahre 2005 vom Singer Song-writer Cheongsik Kim komponiert. Das Thema des Gedichts die Schöne ist die unerwiderte Liebe. Yuseok Seo sagt, dass er das Lied wegen der Schönheit der Frau seines älteren Bruders komponierte. Er änderte den Text des Gedichts ein wenig und komponierte dabei das Lied trotz der schwer- mütigen Atmosphäre des Gedichts als zeimlich lebhaft entsprechend dem geänderten Text. Yuseok Seo singt das Lied mit Begleitung der Gitarre, und dieses Lied ist seit den 70er Jahren bis jetzt in Korea sehr beliebt. Er komponierte das Lied in der Blütezeit der Rezeption Hesses und zugleich in der Blütezeit der Lieder mit Gitarrenbegleitung in Korea. Die beiden Gedichte Über die Felder... und Weisse Wolken schrieb Hesse im Jahre 1902. Diese Gedichte gehören zu den früheren Gedichten Hesses, die einen besonders starken romantischen Charakter zeigen, der auf den Einfluss der deutschen Romantik auf Hesse hauptsächlich in seiner frühen Schaffensperiode zurückgeht. Die beiden Gedichte haben eindrucksvolle Gemeinsamkeiten. Durch die ihnen gemeinsame Naturschilderung besonders von Wolken und Wind stellten sie beide das Thema “Wanderung und Heimweh” dar. Über die Felder... komponierte Cheongsik Kim im Jahre 1985 in der Nähe seiner Wohnung in Seoul, und Weisse Wolken komponierte er im Jahre 2005 bei einer Reise in Bergen in Norwegen. Von dem Gedicht Weisse Wolken wurde er aber bereits im Jahre 1968 im Alter von 14 Jahren so stark beeindruckt, dass er das Gedicht 38 Jahre lang in seinem Herzen behielt und es dann endlich komponierte. Der Anlass seiner Lieder war also bei ihm die unvergessliche Begegnung mit den Gedichten Hesses in der Blütezeit der Rezeption der Dichtungen Hesses in Korea. Cheongsik Kim komponierte die beiden Lieder mit jeweils ein bisschen geänderten Texten der Gedichte. Einige Wörter der Gedichte wurden dabei von ihm absichtlich nicht richtig übersetzt, sondern geändert für das gute und leichte Singen der Lieder. Nach den jeweiligen Metriken der Gedichte komponierte er die beiden schönen Lieder. Für die Vorstellung und Verbreitung der Dichtungen Hesses in der Zukunft ist es sehr wünschenswert, dass die weiteren neuen Lieder Hesses von Koreanern komponiet werden. Von den Gedichten Hermann Hesses wurden drei von Koreanern vertont, und zwar die Schöne, Über die Felder... und Weisse Wolken. Die Schöne wurde im Jahre 1972 vom Sänger und Song-Writer Yuseok Seo vertont. Über die Felder... wurde im Jahre 1985 und Weisse Wolken wurde im Jahre 2005 vom Singer Song-writer Cheongsik Kim komponiert. Das Thema des Gedichts die Schöne ist die unerwiderte Liebe. Yuseok Seo sagt, dass er das Lied wegen der Schönheit der Frau seines älteren Bruders komponierte. Er änderte den Text des Gedichts ein wenig und komponierte dabei das Lied trotz der schwer- mütigen Atmosphäre des Gedichts als zeimlich lebhaft entsprechend dem geänderten Text. Yuseok Seo singt das Lied mit Begleitung der Gitarre, und dieses Lied ist seit den 70er Jahren bis jetzt in Korea sehr beliebt. Er komponierte das Lied in der Blütezeit der Rezeption Hesses und zugleich in der Blütezeit der Lieder mit Gitarrenbegleitung in Korea. Die beiden Gedichte Über die Felder... und Weisse Wolken schrieb Hesse im Jahre 1902. Diese Gedichte gehören zu den früheren Gedichten Hesses, die einen besonders starken romantischen Charakter zeigen, der auf den Einfluss der deutschen Romantik auf Hesse hauptsächlich in seiner frühen Schaffensperiode zurückgeht. Die beiden Gedichte haben eindrucksvolle Gemeinsamkeiten. Durch die ihnen gemeinsame Naturschilderung besonders von Wolken und Wind stellten sie beide das Thema “Wanderung und Heimweh” dar. Über die Felder... komponierte Cheongsik Kim im Jahre 1985 in der Nähe seiner Wohnung in Seoul, und Weisse Wolken komponierte er im Jahre 2005 bei einer Reise in Bergen in Norwegen. Von dem Gedicht Weisse Wolken wurde er aber bereits im Jahre 1968 im Alter von 14 Jahren so stark beeindruckt, dass er das Gedicht 38 Jahre lang in seinem Herzen behielt und es dann endlich komponierte. Der Anlass seiner Lieder war also bei ihm die unvergessliche Begegnung mit den Gedichten Hesses in der Blütezeit der Rezeption der Dichtungen Hesses in Korea. Cheongsik Kim komponierte die beiden Lieder mit jeweils ein bisschen geänderten Texten der Gedichte. Einige Wörter der Gedichte wurden dabei von ihm absichtlich nicht richtig übersetzt, sondern geändert für das gute und leichte Singen der Lieder. Nach den jeweiligen Metriken der Gedichte komponierte er die beiden schönen Lieder. Für die Vorstellung und Verbreitung der Dichtungen Hesses in der Zukunft ist es sehr wünschenswert, dass die weiteren neuen Lieder Hesses von Koreanern komponiet werden.

박춘석 작품에서 나타나는 예술가곡적 요소에 관한 고찰

한혜진(Hye-jin Han),홍성규(Sung-kyoo Hong) 한국문화융합학회 2020 문화와 융합 Vol.42 No.11

본 연구는 한국대중음악사에서 수많은 히트곡을 남긴 박춘석의 작품세계에 주목하였다. 박춘석은 이미자, 패티김, 남진, 나훈아, 문주란, 정훈희, 하춘화 등 당시 ‘박춘석 사단’이라고 불리었던 인기 가수들과의 협연을 통하여 우리 가요계에 많은 발자취를 남겼다. 중요한 연구적 가치를 가지고 있는 박춘석의 음악을 대상으로 한 음악분석이나 학술적 연구는 그가 이룩한 업적에 비해 거의 이루어지지 않고 있다. 본 논문에서는 박춘석 작품에서 나타나는 예술가곡적 요소에 주목하였고, 본격적인 연구에 앞서 서양의 예술가곡 개념과 한국의 예술가곡 개념을 살펴보고, 그로부터 도출되는 예술가곡의 음악적 특징을 통해 박춘석 작품에서 나타나는 예술가곡적 요소를 고찰하였다. 첫 번째, 가사의 문학적 요소로 가사에서 언어의 배열에서 음악의 중요 요소인 운율과 리듬이 형성됨을 확인할 수 있었다. 두 번째, 반주의 회화적 요소로 낭만주의 예술가곡의 소재로서 실연, 자연, 전설, 과거에 대한 동경 등을 사용하였던 것을 박춘석 작품에서 확인하였으며, 반주에서 회화적으로 표현한 것을 확인할 수 있었다. 세 번째, 가창의 가곡적 요소로 이탈리아에서 시작된 벨칸토 발성법을 활용한 부드럽고 감미로운 선율을 만들어내는 창법에 주력하였다는 것과 포르타멘토 기법이 활용됨을 확인하였다. This paper studies the world of musical pieces of Chun-seok Park, who created many hit songs in the history of Korean popular music. Chun-seok Park left a deep footprint in the Korean music history through his collaborative performances with popular singers, including Mi-ja Lee, Patty Kim, Jin Nam, Hun-a Nah, Juran Moon, Hunhee Jeong, and Chunhwa Ha, who were collectively known as the “Park Chun-seok team.” However, relatively little effort has been made for the analysis or academic study of the critical value of Park’s music, considering his achievement and contribution. This paper examined the art lied elements in Chun-seok Park’s musical pieces. Prior to the full-scale study, the concept of Western art lied and Korean art lied were examined, and, based on the features of art lied drawn from that examination, the art lied elements of Chun-seok Park’s music were considered. In conclusion, three major elements were identified. First, Park created the meter and rhythm with the literary elements of the lyrics, and these are important components of music in the arrangement of the language of the lyrics. Second, he used specific subjects for the romanticism of art lied, such as failure in love, nature, legend, and longing for the past, and he pictorialized these subjects in the instrumental accompaniment. Third, the study found that Park focused on creating soft and gentle melodies by using bel canto vocalization, which originated in Italy, and he employed portamento for his singing method.

"노래의 날개 위에" 일그러진 하이네의 시-하이네와 멘델스존

이홍경 ( Yi Hong-kyung ) 한국독일어문학회 2016 독일어문학 Vol.74 No.-

Mendelssohns Lied ``Auf Flugeln des Gesanges``, dessen Text von Heine geschrieben wurde, ist weltberuhmt. Mendelssohn erreichte mit Heines Gedichte vor allem mit ``Auf Flugeln des Gesanges``, als Liedkomponist große Popularitat. Gleichzeitig sind Heines Gedichte von der Vertonung von Mendelssohn nicht wegzudenken. Die vorliegende Arbeit geht der Frage nach, wie Mendelssohns stimmungsvolle Vertonung die Rezeption der Gedichte von Heine beeinflußt und warum Heines Gedichte einseitig aufgenommen werden. Die Arbeit gliedert sich in vier Kapitel. Im ersten Kapitel wird Mendelssohns Verstandnis uber das Lied untersucht. Er verstand das Lied als Gesellschaftskunst und blieb grundlegend der Liedasthetik der Berliner Liederschule treu. Nach dieser Liedasthetik erzielte er in der Komposition Simplizitat, Verstandlichkeit, Sangbarkeit und einheitliche Stimmung. Im zweiten Teil setzt sich die Arbeit mit Heines Gedicht ``Lyrisches Intermezzo`` Nr. 9 auseinander. Heines Gedichte enthalten den Doppelcharakter: Einerseits das parodische, ironische Moment, das meist nicht verstanden wurde, andererseits das naive, sentimentale. Heines Gedichte desavouieren am Schluß ironisch oder zynisch den Ton der Liebe. Aber dieses Gedicht reprasentiert die romantische Seite von Heines Gedichte. Heinesche Ironie scheint in diesem Gedicht keine Spur zu sein. Daher findet das Zerbrechen von Sentiment nirgendswo statt. Im dritten Kapitel soll untersucht werden. auf welche Weise Mendelssohn Heines Gedicht in Musik setzte. Er arbeitete die romantische Komponente aus Heines Gedicht heraus und ubergoß es mit Sentimentalitat im sußen Ton. Rezipienten erleben nach Mendelssohns musikalische Interpretation Heines Gedicht als das stimmungsvolle romantische Gedicht ohne Ironie. Zum Schluß wird gezeigt, auf welche Weise Mendelssohn zur mißverstandene Rezeption von Heines Gedichte beitrug. Besonders wichtig ist, dass die Sentimentalitat von Medelssohns Lied nicht unbedingt eine falsche Aufnahme von Heines Gedicht bedeuten muss. Ganz im Gegenteil ist die Sentimentalitat ein Teil von Heines Gedichte. Die Moglichkeit zur Romantisierung ist in Heines fruhe Gedichte selbst gegeben. Es kann die Ambivalenz von Heines Gedichte sein, die ihre mißverstandene Rezeption mitbestimmt hat. Man soll beachten, dass die Eigenart seiner Gedichte Mischung von Sentimentalitat und Ironie ist. Ironie fungiert als Desavouierung der Sentimentalitat. Zwar ist die zyklische Anlage der Gedichte von Heine von besonderer Bedeutung. Aber Mendelssohn wahlte ein Gedicht aus und berucksichtigte keine bedeutungsvolle zyklische Komposition. Daher wurden ironische Tone seiner Gedichte uberhort. Mendelssohns Lied ist sehr beruhmt und popular. Es kann wesentlich dazu beitragen, dass Rezipienten seine Gedichte als romantische Sinnbilder und nur seine Sentimentalitat wahrnehmen. Um Heines Gedichte richtig zu verstehen, muss man die bedeutungsvolle zyklische Komposition berucksichtigen.

누구의 목소리인가?: 말러의 성악작품을 중심으로

권송택 ( Song Taik Kwon ) 서울대학교 서양음악연구소 2016 음악이론연구 Vol.26 No.-

본 연구는 근래 들어 부쩍 활발해진 포스트모더니즘적 다양성을 읽어내는 말러의 해석학적 연구들을 이해하기 위한 기초 작업이라 할 수 있다. 다양한 목소리의 실체와 말러의 의도를 파악하는데 구체적인 도움을 줄 수 있는 그의 성악음악을 통해 이 연구에서는 하나의 곡에 존재하는 여러 페르소나와 목소리들의 의미를 찾아내었다. 여기에서 논의될 곡은 《탄식의 노래》(Das klagend Lied )와 《소년의 이상한 뿔피리》(Des Knaben Wunderhorn )의 가곡 중 <보초병의 밤의 노래>(Der schildwache Nachtlied), 그리고《대지의 노래》(Das Lied von der Erde ) 중 <고별>(Der Abschied)의 세 곡이다. 말러가 직접 쓰거나 수정을 가한 이 곡들의 텍스트와 음악의 상관관계를 살펴보면서 말러의 다양한 목소리들이 함축하고 있는 그보다 더 다양하게 열려있는 해석의 가능성에 대해 알아보았다. This paper is an attempt aiming at understanding of the hermeneutic studies in Mahler in the aspect of post-modern multiplicity, which has been increasing attentions recently. The meaning and significance of personae and voices in his vocal works were examined by analyzing the text and music: elements of multiple voices in his music and his textual and musical manipulation were investigated. For this purpose, Das klagend Lied, “ Der schildwache Nachtlied” in Des Knaben Wunderhorn , and “Der Abschied” in Das Lied von der Erde were chosen for analysis. In particular, various strata of interpretation possible by multiple speaking voices in these works were proposed by studying the inter-relationship between the music and text which either Mahler himself had written or altered.