영화제작 인력의 예술가로서의 정체성이 전문성과 업무자율성에 미치는 영향: 2014-5년도 주요 활동 영역(독립영화 Vs. 상업영화)의 조절효과 분석을 중심으로

이희진 한국영화학회 2018 영화연구 Vol.0 No.76

This study is based on the SEM model of Korean film crews’ artistic identity, job autonomy and professionalism. Key details identified in the data analysis are summarized as follows. First, the level of artistic identity and professionalism are slightly above the middle level of a scale, and the job autonomy is slightly below the positive assessment standard. In job autonomy, there are no significant differences between the two groups (feature film crews, independent film crews). However, although the artistic identity is significantly higher among independent film crews than that of feature film crews, the professionalism is higher among feature film crews. Second, the artistic identity has a positive effect on the job autonomy, and job autonomy also has a positive effect on the professionalism. However, The artistic identity and professionalism show a negative correlation. Third, among independent film workers, the artistic identity has no significant effect on their professionalism. Both direct effect are significant(artistic identity➝ job autonomy; job autonomy➝professionalism). The mediating effect of job autonomy is significant(artistic identity➝job autonomy➝professionalism). Fourth, among feature film workers, the artistic identity has no significant effect on their professionalism. Both direct effect are significant(artistic identity➝job autonomy; job autonomy➝professionalism), however, the mediating effect of job autonomy is not significant(artistic identity➝job autonomy➝professionalism) unlike that among independent film people. Fifth, although the artistic identity does not directly affect the professionalism in both groups, it shows that the perfect mediation effect of the job autonomy positively influences their professionalism. Lastly, it is proved that the direct effect of the artistic identity on job autonomy is far more influential in independent film crews than in feature film crews. The different aspect is found between the two groups and the moderating effect is proved empirically. In identifying the direct and indirect effects of the artistic identity on professionalism and work autonomy, it is confirmed that the validity of the analysis that reflects the moderating effects of major activity areas. Based on the main findings, practical implications are discussed. 본 연구는 영화산업에서 활동하는 영화제작 인력(402명)을 대상으로, 이들의 예술가로서의 정체성’, ‘업무자율성’ 그리고 ‘전문성’의 인과관계를 구조모형분석(SEM)에 기초하여 실증적으로 규명한 연구이다. 자료분석을 통해 밝혀진 주요 내용을 요약정리하면 다음과 같다. 첫째, 예술가로서의 정체성과 전문성은 척도의 중간수준(3점)을 약간 상회하였고, 업무자율성은 긍정적인 평가기준(4점)에는 다소 못미치는 수준이었다. 업무자율성에서는 두 집단(상업영화집단, 독립영화집단) 간에유의한 차이가 없었다. 그러나 예술가의 정체성은 상업영화 영역보다 독립영화 영역에서 주로 활동하는 응답자들이 유의하게 높았지만, 전문성은 이와 대조적으로독립영화 영역 보다는 상업영화 영역의 응답자들이 더 유의하게 높았다. 둘째, 전체응답자들을 대상으로 연구모형을 분석에서, 예술가의 정체성은 업무자율성에 긍적적인 영향을 주었고, 업무자율성은 전문성에 긍정적이 영향을 주었다. 하지만 예술가의 정체성과 전문성은 부적상관관계를 이루었다. 셋째, 독립영화 집단의 경우, 예술가의 정체성은 전문성에 유의한 영향을 주지 않았다. ‘예술가 정체성➝업무 자율성’ 경로와 ‘업무자율성➝전문성’ 경로’ 이 두 직접 경로는 유의하였다. 업무자율성의 매개효과는 유의하였다. 넷째, 상업영화 집단에서도 ‘예술가 정체성➝전문성’ 경로는 유의하지 않았고, ‘예술가 정체성➝업무 자율성’ 경로와 ‘업무자율성➝ 전문성’ 경로 이 두 직접 경로는 유의하였지만, ‘예술가 정체성➝업무 자율성➝ 전문성’ 경로의 업무자율성의 매개효과는 유의하지 않았다. 다섯째, 예술가의 정체성이 두 집단 모두에서 직접적으로 전문성에 유의한 영향을 미치지는 않았지만, 독립집단의 경우는 업무자율성의 매개효과가 입증되어, 업무자율성을 완전매개로하여예술가의 정체성이 이들의 전문성에 긍정적인 영향을 줄 수 있음이 밝혀졌다. 마지막으로, 예술가의 정체성이 업무 자율성에 미치는 직접효과는 상업영화집단에서보다 독립영화집단에서 훨씬 더 영향력이 유의하게 크다는 것이 입증되었다. 두 집단간의 상이한 양상이 발견되어 조절효과가 실증적으로 입증되었다. 영화제작 인력의예술가로서의 예술가의 정체성이 전문성 및 업무자율성에 미치는 직간접효과를 규명함에 있어서, 주요 활동영역의 조절효과를 함께 반영한 분석의 타당성을 확인하였다. 주요 발견점을 토대로 실천적 함의를 논의하였다.

희극적 자율성

황대원(Hwang, Daewon) 현대미술학회 2016 현대미술학 논문집 Vol.20 No.1

이 논문은 예술의 자율성의 의미를 미학적 관점에서 해명해 보는 시도다. 페터 뷔르거는 20세기 초의 아방가르드 운동들의 일반적 특성이 예술 제도에 대한 비판이라고 밝혔다. 예술 제도의 주된 기능은 예술의 자율성을 유지하는 데 있으며, 아방가르드는 이런 굴레를 부정하고 현실적 삶에 참여하려 했다. 작금의 미술 담론에서 널리 수용된 이런 시각에 따르면, 예술의 자율성은 시대에 뒤진 관념으로서, 예술의 사회정치적 참여를 가로막기 때문에 비난해야 할 것으로 여겨질 수도 있다. 그러나 뷔르거 자신은 그렇게 주장한 적이 없다. 오히려 그에 의하면, 아방가르드는 예술과 현실적 삶의 통합을 추구하지 않았고, 현실과 분리된 동시에 불가분한 예술의 ‘상대적’ 자율성은 여전히 필요하다. 이 논문은 뷔르거가 남긴 단서를 근거로, 예술이 이런 자율성을 갖는 원리를 헤겔 미학의 관점에서 설명한다. 헤겔에 의하면, 근대 이후의 예술을 대변하는 주된 특징은 ‘유머’다. 이 개념은 크게 두 가지 예술적 경향을 가리킨다. 즉, 내적 이상과 외적 현실의 불화를 드러내는 외견상의 혼란과, 그런 불화에도 불구하고 희극적으로 유지되는 개인의 자유에 대한 표현이 그것이다. 내적인 것과 외적인 것의 불화를 담아내기에, 예술은 뷔르거가 요구한 역설적 자율성을 간직한다. 다시 말해, 예술은 현실적 삶과 불가분한 것이면서도, 동시에 현실과 대립하는 주관적 이상을 대변한다. 끝으로, 이 논문은 뒤샹의 예술을 이런 유머의 주요한 사례로서 연구하고, 이로써 예술의 ‘희극적’ 자율성을 뒷받침할 미학 이론의 디딤돌을 제공할 것이다. This paper attempts to explain the meaning of autonomy of art from an aesthetic point of view. Peter Bürger argued that the general nature of avantgarde movements of the early 20th century is the criticism of the institutions of art. The avantgarde denied the yoke of the institutions whose main function is to maintain the autonomy of art, and tried to engage in real life. According to this received view, the autonomy of art might be considered an outdated idea that should be blamed for interrupting the sociopolitical participation of art. However, Bürger never argued in that way. Rather, according to him, the avantgarde artists had not sought to unify art and real life, and the relative autonomy of art that means art is separable and inseparable from reality at the same time is still necessary. Following clues Bürger left, this paper explains how art has such autonomy by means of Hegel’s theory of art. According to him, the main feature of art since the modern age is humor. This concept means two primary tendencies of art: the outwardly chaotic appearance that shows signs of discord between the inner ideal and the outer reality, and the expression of individual freedom, in spite of such discord, preserved in a comic way. As it embodies the dissonance between the inner and the outer, art has the paradoxical autonomy Bürger required. In other words, while art is inseparable from real life, it also represents the subjective ideal that opposes the reality. Finally, this paper will study Duchamp’s art as the prime example of the humor in question, and thus provide a stepping stone for the aesthetic theory that supports the comic autonomy of art.

일반 논문 : 18세기 미적 교양의 두 가지 구상: 쉴러와 슐레겔

최문규 ( Moon Gyoo Choi ) 연세대학교 유럽사회문화연구소 2014 유럽사회문화 Vol.0 No.13

본 논문에서는 18세기 말 쉴러와 슐레겔이 서로 다른 의미로 구상했던 미적 교양(asthetische Bildung)을 비교 분석하였다. 미적 교양은 넓은 의미에서 신구 논쟁 선상에서 파악될 수 있으며, 좁은 의미로는 프랑스 혁명에 대한 독일 지성인의 반응으로 볼 수 있다. 이 밖에 한 가지 중요한 의미는, 미적 교양에는 다름 아닌 예술의 자율성에 대한 시각이 녹아 있다는 것이다. 이는 예술의 자율성에 관한 미학적 논쟁에서 쉴러와 슐레겔의 시각이 자주 거론되는 것을 통해서도 재확인될 수 있다. 쉴러의 경우, 삶과 현실로부터 분리된 예술의 자율성이 거론됨에도 불구하고 그 자율성은 “진실로 아름다운 것”, “인류의 이념”, “이성의 과제” 등과 같은 담론과 연결되고 있다. 그 결과 예술의 자율성은 궁극적으로 이성과 아름다움의 담론 내에서 지양되고 만다. 언뜻 보기에 삶과 예술이 분리되는 것처럼 보여도 사실은 이성에 대한 은유적 관계 속에서 예술의 자율성이 은밀히 지양됨으로써 결국 양자는 하나가 된다. 반면에 슐레겔은 미적 교양을 바탕으로 고대적 포에지와 현대적 포에지를 구분하고. 특히 후자의 새로운 특징으로 “흥미로운 포에지”라는 개념을 사용한다. 고대적 포에지와 현대적 포에지를 다루는 슐레겔의 시각은 철저히 예술적인 현상의 고유성을 짚어내는 것에 초점을 맞추고 있으며, 때론 정치적인 현상까지도 미학화하는 과감한 수사학도 사용하고 있다. 슐레겔의 시각은 삶과 예술을 서로 구분하지 않는 포괄적인 것처럼 보이는 가운데 실제로는 철저히 예술의 자율성 논리 내지는 예술의 절대성 논리 내에서 전개되고 있는 것이다. 이는 낭만주의적 포에지를 삶과 포에지의 경계를 해체하는 보편적인 점진적 포에지라고 규정하는 가운데사실은 예술의 자율성을 옹호했던 논리 전개와 그 궤를 같이 한다. 이와 같은 미적 교양과 예술의 자율성에 대한 쉴러와 슐레겔의 상반된 시각을 강조하는 시도는 매우 시급한데, 그것은 주로 “계몽”의 관점에서 고전주의와 낭만주의 간의 차이를 지양하려는 관점이 최근 연구에서 팽배해 있기 때문이다. Am Ende des 18. Jahrhunderts entstanden zwei Konzepte "asthetischer Bildung" von Schiller und Schlegel, die mit der Autonomie der Kunst einhergehen, wobei es sich jedoch darum handelt, die Problematik Zusammenhangs von Leben und Kunst, Politik und Asthetik zu erleuchten. Schiller hielt die Politisierung der Kunst im Auge, indem er die Aquivalenz von Schonheit und Menschheit, Kunst und Vernunft uberspielt. Hingegen wollte Schlegel die Selbstreferentialitat der Kunst verstarken, indem er sogar mit der Synonymitat von Schonheit und Menschheit, Kunst und Vernunft spielt.

이태준 문학과 예술 자율성

송인화 상허학회 2004 상허학보 Vol.13 No.-

In this paper, I want to show the accomplishment and the limit of lee tae joon’s literature through the structure and logics of the art in his novel. Lee’s novel was against to the philistinism of modern capitalism. His art was one of the main reaction to that, so the art had the meaning including recognition and practice of that. But before researches approached that just as a formal skill, so they could not explain of lee’ art well. In lee Tae Joon’s novel, the concept of art includes a contradictory idea for collective nations. Because he understand the unfairness of modern philistinism as the same realities of the colonial, he regarded art as a true practice for peoples who supper from the japanese colonist. Therefore his concept of art combines with nationalism ‘in the beginning’. That regulates the quality and achievement of his art. After the mid 30’s, lee tae joon was in pursuit of art in earnest but the inner world that included enlightenment impetus regulated critical tension of art. His novel was in pursuit of the images and spatial structure which against the cognition of the modern capitalism. however that could not go ahead to the level of ideology. Late in the 30’s, Lee’s novel certainly showed the impetus for enlightenment. But that did not maintain critical insight, so his novel went wrongness. 본고는 이태준 소설이 추구하는 예술의 구조와 논리를 시기에 따라 살펴봄으로써 예술 자율성을 통해 상허 문학이 성취한 의의와 한계를 해명하고자 했다. 상허 소설은 이윤추구의 목적성이라는 경제논리에 따라 진행되는 자본주의적 근대의 속물성을 30년대 식민지 현실의 주요한 모순으로 인지하였고 ‘예술’은 그러한 근대의 속물성에 대한 문학적 대응의 방식으로서 상허 소설의 인식과 실천을 포괄하는 의미가 있다. 상허의 예술 개념에는 집단적 이념으로서의 ‘민족’이 모순적으로 결합되어 있다. 식민지 근대의 속물성을 그것의 강압적인 주체인 일제와 연결시키는 상허는 근대의 부정성에 침윤된 생활현실을 벗어나 경제논리에 훼손되지 않은 예술을 추구해야 하는 이유를 민족적인 현실에서 찾는 것이다. 따라서 그의 예술 개념은 처음부터 민족주의라고 하는 식민지 지식인의 계몽적 윤리감과 결합됨으로써 상허 소설이 보여주는 예술 자율성의 질과 성과는 이로부터 제한을 받게 된다. 30년대 중반 이후 상허는 미적인식을 기반으로 새로운 대상인식을 통한 예술을 추구하지만 예술가의 내면에 존립하는 계몽주의자의 이질적인 충동이 예술의 근대비판적 장력을 제한하는 것이다. 이미지와 공간적인 구성은 형식을 통해 근대의 동일시적인 사유와 효용적 지배연관에 대한 항의를 표현하지만 여전히 근대에 대한 부정성을 이념적인 차원으로까지 고양하지 못하는 것이다. 그것은 30년 후반 그가 예술의 비판적 가능성을 포기하고 행동적인 실천을 추구하는 데서 더욱 분명하게 드러난다. 예술의 자율성이 전제로 하는 생활과의 분리를 거부하고 현실 속에서의 행동적 실천을 강조하는 것인데, 그러나 현실과의 비판적 거리를 상실하고 현실의 유입과 행동적 실천 자체가 목적으로 추구됨으로써 현실참여를 강요했던 일제의 지배 이데올로기에 흡수되는 동참의 위험을 보여주는 것이다. 30년대 후반 근대주의의 맹목성이 폭력적으로 관철되는 시기 상허는 예술의 자율성을 포기함으로써 오히려 지배현실을 추수하는 오류를 보여주는 것이다.

1920년대 초기 ‘예술의 자율성’과 임노월의 예술지상주의 선언

김명훈(Kim, Myong-hoon) 숭실대학교 한국문학과예술연구소 2017 한국문학과 예술 Vol.23 No.-

1920년대는 조선에서 예술(문학)의 자율성이 본격적으로 개진된 시기로 문예사에 기록되어 있다. 이때 예술(문학)의 자율성이란 현실(인생)의 개조라는 역사적 사명을 실천하기 위한 부문운동을 의미하는 것이기도 하고(이광수, 카프), 근대의 합리성 체계를 거부하고 예술을 특권화하기 위한 미학적 신념으로 이해되기도 한다(동인지 문인). 1920년대 조선에서 ‘예술지상주의’는 예술의 자율성에 대해 전자의 입장을 가진 문인들이 후자를 비판하기 위해 활용한 용어이다. 본고는 형식논리상에서만 존재할 수 있는 것처럼 보이는 이공백을 임노월의 예술지상주의론을 통해 미흡하게나마 채워보기 위해 작성되었다. 임노월은 오스카 와일드 번역을 바탕으로 예술지상주의의 3단계 테제를 정식화한다. 첫째, 임노월은 ‘현실=실재’를 거부하고 ‘감각-지각’을 초월할 수 있는 인식론적 전회를 요청한다. 둘째, 인식론적 전회를 위해 임노월은 상상력이 필요하다고 주장하는데, 이때 상상력은 단지 이미지를 변형시킬 수 있는 힘에 머무는 것이 아니라 초감각적인 정신의 능력으로 재규정되며, 이능력을 통해 예술은 ‘현실=인생’과 분리된다. 셋째, 초감각적인 정신의 능력을 통해 구성된 예술의 세계는 ‘현실=인생’으로 하여금 자신을 모방하도록 만든다. 임노월은 이 3단계 테제를 단지 비평 수준에서만 개진한 것이 아니라 창작과 삶의 지향을 결정하는 ‘사상’으로 삼았다. 그리고 이 ‘사상’ 때문에 자신의 시대와 불화할 수밖에 없었다. 그러나 임노월의 ‘삶=예술’이 예술지상주의라는 이름으로 잠시 도달했던 위치는 훗날 임화가 예술과 혁명을 인간의 유적 보편성 속에서 종합하고자 시도했을 때, 그리고 이상과 구인회 일부 문인들이 ‘미적 근대성’의 최대치에 도달하고자 분투할때, 그들이 보았을 환상 속에서 끊임없이 재생되었던 어떤 경지였을지도 모른다. The 1920s was recorded in History of Literary, a time when the autonomy of art in Joseon was presented in earnest. It also means that the autonomy of the arts (Literature) is meant to as a section movement to practice the historical mission of reality(life), and also to demonstrate that it is an aesthetic belief to deny the modern legitimacy of the past, and to privileged the art. In the 1920s’s Joseon, ‘Art for Art’s Sake’ was coined by writers with the former opinions about the autonomy of art to criticized the latter. This article written to fill this blank, which seems to exist only in formal format, with Lim No-wol’s argument about Art for Art’s Sake. Lim No-wol embodies Three-stage these of Art for Art’s Sake based on Oscar Wilde’s translation. First, Lim No-wol rejected the ‘reality=real’ and asked Epistemological turn that could transcend ‘Sensation-Perception’. Second, He argued that we needed imagination for an Epistemological turn, then, Imagination is not merely limited to the ability to transform images, but rather to the ability of a super-sensitive psychic. Through this ability, art separates from ‘reality=life’. Third, the world of art, which consists of the ability of a super-sensitive psychic, force the ‘reality=life’ to mimic art. Lim No-wol did not only state this Three-stage at critical levels but also made to Thought decide on direction of the creation and the life. And because of this Thought, it had to be a conflict with his own age. However, the position that Lim No-wol’s ‘life=art’ arrived briefly, it might have been a rebirth in the fantasy era when Im Hwa attempted to merge art and revolution into the universality of mankind, and when Lee Sang and some of the Guinhoe’s writers and poets struggled to reach the maximum value of aesthetic modernity.

문화예술지원기관의 역할 정립 방안 연구 : 합의제 기구 전환 15년, 한국문화예술위원회를 중심으로

김진각 한국동북아학회 2019 한국동북아논총 Vol.24 No.2

The emergence of an independent executive agency that is free from national interference in the course of the development of cultural arts policies is a necessary and sufficient condition for the achievement of cultural policy goals. The Ministry of Culture, Sports and Tourism, which is building up the cultural policy framework, includes the public relations of the state due to the nature of the organizational structure, and it is subject to certain restrictions in order to establish itself as an organization for supporting and nurturing fine arts. As a means to overcome this, the government established Arts Council Korea(ARKO) in 2015. ARKO is more than an arts support institution, and it also contributes to the cultural industry that contributes to the national economy in addition to providing the basis for tracing the development of fine arts through budget support for artists and arts organizations. It is also the reason why we have to cultivate the fine art that is the source of the cultural industry. The main condition for such a function is the autonomy and independence of ARKO, which is a consensus-based organization, and it is also stipulated in the role-sharing plan stipulated by the government and the arts authority. Despite the intention of establishing ARKO, the functions of the consensus-based organization system are limited without resolving the issues that ARKO holds. In order to guarantee the autonomy of the ARKO, it is urgent to conclude an operating agreement between the Ministry of Culture, Sports and Tourism and ARKO, like the UK government and the UK arts council, which strictly apply the principle of "arm’s length". Second, in order to establish the status as an independent arts support institution, ARKO should be excluded from the 'Act on the Management of Public Institutions'. Third, In order to ensure the stable funding of the Arts and Culture Promotion Fund, the 'seed money' for the smooth implementation of the art support policy, the transfer of the lottery fund should be examined in detail. 문화예술정책의 전개과정에서 국가간섭으로부터 자유로울 수 있는 독립적인 집행기구의 등장은 문화정책의 목표달성을 위한 필요충분조건이다. 문화정책의 얼개를 구축하고 있는 문화체육관광부는 조직구조의 특성상 국정홍보등을 포함하고 있어 순수예술의 지원과 육성을 위한 조직으로 자리매김 하는데 일정의 제약이 따른다. 이를 극복하기 위한 수단으로 정부는 한국문화예술위원회(예술위원회)를 설립한 바 있다. 예술위원회는 예술지원기관 이상의 의미를 지닌다. 예술가 및 예술단체에 대한 예산 지원을 통해 순수예술의 발전을 견인하는 근간을 제공하는 것에서 나아가 국가경제에 기여하는 문화산업에도 영향을 미친다. 문화산업의 원천이기도 한 기초예술을 육성하지 않을 수 없는 이유이기도 하다. 이런 기능이 가능하기 위한 으뜸 조건이 합의제 기구인 예술위원회의 자율성과 독립성으로, 이는 2005년 원장 중심이던 한국문화예술진흥원 체제에서 예술위 체제로바뀌면서 정부와 예술위가 명문화한 역할 분담 방안에도 규정되어 있다. 예술위원회의 설립 취지에도 불구하고 예술위가 안고 있는 현안을 해결하지 않고선 합의제 기구 체제의 기능에한계가 있다. 예술위원회의 자율성 보장을 위해서는 첫째, 예술지원 과정에서 정부 개입의 배제를 의미하는 ‘팔길이 원칙’을 엄격하게 적용하고 있는 영국 정부와 영국예술위원회처럼 문화체육관광부와 예술위 간의 운영 협정서체결이 시급하다. 둘째, 독립적 예술지원 기관으로서 위상 확립을 위해 예술위원회를 ‘공공기관의 운영에 관한 법률’에서 제외해야 한다. 셋째, 예술지원정책의 차질 없는 시행에 필요한 문화예술진흥기금의 안정적 재원 확보를위해 복권기금의 전입 등의 구체적 방안을 서둘러 마련해야 한다.

문화체육관광부와 문화예술위원회 관계 변화 속에 나타난 자율성과 책임성의 실태

박민권 한국문화예술경영학회 2019 한국문화예술경영학회 학술대회 Vol.2019 No.05

Chartrand & McCaughey(1989)의 문화예술정책의 국가역할에 대한 모델을 적용해보자면, 우리나라 문화예술지원 체계는 제1공화국부터 국민의 정부까지는 문화체육관광부(이하 문체부)가 전체적인 문화정책을 관장하는 설계자(architect)와 기술자(engineer) 모형에 가까웠으나, 2005년 문화예술위원회(이하 예술위) 제도를 도입함에 따라 후원자(patron) 역할을 적극적으로 받아들이기 시작했다. 그러나, 예술위 출범 훨씬 전부터, 정치적 개입을 배제하기 위해 자율성 확보와 공적자금 사용에 따른 책임성 담보에 관한 문제가 대두되었고, 양자간의 “적절한 균형”은 여전한 과제이다. 본 논문은 이러한 바람직한 균형이 예술위 출범 전부터 2005년 이후 15년간 어떻게 규정이 되어왔는지, 문체부와 예술위 간의 제도적 관계 변화를 통해 살펴본다. 이를 토대로 향후, 예술위 자율성 확보를 위해 위원구성 권한을 사회 각계 전문가로 구성된 위원선출위원회에 부여하거나, 위원선임 시 국회의 임명동의 절차를 통해 중립성을 확보하며, 책임성 제고를 위해 지원정책 수립시 예술위와 문체부 간 긴밀한 정책협의 절차를 마련함과 동시에 전문가 주도로 성과평가시스템을 구축할 것을 제언한다.

현대사회와 예술의 진정성

김현돈 대동철학회 2002 大同哲學 Vol.19 No.-

이 글은 예술회의론이 득세하는 후기 자본주의 시대에 다시금 예술의 의미를 반추하고 방향을 성찰해보기 위한 것이다. 근대 이후 예술은 모더니즘의 자율성의 신화에 안주하여 세계와 교신하던 영적 아우라와 삶의 진정성을 상실하고, 풍요 속의 빈곤을 맞게되었다. 현대의 첨단 복제기술은 고도로 정교한 이미지를 통해 완전 무결한 실재를 추구하려 했고, 이것은 결국 이미지 자체가 가진 상징적인 힘을 잃게 했다. 모조된 실재가 더 실재적인 '하이퍼리얼리티'의 시대에 더 이상 '아름다운 예술'은 설 땅이 없다. 그렇다면 이 시대 예술의 진정성은 어디서 찾아야 할까? 예술은 인간을 인간답게 하고, 감수성을 발달시켜 삶의 의미와 가치를 일깨우며 더불어 사는 사람에 대한 관용과 이해, 애정의 폭을 넓혀준다는 점에서 과학기술이 지배하는 메마른 프로메테우스의 세계를 오르페우스의 예술세계로 감싸안을 때, 기술에 의한 인간의 비인간화는 극복될 수 있으며, 디지털 기술이 만들어내는 시뮬라크르의 물화된 세계에 맞서 창조적 상상력을 발휘하기 위해선 그 옛날 예술이 가졌던 심미적 상징의 기능을 회복해야 할 것이다. The aim of this article is to reflect a meaning and direction of art in the era of post-capitalism to which skepticism of art gains its influence. Form modern times art depends on mythology of autonomy of modernism so that lost its spiritual aura and authenticity of life that communicated to an world, is faced to a poverty in the fertility. A contemporary higher technology of copy intended to pursue a perfect reality, after all its symbolic power that image itself possesses have lost. In the era of 'hiperreality' which a simulated reality is more real, 'beautiful art' is anymore exist. Then in our times where is authenticity of art? Art makes a person more human, through the developement of sensibility awake a meaning and value, to widen a breadth of a tolerance, understanding, affection about to community, so that when we to hold in the arms dry world of prometheus through an art world of orpheus, inhumanness of humanbing by technology is to overcome. And in order to spread a creative imagination against fetishistic world of simulacra, we should restored a function of aesthetic symbol that art possessed in a long time ago.

예술가는 언제 파업하는가- 예술과 노동 그리고 상품

서동진 한국예술종합학교 한국예술연구소 2022 한국예술연구 Vol.- No.36

Whether the artist could be laborer has been a critical issue among artists in the present. While acknowledging that the approval of laborer-ness of an artist is deeply related to the survival of an artist, we try to explore that it could not allow to deny the underlying contradiction of artist practice. When the judicial and formal status which the society distributes for the reward and protection of artist practice is the laborer-ness, it is inevitable that artist identifies with the laborer. But it could not permit that artist practice equates to the labor. Considering major concepts of Marx’s critique of political economy, we will reveal the possibility of artist practice as an anti-labor. Furthermore, drawing attention to the disputes around the autonomy/ heteronomy of art, we will revisit the concept of ‘absolute commodity’ of artwork presented in Th. W. Adorno magnum opus Aesthetic Theory. 예술가 노동자성의 인정은 동시대 예술가들의 중요한 사회적 요구였다. 이는 문화예술인을 대량으로 배출하는 사회 체계임에도 예술인으로 살아가려는 이들의 사회적 생존을 방관하는 현실에 대한 저항의 결과라 할 수 있을 것이다. 우리는 이 글에서 예술가의 노동자성이 예술가의 생존과 관련한 긴박한 요구임을 수긍하면서도 그것이 자본주의 사회에서의 예술적 실천을 둘러싼 근본적 딜레마를 부정하여서는 안 된다는 점을 밝힌다. 자신의 활동에 대한 보상과 보호를 위해 사회가 분배하는 법률적인 형식적 지위가 노동자일 때, 자신을 노동자와 동일시하는 것은 유효하고 정당하다. 그러나 그것이 바로 예술적 실천을 노동으로 규정할 수 있도록 하는 것은 아니다. 우리는 마르크스의 정치경제학 비판의 핵심적인 개념인 상품 형태와 물신주의에 유의하면서, 아도르노의 미학에서 상대적으로 간과되어 온 ‘절대상품’이란 개념에 다가선다. 아도르노의 개념은 그에 대한 흔한 이해처럼 예술의 자율성을 옹호한 예외적 마르크스주의 미학자였던 것이 아니라 예술의 자율성/타율성이란 쟁점을 변증법적으로 사고하려는 그의 사유를 집약한다. 우리는 이에 관련된 최근의 논의들을 참고하면서 예술작품과 상품의 관계를 다시 한 번 묻고 예술의 자율성과 타율성이라는 아포리아가 자본주의적 근대에서 예술의 정치를 사유하는데 발본적인 의미를 지고 있음을 살피고자 한다.

사회의 기능 안에서 예술의 자율성에 대한 연구

전석환(Suck-Hwan Jun) 중앙대학교 중앙철학연구소 2018 철학탐구 Vol.49 No.-

현대사회를 연구하는 일 중에서 예술이 정치나 경제 권력으로부터 얼마나 독자적인 활동을 할 수 있는가를 살펴보는 것은 매우 중요한 과제이다. 왜냐하면 사회 기능의 제(諸) 영역 안에서 예술이 자율적으로 움직일 수 ‘있다, 혹은 없다’라는 기준은 한 특정국가의 문화수준을 측정하는 객관적 기준이 될 수 있기 때문이다. 그러므로 ‘예술은 인간의 자유를 표현하는 형식’이라고 전제하고, ‘예술의 자율성 부재’란 ‘자유롭지 못한 사회에 있어서 개인들의 구속적 상태를 반영하고 있다’라는 주장은 매우 설득력이 있는 주장이라 할 수 있다. 그러한 전제로 예술은 한 국가와 사회에 있어서 문화의 핵심이고 동시에 그 사회의 총체적 척도가 된다. 그러므로 경제적 부는 지금의 상태를 진단하는 현실적 지표이지만 예술은 ‘유토피아적 목적설정’을 통해 한 특정한 사회의 미래적 전망을 드러낸다고 볼 수 있다. 그런데 예술이 정치나 경제 권력의 시녀가 아닌 독자적 힘을 갖게 될 수 있는 사회적 조건은 과연 무엇일까? 본 연구에서는 공론장(公論場)의 개념과 그 개념의 발생사의 해명을 통해 예술 자율성의 제 조건을 탐구한다. 공론장 개념의 발생과 전개과정은 서구의 시민사회의 등장 및 변이과정과 깊은 관련을 맺고 있다. 사회과학자들은 신문을 포함한 인쇄물이 정기적으로 간행되고 익명으로 구입하는 독자층으로부터 비판적 영역이 처음으로 형성되었고 그곳에서 매개되는 원리를 ‘공개성(公開性)’이라고 명명한다. 그리고 그 형성 과정의 원초적인 형태는 문예비평을 담을 수 있는 ‘문예적 공론장’의 성립이라고 할 수 있다. 현대사회에 이르렀음에도 불구하고 문예적 공론장의 활성화 여부를 가늠하는 과제는 정치 경제 측면의 사회적 공론장의 내면적 발전 정도를 측정할 수 있는 기준을 설정한다는 점에서 그것에 대한 탐구는 무척 중요한 의의를 지닌다고 할 수 있다. 본 연구의 필요성은 바로 이러한 전제로부터 출발한다. It is a very important task to look at how independent the art can be from politics or economic power in the study of modern society. That is because the criteria of ‘yes or no’ that the art can move autonomously within the domain of social functioning can be an objective criterion on measuring the level of culture of one particular country. Therefore, it is a very convincing argument that ‘the art is a form of expression of human freedom’ and ‘autonomy of art’ reflects ‘the binding state of individuals in an unfree society’. Under this premise, art becomes the core of culture in a nation and a society, and at the same time it becomes a total measure of society. Accordingly economic wealth is a realistic indicator of the present state, but art reveals the future prospects of one particular society through the ‘utopian purpose setting’. But what is the social condition that art can have its own power, not just a maid of politics or economic power? In this study, we explore the conditions of the autonomy of the art through the explanation of the concept and its origin of the public sphere. The development of the concept of the public sphere is deeply related to the emergence and transformation of the western civil society. Social scientists have first formed a critical sphere from readers who periodically buy printed material, including newspapers, and the principle mediated there is called ‘publicity’. The basis of the formation process is the establishment of a ‘literary public sphere’ that can contain literary criticism. The task of measuring the activation of ‘the literary public sphere’, even in contemporary society, is very important in that it establishes criteria for measuring the degree of internal development of the social public sphere in terms of political and economical aspect. The need for this study begins with this premise.