20세기 현대미술에서 표현주의와 신표현주의 연관성

전민경(Min-Kyung Jun),정경철(Kyung-Chul Jeong) 한국콘텐츠학회 2011 한국콘텐츠학회논문지 Vol.11 No.2

독일은 19세기 후반기에 통일을 이루었지만 급격한 도시화와 물질주의 속에서 많은 혼란을 겪으며, 정신적인 혁명을 통해 독일적인 문화를 찾고자 하는 움직임이 지식인층을 중심으로 퍼져나갔다. 현실 속에서 발생하는 분노, 슬픔, 억압 등의 심리적 상태를 본능적인 감성에 충실하며, 그대로 표현하게 됨으로써 자연스럽게 형태가 왜곡되거나 과장되며, 강렬하고 어둡고 내성적인 분위기의 낭만주의적 전통을 잇게 되었다. 파시즘의 나치에 의해 ‘퇴폐미술’ 로 낙인찍히며 막을 내렸던 표현주의 미술이 20세기 말에 다시 독일을 중심으로 일어났다는 사실은 주목할 만한 일이다. 비록 신표현주의자들이 다양한 오브제와 매체를 적극적으로 사용하기는 하지만, 그들은 인간 내면세계를 표출하고자 과거 표현주의자들이 즐겨 썼던 인물, 신화, 상징을 거친 붓 터치와 풍부한 색채 등으로 다시 화면에 등장시키며 독일의 문화와 사회에 대한 희망을 은유적으로 표현하고 있다. 따라서 신표현주의의 근원이라고 할 수 있는 표현주의에 대해 살펴보며 이들이 독일 전통 낭만주의와 어떠한 맥락에서 일치하며 현대 미디어콘텐츠로 계승 발전 되었는지를 논하고자 하였다. Although having only become a unified nation in latter 19th century, Germany saw a movement centered on intellectuals to find culture via mental revolution after experiencing much confusion amidst rapid urbanization and materialism. Having expressed as they are such psychological states as anger, sorrow, repression, etc., which arise in reality, by remaining faithful to instinctive sensibility, the form naturally becomes distorted or exaggerated and continues on the tradition of romanticism of a powerful, dark, and introverted atmosphere. Having been discontinued after being branded as 'decadent art' by the Nazis of Fascism, expressionist art has returned in latter 20th century mainly centered on Germany, and this merits our attention. While neo expressionists actively use various objets and media, they metaphorically express hope about Germany's culture and society by again placing on the screen figures, myths, and symbols using rough brush touch, rich colors, etc., which past expressionists enjoyed using to represent the inner world of humans. As such, by examining expressionism, which can be seen as the origin of neo expressionism, we will discover the context in which these people conform to Germany's traditional romanticism and how they inherited and developed it.

독일 신표현주의와 중국 현대 수묵의 상통성

리칭,홍순환 국제문화기술진흥원 2023 The Journal of the Convergence on Culture Technolo Vol.9 No.3

Although German Neo-expressionism and Chinese modern ink painting are separated by thousands of miles in geographical space, they have a similar origin time, and there are many commonalities between them. In the aspect of creative attitude, artists of both styles can absorb and resist foreign styles, return to the past and conquer the tradition. In the aspect of formal expression, the objects of both paintings are representational rather than realistic, and the material characteristics of the media are emphasized. At the inner spiritual level, both expressionism and modern ink painting pay attention to social concern, and show the uncertainty of postmodernism together. The commonality between German neo-expressionism and Chinese modern ink painting does not mean to eliminate the difference, but to maintain the coexistence of difference and commonality. 독일 신표현주의와 중국 현대 수묵은 지리적으로 멀리 떨어진 두 나라에서 시작됐으나, 등장한 시기가 유사하며 서로 공통되는 부분이 많다.창작 태도 측면에서 두 풍격의 예술가들은 모두 외래 풍격을 받아들이고 저항하며 과거로 회귀하고 전통을 초월하여 포스트모던의 불확실성을 함께 드러내고 있다. 표현 형식 측면에서 보면, 두 화풍이 그리는 대상은 모두 형상을 갖추고 있으나 사실적이지는 않으며, 매개의 재료 특성을 활용하는 것을 중요하게 여긴다. 정신적 함의 측면에서 보면, 신표현주의와 현대 수묵은 모두 사회적 관심사를 중시하고, 상통하며 유동적인 현대성을 지닌다. 독일 신표현주의와 중국 현대 수묵의 상통성은 차이점을 지우자는 것이 아니라 차이점과 공통점이 공존할 수 있도록 해야 한다는 것이다.

비가시적인 힘의 회화 표현 연구 - 본인 작품 중심으로

김정이 한국기초조형학회 2022 기초조형학연구 Vol.23 No.2

This study aims to explain the legitimacy and direction of the works centered on the exhibitions in 2018 and 2019 as a way for the researcher to show the invisible ‘power’ through painting. If ‘power’ was visually expressed through the aquarium image in 2018, attention was paid to creating another type of image through repetitive brush strokes as a capture of ‘power’ in the 2019 exhibition. The intention of the researcher is not to show a new visual expression function through the recombination or decomposition of images we know, but to show a new image by repeatedly depicting the image and furthermore, to show the ‘true power’ in it. Anxiety and fear that cannot be shaken regardless of age and generation, the flow, rhythm, and cohesion of small things, rather than conforming and accepting them, re-creating and rediscovering the invisible is an expression method that makes the invisible visible in the researcher’s painting. As a study on this, this thesis summarizes Deleuze’s discourse, which argued that “the problem is not in finding or reproducing a form in art, but in capturing the power” regarding the problem of visualization of ‘power’, and ‘power’ that appears in the researcher’s work. and compared and analyzed ‘deformation’ in the bacon painting that Deleuze noticed and ‘deformation’ in the researcher’s work. Based on theoretical considerations, as a practical problem of art, Neo-Expressionism and Baselitz were intensively studied. Through the research of New Expressionist writers who have recovered their artistry with new forms and contents incorporating the spirit of the times, and through the research of Baselitz, an artist who has opened the possibility of moving forward to a ‘new kind of inverted authenticity’ beyond the function of expression. Even in his work, it was possible to give legitimacy to the method of drawing ‘power’ and the identity of art that only researchers can do with the new shape created by repetitive brush strokes. In the future, research on ’power’ will continue through work. 본 연구는 연구자가 회화를 통해 보이지 않는 ‘힘’을 보이게 하는 방법으로 2018년과 2019년의 전시를 중심으로 한 작품의 정당성과 방향성을 설명하고자 한다. 2018년의 수족관 이미지를 통해 ‘힘’을가시적으로 표현하였다면 2019년 전시에는 ‘힘’에 관한 포착으로서 반복적인 붓질을 통한 또 다른 형태의 이미지를 만들어 내는 것에 주목하였다. 연구자의 작업 의도는 우리가 알고 있는 이미지들의 재조합이나 분해 등을 통하여 새로운 시각적 표현 기능을 보여주는 것이 아니라 그 이미지를 반복적으로 묘사함으로 새로운 이미지를 보이게 하고 나아가 그 안에서 보이는 ‘진정한 힘’을 나타내는 것이다. 시대와 세대를 막론하고 떨칠 수 없는 불안감과 공포, 그것을 순응하고 받아들이는 것이 아닌 작은것들의 흐름과 리듬, 그리고 응집을 통해 새로운 것으로 재창조하고 재발견하게 되는 것이 연구자의회화에서 보이지 않는 것을 보이게 하는 표현 방법이다. 본 논문은 이에 관한 연구로서 ‘힘’의 가시화문제에 관해 “예술에서 형을 발견하거나 재생산하는 것이 문제가 아니라 힘을 포착하는 것이 문제”라고 주장한 들뢰즈의 담론을 정리하여 연구자의 작업에서 나타나는 ‘힘’의 포착을 설명하고 들뢰즈가주목한 베이컨 회화에서의 ‘데포르마시옹(deformation)’과 연구자의 작업 속의 ‘데포르마시옹’을 비교분석하였다. 이론적 고찰을 토대로 예술의 실천적 문제로서 신표현주의와 그중에서 바젤리츠를 집중연구하였다. 시대정신이 녹아있는 새로운 형태와 내용으로 작가성을 회복한 신표현주의 작가들의 연구와 표현의 기능을 넘어서서 ‘새로운 종류의 거꾸로 된 진정성’으로 나아갈 수 있는 가능성을 열었던화가인 바젤리츠의 연구를 통해 연구자의 작업에서도 반복적인 붓질로 만들어지는 새로운 형상성으로연구자만이 할 수 있는 예술의 정체성과 ‘힘’을 그린 방법에 대하여 정당성을 부여할 수 있었다. 또한앞으로도 ‘힘’에 관한 연구는 작업을 통해 지속될 것이다.

1980년대 신표현주의와 ‘시대정신(Zeitgeist)’: 《시대정신전 Zeitgeist Ausstellung》의 미술사적 의미와 한계

김재원 서양미술사학회 2003 서양미술사학회논문집 Vol.19 No.-

게오르그 바젤리츠 작품에서 인물 형상 표현에 관한 연구

김령 ( Ryoung Kim ) 한국영상미디어협회 2013 예술과 미디어 Vol.12 No.2

1980년대 미국과 유럽을 중심으로 펼쳐졌던 신 표현주의는 모더니즘의 프로젝트에 의해서 회화로부터 멀어졌던 구상미술을 표명하였다. 이 운동은 거대한 스케일에 거친 제스처와 격렬한 색의 대비를 사용하며 죽음, 성, 꿈, 신화, 재난에 대한 기억 등등의 주제를 가지고, 사물의 외양에 대한 묘사가 아닌 인간의 내면과 자유로운 감성을 새로운 이미 지를 통해 주관적이고 자율적으로 표현하였다. 독일 신표현주의자의 대표라고 할 수 있는 바젤리츠는 1960년대 초부터 도발적인 제스처, 주관적 인 색채 그리고 이미지의 극단적인 왜곡에 탐구하면서 자신이 처한 현실과 역사적 불행을 테마로 들 춰내었다. 충동적이고 격렬한 붓질로 형성되고 고의 적으로 왜곡된 바젤리츠의 인체 형상은 격렬한 비 장미와 함께 심오한 표현성을 나타내고 있다. 1969 년 이후부터는 구상의 서술적인 효과를 제거하려는 도전과 저항의 의도로 뒤집혀진형상을 제작해오고 있으며 이미 확립된 자신의 양식 안에 정착하지 않 고 끊임없이 새롭고 표현적인 인물의 형상을 창조 해 내고 있다. The Neo-expressionism which was diffused in the United States and Europe in the 1980s, have proclaimed the figurative art, which has been expelled by the project of modernism. With the themes of death, sex, dreams, myths, memories of the war, etc., using rude gestures and the contrast of intense color for large scale canvas, neo-expressionists expressed subjectively, not described on the appearance of things, the inside of the human being and their liberal emotion, through the new images. Georg Baselitz, who is one of the representatives of the German neo-expressionism, exploring the provocative gesture, color and the image subjective which is extremely deformed, dealt with the reality of his life and the historical misfortune of his country as a theme for his painting since the early 1960s. His painting showed the profound expressivity, with pathos, through the human form that is deliberately distorted by the impulsive and violent gestures. From 1969 until now he is producing the upside-down painting with the intention to eliminate the effect of narrative representation. Baselitz does not settle in his own style already established, creating constantly new expressive human figure.

1980년대 소그룹 난지도와 메타복스의 설치미술: 표현매체로서의 물성, 그리고 현실과 전통

이윤수 한국근현대미술사학회(구 한국근대미술사학회) 2023 한국근현대미술사학 Vol.46 No.-

This paper aims to focus specifically on restoring the installation works of Nanjido and Meta-Vox, two small art groups in the 1980s that have only been discussed as an example of post-modernism and as a background for Korean contemporary art since the 1990s. It also aims to examine their characteristics and aspects. In particular, it reconsiders their works by raising questions about their limitations as pointed out by literature, such as “following the search for materiality as before” and “expanding only the formal level.” Their installation art originated from a desire to challenge the rigidity of the Korean art scene, which was divided into Dansaekhwa and Minjung Art. While their works are relevant to the influence of neo-expressionism, an international trend at that time, they also have a distinctive characteristic that sets them apart from overseas art: their method of using the materiality of everyday objects as the main means of expression. This characteristic stems from appropriating the materiality that was a main characteristic of Korean art in the 1970s. Moreover, in terms of content, the works of Nanjido reflect the reality of the time, which was urbanized and industrialized, and the works of Meta-Vox explore various Korean traditions. In this way, Nanjido and Meta-Vox endeavored to overcome the rigidity of Korean art through the “appropriation of materiality” and “reflection of reality and tradition,” in contrast to previous evaluations by literature. Their works were essential in the context of the Korean art scene at the time, demonstrating their attempts to explore new art and transform Korean art from within the inner context, not just through the imitation of overseas art. 본 연구는 그동안 한국 포스트모더니즘의 사례 그리고 1990년대 이후 동시대 미술의 배경으로서만 다루어진 1980년대 미술 소그룹 ‘난지도’와 ‘메타복스’의 설치미술을 구체적으로 복원하고 그 특징과 양상을 고찰하는 것을 목적으로 한다. 특히 그동안 그들의 한계로 지적되었던 기성세대의 특징인 물성 탐구의 답습 그리고 형식적 층위만의 확장이라는 평가에 의문을 제기하고, 두 소그룹의 설치미술에 대해 재고하고자 한다. 일상 사물의 물성을 표현의 주요 수단으로 삼은 그들의 설치미술은 단색조 회화와 민중미술로 양분된 한국미술계의 경직성에 대한 반감 그리고 자유로운 미술 표현의 갈구로부터 시작되었다. 이들의 미술은 당시 국제적 조류였던 신표현주의의 영향과 무관하지 않지만, 그 해외미술과 차별되는 지점이 존재한다. 그것은 물성을 표현의 수단으로 삼았다는 것이다. 이와 같은 특징은 난지도와 메타복스의 작가들이 1970년대 한국미술의 특징인 물성을 전용함으로써 만들어진 것이었다. 그리고 내용적인 면에서, 난지도는 도시화·산업화된 당대 현실을 반영하였고, 메타복스는 다양한 전통을 탐색하고 적용하는 특징을 보였다. 이처럼 난지도와 메타복스는 기존의 평가와는 달리 ‘물성의 전용’과 ‘현실의 반영과 전통의 적용’을 통해 한국 현대미술의 경직성을 타계하려 하였다. 이는 당시 한국미술계의 맥락에서 발생할 수밖에 없었던 것으로, 단순한 해외 미술의 도입을 통해서가 아닌 내적 흐름 안에서 새로운 미술을 탐색하고 한국 현대미술을 전환하고자 했던 그들의 시도를 보여준다.

신표현주의 무용작가의 예술성향과 교육적 의미연구

성민주 한국에듀테인먼트학회 2020 에듀테인먼트연구 Vol.2 No.2

전통문양을 활용한 신표현주의적 조형 해석 -‘도철문(饕餮紋)’을 중심으로-

장완웨,양성원 예술과미디어학회 2023 예술과 미디어 Vol.22 No.2

In the early 1980s, Western European Neo-Expressionism exhibited a distinct personality within the realm of Postmodernism art, particularly emphasizing the original depiction of the human inner world. The researchers' study of form can be interpreted as a modern form of Neo-Expressionism that utilizes the traditional motif of ‘Taotie Pattern’, based on the form of dragons, are representative traditional motifs from the Shang and Zhou dynasties in ancient China. These patterns possess the symbolic meaning of ‘life’, ‘reincarnation’, and other representations of primitive civilization and ancient spirituality. By resonating with the researchers' themes, the ‘Taotie Pattern’ maximizes organic visual characteristics. The works of these researchers make possible the characteristics of the Neo-Expressionist image, such as disintegration, recombination, and symbolic image. In conclusion, the concept and expression of Neo-Expressionism are elevated to the researchers' unique modern artistic form, combining the researchers' thematic ‘Taotie Pattern’ with contemporary forms, thereby envisioning the feasibility of enhancing the new cultural value inheriting traditional art.

줄리안 슈나벨의 신표현주의 회화와 미술사의 "차용"에 대하여

우정아 ( Jung Ah Woo ) 미술사와 시각문화학회 2013 미술사와 시각문화 Vol.12 No.-

In 1979, Julian Schnabel, American artist and filmmaker, first presented his “plate paintings” - large canvases pasted with broken ceramic plates - claiming to have been inspired by the works of the 19th-century Spanish architect Antoni Gaudi, among others. The “plate paintings” were immediately praised and embraced by the art market, under the notion that they heralded the return of expressive painting after two decades dominated by minimalism and conceptual art. In tandem with the thriving stock market of the 1980s, the price of Schnabel`s paintings soared, achieving new highs month after month. Contrary to the unanimous applause from the market, however, art critics were united in their suspicion of Schnabel`s success. While the conservative critics justified Schnabel`s appropriation of the old masters in the context of respecting authority and traditional values, they largely denounced the aesthetic and technical quality of the works. Meanwhile, to the more progressive parties, who embraced post-modernism and post-structuralism in the discourse of contemporary art, Schnabel was a reactionary figure who overtly relied upon antiquated concepts, such as tradition, authority, and the individual hero. Notably, however, the heated debate that arose regarding the status of appropriation, the authority of the artist, and the authenticity of a painting primarily revolved around Schnabel`s persona and his unprecedented success, rather than the works themselves. In the mid-1990s, after the burst of the art market bubble and the crash of the stock market, Schnabel transitioned into a successful career as a film director. In 2007, for example, he won the best director award from both the Cannes Film Festival and the Golden Globes for The Diving Bell and the Butterfly. While Schnabel`s authority and authenticity as a painter has always been doubted by critics and art historians, he has undoubtedly gained respect and appreciation as a film director. This study compares various aspects of Schnabel`s paintings - their subject matter, the mode of reception, and their emotional (or even physical) impact on the viewers - with those of his films, especially The Diving Bell and the Butterfly. I argue that the “subject” of Schnabel`s paintings and films is a male “hero” whose life is ensnared in frustration, self-negation, and social alienation, and whose sense of self is badly fragmented by either physical or psychological difficulties. Furthermore, I contend that Schnabel actively attempts to transpose this sense of fragmented self onto the viewer, not only through iconic representation, but also through phenomenological impact.

현대도예 인물 표현의 신표현주의 경향에 관한 연구 -1980년대 이후를 중심으로

이영미,서은지 사단법인 한국조형디자인협회 2023 조형디자인연구 Vol.26 No.4

This study focuses on the materiality of clay and inner expressions that appear in Contemporary ceramic figures after the 1980s and analyzes characteristics through the lens of German Neo-expressionism. Neo-expressionism in the 1970s was an art movement that rejected the aesthetics of Modern Art and revived representational figures and narrative in art. Neo-expressionism is characterized by heavy emphasis on figure, subjectivity, strong expression, convergence between genres, and metaphorical message. Such characteristics appear in Contemporary ceramic figures through subjective expression of human form, convergence of sculptural and painterly elements, use of intense color, and tactile handling of clay. This study also finds that the emergence of Contemporary ceramics in the 1950s, the development of figurative sculpture, tactility and materiality inherent in clay served as a foundation for the development of Neo-expressionist ceramic figures. By analyzing five Contemporary ceramic artists whose works have figurative, painterly elements, the study aims to discover Neo-expressionist style that can only be found in ceramics. Finally, this study concludes that the original Neo-expressionism found in ceramic figures sprouts from the inherent characteristics of clay, such as materiality, spontaneity, tactility, and the three dimensionality.