‘몸’과 ‘세계’의 개념으로 본 서도호의 <집> 시리즈 : 노장(老莊)의 심신일원적(心身一元的) 몸과 일원론(一元論) 사상을 중심으로

김정희 한국동양예술학회 2025 동양예술 Vol.67 No.-

본 논문은 노장(老莊)철학적 시각에서 서도호(1962~ )의 대표 연작인 <집> 시리즈를 ‘몸’과 ‘세계’의 개념으로 고찰하는 것을 목적으로 한다. 서도호의 예술세계에 관한 선행 연구 및 비평들은 디아스포라(diaspora), 문화적 정체성, 공동체의 개념과 관련한 비평과 연구들이 대다수이며, 이는 서양의 미술사와 철학적 시각에서 이루어진 연구들이라고 볼 수 있다. 이와 같은 상황을 고려하여, 기존의 연구 시각에서 벗어나 동양의 노장철학 시각에서 서도호의 작품세계를 고찰하였고, 이를 통해 동양철학과 한국 현대미술 관계의 지평을 넓히고, 현대미술을 이해하기 위한 예술철학적 시각을 확장하고자 하였다. 이 연구에서 서도호의 <집> 연작은 ‘장소 특정적 미술(site-specific art)’로 간주하며, 장소 특정적 미술은 몸과 장소(세계)의 관계가 중심이 되는 미술로 규정하여 연구를 진행하였다. 장소 특정적 미술의 체험에서 감상자의 몸은 심신이원적(心身二元的), 즉 육체와 정신으로 각각 분리되는 존재가 아니며, 정신적인 측면 및 물리적인 측면 양쪽 모두의 특성을 가진 살아있는 하나의 생명체인 ‘심신일원적(心身一元的) 존재’로 간주된다. 이러한 맥락에서, 노장철학의 심신일원적 몸과 일원론(一元論)에 관한 사상을 기반으로 서도호의 예술관에서 몸과 세계를 둘러싼 사상에 대하여 논의하였고, 이를 토대로 하여 <집> 연작 작품들을 살펴보며 그의 예술세계에 관한 해석을 제시하였다. 노장철학에 있어 몸은 인간 삶의 핵심 존재이자 세계와 하나로 연결되는 매개체이며, 서도호의 예술세계에서도 핵심 사안이자 세계 및 타자와 하나가 되는 중심 매개체이다. 서도호에게 있어서 <집>은 그의 몸과 그것의 기억 및 경험의 표상이자 몸의 확장이다. 서도호 <집>의 이동성과 가변성은 동양의 병풍이나 족자의 현대적 변용이라고 볼 수 있으며, 그의 <집>의 반투명성은 공간과 감상자와의 관계를 더욱 연계하도록 만드는데, 이를 장자식의 물질과 비물질 공간개념과 물아일체 사상으로 이해해 볼 수 있었다. 또한, 서도호가 그의 설치작품과 주변 환경 및 공간 그리고 관람자를 하나로 연결하려는 지향성을 노장철학의 일원적 사유의 방식으로 고찰해 보았다. This paper aims to examine Home, Doho Suh(1962~ )’s representative series, from the perspective of Taoist thought focusing on the concepts of ‘body’ and ‘world’. Most of the previous studies on Suh’s artworks are related to the concepts of diaspora, cultural identity and community ideology. These studies have been conducted from the perspective of Western art history and philosophy. Considering this situation, in order to move away from the existing research perspective, Suh’s artworks and thoughts are examined through the perspective of Taoist thought from Eastern philosophy. Through this attempt, this paper tries to broaden the relationship between Eastern philosophy and Korean contemporary art, and expand the perspective of art philosophy for understanding contemporary art. In this study, Suh’s Home series is considered as ‘site-specific art’, and this paper is conducted by defining site-specific art as an artwork, which focuses on the relationship between the body and the place(the world). In the experience of site-specific art, the body of the viewer cannot be explained by the mind-body dualism, however can be contemplated by the mind-body unity. In this sense, based on the ideas of the mind-body unity and monism in Taoist thought, it discusses the ideas about the body and the world in Suh’s artworks. With this idea, through looking at the artworks of the Home series, I present the interpretation of his artworks and thoughts. In Taoist philosophy, the body is the core existence of human life and a medium, which connects to the world. In Suh’s artworks, the body is also a core issue and the central medium, which becomes one with the world and others. For Suh, Home is a representation of his body and its memories and experiences, as well as an extension of his body. The mobility and variability of Suh’s Home can be seen as a contemporary transformation of Eastern folding screens or hanging scrolls. Also the translucency of his Home makes the relationship between space and viewers more connected, which can be understood in terms of Zhuangzi’s concept of material and immaterial spaces, and ​​the unity of things and nature. In addition, Suh’s tendency to connect his installations with the surrounding environment, space and viewers as one, can be examined in the monistic way of Taoist philosophy.

서도호의 설치작업과 생성의 미학

이원숙 한국기초조형학회 2018 기초조형학연구 Vol.19 No.3

The relationship of 'individuals and groups' and multi-layered empirical space in Suh Doho'sinstallation arts can be interpreted in the theory of 'Becoming'of Deleuze, Rhizome, for his artsexpress a long process searching for the changing identity through oscillating between themes ofindividual and collectivity, East and West, self-defence and loss-of-self. Yet they are presentedas interconnected through a paradigm of coexistence. Focusing on 'relationship'and 'space', theysuggest harmony through dismantling of dichotomy through transverse between 'I' and 'others',leaving and staying, movement and settlement. This is explained as Rhizome which has nobeginning, no end, and no root. Suh Doho's Installation arts show the process, smudging the line, connection and conjunction,indeterminacy, and 'the individuals and groups' as not opposition but formation of relationships. It can be explained as becoming new one through a connection and an accidental encounter,that is not the only one but changing variable identity. And Rhizome means the middle place,course, 'between-existence', 'between -space', which emphasizes becoming, changing and flowingthrough connecting things. According to Deleuze, 'Rhizome' which has no root but multipleentries and open structure could be the diverse nomadic subjects and space. This paper clarifiesthat Suh Doho's arts showing the possibility of plural identity changing, becoming and the spacecreating the diverse experience, are meaningful and significant with the theory of 'Becoming' of Deleuze. 서도호의 설치작업에 표현된 ‘개별성과 전체성의 관계’ 및 다층적 ‘경험의 공간’ 은 들뢰즈의 생성의 미학, ‘리좀(rhisome)’적 사유로 연결될 수 있다. 서도호의 설치작업은 외부와의 관계맺음을 통해 ‘변화하는 정체성’을찾아 가는 기나긴 여정을 보여주기 때문이다. 특히 ‘관계’와 ‘공간’의 문제에 주목한 그의 작품은 타자와 나, 떠남과 머무름, 이동과 정착의 순환과 교차를 통해 두 항의 공존과 화해를 모색한다. 이는 들뢰즈가 말하는 시작과 끝, 뿌리나 기원을 가지지 않은 리좀으로 설명될 수 있다. 들뢰즈에 따르면 이항 대립구도를 해체함으로써고착화를 벗어난 생성적 사유가 가능하다고 한다. 이러한 생성은 양 극단을 황단하는 사이성, 운동, 열린 구조를 지향하며, 단일한 잣대로 규정될 수 없는 개별적 가치, 인간다움을 회복하는 들뢰즈의 대안 중 하나이다. 서도호의 설치작업은 과정, 경계 흐리기, 비확정성, 관계, 연결과 접속, 완결이 아닌 중도, 획일화에 대한 저항을보여주고 있다. 특히 서도호의 작업은 집단과 개인의 관계를 대립적으로 보지 않고 관계맺음을 통한 정체성의변화과정에 주목한다. 이는 지속적인 변형의 과정을 거치는 주체로서 생성적임을 의미한다. 들뢰즈는 개별성을억압하는 동일성에 문제제기를 하며, 고착화된 사유 안에 매몰되는 것을 경계하는 동시에 타자와의 만남 속에서생성되는 주체에 주목한다. 서도호의 일련의 작품 또한 변형하는 다수의 주체를 긍정하는 생성적, 유목적 주체로 해석될 수 있다. 또한 그의 ‘집 시리즈’의 설치작업은 기원이나 근본을 상정하지 않은 중간, ‘사이에 있기’로설명되는 리좀적 구조를 보여준다. 리좀은 열린, 여러 개의 입구를 가진 구조로서 다층적, 다의적 의미를 만들수 있는 생성의 공간이라 할 수 있다. 본 연구는 실제적 공간의 담론에서 벗어나 두 개의 양극단을 횡단하면서늘 새로운 존재되기를 촉발하는 매개로서 유목적 주체, 또 다의적 경험이 가능한 생성의 공간으로서 서도호 작업의 의의를 밝히고 있다.

현대 미술에 투영된 작가의 기억

최정연(Jung Yeon Choi),김영인(Young In Kim) 한국디자인문화학회 2011 한국디자인문화학회지 Vol.17 No.1

인간의 삶 속에서 그들의 살아있음을 확인하는 과정은 삶의 경험과 함께, 그들의 머릿속에 저장되어 있던 기억 속에서 이루어진다. 그들의 기억을 이루는 요소들은 늘 친숙하지만, 인식하지 못하는 사소한 주변의 대상이기도 하다. 예술가들은 그들의 삶속에서 작품의 소재를 찾으며, 그것들을 예술 작품으로 승화시킨다. 예술가들에 있어서 그들의 기억은 작품을 이루는 중요한 소재이며, 그 기억들은 과거에서 현재로의 전환되고, 그것들은 작가의 주관적 시간을 통해 창작 과정에서 재구성되어진다. 그렇게 형상된 작품은 작가마다의 개성의 표현으로 표현양식과 내용은 차이가 있지만, 그들은 자신만의 기억을 예술적 전환의 대상으로 삼았다는 점에서 그 맥락을 같이 한다. 본 연구는 난해해져 가는 현대 미술에서 작품을 통한 작가의 의미전달을 올바르게 이해하는데 연구의 목적이 있다. 연구의 방법으로는, 문헌을 통한 미적경험과, 기억의 의미를 살펴보고, 인터넷과 서적을 통하여, 현재 활동하고 있는 작가를 선정, 그들의 섬유조형 작품을 발췌하여 그것들을 분석하였다. 본 연구의 범위는, 미적 경험의 의미와 기억의 정의, 그리고 섬유 조형의 개념과 역사, 자전적 기억을 중심으로 섬유 소재로 작품화한 설치 작가 서도호와 루이즈 부르즈아(Louise Bourgeois)의 경험적 기억과 섬유 조형작품 특성을 포함한다. 연구의 내용으로는 작가의 삶 속에서의 미적 경험과 그것을 저장하는 기억에 대하여 살펴보고, 현대 미술을 이해하기 위한 방법으로, 섬유 재료를 통하여 작품을 형상화하는 현재 활동 중인 설치작가 서도호와, 루이즈 부르주아를 선정하여, 그들의 경험과 기억을 연관하여 작품을 분석하여 보았다. 연구 결과, 서도호는 타국에서 생활하고 있는 삶속에서의 과거 한국에서의 경험을 기억을 섬유 소재의 투명성과, 색채, 형태 디테일의 변화로 표현하면서, 관객의 소통을 시도하였고, 루이즈 부르즈아는 유년 시절의 가족으로부터 받은 상처의 기억을 비균형적인 형태의 바느질 기법으로 작품을 형상화하여, 관객과의 소통을 꽤하고 있었다. 이 두 작가의 작품을 살펴본 결과, 작가마다 작품을 표현하는 형태와 기법은 다양하였으나, 작품에 투영된 작가의 기억은 그들의 내재된 삶 속의 경험이 바탕이 되었으며, 이렇게 표출된 작가의 기억은 현대 예술을 이해하는데 있어서, 작품과 관객의 소통을 돕는 중요한 소재임을 도출하였다. In addition to human-beings` experiences, their lives can be determined whether they are alive or not through the memories recorded in their minds. The components composing the memory are the objects which are easily found around their lives but occasionally neglected. Artists are generally searching for the objects of the arts from their lives and express as the artistic products. For artists, their memories are the important subjects to create the arts and artists, in their creation process, reconstruct the memories transformed from the past to the present. Although the arts created by this process can be expressed variously by the artists` own way, their own memories are commonly used to create the arts. The aim of this study is providing an appropriate way to understand the artists` message through the obscure contemporary arts. The methods of the study, aesthetic experience through literature, and examine the meaning of memory, through the Internet and books, the contemporary artists selected the current activities, and excerpts from their fiber sculptures of them were analyzed. This study covers the meaning of artistic experience, definition of the memory, the concept and history of the fiber plastic design and the characteristics of the arts created based on the memories of Do-Ho Suh and Louise Bourgeois. In this study, I analyzed the artistic experiences and memories in the artists` lives and investigated the relationship between the works and experience from the works by Do-Ho Suh and Louise Bourgeois. As a result, it was found that Do-Ho Suh tried to communicate with the audience through the works express his memories based on the experience in Korea by changing the transparency, colors and detailed shape of the fibers. In the case of Louise Bourgeois`s works, the painful experiences and memories were expressed by unbalanced sewing technique. From the works of these two artists, it was concluded that the artists` memories reflecting their lives are the significant materials for the arts although various techniques can be used.

현대 설치 미술에서 패션 오브제의 특성과 의미 - 루시 오르타, 서도호, 아이 웨이웨이의 작품을 중심으로 -

고예지,주보림 한국패션디자인학회 2024 한국패션디자인학회지 Vol.24 No.4

20세기 초의 오브제 중심 미술은 현대 미술의 역사를 혁신했고, 역사 속에서 현대 미술과 패션의 교류는 분야 간 연관성과 표현적 유사성을 공유했다. 의상은 단순히 피복을 감싸고 보호하는 것 이상으로 문화적, 정치적, 사회적 가치를 내포하기에 여러 미술가에게 매력적인 소재로 채택되었다. 본 연구는 현대 설치 미술 에서 패션 오브제의 활용을 분석하여, 예술과 패션 간의 상호작용을 탐구하는 데 목적을 두었다. 연구 방법으 로는 문헌 검토, 작품 감상 및 해석, 사회적 맥락 분석, 그리고 비교 분석을 사용하였다. 연구 대상은 루시 오르타, 서도호, 아이 웨이웨이의 대표 작품으로, 각 작가당 4~7개의 주요 작품을 선정하여 총 15여 개의 작품 을 선정하였다. 분석 기준은 작품의 역할 내 수행 방식과 의미를 분석하는 절차를 따라 분석되었다. 루시 오르타는 착용 가능한 의복을 통해 생존과 연대를 표현한 작품을 생산하고, 서도호는 제복과 군복을 통해 개인과 집단의 관계를 탐구한 작품이 중점적으로 파악되었다. 아이 웨이웨이의 경우, 패션 오브제를 통해 중국의 정치적, 인권적 메시지를 전달하는 것이 특징으로 파악되었다. 결과적으로, 패션 오브제는 기성품의 조합, 새로운 오브제의 형성, 주제에 대응적 오브제 활용이라는 세 가지 주요 양상으로 활용되었음을 발견하 였다. 이 같은 분석을 통해 현대 미술과 패션의 복잡한 상호작용을 조명하며, 예술과 패션의 융합이 새로운 미술적 담론을 형성하는 방법을 제시하였다. 본 연구는 패션 오브제를 현대 설치 미술의 핵심적 표현 도구로 분석함으로써, 예술과 패션의 융합적 연구 가능성을 제시하고, 이를 통해 현대 미술의 담론을 확장하는 데 기여할 것이다. The object-centered art of the early 20th century revolutionized the history of modern art, and throughout such a trajectory, the exchange between contemporary art and fashion has shared associations and expressive similarities across their disciplines. Clothing, beyond its function of covering and protecting the body, carries cultural, political, and social values, making it an attractive subject for many artists. This study aims to explore the interaction between art and fashion by analyzing the use of fashion objects in contemporary installation art. The research focuses on the representative works of Lucy Orta, Do Ho Suh, and Ai Weiwei, analyzing a total of 15 works, with 4 to 7 major works selected for each artist. The research methods include literature review, artwork analysis, interpretation, social context analysis, and comparative analysis. Each work was analyzed based on the role the fashion object plays within the artwork and the messages the artists aim to convey. Lucy Orta’s works focused primarily on wearable garments expressing survival and solidarity, while Do Ho Suh’s works explored the relationship between individuals and collectives through uniforms and military attire. Ai Weiwei’s works conveyed political and human rights-oriented messages using fashion objects in the context of China. The study found that fashion objects were utilized in three primary ways: the combination of ready-made products, the formation of new objects, and the use of objects corresponding to specific themes. Thus, the study shed light on the complex interaction between contemporary art and fashion, highlighting how the fusion of art and fashion creates new artistic discourse. This study aimed to analyze fashion objects as a pivotal expressive medium in contemporary installation art, thereby proposing the potential for integrative research between art and fashion, and contributing to the expansion of discourse in contemporary art.

글로벌 시대의 탈중심화와 한국현대미술의 흐름 - 이동, 경계 그리고 혼종을 중심으로

사승현(SA SEUNG HYUN) 명지대학교 문화유산연구소 2019 미술사와 문화유산 Vol.8 No.-

1989년 냉전이 끝나고 신자유주의 시대로 들어서면서 몇몇 나라들이 독점하던 자본과 정보, 기술과 문화는 탈중심의 길을 걷게 된다. ‘중심’과 ‘주변’의 관계가 아니라 ‘주변’과 ‘주변’의 시스템이 구축되면서 도시의 역할이 대두되고 지역의 특수성 강조됐다. 이에 따라 서구 미술이 중심이던 예술계도 비서구 미술에 대해 급격히 관심을 키우게 되었고, 1980년대부터 유럽과 미국 이외의 지역 미술을 국제 전시에서 소개하기 시작했다. 또한 비엔날레와 같은 국제 전시들이 급격히 증가하면서 지역의 작가들이 세계적으로 활동할 수 있는 환경이 조성된다. 이에 따라 한국의 동시대 미술계에서도, 단지 지역 작가라는 특수성만으로 주목받는 것이 아니라, 문화의 보편성과 특수성의 사이에서 고민하고 그 경계에서 작품을 창조하는 작가들이 생겨나기 시작했고 대표적으로 서도호 양혜규가 있다. 그들은 세계를 여행하고 경험하며 주변과 중심의 경계를 흐리는 사이 공간을 탐구하며 ‘집’과 ‘중간 유형’ 시리즈와 같은 작품들을 생산했다. 두 작가가 사이 공간에서 만들어낸 담론을 통해서 본 논문은 글로벌 시대의 시작에서부터 현재까지 한국의 동시대미술이 세계미술계에 합류하게 된 흐름을 고찰한다. Capital, information,technology, and culture that had been monopolized by select countries has begun to de-centralize as the world has entered the Neoliberalist era after the end of the Cold War in 1989. With the construction of the “margin-to-margin” system-which differs from the “center-to-margin” system-the role of individual cities came to the fore, and local characteristics were emphasized. As a result, the Eurocentric art world began to place interest on non-Western art, introducing art from areas other than Europe and North America through exhibitions since the 1980s. Furthermore, the explosion of international shows, such as biennales, fostered local artists to work globally. Accordingly, artists who created works that pondered on cultural specificity versus universality and made works on the boundary appeared in the Korean contemporary art scene, such as Do-ho Suh and Haegue Yang. While traveling and experiencing the world, the two artists created works such as the Home series and the Intermediates series, respectively, exploring “in-between spaces” that blurred the boundary between the center and the marginal. Through the discourse of “in-between spaces”formed by Do-ho Suh and Haegue Yang, this thesis explores the convergence of Korean contemporary art with the international art world since the beginning ofthe global era.

서도호와 장소 특정적 미술의 새로운 모델 Ⅰ

이재희 미술사와 시각문화학회 2025 미술사와 시각문화 Vol.35 No.-

In 1999, Do Ho Suh created a life-size replica of his childhood home using gauzy, translucent green silk. Entitled Seoul Home/L.A. Home/New York Home/Baltimore Home/London Home/Seattle Home/L.A. Home, the work has largely been assessed as the artist’s strategic incorporation of Koreanness amid a surging interest in multicultural discourse. Seoul Home, however, was an audacious attempt to rethink the possibilities and limitations of the existing mode of site-specificity. According to Suh, once a site-specific work is removed from its original location, it may no longer offer a phenomenological experience of the place. Yet this severance can open up the possibility for the work to act as a sculptural object that evokes the memory of that place. More significantly, as the piece travels, it gestures toward the lingering discursive specificity of each city, even within the abstract, homogenized space of late capitalism. This article, the first in a two-part study, traces how Suh reconfigured Seoul Home as a mnemonic device through his engagement with the figuration discourse of 1980s Korean art and the commemorative logic of the NAMES Project AIDS Quilt in early 1990s America. In doing so, it proposes a new model of site-specificity—one that foregrounds mobility as a mnemonic and spatially generative force.

서도호와 Hussein Chalayan 작품에 나타난 창의성

이윤경 ( Lee Yoon-kyung ) 한국디자인트렌드학회 2013 한국디자인포럼 Vol.41 No.-

Creativity involves the production of novelty. The process of discovery involved in creating something new appears to be one of the most enjoyable activities any human can be involves in. Which place is best depends on the total configuration of a person`s characteristics and those of the task he or she is involved in. The more flow we experience in daily life, the more likely we are to feel happy overall. This study has analysed the work of Doho Suh and Hussein Chalayan in gallery, interview, literature data and internet., etc. from the end of 1900s to 2013. As a result, an international artist or/and designer, Doho Suh and Hussein Chalayan have shown creative thinking resources in their work process based on 1) configuration of experiential memory 2) reproducing time and space through limited accident and unlimited intervention. It means artist`s creative idea related with passed experience and which can be an appearance into his work. In this study, there is a developed process via creative work in art and fashion design. Using student`s individual experience in design class can be help every single student`s creative ideas development in the future.

서도호의 ‘완벽한 집’으로의 여정 -사적인 것과 공적인 것의 사이 표상-

강혜승 한국기초조형학회 2025 기초조형학연구 Vol.26 No.2

This study aims to examine the concept of the “perfect home,” a theme that artist Do Ho Suh has speculatively explored in his artworks, through the lens of the private realm. The research takes inspiration from Suh’s solo exhibition held at Art Sonje Center, Seoul, in 2024, and his upcoming solo exhibition scheduled for the first half of 2025 at Tate Modern, London. It examines home not as a physical structure but as a private domain, with a focus on Suh’s continuous relocation and his pursuit of the “perfect home.” To achieve this, the study employs Hannah Arendt’s concept of “property,” as presented in her work The Human Condition, as a theoretical framework for distinguishing the private from the public domain and discussing the private character of the spaces inhabited by Suh’s body. According to Arendt, property forms the basis of an individual’s sense of place within the world, extending from the body to objects that bear the marks of one’s existence. Within this context, the study identifies the home symbolized in Suh’s works as originating in the familial sphere, shaped by the “name of the father,” thus confirming the domestic space as the most private realm. After separating from the home, which serves as the foundation of his constructed identity, Suh’s perspective shifts toward recognizing individuality embedded within the collective. For the artist who explores bodily mobility, clothing represents the smallest occupiable space for the body, suggesting that home is an extension of clothing. Lastly, this paper uses the theme of the “perfect home” to examine private representations of subjects with unique spatial belonging, emphasizing Suh’s artistic journey and his fluid individuality, which contrasts with the rigidity of ideologically constructed Korean collective identity.

서도호의 설치작업을 중심으로 본 공동체에 대한 질문들

이지은 명지대학교(서울캠퍼스) 인문과학연구소 2011 인문과학연구논총 Vol.32 No.-

Suh Do-ho's installation of houses questions aspects of dualism by coupling of two seemingly opposite terms such as the past and the present, east and west, and the individual and the collective. Folded and packed into a suitcase, the house in fabric is portable. It also fits the artist’s lifestyle, since he relentlessly travels from one place to another for projects and exhibitions. Nomadism, as Rosi Braidotti explains, “consists not so much in being homeless, as in being capable of recreating your home everywhere.” In case of Suh, this definition of nomadism suits well. But the artist’s ‘homes’ play roles that are different from their mundane counterparts. Far from being a nest for rest, the house in fabric contests and criticizes the notion of belongingness that we use to define the meanings of one’s home and community.

한국 동시대미술 속 군대 표상에서 드러나는 정치성 - 푸코의 권력이론을 통한 박경근, 서도호, 오인환의 작품 분석

김영인(Youngin Arial Kim) 한국근현대미술사학회 2020 한국근현대미술사학 Vol.40 No.-

해방 이후 한국 근현대미술사에서 군대 표상에 관한 연구는 한국전쟁기(1950-1953) 혹은 1960-1970년대 군사정권시기에 제작된 작품을 집중적으로 다뤄왔다. 한국전쟁기의 군대를 묘사하는 작품은 주로 전장의 상황이나 전쟁의 참상을 재현하며, 기록적 성격을 띤다. 나아가 박정희 정부(1961-1979)의 주도로 만들어진 기념 동상이나 민족기록화 속의 군대 이미지는 해당 정권이 내세운 국가건설과 민족문화진흥이라는 테제를 반영한다. 위 두 시기의 작품에 대한 미술사적 서술은 비교적 축적되어 온 반면, 군 표상을 다룬 한국 동시대미술 작품에 대한 종합적 연구는 흔치 않다. 이 논문은 한국 동시대미술에서 발견되는 군대 표상의 정치적 특성을 규명하는 것을 목표로 한다. 오늘날의 대한민국은 탈냉전 시대에도 여전히 휴전 중인 분단국가로서, 헌법에 국방의 의무를 명시하고 있다. 따라서 대한민국 남성 국민은 병역의 의무를 수행해야 한다. 이와 같은 특수한 정치적 조건을 목도하거나 직접 경험한 동시대 미술가들은 다양한 형식의 미술실천을 통해 군대 표상을 다루어 왔다. 본고는 특히 박경근(1978- ), 서도호(1962- ), 오인환( 1965- )의 2000년대 이후 작품에서 군인, 군 조직, 병영문화, 군대문화 등 군대를 상징하는 이미지를 분석한다. 세 작가의 작품을 연구하는 데 있어 본고는 프랑스 철학자 미셸 푸코 (Michel Foucault, 1926-1984)의 권력이론을 개념적 틀로 사용한다. 푸코는 권력이 사회제도와 결합하여 개인의 삶에 영향을 끼치는 방식에 천착했다. 본 연구는 푸코의 권력이론 중에서도 특히 그가 저서 『감시와 처벌(Surveiller et punir)』(1975)에서 논구한 규율권력 개념을 통해 박경근, 서도호, 오인환의 작품 속 군대 표상을 분석하고, 규율권력의 정치적 특성이 드러나는 부분을 규명한다. 정치철학 담론을 미술사 연구에 적용하고자 시도한 본 연구가 한국 동시대미술 작품 속 군대 표상에 대한 담론을 보다 확장할 수 있기를 바란다. This study delves into military images in Korean contemporary artworks, applying the theory of disciplinary power by French theorist Michel Foucault (1926-1984). It summarizes the history and various characteristics of disciplinary power and refers to them to analyze military images in the works of Kyung Kun Park (1978- ), Do Ho Suh (1962- ), and Inhwan Oh (1965- ). Identifying how they reflect the politics of disciplinary power, this paper also compares the artists’ varying perspectives regarding the disciplinary power in the army: ambivalent or critical. After Korea’s liberation from the Japanese colonization (1910-1945), research on military images in Korean art has mostly focused on the two historical periods: the Korean War period (1950-1953) and the military regime in the 1960s and the 70s. Military images from the former period are mostly limited to those of soldiers and troops fighting in the battlefields. Public monuments and the National Documentary Paintings promoted by the Park Chung-hee government (1961-1979) consist of military images from the latter period. Heroic soldiers and battles won were frequently portrayed, reflecting the regime’s agenda of nation-building and the promotion of national culture. While research on the military images from these two periods has been accumulated, few are available on those in Korean contemporary art. This paper investigates this so far overlooked topic. As the Korean War has not officially ended since the ceasefire in 1953, all males over the age of eighteen in South Korea are required to complete their military obligation. Korean contemporary artists affected or inspired by these circumstances have incorporated military images representing soldiers, military organization, and military culture in their artworks. This paper examines the examples in the contemporary works of Kyung Kun Park, Do Ho Suh, and Inhwan Oh since the 2000s. Employing the political theory of power to interpret their artworks, it aims to expand the academic discussion on military images in Korean contemporary art.