'Art to Wear'전시에 나타난 국내외 의상의 유형별 분석 연구 -광주비엔날레 국제미술 의상전시회를 중심으로-

유명의 한국일러스아트학회 2010 조형미디어학 Vol.13 No.2

The costume has to developing with the infinite possibilities of expression as representing to aesthetic consciousness and psychology of our contemporaries. It become more important in the culture. Especially, aesthetic movement create various forms of costume and continue to grow in the early 20th century which art included the costume. Since the mid-19th century, 'Aesthetic Movement' propose a new concept of art including costume. people are interested in the phenomenon of ‘Art to Wear Movement' from the late 1960s to 1970s with America as the center. 'The international art to wear' exhibited in the Gwangju biennale for 5 times over the last decade. The interest of 'Art to wear' spread into many related organizations and exhibition was rapidly grow. I was faithful to continuing role in Gwangju biennale 'The international art to wear ' and feel the need to research for the 'The international art to wear' which was representing to movement of the 'Art to wear' on the international stage. In this study, I analyzed into types for the meaning and art works. The exhibition consisted of art work which was emphasized central aspect of the theme and divided in to two types which were wearable and unwearable. The concept of 'Art to wear' was in the main theme of the biennale exhibition. In this research, I found out the relation with development of American or Europe and change of the aesthetic value of a sculpture, symbolism and image by exhibitions. The costume as an art, 'Art to wear' is the art work which take position near human body. It is basically identical with paintings or sculpture to display on the wall and appreciate art. Follow advanced cultural country, costume is one of important product display both in the showcase and art gallery or museum. In Korea, it is our expectation that costume related exhibition will held in the museum and gallery frequently. From this research, I look forward to massive development in field of 'Art to Wear' and to create with specialist and interest for 'Art to Wear'. 현대인들의 미의식과 심리를 반영하는 다양한 표현수단으로서, 문화적 중요성이 더욱 커지고 있는 의상은 무한한 표현의 가능성을 가지고 발전하고 있다. 특히 20세기 초 의상을 포함시켜 이루어졌던 예술분야의 많은 움직임들이 의상을 다양한 형태로 계속 발전시켜왔다고 할 수 있다. 19세기 중반 영국에서 시작된 'Aesthetic Movement'는 의상을 포함한 예술에 대한 새로운 개념을 제시하였고, 1960년대 후반에서 1970년대에는 미국을 중심으로 ‘Art to Wear Movement'현상이 관심을 받게 되었다. 우리나라에서는 순수미술의상행사인 광주비엔날레(1995-현재)에서 ’국제미술의상전시회‘가 10년 동안 5회에 걸쳐 개최된 바 있다. 이를 계기로 예술 의상에 대한 관심이 확산되어 관련단체와 전시회가 급속하게 늘어나게 되었다. 광주비엔날레 ’국제미술의상전시회‘에서 지속적인 역할을 담당해온 본 연구자는 한국에서의 ’Art to Wear'에 대한 관심의 시발점이자 수도권을 중심으로 한 다른 지역, 또 국제무대에서 한국의 ’Art to Wear'의 움직임을 보여준 광주비엔날레 국제미술의상전시회에 대한 연구가 필요하다고 판단되어 그 의미와 출품작품들에 대한 유형별 분석을 하였다. 광주비엔날레 ‘국제미술의상전시회’는 미술행사인 본전시의 주제에 맞추어 의상의 예술적인 측면을 강조한 작품들이 주류를 이루며 Wearable과 Unwearable의상이 함께 전시되었다. Art to Wear의 Item이나, Silhouette, Material은 비엔날레 전시주제와 그 맥락을 같이 하였고 출품된 Art to wear작품의 조형성, 상징성 및 Image에서도 전시 차수에 따른 변화는 물론, 유럽 또는 미국의 예술 의상의 발달과 서로 관련성이 있음을 파악할 수 있었다. 예술로서의 의상, 'Art to wear'는 벽에 걸어놓고 감상하는 회화나 조각 작품처럼 인체와 가장 가까이 위치하는 예술품의 하나로도 볼 수 있었다. 의상도 상품의 진열장에서 뿐 아니라 미술관 또는 박물관에서 전시되는 중요한 예술품의 하나인 문화선진국의 예처럼, 우리나라에서도 앞으로 많이 확충이 될 박물관과 및 갤러리에서 예술의상 관련 전시회가 빈번하게 이루어질 것으로 예견된다. 따라서 이 연구를 계기로 ‘Art to Wear’에 대한 많은 관심과 전문가의 탄생으로 ‘Art to Wear’분야의 더욱 큰 발전을 기대한다.

페미니즘 미술에 나타난 의상의 상징적 의미

조정미 ( Cho Jung Mee ) 한국디자인트렌드학회 2018 한국디자인포럼 Vol.23 No.4

연구배경 페미니즘 미술에서 의상은 여성의 정체성을 가장 잘 표현 하는 개념적 매체이다. 미술가들은 그동안 여성이 겪었던 폭 넓은 삶의 문제를 의상을 통해 다양하게 전달하려 노력하였다. 본 연구는 페미니즘 미술에서 의상을 통해 전달되는 상징적 의미를 범주화하여 분석하는 것을 목적으로 하였다. 연구방법 페미니즘 미술의 이론적 논의를 위하여 문헌연구를 수행하고, 이를 기초로 1960년대 이후 발표된 페미니즘 미술 중에서 의상이 개입된 작품을 문헌조사와 인터넷 자료조사를 통하여 조사하고 분석하였다. 연구결과 페미니즘 미술에서는 개념미술에서 일반화된 매체적 형식 외에 차별화된 형식적 특성이 있다. 순수예술에 비해 열등한 것으로 여겨졌던 바느질과 퀼트 같은 여성공예 기법을 도입하였으며, 여성의 몸을 미술 작품의 구성 요소로 끌어 들인 것이다. 페미니즘 작가들이 의상을 통해 전달하려 했던 메시지는 결혼제도 안에서의 억압과 여성의 부재, 처녀성의 강요와 성적 만족을 위한 결혼, 여성의 성적 도구화와 상품화, 여성에 대한 정신적, 육체적 폭행과 성적 유린, 생물학적 생식이나 사회 활동과 관련된 재생산, 여성 신체의 이상화를 위한 신체적 억압, 여성성의 다원화와 문화적 차이 등으로 범주화 시킬 수 있었다. 결론 페미니즘 작가들은 여성의 삶의 다양한 문제들을 의상을 통해 표현하여 여성을 나타내는 또 다른 언어나 표현방식을 만들었다. 이러한 문맥 속에서 의상은 결혼, 신부, 처녀성, 월경, 자궁, 태아, 강간, 죽은 여인, 상품화된 여성, 계층, 다원화된 여성성, 문화적 차이 등의 개념적·상징적 역할을 수행하였다. Background In Feminism art, costumes are a conceptual medium that best expresses identity of women. Artists have attempted to express diversely a wide range of life issues experienced by women. This study aims to categorize and analyze symbolic meanings expressed through costumes in feminism art. Method First, literature review was conducted for theoretical discussions of feminism art. Based on this review, the works of art involving costumes in feminism art released since the 1960s were explored and analyzed through literature review and the Internet search. Results There are some unique formal characteristics in Feminism art, which are distinguished from media forms generalized in conceptual art. Feminism art introduced feminine crafts such as sewing and quilting which used to be regarded inferior to pure art and embraced women’s body as elements of construction for works of art. The message that feminist artists meant to deliver through costumes can be categorized as suppression of women in the hierarchical marriage system, forced virginity and marriage as a means of sexual satisfaction, sexual instrumentalization and commercialization of females, psychological and physical violence and sexual exploitation of women, re-production related to biological reproduction or social activities, physical suppression of women to enforce an ideal body shape, diversification of femininity and recognition of cultural differences. Conclusion Feminist artists have created another language or a new mode of expression to represent women by expressing a wide range of women's life issues through costumes. In such a context, costumes have fulfilled an important role in conceptualizing or symbolizing such things as marriage, bride, virginity, menstruation, womb, embryo, rape, dead women, commercialized women, diversification of femininity, class, cultural differences, etc.

보문 : 개념미술에서 의상의 역할

조정미 ( Jung Mee Cho ) 한국의류학회 2011 한국의류학회지 Vol.35 No.7

Fine art and clothes have been closely connected since art became part of civilization. However, there relationship was one-sided rather than exchanging the essence of each other. In the 20th century, modern art began to change. Artists started intervening clothes in their work as conceptual tools. In the 1960s, Marcel Duchamp started to study ``what is fine art?`` He tried to perform anti-aesthetic work that denies traditional types and contents of fine art by reconsidering a concept of fine art that started a new chapter of conceptual art in the late 20th century. Conceptual art is about concepts and ideas of the work rather than aesthetic and material concerns for the challenges traditional ideas. Conceptual art asks audiences for more active reactions. For these reasons, semi logical ideas and clothes became very important to conceptual art. This study categorizes and analyzes various roles of clothes in conceptual art. Conceptual arts since 1960 were studied in this research and the works of clothes were intervened were analyzed. The types of using clothes in conceptual art can be divided into ``ready made,`` ``intervention,`` ``data type,`` ``language,`` and ``action and process.`` The different types were mixed together rather than used alone. Conceptual artists tried to deliver the characteristics and attributions of modern society through clothes. They expressed criticism of political society, anti war movements, absence caused by death, new lives, violated femininity, changed meanings of marriage, and absence of individual rights under the social system in their work. Clothes played their roles as concepts of various things including violated femininity, illusions of politicians, autocracy, new lives, social systems, and regulations.

현대미술에 나타난 의상 표현에 관한 연구

이영재(Young Jae Lee),김희라(Hee Ra Kim) 한국디자인문화학회 2008 한국디자인문화학회지 Vol.14 No.1

현대 미술에 표현된 예술의상의 상징성 연구

허정선(Jung Sun Huh),금기숙(Key Sook Geum) 한국복식학회 2005 服飾 Vol.55 No.7

종이재료를 활용한 패션조형수업 사례연구

박혜숙 한국기초조형학회 2017 기초조형학연구 Vol.18 No.6

Fashion formative is a sculpture utilizing the human body and is recognized as a work of art regardless of the possibility of wearing. The basic curriculum that can systematically acquire these fashion formative skills is an important program that demonstrates the formative and originality. The system is acquired to teach how to realize concrete works through new design ideas, experimentation of the materials, and new forms of implementations. In addition, as the inter-material area expands and the boundaries between plane and stereoscopic work becomes blurred, contemporary fashion designers and artists are attempting to work on paper that combines paper formative with fashion, also known as paper art wear. Moreover paper can be used not only as a malleable materials to express artistic expressions, but also to construct a three-dimensional form expression through various transformations using numerous merits that can be asserted only by paper. In addition, it can play a role as an expression medium with creative conditions in modern formative art that can embody three - dimensional feeling by lines, planes and materials using various paper formative techniques. The purpose of this study is to develop the basic formative curriculum which is necessary for the students majoring in fashion design to understand the principles of basic molding through several experiments in order to solve the problems by themselves. The following is the summary of the results according to the progressed class contents. First, students of fashion majors are to understand the characteristics of paper materials and envision ideas. Second, students will understand the principles of formative in concept setting, idea confirms and unit developments to use new materials such as tearing, collage, creasing, scissors, burning, punching and weaving using distinct paper substances while acquiring the formality that harmonizes with the human body while focusing on expressing the form. Third, we tried to induce diversity of basic formative programs and wide approach to materials based on the results of these lessons, however, since the satisfaction survey after the class and the improvements were not enough, further study is needed. On the other hand, paper formative work in basic molding education is considered to be a necessary educational method in a timely manner. Through this study, it is expected that it will be utilized as an effective basic formative teaching method in design education. 패션 조형은 인체를 활용한 조형물로써 착용가능성과 상관없이 예술작품으로 가치를 인정받고 있는 분야이다. 이러한 패션 조형 능력을 체계적으로 습득할 수 있는 기초 교육 과정은 조형성과 독창성을 발휘하여 새로운 디자인 발상과 소재의 실험, 그리고 새로운 형태의 구현을 통해 구체적인 작품을 실현해 나가는 방법을 익힐 수 있는 중요한 프로그램이라 할 수 있다. 더욱이 소재간(間) 영역이 확장되고 평면과 입체 작업의 경계가 모호해지는 가운데 현대 패션 디자이너와 아티스트들이 종이조형을 패션에 접목시킨 페이퍼 아트 웨어(paper art wear)작업을 시도하고 있는데, 이는 종이재료가 예술적 표현을 나타내는 조형재료로써의 역할 뿐만 아니라, 종이로만 표현 할 수 있는 여러 장점을 이용하여 다채로운 변형을 통해 3차원적 형태표현을 구성하는 데에도 용이하기 때문이다. 본 연구는 패션디자인을 전공하는 학생들이 조형적 작품을 제작함에 있어 스스로 문제를 해결하기 위해 다양한 실험을 통해 기초 조형의 원리를 파악하는데 필요한 기초조형 교과목 개발을 목적으로 하고 있다. 연구의 결과를 정리하면 다음과 같다. 첫째, 패션전공 학생들에게 종이재료에 대한 특성을 이해하고 아이디어를 구상하도록 하였다. 둘째, 학생들은 컨셉 설정, 아이디어 컨펌(confirm)과 유닛(unit) 개발 과정에서 조형의 원리를 이해하고 여러 가지 종이 재료를 이용하여 찢기, 콜라주, 주름잡기, 오리기, 태우기, 뚫기, 엮기 등 새로운 재질감과 형태를 표현하는데 중점을 두면서 인체 바디와의 조화를 이루는 조형성을 습득하는 과정을 경험하도록 하였다. 셋째, 이러한 수업의 결과를 바탕으로 기초조형 프로그램의 다양화와 재료에 대한 폭 넓은 접근을 유도하고자 하였으나 수업 이후의 만족도 설문 조사와 개선 사항에 대한 논의가 부족 하였기에 후속 연구가 필요하다 사료된다. 그러나 기초조형 교육에서의 종이 조형 작업은 시기적으로 필요한 교육 방법이라 여겨지며 본 연구를 통하여 디자인교육에 효율적인 기초조형 교수법으로 활용되기를 기대한다.

전통한지를 활용한 현대미술작품과 예술의상의 조형성과 내적의미에 관한 연구

한연희 한국니트디자인학회 2019 패션과 니트 Vol.17 No.3

To apply on development of creative fashion designs, this article reviews the formativeness of Hanji works by contemporary artists, and the examples of art to wear made with Hanji. The history and utilization of hanji as the theoretical background, Hanji artworks by five leading contemporary artists in Korea and art to wear using Hanji and Mulberry fiber after 2012 were reviewed. Author reviewed the literature related to Hanji, leading papers, newspaper articles, the contents of artists’ homepage, exhibition brochures, and professional gallery archives. The results are as follows. First, it can be seen that Hanji works of contemporary art were created from artists’ unique expression techniques based on understanding of the characteristics of Hanji material. Second, Hanji Art works expressed constant concern about the relation between the artists’ inner self-identity and the external world. Thus, Hanji's work was able to establish and demonstrate its intrinsic desire, its awe of nature, and its relationship with the external world. Third, contemporary art works harmonize beautifully with the Korean traditional beauty of Hanji materials and the informal modern beauty of expression styles. Fourth, Hanji art to wear displayed the subject of the work and the artists’ degree of expression, using various techniques and the variability of Hanji based on the human body figure. Fifth, the inner beauty of the Hanji art to wear is derived from the elements of lyricism to nature, the entertainment of the working process, the conflict within human beings, the mental world of the artists, and the traditional Korean beauties. Sixth, the Hanji art to wear was highlighted on the human body based on the properties of Mulberry fiber-traditional Korean paper.

프리다 칼로 작품에 나타나 아르떼 뽀뿔라르

송영복,문남권,최미경,김태중,유화열 한국외국어대학교(용인캠퍼스) 중남미연구소 2005 중남미연구 Vol.23 No.2