“님은 언제 다시 오나”: 노래하는 여성과 노래의 정치학

송화숙 ( Song Hawsuk ) 이화여자대학교 음악연구소 2023 이화음악논집 Vol.27 No.4

한 노래의 존속력이 노래 자체의 질뿐만 아니라 그를 둘러싼 사회적, 문화적, 정치적 맥락에 의해 결정되곤 하는 현상이 대중음악범주에서 낯선 것은 아니지만, <하일군재래>(何日君再來)라는 노래는 이례적이라 할 만큼 기나긴 노래의 생명력을 이어왔고, 60여 년 이상에 걸친 이 노래의 역사에는 그 만큼에 해당하는 중국 근현대 정치ㆍ문화사가 매개되어 있다. 1930년대 상하이 모더니즘을 배경으로 탄생한 이 노래는 ‘시대곡’, 즉 서양음악과 중국 전통음악의 혼종인 중국의 대중음악 스타일을 따르고 있으며, 가사 면에서 대중가요에 흔한 이별을 주제로 하고 있다. 1938년 한 영화에 등장했던 이 단순한 노래가 뜨거운 논쟁의 중심에 서게 된 것은 ‘님은 과연 누구인가’의 문제로, 이러한 논란을 더욱 가중시켰던 것은 이 노래의 화자가 여성이라는 점이었다. 본문을 통해 저우쉬안으로부터 리리리, 리샹란, 덩리쥔에 이르기까지, 여성음악가의 목소리를 통해 발화된 한 노래가-모순적ㆍ대립적으로-다층화되며 굴절되는 과정을 살펴본다. It is common in popular music that the persistence of a song is often determined not only by the quality of the song itself but also by the social, cultural, and political context surrounding it. However in the case of “When Will You Come Back Again 何日君再來” the vitality of the song has continued for an unusual long time; the song, which spans more than 60 years, mediates the modern and contemporary political and cultural history of China. Set against the backdrop of Shanghai modernism in the 1930s, the song follows the Chinese popular music, a hybrid of Western and traditional Chinese music, and its lyric focuses style on the common theme of breakups in popular songs. It was the question of “who is ‘you (君)’” that made this simple song the center of a heated debate, and what made it even more controversial was that the narrator was a woman. From Zhou Xuan to Li Lili, Li Xianglan to Deng Lijun, this article explores the multilayered and contradictory refractions of a song through the voices of female musicians.

“이 죽일 놈의 사랑” : 발라드의 성정치학

송화숙 ( Song Hawsuk ) 한국음악학학회 2017 음악학 Vol.25 No.1

대중음악에서 사랑이야기는 흔한 주제이지만, 다양한 대중음악 장르 중 오직 사랑이야기만을 다룬다는 점에서 발라드는 독특한 장르이다. 본 논문은 1980년대 `주로 남성(적) 화자에 의한 사랑노래, 서정적인 선율, 화려한 화성과 반주 그리고 극적인 절정부`라는 장르적 전형을 완성한 발라드가 특히 1990년대 후반을 경과하며 격정적으로 강화되는 양상에 주목한다. 이 격정화의 특징은 첫째 음악적 내러티브 측면에서 수잔 맥클러리가 칭한 `서정적 절박성`이 더욱 고도화되어 가는 방식, 둘째 가사 (및 이미지)의 내러티브 측면에서 타자의 죽음이나 삭제를 통해 화자의 슬픔, 좌절, 고통을 강화시키는 방식으로 요약될 수 있다. 본 논문에서 이러한 발라드의 격정화와 그 서정적 절박성은 낭만적 사랑 이념의 성립 및 위기, 그리고 남성성과의 관계 속에서 서술된다. In popular music, love story is a common theme, but ballad is a unique genre in that it deals only with love stories among various popular genres of music. Particularly this paper pays attention to the aspect that the ballad, which completed in the 1980s a genre typology of love songs by mainly male narrators, lyrical melodies, brilliant harmonies and accompaniments, and dramatic climax, is fervently intensified by the late 1990s. The characteristics of this fervent ballad are as follows: first In terms of musical narrative, “lyric urgency” by Susan McClary becomes more sophisticated. Secondly, in the narrative aspect of the lyrics (and images), the grief, frustration, and pain of the masculine speaker are strengthened through death or deletion of the other. In this paper, the emotional urgency of this fervent ballad and its lyric urgency are described in the perplexing of the ideation of romantic love and its crisis on the one hand, establishment and identification of maleness on the other hand.

지나간, 잊힌, 잃어버린 소리: 음악적 복고주의의 미디어 기호학

송화숙 ( Song Hawsuk ) 세계음악학회 2017 음악과 문화 Vol.36 No.-

Although recalling or looking back at past time is not only an academic category but a category of universal human behavior, since the turn of the 21st century, so-called retro tendencies have been more intense than ever. Despite the constant warnings that retro, perfume, past, and old-fashioned phenomena are only temporary fads, over the past twenty years, retro has been one of the key words of Korean popular culture and has been transforming itself continuously through this period. Now, even in the media, such as movies, dramas, TV programs, performances, festivals, and various cultural spaces, retro has become a solid area beyond simple fashion. In Korean popular culture, the flow of retro has had a long and lasting influence, and popular music plays a key role in this retrograde trend. The intensity and magnitude of the emotional impact that is transmitted through music function not only when it is individual music itself, but also important in other forms of media, such as movies and dramas - even overwhelming narrative structures and actors to be. Indeed, today`s culture has been addicted to the past, which means it is regressive and regressive? Is it the inevitable departure of the current present in the dead end, the present without the future? Is there no newness to pop music, is there no further progress or innovation? In spite of all these doubts about past-oriented retro, why we are attracted to the message they throw? Is this a romantic and emotional painkiller for the current anxiety, loss and deprivation, and a strategy for the cultural industry to sell even emotions? In order to reach these problems, this paper attempts to describe the meaning of retro as the Off-Modern, as well as the characteristics of retro as media symbols that are reflected by the coexistence and conflict of medial biases.

뮤지카 모빌리스: 기술복제시대의 음악적 매체성 -1970~80년대 카세트 문화를 중심으로

송화숙 ( Haw Suk Song ) 한국음악학학회 2013 음악학 Vol.21 No.1

뮤지카 모빌리스는 “자신의 원천으로부터 빠져나와 다른 곳으로 이동하는 음악, 음악적 원천을 소유하고 있는 사람의 육체적 이동에 따라 배치되는 음악”으로 정의되며, 이 단어가 함의하듯 이는 음악경험이 하나가 아닌 다양한 콘텍스트 형성과정, 즉 탈콘텍스트화-재콘텍스화에 둘러싸이게 됨을 지칭하게 된다. 이러한 특징은 가장 최신의 MP3에까지 이르는 여러 층위의 ‘뮤지카모빌리스’가 공유하는 지점이다. 이와 같은 뮤지카 모빌리스의 논의를 바탕으로 본 논문은 1970년대와 80년대 한국의 카세트 문화를 집중적으로 다룬다. 카세트는 1970년대를 거치며 80년대에 접어들면서 한국음반시장에서 가장 주도적인 매체로 부상했다. 그럼에도 불구하고 이 미디어에 관한 연구는 작가나 히트곡 중심의 서술, 연대기적 접근 등에서 배제되어왔고, 특히 음반이라는 의미가 ‘원반 형태로 이루어진 작품의 총체’나 ‘작가나 예술적 진정성을 담보하는 텍스트’로 굳어져가면서 카세트는 주변적이거나 소모적인 것으로 간주되어왔다. 다른 어떤 미디어보다 카세트가 ‘움직임’과 관련한 뮤지카 모빌리스의 특징들을 음악적으로 매체화하며 변화했기 때문이다. 본 연구는 이 시기 동안 카세트를 중심으로 펼쳐졌던 담론을 비판적으로 검토하고 그를 둘러싸고 형성되었던 새로운 미디어 문화의 의의를 확인함으로써 ‘또 다른 음악미디어의 역사’에 접근하고자 한다. “Music, which anytime and anywhere can be reproduced” means that the one-off musical experience could beyond the limit of specific time and space. It indicates, on the one hand, mass replication and boundless reproduction of music based on the invention of recording technology and on the other the impossibility of musical experience fixed to an only one coordinate. According to Hosokawa Shuhei, who the idea in his theoretical study on walkman conceptualizes, musica mobilis signifies “music whose source voluntarily or involuntarily moves from on point to another, coordinated by the corporal transportation of the source owner(s)”. As the definition, musica mobilis implies that the musical experience surrounded in not the one, but the different processes of context-construction, namely decontextualisation-recontextualisation. It is the characteristic that divers layers of musica mobilis from portable radio (cassette) to MP3. Based on such discussion about musica mobilis, this paper focuses on cassette culture in the 1970s and 1980s. Even though cassette emerges in this time as the decisive music media, existing researches, that mainly concentrate on authorship hit songs, and chronicle, have dismissed cassette culture. Especially since the recording is regarded as ‘the unity of artistic works in discoid form’ and ‘the text ensuring of authenticity author or artistic quality’, cassette is seen as subordinated and wastingly. As the counterpose, this study try to critically examine discourses about cassette culture in this times, verify the importance of this media culture, and consequentially attempt to approach to “the others history of music media”.

팝핑, 사이버 소닉 -사이버 세계에서의 음악 공간

송화숙 ( Haw Suk Song ) 한국음악학학회 2010 음악학 Vol.18 No.1

뉴미디어의 출현 이후 음악의 생산 구조는 혁신적인 변화를 맞이하게 되었으며 이에 따라 음악을 전유하는 방식 역시 급속히 재편되었다. 무엇보다 현실과 가상의 경계를 넘나드는 새로운 음악적 공간의 탄생은 기존의 음악 카테고리, 장르, 형식 등의 전통적 개념들의 범주를 벗어나는 현상으로써, 이를 관찰하는 새로운 해석의 틀이 요구된다고 보인다. 현재성과 현존성을 감싸는 공간 개념 내에서 음악은, 사운드를 통해 존재한다는 본유적 측면에서 바라본다면, 순간적이고 무형적이며, 이러한 의미에서 기보법의 출현에서부터 음반에 이르는 음악 매개체들은 일차적으로 무형이라는 한계를 벗어나 음악적 실체를 확보하고 이를 재현하고 전달하기 위한 수단으로 기능해 왔다고 할 수 있다. 여기에서 전제되었던 것은 음악적 감각과 체험이 매체화를 통해 ``지금-여기``라는 ``현재적 시공간성`` 안에서 재현될 수 있을 것이라는 가능성이었다. 기보를 통한 음악의 시각화 및 보존, 레코드 기술의 발전을 통한 청각적 음질 향상과 재생 시간 연장 등이 그 예들에 속한다. 보다 어려운 문제는 컴퓨터 및 인터넷을 통한 디지털 혁명 이후 가상과 현실의 경계가 모호해짐과 더불어 ``현재적 공간성의 재현 (가능성)``이라는 전제가 엄밀한 의미에서 적용되기 어려워진다는 지점에서 등장한다. 현실, 가상적 현실, 현실적 가상. 이들의 관계들은 복잡하고 다층적으로 얽혀져 있고, 이 속에서 펼쳐지는 음악 실제 역시 복잡다단한 형식으로 급속히 재구성되고 있지만, 현재 이에 관한 학문적 논의들(일상적 논의도 포함하여)은 대개 사이버공간 내에서의 소비 행위 및 저작권 등의 경제적/법률적 차원에 대한 관심으로 편중되고 있다. 이 글은 무엇보다 음악을 총체적인 감각 경험으로 파악하고자 한다는 점에서, 음악을 ``시간적 예술`` 또는 음악을 ``청각적 예술``이라고 제한하는 정의들에서 거리를 두고 있는데, 먼저 1980년대 이후 사회문화 이론에서 펼쳐졌던 ``공간적 전환``(spatial turn) 논의에 주목하여, 지리적/물리적 현상으로 머물렀던 공간 개념이 ``문화적 장으로서 구성``되는 인식론적 전환과정을 다루고 이를 바탕으로 음악적 공간 개념의 전환을 살펴본다. 음악적 시간과 공간의 관계는 특히 음악적 매체의 변화와 관련하여 세 가지로 구분해 설명된다. 첫째는 기보법, 둘째는 녹음, 셋째는 오디오비쥬얼 매체이다. 이러한 매체적 변화 방식에 대한 문화적/역사적 조망을 바탕으로 사이버 스페이스라는 새로운 미디어적 공간에서 음악적 실제는 어떠한 방식으로 구성되는지 이들과의 비교를 통해 고찰될 것이다. Along with the development of new media, the structure of music production/reproduction has hugely renovated and the way of musical appropriation has rapidly reorganized as well. Especially, the birth of new musical space that transcends boundaries of reality and virtuality breaks the traditional notion of music such as musical category, genre and form; thus, it demands a new frame of interpretation. In terms of space, which implies the presence and the existence, music is instantaneous and intangible. In that sense, the musical media -from the invention of notation to the disc- have played a significant role in securing musical substance, based on the premise that musical experience could be represented in "present space and time(i.e. here and now)": Visualization of music through notation and auditorial preservation of music through recording exemplify this. However, due to the digital revolution through computer technology and internet, the boundary of the real and the virtual has become ambiguous, thus the premise -the possibility of representation of present space and time of music- is, in strict sense, now hard to apply. Relation of reality, virtual reality and real virtuality is tangled in complicated and multi-dimensional ways, and musical practices are also reorganized into complicated forms. Nonetheless, the current academic discussions seem to only give an emphasis on the economic or legal issues (for example, digital consumption or copyright) in cyberspace. This paper defines the music as a whole sensual experience, distinguishing it from the traditional and restrictive definitions such as "music as a time art" or "music as an auditive art". First, this paper focuses on the "spatial turn" discussion in socio-cultural theories from the late 1980`s, in which the concept of space changed from a geographical/ physical dimension to a cultural one. This conceptual turn is explored in forming -and changing-process of the concept of musical space. Then, the relation of musical time and space is discussed in terms of transition of musical media(notation, recording, and audio-visual media). Critically reviewing this medial transformation, this paper investigates how the musical practices in cyberspace are constructed.

“So cool, so hot” 1990년대로의 전환기 한국대중음악에 대한 매체문화사적 고찰

송화숙(Song, Hawsuk) 한국대중음악학회 2010 대중음악 Vol.- No.5

축음기에서 라디오, 워크맨, 테이프, 텔레비전, 컴퓨터, 인터넷, MP3에 이르기까지 새로운 매체의 도입은 대중음악의 발전과 급속한 전파력에 결정적인 역할을 수행해왔다. 대중음악의 생산과 전유는 매체기술을 통한 ‘복제가능성/재생산가능성’을 전제하고 있으며, 무엇보다 주목해야 할 지점은 이러한 기술적 발전의 음악적 수용이 단지 새로운 음악생산/재생산 방식의 도입이라는 차원에 머무르지 않았다는 점이다. 여타의 음악장르와 달리, 대중음악은 이들 새로운 생산방식을 적극적으로 내재화했으며, 이를 항상 음악적으로 ‘매체/감각’화했다. 달리 표현하면, 대중음악은 미디어적 영향력을 근간으로 새로운 음악적 재료 및 음악하기 방식을 만들어냈으며, 새롭고 광범위한 차원의 대중음악적 문화형성체를 끊임없이 구성했다. 그리고 결정적으로, 이를 전유하는 새로운 감각방식을 형성해냈다. 이러한 대중음악의 매체적 특성(Mediality)을 바탕으로 이 논문은 한국대중음악, 특히 1980년대에서 1990년대로의 전환기에 주목해 두 시기 간의 변화과정을 매체문화사적으로 고찰한다. From gramophone, radio, walkman, tape, television, computer, internet to MP3 the introduction of new media have played in the development and rapid dissemination of popular music a decisive roll. The possibility of reproduction based on the media technology is prerequisite for the production and appropriation of popular music. The most interesting site is that this musical adoption of technical development is not merely remained in the dimensions of introducing ‘a new (re) production system of popular music’, but popular music has internalized and medialized those new production systems. In other words, popular music has made a new musical material and musicing method, it constructed constantly a new cultural formation of pop-musicality, and above all it formed a new way of music perception. Based on that medial character of popular music, this paper focuses on the period of transition from 1980s to 1990s on the perspective of pop-musical mediality.

음악학적 대상으로서의 대중음악? 대중음악에 대한 이론적, 분석적 접근가능성에 관한 소고

송화숙 ( Song Hwa Sug ) 한국음악학학회 2004 음악학 Vol.11 No.-

Die vorliegende Arbeit thematisiert Popula¨re Musik und die Mo¨glichkeit ihrer theoretischen Grundlage. Im ersten Kapitel wird der Versuch beschreiben. popula¨re Musik als ein musikwissenschaftlichen Gegenstand zum Akzeptanz zu bringen. Daher ist es unvermeidlich, an die Etablierungsgeschichte der Musikwissenschaft kritisch anzuna¨hren. Die zentrale Fragestellung, warum Popula¨re Musik als Außnstehende von den musikwissenschaftlichen Gegenstandbereich ausradiert war (bzw. ist), wird unter zwei miteinander eng verbundenen Aspekte untersuchen; erstens Autonomiea¨sthetik, zweitens Historismus. Die Entstehung der modernen popula¨re Musikform la¨sst sich ins 18. Jahrhunderts, also die Zeit der Abgrund der alten hierarchisch abgetrennten Gesellschaftsstruktur und gleichzeitig der Gru¨ndung des Staatssystems als neue politischer, gesellschaftliche und o¨konomische Ordnung, die mit dem Anfang der Industrialisierung, Versta¨dterung, Modernisierung und Motorisierung in der Europa eng verbunden ist. In dieser U¨bergangsphase taucht, wie bekanntlich, das Bu¨rgertum als Hauptrollespieler der Reorganisation der Gesellschaftsstruktur auf. die auf den Boden der Macht des Kapitals steht. So wird die bu¨rgerliche Lebensordnung und Wertscha¨tzung als Maßstab der Neuerung eingesetzt. Musikgeschichtlich bezieht sich dies vor allem auf den Autonomie-begriff, der bu¨rgerliche Norm und Regel in der transzendentalen a¨sthetischen Idee kristallisiert. Dabei der Historismus wird als ein neues erkenntnistheoretisch- und wissenschaftlichen Impuls zugeschrieben, so dass die autonomiea¨sthetische Idee verwissenschaftlicht sowie historisiert wird. Also reicht der Wurzel der bis heute in unsere Lebenswelt hineingezogene Auseinandersetzungen, na¨mlich die Grenzziehung zwischen E- und U-Musik, zwischen Hoch- und Niedrige Musik, die damit zusammenha¨ngende Degradierung der Popula¨ren Musik odor Volksmusik, zuru¨ck in dieser Zeit. Die Schwankung der modernen Kategorien, na¨mlich, `vernu¨nftige Subjekt, kontinuierliche und fortschreitende Geschichtsauffassung, und einheitliche Sinnzusammenhang`, spiegelt sich mit dem Formel `Challanges to Musicology` in musikgeschichtliche und musikwissenschaftlichen Raum wider; die Verschiebung der musikalischen Sinnzusammenhang, der sich aufgrund der Werka¨sthetik bewahrt; die Verschiebung der musikalische Subjekt, das durch die Gleichsetzung mit dem Autor als Urheber des musikalischen Sinns abgeschirmt wird; und die Verschiebung der musikgeschichtlichen Kontinuita¨t, die durch Zentralstellung der musikalische Subjekt und Sinn bruchlos entwickelnd dargestellt wird. Wenn die Popula¨re Musik eine Reihe von den `Herausforderungen gegen Musikwissenschaft` bezeichnet werden mo¨chte, muss diese `preka¨re Stelle` gekla¨rt werden, wo die Auseinandersetzung mit den vergangene Jahrhunderte entlang aufgebaute Norm und Ordnung sta¨ndig stattfindet. Aus diesem Grund wird im zweiten Kapitel versucht, die topologische Disposition zu konkretisieren, damit die begrifflichen und forschungsgegensta¨ndlichen Konflikte zwischen `Kunstmusik`, `Volksmusik` und `Popula¨re Musik` plausibler werden kann. Die heftige Auseinandersetzung bzw, strenge Abgrenzung von Kunstmusik und Volksmusik in den Diskussionen u¨ber `Popula¨re Mvsik` dru¨ckt aus, dass sie ersten Schritt zur Gewinnung ihrer eigenen Bedeutung, Geltung und Grundlage gemacht hat, Das heisst: Der Versuch, der Annahme zu entkommen, indem die Popula¨re Musik vermeintlich bloß auf die Ebene der Verka¨uflichkeit` und des Verha¨ltnisses der Produktion/Reproduktion reduziert wird, bedeutet nicht anders als die Etablierung alternativer soziologischen und a¨sthetischen Anna¨hrung an Popula¨re Musik. Verknu¨fend an dieser Problematik wird eine andere Topographie dargestellt, die sich auf die analytisch-methodologische Anna¨hrungsweisen an die Popula¨re Musik bezieht, na¨mlich `Soziologie`, `A¨sthetik` und `Kultur`. Der Krummlinie, die verschiedene ana

센세이션의 코드화: 1930년대 한국대중음악에서의 선정성 담론을 중심으로

송화숙 ( Song Haw Suk ) 세계음악학회 2013 음악과 문화 Vol.28 No.-

From gramophone to MP3 the introduction of new media have played in the development and rapid dissemination of popular music a decisive roll. The possibility of reproduction based on the media technology is prerequisite for the production and appropriation of popular music. Most interesting site is that popular music has internalized and medialized those new production systems. In other words, popular music has made a new musical material and musicing method, it constructed constantly a new cultural formation of musical mediality. That is related to a sense of music, or sensation of music. For a long time the whole area of popular music and popular culture has been considered as mean thing in the public discourse. Especially at the time of the introduction of the new media such as record, radio, television, digital media etc. almost without exception becomes that acute. This phenomenon is in social opinion as well as in the discussion on the quality of the music (for example inventiveness of the music, skills of the performers, authenticity of musician, completeness of music) even in the same. In particular, this paper focussed on the 1930s, because in this time the populararea has established actively it`s categorization; Modernity, westernization, urbanization, the introduction of new media and on which based the formation of popularity. Especially is that process described focusing on sexuality discourse. Sexuality and the bodyness of popular music has history of oppression and exclusion in the dominant public discourse. And popular music and culture expressed that media sensational between the boundaries of taboo. By these analysis this paper tried to explain what makes popular music popular and what is our imagination and understanding about the popularity.

복주머니란의 기내 종자발아에 영향을 미치는 요인

송화숙(Hwa-Suk Song),유근호(Keun Ho Yoo),이철희(Cheol Hee Lee) 한국원예학회 2000 원예과학기술지 Vol.18 No.2

냉증과 기립성 저혈압의 연관성에 관한 연구

장경호,송화숙,이동규,김세현,김상우,Jang, Gyeong-Ho,Song, Hwa-Suk,Lee, Dong-Gyu,Kim, Se-Hyeon,Kim, Sang-U 대한한방체열의학회 2003 대한한방체열의학회지 Vol.2 No.1

Purpose The purpose of this study was to verify the association between Cold Hypersensitivity and Orthostatic Hypotension(OH). Method This study was carried out on 39 women who visited outpatient department of Dept. of Gynecology. Bundang CHA oriental Hospital. College of Medicine. Pochun CHA univ. from December 2001 to November 2002. We divided them into two groups (Orthostatic Hypotension Group 24, Normal BP Group 15) and investigated general characteristics, weight, height, past history. family history through out the patient's note. OH was assessed 1 minute after the patients rose from a supine position by using tilting table. For the diagnosis of cold hypersensitivity, thermographic measurements were performed on two pairs of areas(palm-upper arm and back of hand-upper arm. And for that of the feet, other two pairs of areas(anterior thigh-top of the feet and posterior thigh-heel). And then by which verify the association between Cold Hypersensitivity and Orthostatic Hypotension(OH) Results As a results, 16 out of 24 patients, the OH group had cold hypersensitivity and 4 out of 15 Patients the normal BP group had cold hypersensitivity. It means that there was association between Cold Hypersensitivity and Orthostatic Hypotension(OH). Conclusion Above these results, we can reach the conclusion that OH is considered one of the causes of cold hypersensitivity.