에스페란자 스팔딩(Esperanza Spalding)의 작곡 작품과 보컬표현기법 분석을 통해본 재즈방향성 고찰 : 2008~2010년의 주요작품 중심으로

오다은 경희대학교 대학원 2018 국내석사

재즈는 과거와 현재가 공존하는 다채로운 장르로 현대 사회에서 다양한 방식으로 그 가치를 인정받고 있다. 그러나 재즈의 사회적 재조명에도 불구하고 재즈 관련 국내 연구는 주로 재즈 연주자에 대한 개별 연구와 현상 분석 위주로 진행되었고, 이에 따라 현대 사회의 재즈 수용 양상에 대한 연구는 아직 분석 위주에 머물러 있다. 본 논문은 에스페란자 스팔딩의 음악관과 작품을 분석함으로써 재즈의 대중화 방안에 대해 고찰하고자 한다. 에스페란자 스팔딩은 전통재즈에 기반을 둔 재즈보컬이면서 동시에 연주자 겸 작곡가라는 점에서 예술성을, 그래미 어워즈 역사상 최초로 신인상을 탄 재즈 뮤지션이라는 점에서 대중성을 모두 확보한 아티스트이다. 재즈가 한때 이해하기 어려운 음악이라고 인식되었던 점을 상기할 때, 에스페란자 스팔딩을 연구하는 것은 재즈의 예술성과 대중성을 대립 구도가 아닌, 공존 구도로 이해할 수 있도록 대안을 제시한다는 점에서 유의미하다. 본 논문은 에스페란자 스팔딩의 음악관과 곡을 분석함으로써 재즈의 대중화 가능성을 모색하고 궁극적으로 이 점이 현대 재즈뮤지션들이 지향해야 할 방향성이라 제시한다. Jazz is a multifarious genre where past and present coexist, and its value is recognized in diverse ways in the modern society. Despite the social revaluation and new understanding of Jazz, recent domestic researches mainly have focused on individual Jazz artist case study and phenomena analysis, which makes the study on the aspects of Jazz acceptance still remain in the analysis phase. By examining Esperanza Spalding's perspective on music and her works, this paper considers the way to popularize Jazz. As an artist, Esperanza Spalding displays not only artistry in terms of her position as a Jazz vocal based on traditional Jazz as well as a performer and songwriter, but also popularity since she is the first Jazz musician who won a Best New Artist award in Grammy Awards in 2011. Considering that people used to regard Jazz as a ‘difficult music to understand,’ it is worth to analyze Esperanza Spalding because it suggests alternative way to understand Jazz artistry and its popularity not as conflict composition but as coexistence one. By analyzing Esperanza Spalding's viewpoint on music and her works, this paper tries to find the possibility of popularizing Jazz and ultimately suggests it as a new direction contemporary Jazz musician should seek.

재즈 바이올린 즉흥 연주기법 분석 : Stephane Grappelli, Stuff Smith, Regina Carter의 곡 ‘It don't mean a thing’을 중심으로

박세영 경희대학교 아트퓨전디자인 대학원 2015 국내석사

This study examines jazz violin technique. Classical violin has a long and rich history, and a large body of research material has been written on classical violin technique and performance styles, but by comparison, there has been very little academic research done on jazz violin technique. Most great jazz violinists started out as classical violinists, and after mastering a foundation of basic skills, added additional techniques when playing jazz. This study analyzes the improvisation techniques of jazz violinists, examining how they have adapted classical techniques for jazz performance. In order to prepare a comprehensive explanation of the special features of jazz violin technique, a comparison was made of recordings by three important jazz violinists, Stephane Grappelli, Stuff Smith, Regina Carter, performing the same work, “It Don’t Mean a Thing.” The first stage of the study analyzed the special characteristics of the essential sound of each of the three musicians. It is not difficult to hear the differences in style between jazz musicians because with jazz music, more than the traditional technique that is so fundamental to classical music, what is important is the changes that each musician has adopted in order to create his or her own unique style. Secondly, the musical phrases were examined, and an analysis was made of the harmonies and special character of the rhythms and phrasing used by each musician. Thirdly, an analysis was made of the variety of techniques used by the three in order to create their own unique phrases, and of how they applied these techniques when performing the work. After analyzing the special performance techniques of the three musicians in this way, the following results were obtained. Stephane Grappelli′s technique was light and soft, and the volume of his playing was not loud. Most of his phrases were constructed in patterns of continuous eighth notes, and he used frequent licks with the same patterns. The phrases consisted of successively ascending and descending G minor scales and arpeggios. Stuff Smith’s bow struck the strings with strong, rough strokes. He cut his notes short, and did not use much vibrato. Most of the recurring rhythms in his solo were syncopated. In the second chorus, as the solo moved into the higher range of the instrument, he made use of left handed pizzicato. This special feature of Stuff Smith′s playing added to the rhythmic strength of the work. He also used counter-melodies built on the G minor chord to create a modal sound. Regina Carter used strong bowing and fast, wide vibrato to create a high-energy sound. In the strong, high pitched sections of the solo, her bowing was so strong that the adjacent open strings also sounded. She used successive triplets, played portions of the solo in pizzicato, and included melodic themes from other songs. The most distinctive feature of her improvisational playing was the use of blue notes, creating a bluesy sound by flatting all the D′s in the melody to D-flats. Although all three musicians played the same work at similar tempos, each of them used different sound qualities and added techniques to create a completely different unique style. Through this study it is possible to take look at the wide range of variety utilized in jazz violin technique and to understand jazz a little bit more deeply. I hope that this study will contribute to the pool of research supporting the further development of violin performance technique in the future. 본 연구는 재즈 바이올린 연주기법에 관한 연구이다. 클래식 바이올린은 역사가 깊고 그 시간에 비례하여 연주기법과 주법에 관한 다양한 연구 자료가 있지만 그에 비해 재즈바이올린에 대한 학술적 연구 자료는 부족하다. 재즈 바이올린 연주는 클래식 바이올린 연주와 큰 차이가 있지만 기본적인 토대가 되는 것은 정통 클래식 연주기법이다. 중요한 재즈 바이올린 연주자들 대부분은 처음에 정통 클래식으로 바이올린 연주를 시작하여 기본기를 다지고 다양한 연주주법을 더하여서 재즈를 연주 하였다. 본 연구는 재즈 바이올린 연주자들의 즉흥 연주 기법을 분석하여 기존의 바이올린의 기법이 어떻게 변화되어 재즈음악에 적용되었는지 연구하였다. 재즈 바이올린의 전반적인 특성을 설명하기 위하여 세 명의 중요한 연주자 Stephane Grappelli, Stuff Smith, Regina Carter가 공통적으로 연주한 곡 “It don’t mean a thing”을 각각 카피하여 비교분석하였다. 연구의 과정은 첫 번째, 각 연주자의 본질적인 사운드의 특성을 분석하였다. 재즈는 클래식에서처럼 전통적인 기법을 중요시하기 보다는 그것에서 변형하여 자신만의 스타일로 만들어 연주하기 때문에 서로 다른 점을 어렵지 않게 청감할 수 있다. 두 번째, 프레이즈를 분석하여 많이 사용하는 리듬과 음형을 분석하고 프레이즈를 구성하고 있는 화성과 그 특성에 대하여 분석하였다. 세 번째, 프레이즈를 만들기 위하여 사용되는 여러 가지 주법들과 그것을 곡에 어떻게 적용하였는지 분석 하였다. 이렇게 각 연주자의 특성을 분석하여 다음의 결과를 얻을 수 있었다. Stephane Grappelli는 가볍고 부드러운 톤으로 연주를 하며 음량은 크지 않다. 대부분의 프레이즈는 8분음표의 연속적인 패턴으로 되어있으며 같은 패턴의 릭(licks)을 자주 사용하였다. 프레이즈는 순차적으로 상행, 하행하며 Gm스케일이나 코드 톤으로 이루어져 있다. Stuff Smith는 거칠고 강한 톤으로 활로 현을 치듯이 연주를 한다. 음을 짧게 끊어 연주하며 비브라토가 많이 없다. 솔로에 자주 나오는 리듬 대부분이 모두 싱커페이션으로 되어있다. 솔로가 고조되면서 두 번째 코러스부터는 왼손 피치카토 주법을 찾아볼 수 있다. 이것은 Stuff Smith 만의 특징이며 곡에 리듬감을 더해준다. Gm의 코드 톤으로 이루어진 선율이 많고 텐션을 사용하여 모드적인 사운드를 만들어 주었다. Regina Carter는 강한 보잉에 빠르고 굵은 비브라토로 더욱 에너지 넘치는 사운드를 만든다. 솔로가 고조되어 강하게 나오는 부분은 옆줄 개방현의 소리까지 같이 낼 정도로 활을 강하게 쓴다. 셋잇단음표를 연속으로 사용하고 피치카토로 솔로연주를 하는가하면 다른 곡의 테마를 솔로에 응용하기도 하였다. 즉흥연주라인의 가장 큰 특성으로 블루노트의 사용이 있는데, 곡에 나오는 거의 모든 D음에 모두 플랫(b)을 붙여주어 전반적으로 블루지한 사운드를 만들어 주었다. 연주자 세 명 모두 비슷한 템포의 같은 곡을 연주 하였지만 소리의 음질을 다르게 하거나 기법들을 더하여 완전히 새로운 자신들만의 스타일로 만들었다. 본 연구를 통하여 재즈 바이올린의 연주기법의 다양성을 보고 재즈에 대하여 조금 더 심도 있게 이해할 수 있을 것이다. 본 연구가 앞으로 바이올린 음악 스타일의 발전을 위한 연구에 도움이 되길 바란다.

선율을 기초로 한 인디펜던스 기법의 다양성 및 극대화를 적용한 재즈 드러밍의 중요성과 그 개념에 관한 연구 : Straight, No Chaser, Anthropology, Autumn Leaves를 중심으로

박현민 목원대학교 대학원 2017 국내석사

국문 초록 재즈연주에 있어 드러머가 컨트롤 할 수 있는 악기연주의 기술적 역량은 어떠한 물리적인 제약 없이 연주자가 연주를 통해 구현하고자 하는 다른 연주자들과의 음악적 소통과 또한 예술적 감정을 표현하기 위한 핵심적인 요소이다. 즉흥성을 기반으로 하는 재즈연주는 각각의 연주자들이 자신들의 악기를 통해 순간적으로 음악적 표현을 한다. 그러므로 악기를 다루는 기술적 역량은 실질적인 연주자들의 표현 범위와 능력을 가늠하는 척도가 된다. 선율의 실질적인 음정이나 화성을 표현할 수 없는 제약을 가지고 있는 드럼 연주자들의 음악적 해석능력은 다른 연주자들과의 즉흥적인 연주에 있어 연주자들 간의 소통을 위해 매우 중요하다. 여기서 이야기하는 음악적 해석능력은 드럼 연주자가 연주하는 곡의 선율의 흐름과 화성진행의 흐름을 머릿속에 가지고 가는 것을 말한다. 재즈 드럼의 즉흥적 연주에 있어 선율의 흐름을 기술적 제약 없이 응용하기 위해 인디펜던스 기법의 다양성 및 극대화를 적용한 연주기법은 필수적이라 할 수 있다. 재즈에서 드럼연주자는 인디펜던스 기법의 다양성과 및 극대화를 위해 특정한 곡의 선율을 사용하여 인디펜던스 패턴에 조합함으로서 무한정의 경우의 수를 만들어 낼 수 있다. 연주하는 곡의 선율은 다른 악기 연주자들과의 소통을 위한 구심점이다. 그러므로 즉흥연주 시 선율을 분석하고 응용하여 기술적 제약의 한계를 벗어나는 것은 재즈 드럼연주자에게 반드시 필요한 요소이다. 선율을 적용한 인디펜던스 기법의 다양성을 연구하기 위해 본 논문은 첫째, 오른손은 라이드 심벌(Ride Cymbals)을 사용하여 스윙리듬을 유지하고 왼발은 하이-햇 심벌(Hi-Hat Cymbals)을 사용하여 각 마디의 2번째 4번째 박에 반복 연주한 후, 재즈연주에서 일반적으로 사용하는 찰스턴 패턴, 엇2박 3연음, 싱커페이션(Syncopation), 다중리듬(Poly Rhythm, Cross Rhythm) 그리고 다양한 위치에서의 리듬 패턴(Rhythmic Displacements)을 대표적인 재즈연주곡 Straight No Chaser, Anthropology, Autumn Leaves의 멜로디와 결합하여 스네어 드럼과 베이스 드럼에 배치하였다. 둘째, 이에 따른 결과물로 추출된 인디펜던스 조합을 악보로 체계화하여 다양한 경우의 수를 스네어 드럼과 베이스드럼에 중점을 두고 도표화 하였다. 본 논문을 통해 재즈 드럼 연주 시 선율이라는 음악적 요소를 인디펜던스 기법에 적용시킴으로서 일반적인 인디펜던스 기법이 가지는 즉흥성과 다양성에 대한 제약과 한계를 극복할 수 있는 가능성을 제시하였으며, 재즈 드럼에 있어 인디펜던스 기법을 통해 만들어지는 무한대의 기술적 다양성을 이론적으로 정리하여 재즈 드럼연주 개념의 독창성과 차별성이 선율에 있음을 증명하였다.

거쉰의 「피아노를 위한 3개의 전주곡」에 관한 분석 연구

최해원 신라대학교 일반대학원 2017 국내석사

Jazz, one of emerging genres in music in the 20th century, made its appearance as a way to establish nationalistic music in the U.S.A. with its musical techniques used in classical works of art music. The American history began with the immigration of various ethnic groups from Europe with their music settling down as part of nationalistic music styles in America in the middle of clash and fusion between different ethnic groups and cultures, in which jazz developed by creating new and diverse musical techniques. Its integration with classical art music especially offered an opportunity to sublimate early jazz such as ragtime to a higher level. It evolved from New Orleans jazz, which took place along with a historical event in America, to Chicago, swing, bob, cool, and free jazz. One of reasons why American music took so little time to narrow the gap between European music and itself was George Gershwin, who was one of utmost American composers. Not only did he narrow the gap between jazz with its popular music technique and European art music, but he also created music of high artistry by incorporating jazz into the traditional styles of European art music. His 「3 preludes for piano」 is in a three-part form with an A B A' structure and holds huge significance for its incorporation of musical elements of jazz into the "prelude" form of classical art music. Prelude 1 changes and develops based on the right-hand musical forms and left-hand rhythms in the introduction and uses the blues scale with 3rd and 7th in B♭ Major lowered by a half note. Being more influenced by rhythms than jazz harmonies and melodic movements, it has syncopation and rhythmic combination and alteration and shows rhythms of syncopation with accents and commas and those of jazz in strong dynamics. Prelude 2 leads the jazz mood of entire works by adding the right-hand jazz melodies to the left-hand ostinato form throughout the work. It is characterized by modulations from c♯ minor to F♯ Major and back to c♯ minor, blues scales of c♯ minor and F♯ Major, and repetitive rhythmic forms. It also uses jazz rhythms such as syncopation, but its jazz mood is further elevated by the blues color in a slow and quiet atmosphere rather than rhythms. Characterized by fast and powerful dynamics, Prelude 3 uses a blues scale of e♭ minor and presents repetitions of harmonies and rhythms based on chords with commentative sound, one of characteristics of jazz harmonies, and basso continuo. The entire prelude consists of a single rhythmic alteration with rhythms accompanied by accents repeating themselves. Those analysis results indicate that Gershwin applied the musical elements of jazz and made a step closer to classical art music in his 「3 preludes for piano」. His composition tendencies are found in his orchestra and opera works as well as in his piano works. He made efforts to turn popular music jazz into American art music and made a contribution to the development of American music. 거쉰(George Gershwin, 1898∼1937)은 20세기 미국의 작곡가이자 피아니스트이며 지휘자이다. 그는 정규음악교육기관에서 음악교육을 받은 적이 없었으나 거쉰(George Gershwin)은 독창적이며 미국적인 음악을 만들어 창의력이 풍부한 작곡가로 평가되고 있다. 20세기 초 유럽은 경제 공황의 시작과 파시즘의 횡행으로 도덕적·정치적·사회적·경제적 목표를 향한 혁명이 대두하여 급진적인 실험 정신을 바탕으로 하는 실험적 음악이 쇠퇴하고 ‘신음악’ 사조가 나타난다. 하지만 20세기 미국음악에서는 사회적·기술적 요인이 중요한 역할을 하였고, 지속적으로 녹음하는 기술과 매체의 발전으로 다양한 대중음악과 청중의 성장을 낳았다. 이때, 거쉰(George Gershwin)은 자유롭게 감정을 표현할 수 있는 즉흥성 등의 특징을 지닌 재즈와 블루스를 전통음악과 접목하여 새로운 음악분야를 개척했던 인물로 청중들 간의 간격을 줄이는데 기여했던 사람이다. 거쉰(George Gershwin)은 초기에는 주로 대중음악을 작곡했다. 미묘한 리듬과 갑작스러운 변화와 반음계적인 화음 등을 결합한 그의 대중음악은 인기가 많았다. 그리고 미국의 민속노래 요소인 재즈(Jazz), 래그타임(Ragtime), 블루스(Blues) 등에 유럽의 19세기 음악형식인 랩소디(Rhapsody), 협주곡(Concerto), 교향시(Symphonic poem) 등을 결합한 독특한 음악을 만들었다. 그의 대표적 작품으로는 재즈 어법과 리스트(Franz Liszt)적인 낭만주의를 결합한 <랩소디 인 블루(Rhapsody in Blue, 1924)>, 자신의 천부적인 재능을 자발적으로 표현한 <내 그대를 위해 노래 부르리(Of Thee I Sing, 1931)> 그리고 민속 오페라인 <포기와 베스(Porgy and Bass, 1935)> 등이 있다. 거쉰(George Gershwin)의「피아노를 위한 3개의 전주곡(3 preludes for piano)」은 재즈 음악에 관심을 가지고 있었던 거쉰(George Gershwin)이 1920년대 작곡한 피아노곡으로 재즈 특유의 감각과 전통 음악과의 접목을 꾀하고 있는 작품이다. 그는 이 작품에서 재즈의 자유분방함과 걸맞도록 “전주곡(Prelude)”이라고 하는 유럽음악의 전통양식을 사용하였는데, “전주곡(Prelude)”은 일정한 형식에 고정되지 않고 자유로운 악상을 가지며 이미지나 분위기에 치중하는 음악 형식이다. 따라서 거쉰(George Gershwin)은「피아노를 위한 3개의 전주곡(3 preludes for piano)」에서 고전적인 음악 틀 안에서 자유분방한 재즈라는 장르를 접목시켜, 재즈의 리듬이나 화성, 음계, 다이나믹 등 중요한 재즈의 이디엄을 곡 안에서 활용하여 재즈와 전통 음악과의 접목을 꾀하고 있다. 따라서 본 논문에서는 거쉰(George Gershwin)의 작품「피아노를 위한 3개의 전주곡(3 preludes for piano)」 안에서 연구하고자 한다. 본 논문의 연구 방법은 먼저 거쉰(George Gershwin)의 생애와 작품세계와 20세기 미국음악을 대표하는 재즈의 기원과 발달 그리고 특징적인 요소들을 살펴보고「피아노를 위한 3개의 전주곡(3 preludes for piano)」에서 형식, 화성, 리듬 그리고 기법 등을 분석하고자 한다.

재즈 베이시스트 Paul Chambers 연주 스타일분석

황동훈 상명대학교 일반대학원 2019 국내석사

재즈 뮤지션으로서 본인만의 스타일을 구축하기 위해서는 단순히 Transcription을 통한 연주는 아무런 의미가 없다. 그 연주자의 Scale Pattern 과 Rhythm Pattern, 많이 사용하는 연주 방법들을 분석 해봐야 한다. 대가들의 스타일을 분석하고 연구하는 이유는 이런 연주기법을 습득하고 그것을 통해 각자의 연주기법을 구축하기 위함이 그 이유다.  본 논문에서는 수 많은 위대한 재즈 리더들과 연주했고 작곡자로 활동 했으며, 지금까지도 재즈 뮤지션에게 영향을 주고 있는 Bassist 폴 챔버스 (Paul Chambers) 에 대해서 재즈 화성에 입각하여 수직적, 수평적 으로 분석 했고, 재즈에서 빼놓을수 없는 위대한 재즈 리더 ,찰리파커(Charlie Parker), 존 콜트레인(John Coltrane), 마일즈 데이비스(Miles Davis) 뒤에서 오랫동안 연주한 Paul Chambers 가 받은 영향들에 대해서 살펴봤으며, 마지막으로 Paul Chambers 의 앨범 “Bass on Top” 앨범에서 많이 사용하고 있는 연주 방법들을 대략적으로 보지 않고 Paul Chambers의 특징적인 연주기법을 통계를 통해서 그의 연주 방법들을 분석했다. 이 모든 것들을 바탕으로 하여 결과적으로 그의 즉흥연주 스타일은 곡에 정해진 Chord 안에서 사용되는 Scale을 정직하게 연주를 하고 있으며, 듣기에는 어렵고 복잡하게 들리는 이유는 다른 Bassist과는 다르게 긴 Phrase을 많이 사용하기 때문이란 것을 규명하였다. 지금까지도 재즈 베이스 연주의 정석으로 말할수 있는 Paul Chambers 의 연주기법을 통해 베이스 연주자들에게 중요한 연구 자료가 될 것이며, 각자의 연주기법에 발전을 가져올 수 있을 것이다. 주요어: 재즈베이시스트. Paul Chambers, 연주스타일분석 There is no use in forming own style as jazz musician with simple performance of transcription. The Scale Pattern and Rhythm pattern and frequently used performance methods of the musician should be analyzed. The reason why people analyze, study styles of the masters is to form individual performance methods by learning methods from the masters. In this paper, it analyzed the Bassist Paul Chambers, who played with many great jazz leaders, composers, and influence the jazz musicians till this day, with vertical and horizontal manners of jazz chords. It also examined the influence of great jazz leader Charlie Parker, John Coltrane, Miles Davis on Paul Chambers whom he played for a long time. Lastly, it also examined the Paul Chamber’s performance method with statistics of his distinguishable performing technique which largely used in his album “Bass on Top.” Based on all these factors, his improvised performance style was played in scale that used in fixed in the song with the honest manner. It defined that since he largely used longer phrase than other Bassists, his style seems hard and complicated. The research of Paul Chamber’s performance method which is the standard of jazz bass performance until now will be significant research material, and it will also bring improvements to individual performance method. 주요어 : Jazz Bassist, Paul Chambers, Analysis of Playing Style

재즈 피아노를 위한 화성 연구와 20세기 재즈 화성에 대한 고찰

한미라 국제신학대학원대학교 2013 국내석사

오늘날까지 다양한 민족적 배경을 가진 사람들에게 꾸준히 사랑받고 있고 연주되고 있는 재즈의 기원은 블루스이며, 남부 흑인 노동자들의 노동요를 기원으로 하는 블루스는 독특한 음계와 리듬으로 구성되어 있다. 이는 흑인들의 절망이나 희망, 자유에 대한 갈망을 담고 있으며, 인종적 차별과 자유에 대한 사랑, 노예상태와 폭력, 분노 등을 표현했다. 따라서 흑인들은 재즈를 통해 자신들의 의지를 강렬하게 표현하였고, 이런 블루스의 자유로운 표현방식은 재즈를 형성하는 기틀을 마련하게 된다. 이후 재즈는 광장이나 클럽, 스토리빌에서 렉타임, 블루스 등 춤음악으로 연주되기 시작하였고, 특히 뉴올리언스에서 이러한 재즈 풍의 음악은 큰 인기를 누렸다. 특히 스윙재즈는 빅밴드 재즈음악으로 발전하였고, 빅밴드 재즈에서는 악기의 편성이나 연주 방식에 있어 악기의 특성과 연주가의 기량이 중요하게 부각 되었다. 특히 싱커페이션리듬과 교창적인 특성, 즉흥연주가 특징인 재즈는 스윙시대를 거쳐 이후 비밥과 쿨, 모던재즈와 프리재즈, 퓨전재즈의 형태로 발전하였다. 재즈 하모니는 대부분 조성과 모드로 나누어지며 재즈를 구성하는데 있어서 전통적인 화음의 변화, 리하모니제이션, 조바꿈, 신선하고 창의적인 보이싱이 중요 요소로 작용하였으며, 대부분의 재즈곡들은 조성에 중점을 두었으나 1950년대 후반으로 가면서 모드를 사용하기 시작했으며, 확장된 화성 리듬과 오스티나토를 사용하였다. 또한 1960년대의 몇몇 곡들은 조성의 정체성이 의미가 덜 중요해져 가면서 기능 화성에서부터 점점 멀어져 갔고 조성 또한 모호해졌다. 따라서 반음계 화성과 평행화음이 더욱더 일반화 되었으며, 전위화음이나 ‘슬래쉬 ’코드를 사용하여 베이스를 강조한 화성이 보편화 되어 갔다. 오늘날까지 전 세계인의 사랑을 받으며 연주되어 온 재즈의 특징들은 매우 독창적이며 창조적이다. 따라서 재즈의 음악적 특징, 특히 화성에 대해 이해하고 연구하는 것은 매우 중요한 것이며 재즈음악에 관해 끊임없는 연구가 일어나야 할 것이다. The origin of jazz which has been constantly loved and played until the present day by the people with various ethnic backgrounds is blues, which originates from the work songs of African-American laborers in the Southern United States, including unique scales and rhythms. It contains their despair, hope, and longing for freedom, expressing their love for freedom, racial segregation, slavery, violence, and anger. Accordingly, African-Americans strongly expressed their will through jazz, blues' free style of expression laid a foundation for forming jazz. Later on, jazz has been played at squares, clubs, and Storyville in the form of dance music such as ragtime, blues, and so on. Especially in New Orleans, this jazz-styled music won its way to general popularity. Especially, swing jazz developed into big band swing jazz, where the characteristics of the instruments and skills of the players were highlighted in terms of the organization of musical instruments and play methods. Especially, jazz which features syncopation rhythm, antiphonal singing characteristics, and improvisation went through the swing phase and then developed into bebop, cool jazz, modal jazz, free jazz, and jazz fusion. Jazz harmony is divided into tonality and modes, at large, and change of the traditional chords, reharmonization, key changes, fresh and creative voicing were considered to be important elements in constituting jazz. While most of jazz musics emphasized tonality, but they began to use modes in the late 1950s, as well as extended harmony rhythm and ostinato. And some jazz musics in the 1960s began to lose tonality, its identity, and fade away from having functional harmony, with its tonality becoming vague. Therefore, chromatic scale harmony and parallel chord became generalized much more and the harmony which emphasizes bass part using inversion chord or slash chord became more common. The characteristics of jazz, which has been world-widely loved and played until the present day, are very unique and creative. Therefore, it is very important to understand and study the musical characteristics of jazz, especially the jazz harmony, and it is expected that further researches will be conducted on jazz music.

재즈음악의 효과적인 교육방법에 대한 연구 : 중학교 3학년을 중심으로

유명은 경희대학교 교육대학원 2014 국내석사

음악교육에서 대중음악은 빠져서는 안 되는 중요한 자리를 차지하고 있다. 교과서 안에 대중음악이 실린다는 것이 더 이상 놀랍지 않게 되었고, 실제로 현재 사용되고 있는 2009 개정 교육과정에 의한 중학교 통합교과서에서만 보아도 1/3정도 혹은 그 이상이 대중음악으로 보여진다. 대중음악의 종류와 역사는 물론이고 우리나라 대중가요의 흐름, 한류를 주도하는 K-Pop스타의 이야기까지 실려 있는 것을 보면 우리나라 대중음악의 성장과 더불어 음악교육에서의 그 중요성이 얼만큼이나 커졌는지 알 수 있을 것이다. 대중음악 중에서도 재즈는 음악교육에서 특별히 다루어야 하는 장르이다. 대중음악의 ‘예술성 결여’와 ‘짙은 상업성’이 문제로 제기될 때, 재즈는 대중음악임에도 예술성이 뛰어나고 상업성과는 거리가 멀어 대중음악 교육으로 무엇보다 효과적인 장르이기 때문이다. 또 재즈는 대중가요에 비해 복잡한 화성과 몇 가지 독특한 음악 요소들을 가지고 있는데, 이러한 특성을 학생들에게 어떤 방법으로 가르치는 것이 효과적일지에 대한 방향 모색에 본 연구의 목적이 있다. 연구 내용은 다음과 같다. 첫째, 재즈 음악에 대한 이론적 배경을 제시하였다. 둘째, ‘2009개정 음악과 교육과정’에 의한 중학교 음악교과서 17종에 실린 재즈음악을 알아보았다. 셋째, 교수-학습지도안을 작성하여 효과적인 재즈음악 수업을 제언하였다. 본 연구는 재즈음악의 특성과 이론을 소개하는 것에서 그치는 것이 아니라 실제 교육에서 다양하게 적용할 수 있도록 실용성에 중점을 맞추었다. 교사들에게 재즈음악을 활용한 수업의 아이디어를 제공함과 더불어 우리나라 학교 음악교육에서 좀 더 깊이 있는 재즈음악 교육으로의 발전에 기여할 수 있을 것이라 기대하는 바이다. Popular music became irreplaceable part of musical education. In today’s education course, popular music seems to be more than one third of junior high school text books. Not only the types of popular music and history but also trends, K-pop stars in text books show how important is popular music in Korea’s musical education. Jazz, especially, should be taught in musical education of popular music genre. Even though ‘Lack of artistry’, and ‘strong marketability’ problem of popular music rises, Jazz has high artistic value and little to do with commercial potential which leads to the most effective genre of education in popular music. Also compare to other types of popular music, Jazz has complicated chords and several unique musical elements. These characteristics attract many musicians but at the same time, most people may feel difficult and neglect it. The contents of study are as follows: First, theoretical background of Jazz. Second, analyzed 17 types of Jazz music in the junior high school textbook of Musical Education Course Revision, 2009. Third, proposed effective Jazz music class teaching method by planning professor-learning guidance plan. This study focused on practicality that not only sum up with theoretical study, but also make it to apply on real education field. As a result, give ideas to teachers on using Jazz in class and contribute to advance of Korea’s Jazz musical education.

재즈댄스의 특성과 수업구성

방진희 조선대학교 대학원 2001 국내석사

Originated in Africa, Jazz Dance, accompanying with Jazz Music, is a instinctive dance of Black people which based its foundation on pure African Dance, American Modern Dance, and Classical Europe Ballet. Additionally, it is a new kind of dance, made by admixing a lot of classical and present finesse with each country's traditional dances, such as Tap-dance, Eastern Dance, Flamenco, etc. Also, by including all elements of dance gamut, it is a liberal dance which can be applied to all genres of dance, inclusive Jazz Music, Rock, Pop, etc. Not only that , but also is Jazz Dance a self-expressive way which reflects our current situations and can be influenced incessantly without any restrictions. From African blacks' rhythm and dance, Jazz Dance's origin came into existence. Under the name of tragic products of slave trade, African people settled down in U.S. as bondsmen, and, through a number of centuries, regionally, their particular rhythms and rhythm movements which established on entertainment and religious ceremonies had become a big root to Jazz Dance, African Dance, Tap-dance, and Modern Dance that we can confront nowadays. The present condition of educational system of Korean Jazz Dance is not good in that the current Jazz Dance acts as a n individual informal group due to the incapability of having a nationwide formal organization. There exists Jeon Mi Rye Jazz ballet troupe, Folk Dance Theater as performing teams. Also, rooting its foundation on department stores of all regions of Korea, cultural center lectures and, in organs of expression's cultural center, lots of lectures are in the progress of activation. Korean Jazz Dance activity can be divided largely into two facets, training experts and enjoying the dance as a hobby. Specialists are made through many experiences and education of Jazz Dance organization, while ordinary people enjoy their hobby by attending to cultural centers. Through responding to periodic requests, reflecting each dance of the history, investigating Jazz Dance which has been changed into the lively expression and researching into Korean curricular constitution of Jazz Dance and its content more definitely, this treatise purports on recording the problems of Jazz Dance's educational system and the new remedy, broadening the extent of expressing techniques by developing the new dance language, and granting the fountainhead and inducement of innovative creation. As a consequence of this investigation, sarcastic extemporaneous performances which allow an individual to express freely, a flexibly and comfortably contracted body with bent articulations, a movement which emphasizes the pelvis and a body's sectional movement are known as the characteristics of Jazz Dance. In other words, by using dynamic, Jazz Dance expands its accents on the behaving person's body. It makes rhythms of the whole body. We can recognize that it has the characteristics of the most enthusiastic and modernistic dance with its especial movement. Actually, in Seoul, all Jazz Dance teaching currently lays stress on educating ordinary people rather than training experts. The most effective curricular constitution and content, for training experts, must be organized with 30 minutes Warm-up, 30 minutes of Across the floor, and 30 minutes of Combination. Through Warm-up, a person must stretch by doing Modern Dance's basic movement, Floor Stretches, Push-up, Sit-up, etc. and then he/she has to enter to the next stage, 'Across the Floor.' Next, the person should go into the stage of Combination with finishing several Jazz Walk, Jazz Adagio, Turns, Jumps and Leaps. In Combination, products of many styles, such as Lyrical style, Modern style, Funk style, Musical Comedy, etc, are being shown, and the most important point is that a person ought to select a teaching style what is proper to himself/herself. However, a more detailed remedy is required for cultivating experts, and as effectual solutions, firstly, on firm basic skills of Ballet, one must make oneself familiar with Modern Dance, Tap-dance, Latin dance, etc, and has to concrete one's basic skills. Secondly, by admixing several dances' compound elements, we must create a new and renovative movement.

재즈댄스 참여가 20대 여성의 골대사 지표와 에너지대사 호르몬에 미치는 영향

권소영 전남대학교 대학원 2010 국내박사

재즈댄스 운동처치가 골대사 지표와 에너지대사 호르몬에 미치는 영향을 규명하기 위하여 20대 여성 20명을 대상으로 재즈댄스를 12주 동안 실시하는 재즈집단 10명과 운동을 하지 않는 통제집단 10명으로 무선배정 방식을 통하여 분류하였다. 재즈댄스 프로그램은 1∼6주까지 준비운동(40∼50%HRmax) 15분, 주 운동은 전반부(across the floor: 61∼70%HRmax) 15분과 후반부(combination: 71∼80%HRmax) 20분, 정리운동(30∼40%HRmax)은 10분으로 구성하여 1일 60분을 실시하고 주 3회의 빈도로(월, 수, 금) 12주간 지속하였다. 7-12주까지 준비운동과 정리운동의 빈도와 시간은 1∼6주와 동일하나 주 운동은 동일 강도로 30분의 시간을 증가하여 운동 강도를 높였다. 통계분석은 반복측정분산분석을 실시하였고 사후검정은 Duncan의 방법을 이용하였다. 유의수준은 p<.05로 설정하였다. 운동처치 전, 운동처치 6주 후, 운동처치 12주 후에 골대사 지표(osteocalcin, deoxypyridinoline)와 에너지대사 호르몬(growth hormone, thyroxine, insulin, glucagon, cortisol, epinephrine, estradiol)의 변화를 비교·분석한 결과는 다음과 같다. 1. 12주간 재즈댄스 운동처치 후의 골대사 지표의 변화 1) 재즈집단의 osteocalcin이 운동처치 12주 후에 통계적으로 유의하게 증가하였으며, 집단간에도 유의한 차이를 보였다. 2) 재즈집단의 deoxypyridinoline이 운동처치 12주 후에 통계적으로 유의하게 증가하였으며, 집단간에도 유의한 차이를 보였다 2. 12주간 재즈댄스 운동처치 후의 에너지대사 호르몬의 변화 1) 재즈집단의 growth hormone과 estradiol은 운동처치 12주 후에 통계적으로 유의하게 감소하였으나 집단간에는 유의한 차이를 보이지 않았다. 2) 재즈집단의 insulin은 운동처치 기간 사이에는 통계적으로 유의한 차이는 없었으나 집단간에는 운동처치 12주 후에 재즈집단이 통계적으로 유의하게 낮게 나타났다. 3) 재즈집단의 cortisol은 운동처치 12주 후에 통계적으로 유의하게 감소하였으며 집단간에도 운동처치 12주에 재즈집단이 통계적으로 유의하게 낮게 나타났다. 4) Glucagon, thyroxine과 epinephrine은 운동처치 기간 사이에 통계적으로 유의한 차이는 없었으며 집단간에도 유의한 차이를 보이지 않았다. 이상의 결과를 살펴보면, 골대사 지표 중 골대사에 관여하는 골생성물질 osteocalcin은 증가하고 골흡수물질 deoxypyridinoline은 감소하여 골대사기능이 향상되었다. 에너지대사 호르몬에서 동화성 호르몬인 growth hormone은 증가하여 신체의 대사기능 향상에 도움을 준 것으로 나타났으며, 스트레스 호르몬인 cortisol의 감소로 스트레스를 낮추게 하여 건강관련 면역기능에 도움을 줄 것으로 사료된다.

재즈와 힙합이 우리나라 현대무용에 미친 영향

홍희연 동덕여자대학교 대학원 2001 국내석사

본 연구는 최근 우리나라 현대무용 작품에 나타나기 시작한 재즈와 힙합이 우리나라 현대무용에 어떠한 영향을 미치고 있는지를 밝히고, 재즈와 힙합적 요소를 도입한 작품을 알아봄으로서 우리나라 현대무용 표현 방법의 확장에 도움이 되는 기초자료를 제공하고 미래의 춤 발전에 도움이 되고자 하는데 그 목적이 있다. 위와 같은 연구 목적을 이루기 위해 다음과 같은 내용으로 연구를 진행하였다. 첫째, 미국 흑인무용의 발생과 발달과정을 알아보고 둘째, 재즈와 힙합의 개념을 정리하고 셋째, 재즈와 힙합의 음악과 움직임의 특성을 알아보고 넷째, 재즈와 힙합적 요소가 도입된 작품의 내용과 성향을 살펴봄으로서 재즈, 힙합이 현대무용에 미친 영향을 도출하였다. 또한 본 연구는 문헌 연구와 시각적 춤 자료 분석의 방법을 활용하였다. 연구 방법을 구체적으로 밝히면 첫째, 기존의 서적들과 연구 논문 등을 검토하고, 문화인류학 관련서적, 사회학 문헌을 활용하여 흑인무용의 발생 및 발달 배경과 재즈, 힙합의 특성을 알아보았다. 둘째, 재즈 힙합 요소를 무용에 도입한 무용공연 테입과 사진, 무용평론 등을 통하여 재즈, 힙합적 요소와 움직임의 특성이 현대무용에 어떻게 적용되었는지를 관찰하였고 셋째, 이 결과를 토대로 재즈, 힙합이 현대무용에 미친 영향을 도출하였다. 이상과 같은 방법을 통하여 연구한 결과 흑인무용에서 비롯된 재즈와 힙합은 대중 춤만으로 인식되어져 온 과거와 달리 예술무용에서 새롭게 표현되어 현대무용의 폭을 넓히는 역할을 하게 되었다. 또한 재즈와 힙합이 갖는 대중적 특성으로 현대무용이 관객들에게 좀 더 가까이 다가갈 수 있는 춤으로서 관객과의 거리를 좁히는 새로운 표현방법의 하나로 자리 매김 하는 계기를 마련하기 시작했다. 따라서 재즈와 힙합은 현대무용의 발전을 도모하는 하나의 매개체로 현대무용의 중요한 표현 방법의 하나로 발전하고 있는 것을 알 수 있었다. 결론적으로 미국 흑인무용이 현대무용에 미친 영향을 알아보기 위하여 재즈와 힙합을 중심으로 검토해 본 결과 다음과 같은 결론을 도출하였다. 첫째, 재즈와 힙합은 현대무용의 춤 표현 기법에 있어서 다양성을 제공하였다. 둘째, 현대무용의 대중화를 앞당기는 하나의 촉매제 역할을 하였다. 셋째, 다양한 장르의 춤 형식 도입을 통한 창의적, 독창적 재구성이 가능 하다는 무한한 소재 개발의 잠재력을 확인하는 기회를 마련하였다. This thesis is aimed at examining the impact of jazz and hip-hop on modern dance and works that have incorporated jazz and hip-hop, with the ultimate goal of providing basic material for expanding the expression method for Korea's modern dance and of contributing to the future development of dance. To this end, the 'study was conducted as follows. First, the paper looks into the origin and development of African-American dance. Second, it reviews the concept of jazz and hip-hop. Third, it examines the characteristics of the music and movement of jazz and hip-hop. Fifth, it reviews the content and trends of works that have embraced jazz and hip-hop, with the ultimate goal of understanding the affect of jazz and hip-hop on modern dance. This thesis is also based on the analysis of various literature and visual dance materials. More precisely, this paper first examines the existing books and thesis and utilizes books related to cultural anthropology and literature on sociology to study the origin and development of African dance, jazz and hip-hop. Second, video tapes, photos and critics on dance performances that have incorporated jazz and hip-hop have been studied to see whether the characteristics and moves of jazz and hip-hop have been applied to modern dance. Fourth, based on these studies, the impact of jazz and hip-hop on modern dance has been derived. The above-mentioned method has demonstrated that jazz and hip-hop, which stemmed from African dance, are now being incorporated into performance dance to expand the genre and scope of modern dance, moving away from the past when these two genres were widely recognized as a popular dance. Due to their popularity, jazz and hip-hop now have established themselves as new methods of expression that brings performing arts a step closer to the audience. Therefore, this paper shows that jazz and hip-hop are now an important part of modern dance, as a medium that can greatly contribute to the development of modern dance. In conclusion, the study on jazz and hip-hop to examine the impact of African-American dance on modern dance has revealed the following. First, jazz and hip-hop have added to the variety of the expression method of modern dance. Second, jazz and hip-hop have acted as a catalyst in enhancing the popularity of modern dance. Third, jazz and hip-hop have the vast potential for development due to the possibility of organizing the genres in a creative and unique way through the incorporation of a variety of dancing methods.