선(線)으로 표현한 채색화의 자연이미지 연구 : 본인작품 중심으로

허정은 신라대학교 2010 국내석사

具象繪畵에 나타난 人物表現의 特性硏究 : 本人의 人物作品을 中心으로

허필석 東亞大學校 大學院 2003 국내석사

한국의 현대회화는 1950년대 말 기존의 아카데미즘 구상회화에 대립하여 나타난 탈이미지 회화의 강세 속에 새로운 경향의 현대회화 까지는 긴 시간이 필요했다. 더욱이 80년대 이후 현대미술은 형식주의에서 내용주의 미술로 이동하고 있고, 이러한 시점에서 새롭게 부각되고 있는 것이 현대 구상성의 회복이라 하겠다. 본 논문의 목적은 구상회화 의 장르를 바탕으로 화면 공간 속에서 이루어지는 새로운 조형적 가능성과 현대문명으로 인한 소외 받는 현대인들의 일상을 표현하는데 있다. 본 연구에서는 현대사회의 기술진보가 야기한 동시대의 압도적 속도감 때문에 디지털 미디어에 의한 무한복제가 일상화된 현실에서 구상회화의 매체적 특성 및 표현의 양식을 전제로 하여 손으로 그린 작품의 유일성과 원본성에 대한 회기욕구의 중요성을 말하고자 한다. 현대회화에서 재현이란 이미 있는 대상을 반영한다는 뜻이 아니고 그 자체로서의 구상되는 이미지이다. 그림이 어떤 사물의 모습 그대로를 드러내는 것이 아니라 특정한 작가의 시선이라는 사회적, 역사적인 구성물이며, 그림에 대한 특수한 관습을 통해야만 알아볼 수 있는 어떤 이미지를 수정한다는 뜻이다. 결국, 재현은 어떤 이미지가 어떤 문화, 역사. 사회, 정치적 맥락을 통해 구성되었는가 하는 문제가 중요할 것이다. 본 연구를 통하여 분석해본 본인의 작품세계에서는 현대사회에서 인간의 삶은 주어진 인간상황과 인간과 인간의 관계 등 외부조건에 따라 각기 다른 모습으로 드러내고 있지만 그 사회속에서 자신의 내적 갈등은 외부세계로부터 표현의 단절이 되고 또다른 상상의 내면세계와 공존하게 되는데 "HUNT"라는 일관된 명제속에 수많은 주변인물들의 모습으로 묘사되고 때론 변모된 인체로 표현되지만 그것은 현대사회에서 살아 가고 있는 내자신의 반영이라 하겠다. It took a long time until post-image painting, emerged in the late 1950s against academism-oriented concrete painting, was developed into a new trend of modern painting. The orientation of modern art has changed from form to content since the 1980s. In relation, much attention is being newly paid to return to modern concreteness. The purpose of this study is to find the possibility of a new formative art on canvas on the basis of concrete painting and then express modern people facing isolation brought by modern civilization. In the study, this researcher attempted to suggest the importance of return to the uniqueness and originality of hand-painted works with reference to characteristics and expression styles of concrete painting under circumstances such as overwhelming by the feeling of speed brought by the technological advancement of modern society and unlimited reproducing through digital media. Reproduction in modern painting is not reflecting objects invariably, not concreting images themselves. Painting is a social, historical formation of a particular artist's view, rather than showing an object just as it is. The modification of images which can be recognized only with certain practices of painting based is reproduction in modern painting. Thus, such reproduction stands itself on determining what images are created under what cultural, historical, social and political contexts. The researcher's work was analyzed here to suggest that human life in modern society has many different aspects depending on outside conditions such as given situations and interpersonal relations and that human inner conflicts result in isolation from the outer world and coexistence with another inner world of imagination. Titled "Hunt", the researcher's work reflects his identity in modern society through expressing many people around him and transfomed human bodies.

Jacques Lipchitz의 作品世界

이현숙 상명여자대학교 대학원 1987 국내석사

존재론적 사유를 통한 사물의 상징적 표현연구

박진희 신라대학교 대학원 2011 국내석사

What is art? For the question of what art is, the process of the artist looking for the answer to the question becomes the artistic act. As a poet answers the question through language, an artist finds the answer to the question through formative language, which can be said to be the task assigned to the modern artists. The artist begins from a personal interest and with the formative act, reflects the external and internal life of oneself onto the works. In producing the works, the artist does not just rely on one's personal understanding of beauty or interest. One is influenced not only by the contemporary formative styles but also by the times, social aspects, and cultural facets directly and indirectly. The present can be said to be a time where many things are allowed, and moreover, acknowledged. Such pluralistic society provides peace on the outside, but the plurality, on the other hand, brings internal disconjunction and alienation to cause lack of communication and in turn mass-produce the unrest which only produces self-replicates. Such historical, social agony and personal experiences form the base and the traces of thoughts are reflected through the object of things (tools), and the works are completed as the communion with the viewers who appreciate them. This report has organized the formativeness and expressional characteristics in the philosophical approach and forms regarding the ontological meanings in the works by the author. The ontological thoughts that frame the works will be examined against the philosophical meanings. To do so, first the question of being by the philosopher Martin Heidegger (1889~1975) and the ontological meaning of things (Ding), and what meaning that question of being conveys in artistic works will be examined before investigating the ontological meaning in the objects (things) and expressional styles seen in the works by the author. The task of the author is to find out which style to formulate such in through the understanding of ontological meanings, and this study covers the formative elements according to the intent of production, shows the production process of accomplishing the personalization, and defines the works to seek the future directions for the creative act ahead. 예술이란 무엇인가? 미술이란 무엇인가라는 물음은 작가가 그 의문의 답을 찾는 과정이 미술행위가 된다. 시인이 언어를 통해 그 물음에 답하듯 작가는 조형 언어를 통해 그 물음에 답을 찾아가는 것이 현대 작가들에게 주어진 과제라 할 수 있다. 작가는 개인적 관심으로부터 출발하여 조형적 행위로 작가가 가지고 있는 외적인 생(生)과 내적인 생(生)을 작품에 투영하게 된다. 작가는 작품을 제작함에 있어 자신의 개인적 미(美)인식이나 흥미에만 의존하지는 않는다. 동시대적 조형 양식에 영향을 받을 뿐만 아니라 자신이 속해 있는 시대상, 사회상, 문화상 등에도 직, 간접적 영향을 받게 된다. 현시대는 많은 것들이 허용되어지고 더 나아가 인정되는 시대에 살아가고 있다 할 수 있다. 이런 다원주의적 사회는 외적으로 평안함을 주기도 하지만, 반대로 그 다양함은 내적 단절과 소외로 인해 소통의 부재를 가져와 자기 복제만을 생산해 내게 되는 불안함을 양산한다. 이런 시대적, 사회적 고민과 개인적인 경험들을 바탕으로 사물(도구)이라는 대상을 통해 사유의 흔적들을 반영함으로서 그것을 감상하는 감상자들과의 교감으로 작업을 완성하고자 한다. 이 논문은 본인이 제작한 작품들이 갖고 있는 존재(存在, Being)적 의미에 대한 철학적 접근 방식과 형식에 있어 조형성과 표현적 특징들을 정리해 보았다. 작품에 있어서 뼈대가 되는 존재론적 사유는 철학적 의미에 기대어 살펴볼 것이다. 그러기 위해서 선행 되어야 할 과제는 먼저 본인이 제작한 작품에서 볼 수 있는 대상(사물)과 표현 형식에 있어 존재적 의미를 살펴봄에 있어 철학자 마르틴 하이데거(Martin Heidegger 1889〜1975)의 존재의 물음과 사물(Ding)의 존재적 의미, 그리고 그 존재의 물음이 예술 작품에 있어 어떤 의미를 갖는지를 ?i아 이해해 보기로 한다. 존재적 의미의 이해를 통해 그것을 어떠한 형식으로 조형화 할 것인가가 본인의 과제이며, 본 연구는 본인의 작품을 제작함에 있어 제작 의도에 따른 조형요소의 연구와 개성화를 이루어 가는 제작 과정을 보여주고 작품을 정의함으로서 앞으로의 작업 활동이 나아가야할 방향을 모색해 보기로 한다.

纖維藝術作品의 人體 表現

정은경 群山大學校 大學院 2004 국내석사

예술(藝術)은 자기감정의 전달(傳達)이다. 자기감정을 전달함으로써 자기 자신 즉, 자신(自身)의 내면세계(內面世界)를 표현하게 되는데, 이를 위해서 어떠한 형식이나 방법을 찾기 마련이다. 인간이 창조하는 예술은 단순히 자연(自然)의 모방을 위주로 하는 것이 아니라 대상을 통하여 자기표현의 가능성을 찾는 것이다. 인간은 자연에서 태어난 일부분이며, 자연이 인간에 주는 감동은 귀한 예술적 생명의 모체(母體)가 된다. 이로 인하여 자연에 대한 관심과 애정이 싹트게 되었으며 이러한 자연친화적, 자연에의 회귀적 시대정신은 인간의 지적 활동인 예술 등에도 반영되고 있다. 따라서 인체를 소재로 조형화함에 있어 자기의 내면세계와 형상을 진실 되게 표현할 수 있도록 모색해 왔다. 그래서 여기에서는 인체를 소재로 작가의 자유로운 창조적 주관을 표현하려는 순수한 조형의지를 나타낸 많은 예술작품 중에서, 특별히 섬유(纖維)로서 인체표현을 형상화시킨 섬유예술 작품을 연구의 대상으로 삼았다. 예술작품의 중요 소재인 인체의 표현이 현대섬유 예술분야에서는 어떤 조형적 특징을 가지고 변화되고 표현되어 왔는지를 고찰하였다. 그리고 인체를 표현하는데 있어서의 여러 가지 일반적인 특징들을 회화와 섬유작품을 중심으로 정리하고 오늘날 섬유예술작품에 나타나고 있는 인체표현을 미적, 기능적, 표현 형태적 특징으로 나누어 연구 전개하였다. 이러한 과정을 통하여 인체표현의 소재로 섬유에 표현한 본인의 작품들에 대해서 제작 동기, 사용된 재료와 방법, 제작배경등에 대해서 분석하였다. 현대의 미술표현과 기법이 다양화된 것처럼 염색의 기법에 있어서도 고정적인 염색법에서 탈피하여 여러 가지 기법을 응용함으로써, 우연적인 효과와 전통적인 염색에서 얻지 못하는 새로운 조형성을 개발할 수 있었다. 끊임없는 변화(變化)와 창조성(創造性)을 갖는데서 예술창작의 의의를 찾는다고 볼 때 창조적이고 감동적인 작품을 제작하기 위해서는 이론적 원리나 일정한 기법에 얽매임 없이 실험에 대한 개방적인 태도와 정신이 절실하게 필요하다. An art is an expression of one's own emotion. Artists will thus seek any format or methods to try to expose their own inner world. They often owe it to nature to do it. They don't, however, imitate nature itself, but to look for possibility of disclosing their own ego through nature. Man, as its part, is born in nature, and the impression that nature gives to man becomes an embryo for valuable artistic motives. It is thus easily confirmed that such interest and affection on nature have been reflected in the history of art. For an example, it has been pursued to harmonize human body with the nature to deliver one's own inner world. That is, figures of human body have been expressed in nature through nature. There are a lot of works of art which show the free creative subjectivity through a combination between nature and human body, but in this study, as its object, fiber works were chosen, which formalized expression of human body especially in fiber. This study analyzed various formal characteristics of an expression of the human body and its development, not only in modern fiber artistic, but also in painting fields. Such characteristics were classified by aesthetic, functional, and formal ones. Compared with them, the motives of some several works in fiber, their used materials and expression methods were critically reviewed. Besides, through many experimental attempts, from traditional to modern techniques in silk batik, accidental as well as desired effects wire so developed in the creative works of the author's as to confirm a new formalization of human body expression. They made emphasis on the vital image of nature, and tried to reflect it in expressing human body. Some important implications are as follows. First, human being's entity has been expressed by describing fine and natural human bodies. That is, the silk batiks in the thesis are going to transmit the inner world of the person oneself like a self portrait. Women appearing in the works are not object of daily, monotonous and formal feeling, but expression of beauty, affluence and inner emotion in themselves. Second, the dynamic image of vitality, not superficial character of nature, was stressed as an inner order of self-being in the author's works. They regarded nature as the origin which can generate and change all things as well as man. Expression motives for human identity can be extracted from nature, which can be also in turn expressed through human Inner world. Finally, for further artistic works, the sustainable change and creativeness are needed. Irrespective of theories and techniques, many experimental approaches must he sought to produce more creative and comprehensive works.

시각적 드로잉을 통한 실존성 연구 : 본인의 작품을 중심으로

서현숙 신라대학교 2005 국내석사

현대사회는 산업혁명 이후 급격한 산업구조의 변동과 그에 따른 경제성장의 결과로 물질적인 풍요를 누릴 수 있게 되었다. 그러나 자연환경의 파괴와 1,2차 세계대전을 통한 정신적인 혼돈상태를 겪으면서 현대인들은 정체성을 잃어갔다. 오늘의 복잡다양한 지식정보화 사회에도 이전 시대에 못지않게 사람들은 정체성 불안과 사회적 아노미에 직면하고 있다. 오늘의 현대사회는 더 이상 확실한 것도, 고정불변한 것도 없다. 모든 것이 불확실하고 유동적이다. 인간은 그런 상황 속에서도 무언가 합일과 화합을 시도하고 치유와 정화를 생각하고 꿈꾼다. 아마도 예술가는 그 치유와 정화의 중심에 서서 해결을 자청했던 사람이 아닌가 생각한다. 예술이 시대를 막론하고 가장 우선시 했던 것이 존재에 대한 사유였고, 인간의 실존성 문제에 대해 천착한 것이 아니었나 한다. 본 논문이 의도했던 실존성이라는 주제, 소재, 대상 역시 여기에 집중해 있다. 물질문명 앞에 놓인 인간 존재들의 실존성을 미술의 이름으로, 그리고 회화적 형상을 통해서 드러내려 했으며 또 이를 통해서 궁극적으로 치유와 정화의 의지를 담고자 했기 때문이다. 본인의 논문은 이를 위해 다음과 같이 크게 네 가지 영역에서 말하고자 한다. 첫째는 본인 작품의 이론적 배경이 되고 현대예술의 근간이 되고 있는 실존주의 철학이란 무엇이며, 그것이 의미하는 바와 또한 그 철학적 사유의 틀거리에 대해 살피면서 동시에 어떻게 회화적 표현에 의해 실존성이 말해지고, 오랫동안 현대미술이 실존철학을 이론적 버팀목으로 삼아왔는지를 회화사 맥락에서 살펴보는 것으로 “실존과 인체 표현”의 관계를 문제로 삼았다. 둘째는 본인의 작품과 밀접하게 연관되어 있는 표현의 문제로서 시각적 드로잉이 어떻게 실존의 문제를 상징과 은유로 나타날 수 있는지 그 구체적인 방법론으로서 “인물 드로잉”, “혼합 오브제”, “인물과 오브제의 유기적 작용”을 다루고자 하였다. 셋째는 본 논문의 핵심 주제인 “시각적 드로잉을 통한 실존성 연구”에 대해 본인의 작품에 한정하여 작품에 나타난 “인체조형의 실존적 의미”와 “시각적 드로잉에 대한 관점”을 작품의 내용적 측면과 연결시키고 이를 근간으로 그것들이 형상화되는 작품의 형식적 측면으로서 “색채와 화면구성”과 “표현방법과 재료의 선택”에 대해서 살펴보고자 하였다. 그리하여 마지막으로, 본 논문의 당위성과 시각적 드로잉이 실존성 표현에 얼마나 유효적절할 수 있는지 본인의 주요 작품 8점을 집중적으로 분석하여 실존성과 회화성의 관계를 증명하고자 하였다. Since industrialization, due to a rapid shift on industrial structure and the following economic growth modern society has been experiencing material abundance But, with destruction of natural environment and the state of the mental disorder through two world wars identity has been lost. The current complex and various knowledge information-oriented society also may become one of the causes for those identity uncertainty and social anomie. Modern society is not certain nor constant. Everything is uncertain and variable. Nevertheless, human beings attempt to be unified and to be balanced and think of and dream of cure and purification. Artists are probably those people who are in the front of cure and purification and would like to bring a matter to a peaceful settlement. It is human existence, speculation for being that art should put in its top priority. Topic, material and object this paper talks about will be mainly focused on human existence. By doing that, human beings' existence being exposed on material civilization will be uncovered through pictorial shapes under the name of the fine arts which will make up a will attracting cure and purification. In order to do that, the paper will be composed of four parts. Firstly, this paper talks about definition of existential philosophy, which is theoretical background of the author's works as well as the basis of modern art and framework for philosophical speculation and then the relationship between existence and the expression of human body that how the framework would turn into the basis of existence and theory in terms of paintings history will be identified. Secondly, as a closely related expressional matter of the author's works, "character drawing", "composite object" and "the organic operation of the character and object" will be studied as a specific methodology to find out how visual drawing would express the matter of existence in symbolic and metaphorical ways. Thirdly, contents side of the author's works is strengthened through "existence meaning of the modeling of the human body" and "view on visual drawing" shown on the author's works and as a basis of that, formal side of author's works such as color and configuration and expression method and selection of material will be identified with the study on existence through visual drawing, key topic of the paper. Finally, I'll show the paper has very valid reasons by analyzing my main eight works thoroughly in that visual drawing is a solution for existence expression, the relationship between existence and characteristics of paintings would be proved.

Minimalism에 관한 硏究

신석호 群山大學校 大學院 2004 국내석사

Early in 1960's, Minimalists made a challenge to Greenberg's formalism criticism. Minimalists destroyed the distinction between paintings and sculptures, an art work and any object, that is, art and non-art, invalidating Greenberg's modern concept, called medium specific. They also made beauty judgments void by presenting any object just like they imitated Duchamp's cynical gesture. Minimalism, together with Pop art, an strong peer at the front of anti-formalism, tried to show conflict between art and goods by presenting repeatedly produced products as they were against old subjective model of art. Their revolt posed a serious challenge to Greenberg's aesthetics, conservative and authoritarian criticism. After mid 60's Minimalism gained popularity among young artists who chose Greenberg's absolute modernism as their target in their liberal mood of intellect and politics. To meet the difficult situation, Michael Fried, influenced by Greenberg, wrote a paper titled Art and Objecthood which refuted the Minimalists' opinion. Fried, more firmly than Greenberg, devaluated Minimalism, saying that the nearer art comes to dramatic expression, the farther it becomes from its essence. Fried considers that Minimalists chose dramatic elements as a principal art way, where focus was placed on appreciators, presentation method, and surrounding situation - appreciator's body, space, light, etc- rather than art or work itself, which he named as 'Presence'. While Presence was regarded as an essence of theatrical property, making the qualification of works vague, Presentness, purely instant state by Modernism standard, was considered as essential condition for art. That is, it indicates a state which excels atmosphere and physical things, leading to fundamental existence. Having a firm conviction about the essence of art and aesthetic value, Fried even said that Presentness is a kind of blessing. Another interpretation of Minimalism includes Thierry de Dube's. According to him, Minimalist artists succeeded in destroying aura of dogmatic criticism, but they failed in obtaining the public's concern and understanding. Although they replaced works by objects, appreciation by play, imitating Duchamp's anti-art act, they could not give up art unlike Duchamp. They ridiculed aesthetic value but have never presented a white canvas itself. Unlike Rodechenko, who suggested monochrome in 1921 for the first time and announced death of painting, then turned his attention to reproduced pictures rather than painting, they produced identical works repeatedly and remained silent while they were watching their works coming into streets or gallery. In 1980's, criticism on Minimalism seemed general under Post-modernism vogue. Hall Foster suggested different interpretation on Minimalism. His thought about devaluation of Minimalism in 1980's was that just as McCarthist in 1950's tried to bury radicalism of 1930's, so Reaganists in 1980's tried to remove or reduce cultural right and political achievements of 1960's. He tried to save artistic achievements of 1930's and 1960's which had a deep impact on new conservatism from indiscriminate strategies of Post-modernism. In this respect, Foster tried to understand how much capitalism influenced the form and the composition of works and how works reacted to it. In the flow of art from 1960 through 1980 from this viewpoint, Minimalism was thought not to be overcome by Post modernism but to play an important role in the period of paradigm change. This study considers Foster's interpretation on Minimalism reasonable and analyzes Minimalism based on his viewpoints. Thus Greenberg's Modern theory in 1940's through 1950's will be considered and then its relationship with Minimalism will be discussed. By examining interrelationship between Minimalism and Neo Avant garde, it is shown that Minimalism is not an extinct issue into history but it has a progressive meaning in that it played an important role during paradigm change period.

불화를 통한 채색화의 표현 연구 : 본인 작품을 중심으로

성희량 신라대학교 일반대학원 2021 국내박사

섬(島)의 이미지를 應用한 象徵性 表現 硏究 : 本人의 作品을 中心으로

차주도 東亞大學校 大學院 2003 국내석사

20세기 초 추상미술의 전개는 인간의 내면세계에 대한 표현으로써 작가의 순수 감정에 따른 직관적 표현을 중요시하였으며, 3차원적 공간의 파괴와 그에 따른 2차원적 평면성에 대해 탐구로 이어졌다. 다양화되고 있는 오늘날의 예술행위 또한 그 궁극적인 목표는 인간의 내면세계와 그것을 둘러싼 외부 세계와의 만남이며 그 만남은 바로 현대미술을 다양한 양상으로 발전할 수 있도록 하는 중요 요인이다. 현대 사회를 살아가는 우리들은 급속한 물질문명의 발달과 혼잡함 속에서도 저마다 가슴속에 하나의 섬(島)을 가지고 있다고 생각한다. 이 '섬(島)'은 시간과 공간을 초월하여 우리들 가슴속에 하나의 존재자로서 자리잡고 있다. 본 연구는 자연 공간에 존재하는 '섬'(島)이라는 대상물을 순수 조형요소인 색채, 공간, 구도 등으로 표현하여 인간의 본성 및 가치 추구와 삶의 정체성에 대한 근원적인 물음에 접근하고자 한다. 제작 내용에서는 자연 공간에 존재하는 '섬'(島)의 이미지와 내면 세계에 존재하는 감정을 추상적으로 표현하였으며, 형태를 단순화 내지는 기하학적인 것으로 환원시킴으로 인하여 평면적인 화면을 추구하고자 한 것이다. 본 연구가 인간의 본성 및 가치 추구와 삶의 정체성에 대한 물음을 '섬'(島)라는 대상물을 통해 어떻게 상징적으로 표현되어지는가에 대한 배경과 목적을 기술하고자 한다. 작품 전개에 있어서의 표현방법을 통하여 섬(島)의 형상에 따른 상징성과 색채에 따른 상징성 및 섬(島)의 공간적 의미에 따른 상징성을 어떻게 표현하는가에 대해 고찰한다. 그리고 본인의 작품에 표현된 섬(島)의 색채와 공간 및 구도에 대한 표현내용과 방법을 작품 분석을 통하여 설명한다. 또한 각각의 작품에 표현된 사물의 이미지가 내포하고 있는 상징성의 의미를 밝혀보고 어떠한 표현기법으로 표현되어 있는지 살펴보고자 하는데 본 연구의 목적이 있다. Abstract art of the early 20th century focused on the expression of human inner world. It emphasized artists' intuitive expression based on their pure emotions. This led to the destruction of three-dimensional space and exploration of two-dimensional plane. Today a variety of artistic behaviors have the ultimate goal of realizing meeting between the inner world of human and the outer world surrounding it. Such meeting becomes the very factor that makes it possible for contemporary art to develop in various ways. This researcher thinks that people of modern society have their own island in mind, even though they live their life under a rapid development of material civilization and turbulences. The purpose of this study is to approach fundamental inquiries about human nature, value pursuance and the identity of life by way of expression island as a natural objects in terms of pure formative factors, or color, space and composition. In his work, the researcher abstractly expressed the image of island within nature and emotions within the inner world. Then the researcher sought to create a plane image through simplifying related objects or converting them into geometric things. In the study, the researcher tried to show how inquires in relation to human nature, value pursuance and life identity could be symbolically expressed by means of the object, or island. Based on expression techniques used for the work, the study tried to find how to reveal symbolism in relation to the shape, color and spatial significance of island. Then the study analyzed the researcher's expression of island and described methods applied to the color, space and composition of the work. And the researcher attempted to clarify the symbolic significance of the image expressed in the work and what techniques were used for the expression.

꽃과 여인을 통한 內面世界의 硏究 : 本人 作品을 中心으로

김지영 東亞大學校 大學院 1997 국내석사

예술은 자기 감정(感情)의 전달(傳達)이다. 예술가는 자기 감정을 전달함으로씨 자기자신 즉, 자신의 내면세계(內面世界)를 표현하게 되는데, 이를 위해서 반드시 어떠한 형식이나 방법을 찾기 마련이다. 이때 예술가는 자기에게 심성적으로 공감(共感)되는 형태만을 선택하게 되는데 본인이 '꽃과 여인'을 선택함은 우리 주위에 흔히 볼 수 있는 '꽃'이라는 소재를 통해 미(美)를 표현하고 더 나아가 사물의 고유한 방식에서 벗어나 본인(本人) 감정(感情)을 이입, 재해석 해 보고, 자화상적인 여인(女人)을 통해 인간에 대한 자기성찰과 존재론적 가치여부 등 인간의 내적(內的)요인을 상징적으로 단순화시켜 본인(本人)의 내면세계(內面世界)를 함축적으로 표출 하고자 하였다. 화면 구성은 많은 다양한 선(線)들의 집합체인 크고 작은 색(色), 면(面)들을 화면에 리드미컬하게 배치한 후 꽃과 여인이 주는 내면의 세계를 다양한 선묘(線描)로 표현함으로서 궁극적(窮極的)으로 면(面)과 선(線)이 유기적(有機的)으로 연결, 조화를 이루도록 하였다. 특히 면 분할에 있어서는 소재가 주는 이미지와 칼라의 특수성(特殊性)을 고려, 비교적 커다란 Volume을 강조하는 면에서 투영된 이미지를 단순화시키려 하였다. 본인이 주로 쓰는 색채는 무채색(無彩色)의 중채도, 저채도의 다소 무거운 느낌을 바탕으로 한 전반적(全般的)인 모노톤의 색채표현, 꽃과 여인의 소재에 따른 부분적(部分的)인 원색(原色)의 표현과 보라색, 청색, 자주색을 중심으로 중간색채의 색상과 채도로서 혼합되는 색조를 구사하여 화면을 구성하였다. 기법상으로는 부분적으로 호분(胡粉)을 사용하여 마티에르를 표현하기도 하고 나이프로 색을 두텁게 덧바른후 색채로서 공간의 깊이감을 주어 화면에 또 다른 변화를 주려고 했다. 따라서, 본인(本人)의 작품세계(作品世界)는 꽃과 여인을 자연의 주관감정 및 기질, 소양을 반영하는 의지적인 매개체(媒介體)로 인식하여 표현하였으나, 본인이 의도하는 바의 감성이 화면에 얼마만큼 충분하게 나타났는지가 더욱 중요한 일이라 하겠다. Art is communicating his own emotion. Artist represents his own inner world by communicating his own emotion and for this he definitely finds out a from or a method. At this very moment artist choose the only from the can sympathize with emotionally. The reason why I chose "Flowers and Woman" is that I wanted to represent beauty through flowers and to do empathy of mine sloughing off the typical way of things and to interpret. And also I wanted to simplify the inner factors of self-reflection and ontological values through the woman and then expressed my own inner world by implication. In the plane formation, first of all I arranged big and small colors and planes of collection of several lines on the plane rhythmically and then represented the inner world of flowers and woman with various line drawings. Thus I harmonized plane and lines organically. Especially in plane division I tried to simplify the reflected image stressing comparatively big volume and considering the speciality of immaterial image and color. I used usually the mono-tone colors of middle and low chroma which give somewhat heavy feeling, and partially I used primary colors in representing flowers and woman, and also used mixed colors with purple, blue, violet of middle chroma. In technique I partially used cosmetic powder to express matiere, and with knife I coated colors to give space depth with colors. Therefore, I recognized flowers and woman as a medium of will that represents nature' s subjective emotion, disposition, and characteristics and represented it but the most important thing is I expressed my intention and sensitivity on the picture plane.