무대예술전문인의 고용환경 안정화 방안 연구 : 무대음향전문인의 경우를 중심으로

홍산 영남대학교 2011 국내석사

M.A. Thesis A Study on Stabilization of the Employment Environment for Theatrical Arts & Technicians - mainly focused on sound engineering professionals - HONG, San Department of Arts Management Graduate School of Art & Design Yeungnam University (Advised by professor Min, Joosik) ABSTRACT As various popular theater performances bring about a new trend toward larger and highly-rated performances, it began to be recognized as an important issue to ensure the safety of performing venues as well as to verify the professionalism for theatrical arts & technicians. Hence, a professional qualifications system for theatrical arts & technicians is introduced in order to improve onstage technical staff performing work and to enhance the value of the related performance. With the introduction of such professional qualifications system, certified theatrical arts & technicians are recognized as specialized experts in their fields. However, the social recognition of theatrical arts & technician’s environment and employment policy remains unchanged. This study identifies the inside and outside of the employment environment especially for sound engineers among all certified theatrical arts & technicians by analyzing sound engineers’ business roles. Also, this study proposes alternatives through diverse cases from abroad. The main work duty of sound engineers can be divided into two main categories: own planning performances in their performance hall and external performances in a rented hall or venue. Range of service roles for sound engineers varies according to performance planning nature, but in reality, the roles of sound engineers even in own planning performances in their performance hall are very limited in that typically, their planning team casts an entire performance program with its team members including outside sound engineers. Thus, the primary business role for sound engineer is to work in external performances in a rented hall or venue. Nevertheless, sound engineers often experience in such external performances in a rented hall or venue that their work became insignificant in the performance due to many kinds of indirect support that may reduce the value of the sound engineers’ roles. Although sound engineers are obligatorily placed on the public theater by the performance law, the work duty of sound engineers in such conditions is relatively limited. Therefore, employment environment for sound engineers are mainly centered on working in larger performance settings which may change their employment market as a form of outsourcing type. The principle issues in these changed conditions of outsourcing strategies are followings: - The social tendency to avoid studying in the fields of natural sciences engineering in college - Lack of official management strategies for theatrical arts & technicians - Excessively sensitive performance hall management to social trends - Sound engineers’ attitude toward their fundamental work duty To solve these issues, sound engineers needs to have basic knowledge to become a beneficial member of society. In addition, in contrast to the current governmental policy which is mainly focused on fostering entry level theatrical arts & technicians, it needs to be changed to managing the professionals to become more confident in their fields. To make the better conditions for theatrical arts & technicians, establishing a well-arranged management agency is needed. This will improve employment environment for such professionals better, and will help them better achieve state-of-the-art technologies. Also, it will help the current professionals to become more proficient in their professions. Furthermore, the social awareness for theatrical arts & technicians needs to be changed. Rather than just supporting their related artists, theatrical arts & technicians need to be recognized as the equivalent status as professional artist by receiving continuous governmental support and by enhancing various activities to aid an active social life through the performing arts professional associations. Finally, sound engineers need to increase their professional value. In order to raise the value, improving the business structure and flexible management skills are also required. In other words, the role of sound engineers needs to be extended from their fixed management and supporting work duty to managing entire performance design. The higher the value of the sound engineers become, the more stable employment environment for them will be. 국 문 요 지 무대예술전문인의 고용환경 안정화 방안 홍 산 영남대학교 조형대학원 예술행정학과 예술행정학 전공 지도교수 : 민주식 공연이 대형화·고급화 추세로 변화함에 따라 공연의 안전성 확보와 공연장에 종사하는 무대기술인력에 대한 전문성이 중요한 문제로 인식되기 시작했다. 이에 무대기술인력에 대한 전문성과 공연작품의 예술적 완성도를 높이기 위해 무대예술전문인 자격제도가 도입된다. 무대예술전문인 자격제도 도입으로 양성된 무대예술전문인은 직업적 전문성을 자격제도를 통하여 인정받았지만, 무대예술전문인에 대한 사회적 인식 변화나 고용환경의 변화는 변함이 없다. 이에 본 논문은 공연장에 종사하는 무대예술전문인 중 무대음향전문인을 대상으로 무대음향전문인의 업무 역할을 분석하여 내·외부적으로 고용환경의 문제점을 파악하고, 해외 사례를 통하여 대안을 제시한다. 무대음향전문인의 업무는 크게 두 가지로 나눌 수 있는데, 자체기획공연일 경우와 외부대관공연일 경우로 나눠진다. 업무범위가 공연기획 성격에 따라 분류되지만 현실적으로 자체기획공연도 대부분 외부공연을 섭외하는 수준이기 때문에 무대음향전문인의 업무범위는 외부대관공연의 업무라 볼 수 있고, 외부대관공연일 경우 간접적인 지원의 역할로 공연작품에 큰 영향을 끼치지 못한다. 공연법에 의해 공공공연장에 무대음향전문인 의무배치가 실시되고 있지만, 무대음향전문인의 업무 범위를 보면 중요도가 떨어지기 때문에 결국 대형공연장을 중심으로 무대기술인력의 고용환경은 아웃소싱 형태로 변화하고 있다. 아웃소싱 형태로 변화된 무대음향전문인의 고용환경의 문제점은 이공계 기피현상인 사회적 풍토와 무대예술전문인에 대한 관리 기구 부재, 사회적 분위기에 민감한 공연장 운영, 무대음향전문인의 근무 마인드에 있다. 이러한 문제점들을 해결하기 위해선 무대음향전문인 스스로 자각적인 사회구성원으로써 기본소양이 갖춰져야 하며, 지금까지 정부정책이 무대예술전문인 양성에 초점이 있었다면 이제부터 무대예술전문인 관리로 초점의 변화가 필요하다. 무대예술전문인 관리 기구를 만들어 무대예술전문인의 고용환경 개선과, 빠르게 변화하는 무대기술에 대처하고, 전문성을 확고하기 위해 지속적인 교육을 실시해야 한다. 무대예술전문인에 대한 사회적 인식 변화도 중요하다. 무대예술전문인이 예술가의 보조적 수단이 아닌, 전문분야로서 인정받고 예술가의 동등한 입장으로 평가받도록 정부의 지원과 무대예술전문인 협회의 적극적인 사회 활동이 필요한 것이다. 마지막으로 무대음향전문인은 스스로의 가치를 만들어 가야 한다. 가치를 높이기 위해서는 업무 구조의 개선이 필요하고, 탄력적인 업무를 수행하여야 한다. 즉, 관리·지원의 고정적인 업무에서 벗어나 점차 디자인, 운영 부분까지의 업무 범위가 확대되어야 한다. 무대음향전문인의 가치가 높아질수록 고용환경은 안정화 될 것이다.

고객관계관리(CRM)의 관점에서 본 공연예술의 관객개발 : 대구오페라하우스를 중심으로

박민석 영남대학교 2015 국내석사

고객관계관리(CRM)의 관점에서 본 공연예술의 관객개발 - 대구오페라하우스를 중심으로- 박 민 석 영남대학교 문화예술디자인대학원 예술행정학과 예술행정학 전공 지도교수 : 민 주 식 국문초록 지난 수십년 동안 우리는 경제발전을 위한 산업화 위주의 경제정책에 많은 시간과 노력을 투자하여 왔었다. 하지만 후기 산업사회에 접어들면서 문화의 중요성에 관심을 가지게 되었다. 국민들의 지적 수준 향상과 더불어 인간이 인간답게 살기 위한 수단으로 문화에 대한 관심이 집중되고 있는 것이다. 그리고 문화의 산업화와 더불어 국가 경쟁력을 결정짓는 부가가치가 높은 산업으로 인식되어짐에 따라서 공연예술에 대한 경제적 부가가치에도 많은 관심을 가지는 시대가 되었다. 또한 국가의 브랜드화를 위한 수단으로 공연예술이 그 가치를 높여가고 있는 시대에 살고 있다. 공연예술은 산업적인 측면에서 윈도우 효과를 가장 직접적으로 가져올 수 있는 효과적인 경제 매개체로 인식되어지면서, 이로 인해 효율적인 경영방식에 대한 연구가 필요로 하게 된 것이다. 또한, 문화예술에 대한 국민적 관심과 더불어 사회적으로 사람들의 라이프 스타일의 변화와 함께 문화예술 중에 공연예술의 체험이 보편화되고 있는 것이다. 하지만 급격한 사회적 변화로 공연예술분야에서 경영은 체계적이지 못한 운영으로 효율성면에서 다소 미흡한 부분들이 발견되고 있다. 그 문제점으로 공연예술분야에서의 경영방식이 여전히 공연기획자 중심의 운영을 통해서 공연을 관람하는 관람객과의 소통에 자유롭지 못하다는 것이다. 그리고 초기 제작비용이 상대적으로 큰 공연예술분야는 홍보, 마케팅기법의 비전문화로 인해 효율적인 운영이 되지 못하는 실정이다. 이러한 이유로 필자는 일반적인 기업에서의 고객관계관리(CRM)를 공연예술 분야에서도 적극 도입하고 전문화 및 세분화의 필요성을 주장하는 것이다. 본 논문은 대구오페라하우스를 중심으로 고객관계관리를 통한 공연예술의 관객개발에 대해서 연구하였다. 즉, 기존 고객관계유지 및 예비고객을 대구오페라하우스로 유도하기 위해서는 해외의 선진 오페라 전용극장들의 프로그램들을 연구하고 국내 우수사례에 대해서도 정기적으로 모니터링 및 우수 프로그램을 연구하고 이를 도입할 필요가 있다는 것이다. 또한 체계적인 고객관계관리를 위해 순수예술분야인 오페라의 저변확대를 위한 전문적 경영기법을 ,도입할 필요도 있을 것이다. 이에 본연구자는 관계마케팅 기법을 적극 활용하고 관계마케팅의 수단으로 웹사이트의 활성화에 대해서 중점적으로 연구하였다. 웹을 통해서 고객과 소통할 수 있는 프로그램 및 서비스를 개발하고 이를 지속적으로 제공하는 노력들이 이루어져야만 한다는 것이다. 경영의 효율성을 높이는 방안으로 결국은 고객과의 소통의 장으로써 시간적, 공간적 제약이 적은 웹을 활성화하고 이러한 활성화는 관객개발이라는 결과를 가져 올수 있을 것이다. 이에 대구오페라하우스는 재단법인 출범과 더불어 지속적인 관객개발을 위해 고객과 소통하고, 전문가 집단의 의견을 수렴함으로써 보다 전문적인 기관으로 자리 잡을 수 있기를 기대한다. 핵심어: 문화예술, 문화예술교육, 고객관계관리, 관계마케팅, 공연예술, 오페라극장, 관객개발, 서비스스케이프, 미디어마케팅, 정기회원제도 M.A. Thesis Audience Development for Performing Arts from the View point of Customer Relationship Management(CRM) - Focusing on Daegu Opera House - Min-Seok Park Department of Arts Administration Graduate School of Arts and Design Culture Yeungnam University (Directed by Professor, Joo-sik Min) Abstract For the last several decades, Korea has invested lots of time and efforts in pursuing industralization-oriented economic policy for economic development. Since the post-industrial society, however, Korea has paid more attention to cultural activities. As the citizens have become intellectually more developed, they have turned their attention to diverse cultural activities, including performing arts. As a result, the cultural industries have advanced substantially. They have been perceived as important industries with high added values, which can influence the national competitiveness. It has led to the rising interest in the economic value of performing arts. In fact, performing arts have boosted their value as a tool for nation branding. As performing arts have been perceived as an 'economic medium' whose value can dramatically rise over time, effective management methods need to be studied as to the field. Meanwhile, rising interest in cultural arts has changed the lifestyle of people. In particular, performing arts have garnered tremendous attention, leading to widespread experience in the field. However, the management of performing arts have been rather inefficient and unsystematic. It is related to the rapid social changes. The problems include the following. First, performing arts management still revolves around production agencies. As a result, interaction with the audience ― the customers ― is quite limited. Second, operation of performing arts has been inefficient as the initial production cost is relatively high and marketing and advertising have been ineffective. Therefore, this study suggests that customer relationship management (CRM), which is used in corporations, should be actively adopted by the performing arts industry, along with specialization and segmentation. This study explores audience development for performing arts through CRM with focus on Daegu Opera House. To maintain existing customers and attract new customers to Daegu Opera House, the following are suggested. First, advanced opera theaters in other countries should be studied and emulated. Second, domestic benchmarking is also necessary through regular monitoring and research into outstanding cases. The results should be actively adopted for continuous development. Third, specialized management methods should be adopted to increase the customer base of opera, a pure art, for systematic CRM. Thus, this study focuses on website stimulation as a tool for CRM, actively utilizing its marketing methods. It was done under the belief that customer-oriented programs and services should be developed and offered steadily on the web. For more efficient management, website can stimulate customer interaction as it can be done anywhere, anytime. Such stimulation will lead to audience development. Daegu Opera House has the potential to become a specialized performing arts venue after establishing its foundation. To that end, it needs to engage in customer interaction and to seek expert opinions for continuous audience development. Keywords : Culture and Arts, Arts Education, Customer Relationship Management, Relationship Marketing, Performing Arts, Opera House, Audience development, Media Marketing, Regular membership system

대구지역의 음악공연에 대한 비평 분석 : 2000년 이후 지역 언론지의 비평을 중심으로

노수경 영남대학교 2012 국내석사

Analysis on Criticism on Musical Performances in Daegu -With Special Emphasis on Local Media Issued Since 2000- Nho, SooKyoung Department of Administration of Art Graduate School of Art & Design Yeungnam University (Directed by professor, Min, JooSik) Abstract Since the 20th century, criticism of art has a close relationship with art management. The role of criticism to discuss the values of art has become the standard for art consumers to choose art products, and this came to produce art criticisms for the purpose of selling art products. 'The absence of criticism' has risen as an issue in the overall artistic circles. This paper aims to grasp whether the criticism on music performances in Daegu is playing its role as art criticism properly or not and to study how criticism should develop for the advancement of field of musical art in the region. The range of study is major daily newspapers and art magazines issued in Daegu since 2000 until 2010. Maeil Shinmun and the Yeongnamilbo were selected as the major daily newspapers, and Daegu Munhwa was selected as the major art magazine. This paper determined and classified the standards for criticism on music in order to analyze the criticism on music of three media. The kinds of criticism on music were classified into concerts, created music, situations of musical society and musical festivals. The forms of criticism were classified by the methods of criticism, by the methods of description and by types of critics, and were even classified in more details into analytic criticism, impressive criticism, comparative criticism, professional criticism, criticism in the form of reports, cultural criticism and criticism in the form of essays. The types of critics were classified into reporters, persons related to music including professional critics and others. This paper assorted the criticisms on music in Maeil Shinmun, the Yeongnamilbo and Daegu Munhwa on the basis of these standards, and analyzed the ratio of each category. It's already a past history that art is recognized with its existence itself. Art has become a product with an obligation to catch the public eye, and diverse efforts to create 'art consumers' have emerged. That is, art has come to have a duty to actively show its special value to the consumers with no understanding about art, and attention has been paid to criticism on art as the best means to satisfy that. The culture of criticism has not been absent but failed to keep up with the changes of the times. The pressure on the artistic circles for a shift in generations and the artists who failed to feel the needs for groping for directions for criticism to develop are partly responsible for that. The development of culture of criticism suitable to the era would come under not only Daegu but also every city and every nation. If we acknowledge the purpose and diversity of critics and accept criticism not as attack but as attention and affection, we will be able to maintain the culture of criticism not harming the original role of criticism. 국 문 요 지 대구지역의 음악공연에 대한 비평 분석 -2000년 이후 지역 언론지의 비평을 중심으로- 노 수 경 영남대학교 조형대학원 예술행정학과 예술행정학 전공 지도교수 : 민주식 20세기 이후 예술비평은 예술경영과 밀접한 연관을 가진다. 예술의 가치를 논하는 비평의 역할이 곧 예술 소비자들에게 예술상품 선택의 기준이 되었고 이는 곧 예술상품을 판매하는 목적으로 예술비평들을 양산하게 되었다. 이 논문의 목적은 대구지역의 음악공연 비평이 예술비평으로서의 역할을 제대로 수행하고 있는지를 파악하고, 지역 음악예술분야 발전을 위해 비평이 어떻게 발전해야 할 것인가를 연구함에 있다. 연구범위는 대구지역에서 발행되는 2000년부터 2010년까지의 주요 일간지와 예술잡지이다. 주요 일간지로는 매일신문, 영남일보를 선택하였고 주요 예술잡지로는 대구문화를 선택했다. 세 매체의 음악비평을 분석하기 위해 음악 비평의 기준을 정하고 분류하였다. 음악비평의 종류는 연주회, 창작곡, 음악사회적상황 그리고 음악축제로 구분하였다. 비평의 형식은 비평 방식상, 서술방식상 그리고 비평가의 유형으로 분류했고 더 세부적으로 분석적 비평, 인상비평, 비교비평, 전문적 비평, 보고형식 비평, 문화 비평, 수필형식 비평으로 구분하였다. 비평가의 유형은 기자와 전문비평가를 포함한 음악관계자 그리고 그 외로 분류하였다. 이러한 기준을 토대로 매일신문, 영남일보, 대구문화의 음악비평문을 가려내고 각 분류별 비율을 분석하였다. 세 매체의 음악비평 분석을 통해 대구지역 음악공연 비평은 비평문의 목적성이 뚜렷하지 않고 대중과 비평가가 소통할 비평의 장이 부족하며 비평을 두려워하는 문화를 갖고 있다는 문제점을 알 수 있었다. 이에 음악 비평가는 당대의 음악현상과 쟁점을 진단하고 그 비전을 제시하는 작업을 해야 하는 음악비평의 보편적 지향점을 염두에 두어 대구지역 음악공연 비평의 현재를 진단하고 지향점을 고민하였다. 예술이 존재 자체로 인정을 받는 것은 이미 지난 시대의 이야기가 되었다. 예술은 대중의 이목을 집중시켜야 하는 의무를 가진 상품이 되었고 ‘예술 소비자’를 창출해내기 위한 다양한 노력이 대두되었다. 즉, 예술이 가지는 특별한 가치를 예술에 대한 이해도가 없는 소비자들에게 적극적으로 보여야 할 의무를 가지게 되었고 예술 비평은 이를 충족해 주는 가장 좋은 수단으로 주목받았다. 비평문화는 부재한 것이 아니라 시대의 변화에 발맞추지 못했다. 그 것은 세대교체에 대한 예술계의 부담감과 비평의 발전 방향 모색에 필요성을 느끼지 못했던 예술가들에게도 책임이 있다. 시대에 맞는 비평문화의 발전은 대구지역 뿐 만 아니라 모든 도시, 나라에 해당이 될 것이다. 목적성과 비평가의 다양성을 인정하고 비평을 비난이 아닌 관심과 애정으로 받아들인다면 비평이 갖는 고유의 역할을 해치지 않고 비평문화를 이어갈 수 있을 것이다.

학교교육과의 연계를 통한 문화예술회관의 예술교육프로그램 활성화방안 : 대구광역시 봉산문화회관을 중심으로

정선영 영남대학교 조형대학원 2011 국내석사

현대사회는 지식․문화가 중요시되는 지식기반사회로 전환되면서 개인이 창의력과 상상력을 최대한 발휘할 것을 요구하고 있으며, 사회 변화의 요구에 대응하기 위해 예술교육의 중요성이 대두되고 있다. 이에 선진국을 비롯한 상당수 국가들이 예술교육의 중요성을 인식하고 국민의 문화적 감수성과 창의성, 문제해결능력을 키우는데 노력하고 있으며 이를 통해 국가의 경쟁력을 높이는데 힘을 싣고 있다. 우리나라 문화예술회관에서의 예술교육프로그램 중요성 인식은 문화관광부가 2005년 문화예술교육의 법․제도적 기반을 마련하고 이를 통해 영역별 정책 사업을 본격적으로 수행해 나감으로써 시작되었으며, 현대사회가 요구하는 인재를 양성하기 위해 혁신적인 마인드로 본격적인 예술교육프로그램을 운영하는 사례도 있지만 대부분 일회성인 것이 많고, 관객증식이나 현대 국가의 문화정책이 요구하는 창의적 인재 양성과는 거리가 멀어진 상태다. 학교에서의 예술교육은 정규교과와 창의적 체험활동으로 구분되는데 지식 중심 교과가 대부분이며 예술교육은 음악과 미술뿐으로 성적 위주의 평가중심의 예술교육이 이루어지고 있다. 2011년부터 적용되는 ‘2009 개정 교육과정’에 새롭게 도입된 창의적 체험활동을 통한 예술교육 역시 학교 내에서 진행하기에는 공간과 시간의 부족, 교사의 전문성 문제, 전문 프로그램 부재 등의 문제점을 안고 있는 것이 현실이다. 따라서 본 연구에서는 여러 가지 사회문제로 인해 예술 향유자들이 점점 줄어들고 있는 우리나라의 상황에서 예술교육을 통한 예술 향유자 확대는 문화예술회관과 교육의 기회를 누구에게나 균등하게 제공하는 학교가 서로 연계하여 발전시켜 나가야 한다는 점이 중요하다고 인식하였고, 이를 대구 봉산문화회관에서 2007년부터 실시하고 있는 ‘미숙아놀자! 예술아카데미’ 예술교육프로그램을 중심으로 학교와 함께 연계하여 발전시켜 나갈 수 있는 방향을 제시하고자 하였다. 이러한 연구의 결과 첫째, 봉산문화회관-학교-행정부서의 네트워크 체계를 구축하여 각 기관의 역할을 재확인하고 프로그램이 활성화되기 위한 여건을 조성해야 한다. 둘째, 연극 및 뮤지컬 장르 특성화 프로그램, 대상과 기간별로 세분화된 프로그램, 교사워크숍프로그램 등 다양한 예술교육프로그램을 개발해야 한다. 셋째, 교육자료를 개발하고 이를 공유할 수 있는 인트라넷이 구축되어야 한다. 넷째, 프로그램 개발, 실행, 결과에 대한 평가를 통해 예술교육프로그램의 내실화를 실현해야 한다. 다섯째, 이러한 결과를 반영한 예술교육프로그램 개발 모형을 제안한다. 본 연구는 문화예술회관과 학교의 예술교육에 관한 이론 연구와 봉산문화회관 내부 자료를 바탕으로 현황과 문제점을 통해 연계의 필요성과 활성화 방안을 모색하였고 개발모형을 제시한 데에 그 의의가 있으며, 사례분석에서 해외와 비교 분석할 수 있을 만큼 예술교육프로그램을 시행하고 있는 문화예술회관으로 범위가 좁혀져 우리나라 전체 문화예술회관의 상황을 대변하고 있지는 않다는 점이 연구의 한계로 남는다. As the modern society is being converted to knowledge-based society concerning about knowledge and culture, individuals are expected to exhibit one’s most creativity and imagination while the importance of arts education to correspond to the requirements of the social changes is gathering strength. For this, many countries including advanced countries recognize the significance of arts education, try to improve cultural sensitivity, creativity and problem-solving capability, consequently improving the national competitiveness. The recognition for the importance of arts education program by cultural/arts centers started when the Ministry of Culture and Tourism established the legal and systematic foundation of arts and culture education in 2005 and has aggressively executed the policy program by fields. Then, there were several programs of arts education to bring up the talented persons suitable for the modern society but almost of them were temporary and disposable and far from the education of creative personnel required from increase of audience and/or the policies on culture in a modern country. Arts education in a school is classified into regular subject and creative experience activities but the education is almost maintained by knowledge-based subjects while arts education is just the appraisal-based education to evaluate students by the scores in art and music subjects. The arts education through creative experience activities newly introduced in ‘2009 Revised Curriculum’ and applicable from 2011 is also limited due to insufficient space and time, lack of teachers’ specialty and lack of special programs. Therefore, the study recognizes that in the situation the population of arts is reduced due to various social problems, the expansion of the population of arts by means of arts education would be meaningful when the cultural/arts centers and the schools providing balanced opportunities to anyone are linked each other and developed, in which Bongsan Cultural Center in Daegu was selected as a case study, suggesting the directions in the link with the school as the center started and has executed ‘Misuk! Play with me! Arts Academy’ since 2007. As a result, firstly, Bongsan Cultural Center, schools and administration can be networked, necessarily reconfirming the roles of tripod institutes and making the circumstances to activate the program. Secondly, various arts education programs should be developed including genre specialty program of play and musical, subdivide programs by subjects and periods and workshop program for teachers. Thirdly, the educational materials and Intranet to share them should be structured. Fourthly, the arts education programs should be substantially maintained by the appraisal for the development, execution and results of a program. Finally, an arts education program should be developed by reflecting the results. The study focus on the necessity of link between cultural/arts centers and school through the present status and problems, based on the theoretical studies on the arts education of cultural/arts center and school and the internal data of Bongsan Cultural Center, and the measures to activate. The study is meaningful in view of suggesting the development model. However, it is limited that the case study might not represent the current situation of the cultural/arts center in the territory as the scope is reduced to the cultural/arts centers that currently providing arts education programs, not comparing to overseas cases unfortunately.

대구지역 거리공연예술의 현황 조사 및 발전방안

배두호 영남대학교 2012 국내석사

대중예술(Public art), 도시예술(Urban art) 그리고 도시문화, 거리예술. 이 모든 어휘는 미학과 도시의 관계에서 때로는 관련이 없어 보이고, 때로는 연관성을 가진 다양한 현실을 포함한다. 거리공연예술은 도시의 공공장소에서 펼쳐지는 예술형태이다. 근래에는 시민의 공연과 표현의 자유를 존중하여 지자체를 비롯한 정부가 관련규정을 제정하고 지원방안을 고민하고 있는 상황이다. 하지만 우리나라의 경우 여가선용 목적에 그치거나 이미지로만 보여주는 이벤트로 그치는 등 사회적 관심만 증대되었을 뿐, 거리공연예술에 대한 중요성과 역할에 대한 연구는 실로 부족한 상황이다. 이에 대해 본 논문은 거리공연예술이라는 거대한 움직임에 대한 담론적 해석의 틀을 마련하고, 한국사회에서 대중공간과 현대사회의 총체에 대한 새로운 의미를 부여한다. 또한 대구지역의 거리공연예술에 대한 현황을 파악하여 큰 틀에서의 대구지역 거리공연에 대한 가이드라인을 제시함으로써 지역문화에 대한 기반조성은 물론 새로운 지역문화예술정책에 대한 담론을 수반한다.

경남문화예술회관의 발전방안 - 시설 및 교육프로그램을 중심으로

하선주 영남대학교 조형대학원 2010 국내석사

지역의 대표적 문화공간인 문예회관은 문화예술 활성화와 지역주민의 문화향수권 신장 그리고 중앙 집중화 되어 있는 문화현상을 해소하고 지역주민의 문화 복지 향상을 위해 중요한 역할을 한다고 볼 수 있다. 본 연구는 경남문화예술회관의 운영현황과 문제점을 파악하고 그 기반을 둔 경남 및 진주지역의 여러 가지 여건을 고려하면서 ‘경남문화예술회관의 발전방안’을 제시하여 보았다. 경남의 대표 문화공간으로서 경남문화예술회관이 공공 문화공간으로 가져야 할 의무로 고려되어야 할 것은 개방적인 공공의 공간으로서의 역할, 지역의 문화공간들을 선도하고 교육하는 기관, 문화향수권의 함양, 공공 예술교육기관으로서의 역할 등이다. 이러한 전제하에 향후 경남문화예술회관의 발전을 위한 구체적인 방안에 대하여 다음과 같이 정리해 볼 수 있다. 첫째, 소공연장을 건립해야 한다. 문예회관의 소재지인 진주의 문화‧예술 시설을 살펴보면 소규모 공연을 위한 시설이 없으며, 현재 지역의 예술가 및 단체들이 대안으로 청소년 수련원의 강당을 사용하고 있으나 공연을 위한 시설물이 아니므로 지역 예술가들의 발표에 제한이 되고 있다. 이를 해결하기 위해 소공연장이 들어설 적합한 장소는 현재 주차장의 활용이 바람직 할 것이며 소공연장의 건립으로 사라지는 주차장의 대안공간으로서는 지하 주차장이 활용될 수 있을 것이다. 이와 같이 현재 주차장 시설에 소공연장과 기존 주차장 및 지하 주자창의 적절한 배합으로 시설균형을 맞추는 것이 가장 효과적이라 할 수 있다. 둘째, 문예정보실을 조성해야 한다. 지식정보사회가 진전되면서 문화예술의 사회경제적 가치는 더욱 커질 것이며 이와 관련하여 문화활동에 대한 수요도 다양화, 개성화, 고도화, 주체화 될 것으로 전망된다. 지역민의 문화활동도 단순히 문화예술을 향유하는 소극적인 차원에서 점차 문화예술에 관한 감성, 상상력, 지식과 비판력을 습득하는 문화학습형으로 변화하고 있으며, 뉴미디어를 통한 예술체험 및 학습기회가 점차 커지고 있다. 문화∙예술 자료를 보관하고 또 각종 문화 예술관련 발행물, 잡지, 도서, 음반, 정보를 얻을 수 있는 자료나 해당기관이 실시하는 제작물 자료 등을 구비하며, 뉴미디어를 활용한 문예체험이 활성화 되어 있으므로 인터넷 열람부스를 설치하는 등, 이러한 환경변화에 적합한 문화서비스 공간을 갖춤으로써, 지역민이 손쉽게 이러한 공간을 활용할 수 있도록 할 필요가 있다. 경남문화예술회관은 설계 당시부터 편의시설이나 문화서비스 공간에 대한 인식이 부족하였다. 따라서 공연관람객의 편의제공과 지역민이 언제든지 상시 머무를 수 있는 공간으로 거듭나기 위해서는 별도의 공간을 확보해 관객들의 편의 제공 및 지역민에 대한 서비스가 이루어져야 한다. 셋째, 교육 프로그램을 활성화해야 한다. 문예회관의 ‘교육 기능’은 지역주민의 문화향수 능력을 신장하는 ‘문화복지’의 정책을 완수하고 구체적으로 실천할 때 그 의미가 있다. 이것은 물론 지역민들이 보다 자발적으로 다양한 문화 활동에 참여함으로써 적극적 의미의 ‘문화향유권’ 신장의 목표를 이룰 때 가능해진다. 지역민에게 교육 프로그램을 제공하여 예술에 대한 호기심과 관심을 갖게 하여 예술의 이해와 접근을 용이하게 하고 예술을 일상생활의 중요한 부분으로 관람행위와 창조행위가 일상의 습관으로 이어지도록 하는 것이다. 이와 관련하여 문예회관에서는 교육프로그램의 실시를 위해 미리 연구하고 준비하는 자세가 필요하고 예술행정 연구자들은 보다 깊이 있는 조사 연구를 통해 문화예술현장에서 바람직한 교육프로그램이 실시될 수 있도록 보다 많은 연구가 진행되어야 할 것이다. 경남문화예술회관은 단지 도의 재산 및 건물을 관리 하는 것이 아니라 예술인들에게 활동의 장을 제공하며 지역문화를 창출하는 거점이 되고 능동적으로 활동할 수 있는 복합문화예술의 공간으로 강화되어야 한다. 그리고 경남의 특색있는 문화를 창출하고 수준 높은 예술을 우수한 시설의 생활권역에서 감상하도록 하며 지역민의 문화복지를 향상시키고 궁극적으로는 경남의 문화도시 형성의 거점, 지역경제 및 문화민주주의 활성화를 통한 삶의 질 제고에 기여하여야 할 것이다.

지역화를 통한 지속가능한 지역축제 방안 연구 : 대구광역시 수성구 수성빛예술제를 중심으로

곽봉호 영남대학교 문화예술디자인대학원 2025 국내석사

본 연구는 지역화의 개념을 중심으로 지속가능한 지역축제 방안을 대구광역시 수성구 축제 ‘수성빛예술제’를 통해 살펴보는 것을 목적으로 한다. 이를 위하여 우선, 지역화(Regionalization)의 개념을 정의한다. 지역화는 특정지역 또는 지리적 구역을 중심으로 정책, 경제, 사회·문화 측면에서 체계를 형성하거나 강화하는 과정을 의미한다. 본 연구에서는 사회·문화적 측면에서 지역화 개념을 살펴보고자 한다. 해당 맥락에서 지역화 개념은 지역의 정체성을 강화하고 공동체 간 유대감을 높여 지역의 전통, 언어, 문화 등을 보존 및 확산하는 것을 의미한다. 다른 한편으로는 지역화를 지역성(Regionality)에서 파생된 개념으로 정의한다. 지역성은 특정 지역사회만의 사회적, 문화적, 경제적 요소들이 결합된 고유성으로 보며 지역화는 이러한 지역성을 강조하는 행위이다. 종합하자면 지역화는 지역의 사회·문화적 고유의 정체성을 유지하고 증대시킴으로써 하나의 지역이 사회·문화적 측면에서 세계적인 가치를 지니게 되어가는 과정이 지역화이다 . 연구에서 무엇보다도 중요한 것은 지속가능한 지역축제 지역화 요인 주민 참여, 지역 관계성, 지역 공동체, 지역 교육 지역축제에 관한 실질적 방안이 구체화되었다는 점이다. 연구 결과, 대구광역시 수성구 수성빛예술제 지역화를 통한 지속가능한 지역축제 방안으로 주민 참여에서는 지역 간 연대전략, 수성빛예술학교 주민참여 적극적인 대응 등이 요구되었다. 지역 관계성에서는 활성화를 위해 운영주최의 명확한 역할설정, 기업과 파트너십 결성, 참여기관 거버넌스 협의체 구축이 필요했다. 그리고 지역 공동체 부분에서는 공동체 간 연계와 협력 방안으로 전문가와 비전문가의 커뮤니티를 통한 공동작품 제작, 참여 공동체 간 소통 창구 조성이 필요했다. 마지막으로 지역 교육 지역화 전략으로 수성빛예술학교 기관의 고도화가 요구되었고 그 방안으로 평생교육기관 또는 사단법인화 형태 개편과 지역 브랜드화가 필요했다. 지역축제 성공을 위해서는 먼저 주민 참여, 지역 관계성 형성, 지역 공동체, 지역 교육 등 지역화가 선행되어야 하고, 지역축제가 일시적 지역 서비스나 지역 관광 이벤트가 아닌 호스피탈리티의 장이 되어야 하며 지역축제는 지역 공공부문과 민간부문 그리고 민관협력 체제가 총체적으로 협력하는 협력적 거버넌스(Collaborative Governance)가 요구되었다. 본 연구는 지역화의 개념을 통해 지속가능한 지역축제 방안을 연구하고자 하는 목적을 지니고 있다. 수성빛예술제는 지역축제의 지역화를 통한 지속가능한 요인을 포함하고 있어 수성빛예술제 사례를 분석하고 연구를 실증했다. 그리고 이를 통해 주민 참여, 지역 관계성, 지역 공동체, 지역 교육 등의 지역축제에서 공통적인 실질적 방안이 구체화되어 이에 대한 의의가 있다. 향후 연구에서는 이러한 내용을 토대로 지역축제 현장에서 보다 실질적으로 활동하는 참여 주민, 단체, 기관 등을 대상으로 하는 연구적 접근이 요구된다. 주제어 : 지역축제, 지역화, 지속가능, 관람객 만족도, 수성빛예술제

수요자 지원 사업으로서의 '사랑티켓' : 그 현황분석과 개선방안에 관한 고찰

박희영 영남대학교 조형대학원 2009 국내석사

수요자 지원 사업으로서의 ‘사랑티켓’ - 그 현황분석과 개선방안에 관한 고찰 - 박희영 영남대학교 조형대학원 예술행정학과 예술행정학 전공 지도교수 민 주 식 국문요약 사랑티켓이란 문화사랑티켓의 줄임말로 보다 많은 사람들이 문화예술을 접할 수 있도록 연극, 무용, 음악, 뮤지컬 등 공연예술 관람료와 전시관람료 일부를 복권기금과 지방정부 예산으로 지원하는 제도이다. 티켓가격의 일부를 보조해 줌으로써 많은 관객을 공연장으로 유도하여 사람들의 문화향수에 기여함과 더불어 공연단체에도 일정 정도의 수입을 확보할 수 있게 해주는 이중적 구조를 지니고 있다. 사랑티켓은 우리나라의 대표적인 문화예술 수요자 지원 사업으로 관객들로 하여금 지금까지 수동적으로 문화소외지역으로 찾아온 공연을 감상하던 입장에서 벗어나 적극적으로 자신이 원하는 공연을 찾아다니며 감상할 수 있도록 유도한다는 점에서 매우 큰 의미를 지닌다. 사랑티켓은 1991년 “연극영화의 해” 사업의 일환으로 ‘관객의 붐을 조성하고 결과적으로 참가극단에 대한 지원이 되도록 한다’는 취지에서 시작되었으며 2001년부터 지역사랑티켓이 본격화 되면서 지역의 확대, 사업방법의 개선, 지원대상의 변화 등 다양한 형태로 변화, 발전되었다. 사랑티켓에 대한 사회적 기대는 1990년대 초반까지 관객개발을 통한 공연예술지원으로 1990년대 중후반부터 2000년대 초반까지는 관객의 문화향수 직접 지원을 통한 문화향수 증진으로, 그리고 최근엔 복권기금의 속성을 이유로 문화소외계층에 대한 선별적 문화복지 지원정책으로 그 목적을 달리하고 있다. 이처럼 사랑티켓은 그동안 많은 시행착오를 거치면서 제도의 목적변화와 함께 많은 문제점들이 노정되었고 보완작업들도 있었지만 아직도 많은 개선과제들이 남아있다. 본 연구에서는 사랑티켓이 문화향수 지원을 통한 국민의 문화복지 증진에 기여하는 점을 강조하여 현재 소외계층에 한정하는 지원대상을 전국민으로 확대할 것을 주문하였다. 그 이유는 우리나라 대다수 국민들이 지역적 문화소외감을 느끼고 있으며 아직까지 문화예술을 향유함에 있어서 능동적이지 못하기 때문이다. 그리고 사랑티켓 제도의 장기적인 발전을 위해 복권기금에서 고정적인 사랑티켓 지원금의 확보와 함께 지방비의 비율을 높여 재원을 안정시키는 것이 중요하며, 기초예술(순수예술) 중심의 작품 선정을 통해 관객들에게 오락성만이 아닌 예술적 가치를 전달해야 한다는 점, 대중들의 사랑티켓에 대한 접근성을 높이기 위해 다각적이고 적극적인 홍보와 함께 문화예술교육의 필요성을 강조하였다. 문화복지적 차원에서 대표적인 수요자 지원사업인 사랑티켓은 공연예술 활성화와 시민들의 문화향수에 기여하는 바가 매우 큰 제도이니 만큼 정부의 정책적 지원과 함께 예술단체와 사랑티켓 주관처의 협력으로 지속 발전할 수 있도록 노력해야 한다. M.A. Thesis ‘Love Ticket’ as a user's application business -Consideration on it's present status and the improvement plan- Hee-Young Park Department of Arts Administration Graduate School of Art and Design Yeung-nam University (Directed by Professor, Joo-Sik Min) -ABSTRACT- ‘Love ticket’ as shortened words of culture love ticket is a kind of the system that pays the part of the admission fee of the performance arts and the exhibitions such as a play, a dance, a music and a musical with the local government budget so that the more people can enjoy the cultural art. As ticket price is aided, many audience can be induced to come to performance places which can not contribute to their cultural nostalgia but also help ensure a certain extent of performing groups' profit in two ways. It's meaningful not that audience passively appreciate the performance which approaches their estranged places as a part of support to users of cultural arts but that they induced to visit and enjoy actively performances which they want. Love ticket was started as a part of Play and Movie's Year business to promote audience boom and to help participating theatrical company and as love ticket is in a full stage in 2001 it is diversified with area extension, service method improvement and changes in aided targets. Love ticket improved and has improved as performance art aid with audience's development in 1990's, as cultural nostalgia boost with direct audience's nostalgia aids from 1990's to 2000's and as assorted cultural welfare assistance policies for the underprivileged in recent times. Thus love ticket through lots of tries and errors has improved with changes in polices and purposes but has yet to make itself better. Emphasizing love ticket's contribution to cultural welfare fosterage through its aid to the cultural nostalgia, this studies ask for extensions of aided targets from the underprivileged to people all around the country. The reason is that most of people in Korea feel alienated regionally and isn't active in enjoying cultural arts. It isn't only important that we ensure the love ticket aid fund regularly from the lottery fund but also that we stabilize financial resources as increasing local budget ratio and that we do public relations exercise in a progressive multilateral ways and educate cultural arts to increase masses' accessibility to love ticket. Love ticket, the representative service that aids users in terms of cultural welfare has the vast contribution to performance art activation and cultural nostalgia and so the government, the art society and the love ticket administering institute ought to keep on trying their utmost for its growth.

전통예술 지원정책의 현황 및 개선방안에 관한 연구

박금비 中央大學校 行政大學院 2012 국내석사

지구촌 전체에 한류 열풍이 불며 문화예술에 대한 인식이 높아짐에 따라, 우리 고유의 삶과 문화가 반영된 전통예술의 가치에 대한 재인식이 필요한 시점이다. 정부의 전통예술 지원정책은 자생력이 부족한 전통예술의 존재를 가능하게 하고, 전통예술에 대한 국민들의 인식을 변화시키며 이해와 관심을 끌어낼 수 있는 효과적인 수단으로 사용될 수 있다. 본 연구는 전통예술 지원 조직과 지원정책의 내용과 활동에 대한 분석을 통하여 전통예술의 보존과 발전을 위한 개선방안을 제시하고자 하였다. 전통예술 지원의 필요성과 전통예술 지원의 유형을 분석하고, 일본, 중국, 호주, 인도네시아의 전통예술 지원의 특징과 시사점을 비교하여, 이론적 고찰을 하였다. 전통예술 지원 조직을 정부 및 관련기관으로 나누어서 문화체육관광부와 국립국악원, 전통공연예술진흥재단, 국악방송을 분석하고 기본방향, 복원과 인프라 구축, 경연・공연・창작 지원, 축제와 활용, 국제 교류로 나누어서 지원정책 내용과 활동을 살펴보았다. 따라서 다음과 같은 문제점과 개선방안을 제시하였다. 첫째, 전통예술에 대해 부정적이거나 오래된 옛것 이라는 인식을 개선하기 위하여, 전통예술의 전체를 아우르는 창조적인 교육과정의 개발이 필요하다. 교육 사업을 통하여 전통예술의 생산자와 수요자를 동시에 길러낼 수 있는 전통예술의 대중화를 이끌어야 한다. 둘째, 디지털 시대에 부합하는 전통예술 활용 콘텐츠가 부족한 문제를 해결하기 위하여, 전통예술과 관련된 기획, 보존, 콘텐츠, 문화기술 등 각각 세분화된 분야의 장기적인 전문 인력 양성으로 전통예술의 산업화 방안을 마련해야 한다. 셋째, 지원정책의 일관성이 부족하고 관련 법제도가 미흡한 전통예술 관련 법안은, 전통예술을 총괄하는 법안의 제・개정을 통하여 기존의 법안에서 나타나는 중복을 피하고 효율적인 정책 시행을 하도록 한다. 넷째, 단기적이고 일방적인 국제교류가 아닌, 상호 작용을 통한 다양한 예술분야와의 교류를 추구하고 전통예술의 해외 입지를 확고히 만드는 세계화 전략을 사용해야 한다. 제시된 개선방안의 모색을 통하여 전통예술의 발전을 도모하고, 전통예술에 대하여 과거의 것이라고 소홀히 여기기보다는, 현재의 관심과 사랑을 받을 수 있는 삶의 가치로 계속해서 이어질 수 있도록 해야 한다. 이를 위해서는 국민적 관심을 얻을 수 있는 전통예술의 효율적인 보존과 진흥을 위한 정부의 전통예술 지원정책이 뒷받침되어야 할 것이다. As Korean wave sweeping all over the world has raised awareness of culture and art, it is time that recognition of Korean traditional art that reflects style of life and culture should be reawakened. Government’s support policy for traditional art can make traditional arts, which lack their survival capacity, keep themselves in existence. And it can be an effective means in promoting understanding and attracting attention in traditional arts. In this study, by reviewing supporting system of traditional arts and contents and activities of support policies, I have tried to make suggestions to preserve and develop traditional arts. While analyzing characteristics and differences of supporting systems of Japan, China, Australia, and Indonesia, I have studied some examples that can be applied to our system. I have classified supporting organizations into government and government-related organizations and then sub-classified them into Ministry of Culture, Sports & Tourism, National Gugak(Korean Traditional Music) Center, Korean Traditional Performing Arts Foundation, and Gugak FM. I have reviewed their basic lines of support policies, restoration activities of traditional arts, build-up of infrastructures for traditional arts, various contests, performances and festivals. Accordingly, I have analyzed current problems and suggested their solutions for the future. First, it is necessary to develop education course programs of overall traditional arts to improve negative feeling about traditional arts that they are old fashioned and outmoded. By popularizing traditional arts, we need to build up cultural base on which cultural creators and consumers of traditional arts can be cultivated. Second, as we have problem of having shortage of traditional arts contents to meet the demand of digital age, we need to train professionals in various fields, including planning, preservation and cultural technology. We should also make a plan to industrialize traditional arts. Third, in order to correct redundant existing laws and implement effective policies, relevant laws and regulations that are not adequate enough to remedy support incoherent policies should be amended and enacted. Fourth, we should make international exchanges in traditional arts systematic and interactive rather than short-term or one-sided. We should work out a globalization strategy of traditional arts to establish a solid foothold in international society. By seeking ways to implement improvement plans suggested in this study, we should make traditional arts loved and cherished by all the people in the present rather than neglected as reminiscences of the past. To achieve this, government should establish support policies to preserve and develop traditional arts effectively that can draw national attention.

무대예술전문인 자격제도의 개선방안에 관한 연구

전주열 영남대학교 문화예술디자인대학원 2021 국내석사

본 연구는 현재까지 여전히 답보 상태에 있는 무대예술전문인 자격제도에 대한 세부적인 현황과 문제점을 살펴보고, 그 구체적인 개선방안을 제안하고자 했다. 그리고 본 연구는 이러한 문제점과 개선방안에 대한 접근방식에서 무대예술전문인 자격제도를 ‘자격증의 취득’과 ‘자격증의 활용’이라는 두 가지 측면으로 구분하여 고찰했다. 우선, ‘자격증 취득’에 관한 세 가지 문제점과 그 개선방안은 다음과 같다. 첫째, 무대예술전문인의 전문분야가 세 가지로 단순화되어 있는데, 본 연구는 무대기계전문인 분야를 무대기계와 무대장치로 세분화하고, 무대음향전문인 분야를 무대음향과 무대영상으로 세분화될 필요가 있다는 점을 제안했다. 둘째, 기존의 공연장/공연업 종사자로 구분된 전문인들의 실무경력 인정기준은 일원화되지 못하여 형평성의 문제가 발생하고, 업무분야와 무관한 공사가 실무경력으로 인정되고 있다. 이러한 상황에서 현재 실무경력 인정기준을 포지티브(positive)성 규제에서 네거티브(negative)성 규제로 변화시킬 필요가 있다. 셋째, 검정합격인정절차를 통해 자격증을 취득한 전문인들에 대한 전문적인 교육과 자격보유에 따른 역량평가의 후속조치가 필요하다. 따라서 무대예술분야 종사자들을 위한 전문교육기관이 설립되고, 자격증 취득자들에 대한 재교육이 정기적으로 이루어져야 한다. 구체적으로, 연간 1회의 법정의무 교육과 세분화된 전문분야에 관한 온라인 강의 개설, 국내외 직무연수 및 지역순회 교육제도의 도입이 필요하다. 다음으로 ‘자격증 활용’에 관한 두 가지 문제점과 그 개선방안은 다음과 같다. 첫째, 현 우리나라 공연장 규모를 보면, 무대예술전문인의 의무배치기준을 피할 수 있는 500석 미만의 공연장이 큰 비중을 차지하고 있다. 즉, 현재의 의무배치기준은 공연장들의 객석 수 줄이기를 통해 유명무실한 기준이 되고 있다. 따라서 객석 수 500석 이상부터 적용되는 무대예술전문인 의무배치기준을 300석으로 하향 조정하여 적용하도록 해야 한다. 이러한 하향 조정의 무대예술전문인 의무배치를 시행한다면, 보다 안전하고 완성도 높은 공연 진행이 가능해 질 것이다. 둘째, 현 의무배치기준 위반에 대한 처벌 규정은 공연장 관련 처벌 기준에 비해 솜방망이식 처벌에 머물고 있는 실정이다. 그러므로 무대예술전문인의 의무배치 위반에 따른 행정처분이 강화되어야 하며, 무대예술전문인의 의무배치 위반에 대해서 횟수에 따라 1차 200만원, 2차 400만원, 3차 800만원의 누진세를 부과해야 한다. 이러한 처벌 규정 강화로 인해 정당한 자격증을 소유한 무대예술전문인의 현장 활용 기회가 많아질 것으로 기대한다. 본 연구가 제안한 개선방안들은 무엇보다 현장의 절실한 요구를 반영하고 있으며, 궁극적으로는 우리나라의 공연문화예술 발전을 위해 제도적으로 반드시 정착시켜야 할 우선 과제가 되어야 할 것이다.