실용음악 보컬 실기교육에 관한 연구

배연희 동덕여자대학교 2006 국내석사

이 논문에서는 실용음악 보컬 분야의 실기 지도 현황에 대해 고찰해 보고자 한다. 현재 급속하게 증가 추세를 보이고 있는 대학에서의 실용음악계열 학과의 개설에 따라 실용음악 교육도 대중화가 되어가고 있는 상황이다. 대학에 실용음악 학과가 많이 개설됨에 따라 대학 입시를 목표로 하는 입시 학원들도 많이 증가했으며, 실용음악과를 졸업한 학생들이 이런 입시 학원에 취업을 하기 시작하면서 대학에서의 실용음악 교육이 다시 입시생들의 지도에 영향을 미치게 되었다. 특히 실용음악 보컬 분야에 있어서는 대중음악 시장의 성장과 함께 더 많은 가수 지망생 및 보컬 전공 학생들을 양산하게 되었는데, 대학에서도 다른 실용음악 기악 분야보다 보컬 정원을 더 많이 모집하는 경향이 생기고 있다. 이제 보컬전공 학생들 중에는 막연히 가수가 되고 싶어하는 학생들 이외에 체계적으로 실용음악 보컬에 대해 배우고 졸업한 후 강사가 되어 자신들도 잘 가르칠 수 있기를 바라고 있는 경우도 많이 늘어나고 있어 대학에서의 체계적 교육의 필요성이 많이 늘어난 상황이다. 이에 따라 실용음악 보컬 분야의 양적 증가에 맞춰 실기 지도 교육의 질적인 측면이 균형있게 ?

실용음악교육기관의 현황과 중등전문교사 육성을 위한 제언 : 중등교사 자격증 취득을 중심으로

조지훈 청운대학교 대학원 2022 국내석사

1980년대 밀리언셀러 가수들이 등장하면서 국내 음악 시장은 폭발적으로 성장하게 된다. 이후 1992년 서태지와 아이들의 등장으로 국내 대중음악 시장은 새로운 국면을 맞이하게 되고, 지금의 1세대 아이돌이라 불리는 아이돌 그룹들이 등장했다. 이러한 아이돌 가수들의 활동은 국내에 국한되지 않고 일본, 중국, 태국 등의 아시아 시장을 공략하여 큰 성과를 이루었다. 이러한 활동들을 바탕으로 2~3세대 아이돌이라 불리는 그룹들이 유럽과 미국 시장에서 큰 성공을 거두며 세계에 K-POP이라는 문화를 만들어냈다. 문화에 가장 큰 영향을 받는 청소년들은 K-POP 문화가 유행되자 자신들의 꿈과 진로를 음악으로 정하고 진학을 희망하는 학과 역시 실용음악과로 정하게 된다. 이러한 현상에 대학교 관련학과의 경쟁률은 치솟게 되며, 많은 대학교에서 학과를 개설하게 된다. 음악학과의 입시는 주로 관련 실기와 이론으로 치러지기 때문에 대부분의 학생들은 학원 또는 개인레슨으로 입시 준비를 하게 된다. 하지만 같은 방법으로 입시 준비를 하는 학생들이 많아지자 학생들과 학부모들은 차별화된 방법을 고민하게된다. 이때 실용음악 고등학교가 이들의 눈에 띄기 시작한다. 이 고등학교는 필수 수업을 제외한 나머지 대부분의 수업을 해당 전공에 관련된 수업으로 구성을 하면서 많 은 시간을 관련 전공의 공부에 투자할 수 있었다. 하지만 이러한 고등학교도 해결하지 못한 문제점이 있었다. 바로 실용음악을 전공한 정교사를 찾기 어려운 점이다. 이러한 문제는 해당 분야의 전공자들이 고등학교 정교사 임용 자격인 중등학교 정교사 자격을 취득하기가 매우 어려운 상황에서 발생이 되었다. 이에 따라 본 논문에서는 위 문제점에 대해 자세히 알아보기 위해 네 가지로 나누어 조사를 해보았다. 첫 번째 실용음악을 교육하는 고등학교 현황에 대해 살펴보았다. 분류를 학교 구분에 따라 나누어 자세하게 조사해 보았다. 두 번째로 실용음악대학교에 대하여 조사를 해보았다. 학교 구분에 따라 현황을 조사하였고 최근 3년간 경쟁률을 조사해 보았다. 세 번째 관련 음악 전공자가 취득할 수 있는 자격증에 대하여 알아보았다. 자격증은 국가자격증과 민간자격증으로 나누어 조사하였고 정교사 임용 자격에 꼭 필요한 정교사 자격증에 대해 알아보았다. 네 번째 실질적으로 중등교사 자격증을 취득할 수 있는 음악교육대학원에 관하여 알아보았다. 교육대학원의 배경과 음악교육전공을 조사하였다. 그리고 위 전공의 지원자격과 전형방법, 교육목표, 교육과정, 교과목개요를 조사함으로써 어떠한 방법으로 음악교육자가 양성되는지 조사하였다. 위 문제들을 조사한 결과 실용음악 고등학교와 관련 대학교 학과의 수, 그리고 경쟁률은 늘어났다. 하지만 현재 관련 음악 전공자들이 현실적으로 취득 가능한 자격증으로는 고등학교 정교사에 임용될 수 없다는 결과가 나왔다. 정교사에 임용되기 위해서는 정교사 자격증을 취득해야 하지만, 해당 음악 전공자들이 취득 할 수 있는 방법이 녹록지 않다. 현실적으로 가능한 방법은 교육대학원 음악교육전공에 진학하여 졸업하는 방법이다. 이마저도 진학요건이나 필기고사, 실기고사 그리고 진학하여 수강하는 교과목까지 대부분 클래식과 국악 위주로 구성이 되어있어 어려운 실정이다. 시간이 흐를수록 K-POP의 위상이 높아지면서 자연스레 대중음악으로 진로를 정하는 학생들의 수도 늘어나고 있다. 이러한 현상에 실용음악 고등학교가 많이 생겨났고, 지원율도 상승하고 있지만, 전문 교사를 찾기 어려운 상황이라 전문 교육기관으로서 책임을 다하지 못하고 있다고 사료된다. 끝으로 본 연구를 통해 국내 실용음악 교육기관의 미래가 한 걸음 더 나아갈 수 있기를 기대하며 본 논문을 마친다. When million-seller singers appeared in the 1980s, the domestic music market exploded. After that, with the appearance of Seo Taiji and Boys in 1992, the domestic popular music market entered a new phase, and first-generation idol groups emerged. The activities of these idol singers were not limited to Korea. Instead, they have achieved great results by targeting markets in Asia such as Japan, China, and Thailand. Based on these activities, idol groups called second- and third-generation idols accomplished great success in the European and American markets, creating a culture called K-Pop across the world. As K-pop culture became popular, the youth who were most affected by the culture decided their dream and career path on music, and the area they wished to study in university was the department of practical music. Due to this fevor, the competition to enter one of these university departments has increased, and many universities which had hitherto no practical music department started newly offering the area of specialization. Since the university entrance exam for the Department of Music was mainly conducted with tests of related practical skills and the knowledge of theories, most students prepared for the entrance exam through private music conservatories or private tutoring. However, as more and more students prepared for the entrance exam in this way, students and their parents came up with a different strategy. Practical music high schools began to emerge. Most of the classes at these high schools, except for the required classes, consisted of classes related to their major, allowing a lot of time to be invested in the study related to their music specialties. However, there were problems that these high schools could not address: It was difficult to find teachers who specialized in practical music. This problem occurred because it had been very difficult for the graduates in the practical music field to acquire secondary school teacher qualifications, which are the requirements for applying for high school teaching positions. Accordingly, this paper is divided into four categories to investigate the above problems in detail. First, the current status of high schools that teach practical music is examined. Categorization is carried out in detail according to the classification of schools. Second, a survey is conducted on practical music colleges. The current status is investigated based on school classification and the degree of competition for the past three years. Third, qualifications that related music graduates can obtain are examined. The qualifications are divided into national qualifications and private qualifications while at the same time examining teachers' certifications required to apply for full-time teaching positions in school. Fourth, graduate schools of music education that can actually help students acquire secondary school teachers' certification is examined. The background and music education majors of graduate schools of education are investigated. In addition, how music educators are trained has been investigated by examining the qualifications, screening methods, educational goals, curriculum, and subject outline of the specialties mentioned above. As a result of examining the problems mentioned above, the number of practical music high schools and related university departments and the competition has intensified. However, the results showed that current music study graduates cannot be hired as high school teachers with the qualifications that they can obtain. In order to be hired as a full-time teacher, it is necessary to obtain a full-time teachers' certification, but it is not easy for music students to obtain. A more realistic way is to enter the music education department at a graduate school of education and spend four years until graduation. Since most of the subjects, such as entrance requirements, written exams, practical exams, and courses taken after entering the university, are mainly composed of classical music and Korean traditional music, it is difficult for the practical music study graduates to enter graduate school. As the status of K-Pop rises rapidly as time goes by, the number of students who choose to pursue a career in popular music is also on the rise. Many practical music high schools have been created, and the application is increasing, but it is widely considered that they are not fulfilling their responsibilities as professional educational institutions because it is difficult to find professionally trained teachers. In conclusion, it is hope that in the future practical music education schools in Korea can go one step further through this study.

피아노 연탄(Piano Four Hands) 편곡 기법 연구- 실용음악 양식의 적용을 중심으로-

박지선 동덕여자대학교 미래전략융합대학원 2024 국내석사

<국문 초록> 피아노 연탄(Piano Four Hands) 편곡 기법 연구 - 실용음악 양식의 적용을 중심으로 지도교수 마 도 원 실용음악전공 박 지 선 음악을 포함한 모든 예술은 창작된 당시의 시간을 넘어 오랜 기간의 역사 와 발전해 온 과정을 담고 있으며 미래의 전망을 투영하는 내용을 포함하기 도 한다. 음악 양식 중의 하나인 피아노 연탄은 클래식 음악을 거쳐 현대에 이르기까지 다양한 형태로 발전되어 온 연주 양식이라 할 수 있지만, 다른 음악에 비해 음악적 분석이나 편곡 기법에 관한 체계적인 연구는 찾아보기 어렵다. 본 논문은 피아노 연탄을 작곡 또는 편곡하는 데 필요한 편곡 기법을 연구 하기 위해 몇 가지의 관점으로 접근하였다. 먼저, 피아노 연탄의 편곡을 위 해 사용되어 온 전통적인 방식들을 이해하기 위해 기존의 클래식 음악 중 잘 알려진 피아노 연탄의 작품을 골라 편곡의 특징을 분석하였다. 이후, 현대의 작품 중 새롭게 시도된 편곡 기법들과 이들이 적용된 음악적 사례를 조사하였으나, 피아노 연탄을 체계적으로 정리한 자료와 음악적 사 례를 찾기 어려웠고 이에 선택한 방법은 최근 필자가 관심을 두고 꾸준히 작업해 오던 피아노 연탄 편곡 작업 안에서 분석 대상을 찾는 것이었다. 마지막으로 기존 피아노 연탄의 기술적 특징과 현시대에 존재하는 다양한 음악 양식은 물론, 현대적인 편곡 방식에 실용음악 양식을 반영하는 실험을 진행하였고, 이를 통해 연구된 결과는 다음과 같다. 첫째, 전통적인 피아노 연탄 작품에 사용된 편곡적 특징을 4가지 작품을 통해 분석한 결과, 아래와 같이 9가지의 영역으로 분류할 수 있었다. 가. 넓은 음역을 활용한 두터워진 성부와 리듬적 요소 나. 코랄 풍의 스타일로 풍성해진 화성 다. 대위법적 진행 및 자유대위법 라. 모방대위법의 악곡 전개 마. 4중주를 연상시키는 실내악적 표현 바. 다수의 악기 편성 구조의 관현악적 표현 사. 주제 선율의 교환으로 인한 주선율과 화성의 발전 아. 서로 호응하는 연주자 간의 대화 자. 연탄 특유의 연주자 사이에 교차 연주 둘째, 연구를 위한 자료가 한정적이었으나 앞서 분류한 9가지 특징을 현대 음악에 적용한 예시를 통해 실제로 사용된 변화를 관찰하던 중 클래식 음악 기법이지만 연탄 작품에 사용된 새로운 예시로, 대위법 진행에서 주선율을 조금씩 다른 방식으로 변형하여 연주하는 헤테로포니(Heterophony) 양식과 기존 선율을 짧게 분절하여 대체하는 동기의 축소(Motive Diminution) 2가지의 새로운 특징을 발견할 수 있었다. 셋째, 연구 대상에 포함된 필자의 연탄곡을 분석한 결과 전통적인 피아노 연탄 편곡 특징 이외의 7가지의 음악적 요소들을 발견할 수 있었다. 가. 서로 다른 테마가 동시 연주되는 타 작품의 주제 차용(Theme Parody) 나. 박자의 단위(Pulse) 변화로 같은 템포 안에 다른 박자(Meter) 다. 대조적인 폴리리듬이 특징인 폴리메트릭(Polymetric) 라. 재즈의 즉흥연주(Improvisation) 요소 마. 협주곡(Concerto) 제시부 형식 반영 바. 주제의 변형을 이용한 변주곡 형식 사. 타악기적 효과와 동작 효과 넷째, 피아노 연탄에 실용음악 양식을 반영하는 과정에서 리듬, 화성이 주 된 역할을 하고 있었음을 발견할 수 있었고, 이는 다음과 같이 분류할 수 있었다. 가. 리듬 양식의 재구성 1 라틴 재즈(Latin Jazz)의 초기 형태 아프로 쿠반(Afro-Cuban) 2 브라질의 민족 음악 삼바(Samba) 3 삼바(Samba)에서 파생되어 모던 재즈와 결합한 보사노바(Bossa Nova) 4 초기 재즈의 발판이 된 래그타임(Ragtime) 5 역동적인 리듬의 스윙(Swing) 6 리듬 앤드 블루스(R&B), 소울(Soul) 등이 결합한 펑크(Funk) 7 펑크에서 파생된 리듬 디스코(Disco) 나. 화성의 재구성(Reharmonization) 1 Modal Interchange 2 Hybrid Chord 3 Upper Structure Triad 4 Pedal Point 5 Line Cliche 6 Approach Chord Progression 본 논문의 연구는 피아노 연탄에 대해 분석 및 구체적인 연구 자료를 찾기 어려운 실정에서, 작은 초석이 되고자 하는 바람에 시작하였고 본 논문을 계기로 차후 피아노 연탄에 관한 연구가 활발히 진행되기를 기대한다. ABSTRACT A Study of Arrangement Technique for Piano Four Hands - Focusing on the Application of Jazz & Pop Styles Supervised by Professor Ma, Do Won Department of Applied Music Park, Ji Sun All forms of art, including music, encapsulate a rich history and development that extends beyond the time of their creation, often incorporating reflections of the future. One specific musical form, piano improvisation, can be considered an evolving performance style that has developed in various forms from classical music to contemporary times. However, in comparison to other genres of music, it is challenging to find comprehensive studies on musical analysis or arrangement techniques for piano improvisation. This paper approached the study of arranging techniques necessary for composing or arranging piano improvisations from several perspectives. Firstly, to understand the traditional methods employed in the arrangement of piano improvisations, the paper analyzed the arranging characteristics of well-known piano improvisation works from classical music. Subsequently, the paper investigated newly attempted arranging techniques in contemporary works and examined musical cases where these techniques were applied. However, it was challenging to find systematically organized resources and musical examples for piano improvisation. Therefore, the chosen approach involved analyzing subjects within the realm of piano improvisation that the author had consistently worked on and found intriguing. Finally, the paper conducted experiments reflecting practical musical forms in contemporary arranging methods, considering both the technical features of existing piano improvisations and various contemporary musical forms. The research yielded the following results. Firstly, through the analysis of four traditional piano improvisation works, four organizing characteristics for arranging were identified and classified into nine areas as follows. A. Thickened texture and rhythmic elements using a wide range of pitches B. Harmonic richness in a chorale-like style C. Counterpoint progression and free counterpoint D. Development of imitative counterpoint E. Chamber music expression evoking four-part harmony F. Orchestral expression with a structure of multiple instruments G. Development of theme melody and harmony through the exchange of thematic material H. Dialogue between responsive performers I. Cross-playing among performers unique to improvisation Secondly, despite limited research materials, the paper observed actual variations by applying the identified nine characteristics to contemporary music example, new instances were found in charcoal works where classical music techniques were utilized. Two new features, heterophony in transforming harmonic progressions with slight variations in melodic lines and motive diminution in shortening existing melodies, were discovered. Thirdly, the analysis of the author's included piano improvisation pieces revealed seven additional musical elements beyond traditional piano improvisation characteristics. A. Theme parody from different themes played simultaneously in other works B. Pulse unit variation for different meter within the same tempo C. Polymetric feature with contrasting polyrhythms D. Elements of jazz improvisation E. Reflection of concerto exposition form Variation of themes in variation form using Variation of themes in variation form using transformation. F. Percussive effects and action effects Lastly, in the process of reflecting practical musical forms in piano improvisation, rhythm and harmony played a predominant role. This was classified as follows. A. Reconstruction of rhythm forms 1 Early forms of Latin jazz(Afro-Cuban) 2 Brazilian national music Samba 3 Bossa Nova derived from Samba and combined with modern jazz 4 Ragtime, a precursor to early jazz 5 Swing with dynamic rhythmic elements 6 Funk combining R&B, Soul, etc. 7 Rhythm Disco derived from funk B. Reconstruction of harmony 1 Modal Interchange 2 Hybrid Chord 3 Upper Structure Triad 4 Pedal Point 5 Line Cliche 6 Approach Chord Progression This research, initiated due to the difficulty in finding specific research data for piano improvisation, hopes to serve as a small foundation. The paper anticipates that this study will encourage further active research on piano improvisation in the future.

바흐 작품의 재즈 연주에 관한 연구

이희승 동덕여자대학교 2006 국내석사

Jazz musicians have transcribed classical music into Jazz. Such Jazz musicians' music possesses unique charm that delivers deep emotion for the audience's pleasure. As an earnest fan of this genre, my personal curiosity brought me into the main theme of this paper; how Jazz musicians have merged classical music into Jazz music as well as how musicians have overcome the difference in time period and transformed classical music into contemporary fusion. Among the classical music, I will focus on Baroque Music, in particularly Johann Sebastian Bach's music. To identify the interrelationship between Bach's music and newly created Jazz, I will analyze the Jazz song <Fugue No. 9 in E Major in Book I> and <Italian Concerto> and compare them with the original versions of these songs. I believe these two pieces of Jazz music are based upon a good understanding of the original creations of Bach's music as well these two songs are creating new Jazz structures. Before I go on to discuss the case study, I want to clarify the reason why I narrow down my study into Johann Sebastian Bach's music and its transcriptions into Jazz. First, the Baroque period music is fairly generous in improvisatory practice, melody and harmony, which are all one of the main characteristics of modern Jazz. Besides the musical similarity, Johann Sebastian Bach's music has been arranged by numerous artists and especially Jazz musicians. They have transcribed Bach into Jazz and have integrated his music into their work, creating a new musical style: Bach Jazz. Since Bach takes a great part of musical history and modern Jazz time as well, it is worthy to take a closer look at the comparison between the Bach's music and its transcriptions into Jazz to pursue my study. The biggest difference between the original version of classical music and transcriptions into Jazz is the rhythmic construction. <Fugue No. 9 in E Major in Book I> and <Italian Concerto> use 4/4 beats, which is an important rhythmic element in 'Swing Jazz'. Also, syncopated rhythms create swing beats and the beats of Jazz. Syncopation is rarely used in Bach's original music. Syncopation is a distinguishing feature which gives swing beats and make the music more like Jazz and vary from the original two beats. Also, the new Jazz style <Italian Concerto> has an intro at the beginning of the song, which is not in the original Bach version. In addition to the new intro, adding a solo part for the piano, this new jazzy <Italian Concerto> has the main element of Jazz: improvisation. While listening to <Fugue>, you will notice 32 bars that are not in the original version of <Fugue>. By adding 32 bars, jazz style <Fugue> gets more improvisatory and plays the main theme of the original as well. In terms of harmony, using tensions (b9, #9, #11, b13), harmonic progression II->V->I, diminished chords, and substitute dominant chords make the music not only richer but also more jazz-like. In addition, a unique form of composition, using modulation helps to build music toward the climax with ease. We have narrowed our points to find the differences, however, with the broader view, there are important similarities. Sequences and pedal points, Bach's favorite musical techniques are still in Jazz style <Fugue No. 9 in E Major in Book I> and <Italian Concerto>. Also, the basic chords are sophisticated in the Jazzy version, yet the overall movement is almost identical. Again, Bach's transcriptions into Jazz have followed Bach's original harmony structures and articulation. Since the advent of Jazz, Jazz musicians actively adopt and change classical music. In the time of Jazz, classical music is recreated by the hand of Jazz musician and interpreted with more "swings". Passion for new arts, open-mindedness toward the essence, expression of music is some of the main elements that bridge the contemporary Jazz musicians over such a long period of time. Through these, Bach in 18th century dwells in the Modern Jazz Music. 재즈로 해석된 클래식 곡들은 그들만이 가지는 독특한 느낌과 감정으로 음악적 감동을 전해주고 있으며, 이 때문에 적지 않은 애호가들의 관심과 사랑을 받고 있다. 그렇다면 본래 클래식 음악으로 창작되었던 자연스러움과 이를 재즈 버전으로 다르게 편곡한 새로움이라는 양립하기 어려운 두 과제를 재즈의 재해석화를 통해 어떻게 달성하고 있는지 본 연구를 통해 알아보고자 했다. 그러기 위해서 바흐 작품의 음악적 특성, 그리고 재즈와 클래식의 상호관계를 살펴보았다. 이러한 과정을 통해 재즈 연주자들이 의도하지 않았음에도 불구하고 재즈 속에 바로크 음악적 특성이 존재하고 있음을 확인하였고 또한 현대음악과 재즈가 끊임없는 상호작용을 통해 서로에게 중요한 음악적 영향력을 행사하고 있음을 알 수 있었다. 연구 방법으로는 바흐의 원작에 충실하면서도 성공적으로 재즈 양식으로의 전환을 이루었다고 판단되는 재즈 두 곡 <평균율 Fugue No. 9 in E Major in Book I>과 <Italian Concerto>를 선택하여 원곡과 비교 분석하여 보았다. 클래식 음악 사조 중 바로크 시대는 즉흥성, 멜로디 그리고 화성에 대한 관점이 비교적 자유스러웠기 때문에 이런 점에서 유사한 점이 많은 재즈와 접목 되었을 때 변화 과정과 결과물의 의미가 높을 거라 여겨졌다. 특히 바로크의 음악 중에서도 바흐의 음악은 재즈로의 번안 연주가 가장 활발히 이루어지는 소재이기도 하고 더 나아가 바흐 작품의 재해석은 시대와

스티비원더와 레이찰스의 음악이 K-pop에 끼친 영향

윤병진 청운대학교 2017 국내석사

1619년 흑인이 미국에 노예로 끌려오게 된다. 그들이 일하면서 만들어 부른 노래가 있었다. 이 노동요가 지금의 흑인음악과 그 정신의 뿌리라고 할 수 있다. 그 후 그들은 자신의 일상생활에서 구제될 길을 찾아 크리스트교에 귀의한다. 19세기 초 영국계 백인 농장의 흑인 노예들이 처음 부른 것으로 알려진 ‘영가’는 구약성서에서 가사를 많이 따왔다. 그 노래에는 그들의 고통스러운 현실로부터의 탈출과 자유, 희망, 평등 평화의 메시지를 담고 있다. 이후 19세기 후반 그리스도교 음악인 가스펠 음악에도 영향을 주게 된다. 재즈는 19세기 초 미국 흑인의 민속 음악과 백인 유럽음악인 클레식의 퓨전으로 루이지애나 주 뉴올리언스의 흑인 밴드의 탄생으로 시작 된다. 나폴레옹 시절 군악대가 프랑스인들 및 유럽에서 인기를 끌게 된다. 미국 내 프랑스 이주민 마을로 관악기가 전파 되었는데 이곳에 뉴올리언스가 포함된다. 흑인들은 백인 군악대 밴드를 흉내 내어, 유럽의 행진곡 및 찬송가 그리고 자신들의 음악인 영가를 연주하게 된다. 크리올(백인 프랑스인과 흑인의 혼혈)에 의해 악보 보는 법 및 백인의 음악과 유럽의 수법을 교육 받으며, 블루스 사운드와 흑인의 독특한 당김 화음을 리듬에 결합 시킨다. 차츰 블루스로써의 변화와 함께 재즈로 발전하게 된다. 뉴올리언즈 재즈의 특징은 블루노트, 거친 음색, 강한 억양법, 기본 박자의 틀을 무시한 리듬, 즉 즉흥연주라고 할 수 있다. 이와 같이 흑인 음악은 매우 다양하게 나뉘어져 있다. 그들의 음악은 음악 이상의 혼을 느끼게 해준다. 특히 소울음악은 흑인의 험난한 역사적 고난의 행진곡 같다. 소울 음악의 대표 뮤지션 이면서 장애를 극복하고 흑인음악의 거장으로 남은 레이찰스 와 스티비원더 의 음악일생을 되 집어보고 음악적 특성, 형태 및 악기 구성을 살펴보도록 하겠다. 그리고 한국의 대표적 흑인 음악 뮤지션인 김건모 의 곡과 비교 분석 과정을 통해 그들의 음악이 한국 뮤지션에게 끼친 음악적 영향에 대해 연구해 보기로 한다. In 1619, numerous Afro-American people were sold to slavery and brought to the United States. The slaves soon began to make so-called work or labor songs while they were working in the fields which later became the foundation and the root for the contemporary Afro-American music. Songs such as 'Cotton song' and 'Corn song' were sung by the slaves. Later, majority of those slaves converted to Christianity in hope of escaping from the slavery and of improving their life. In early 19th century, the slaves who were working in farms that were owned by British people started to sing hymn. Much of the lyrics in those hymns were derived from the verses in the old testament. The lyrics conveyed the messages that contain their hope for freedom, escaping from their painful reality, and peace. The hymns later had an effect on gospel which was Christian music in the late 19th century. From the early 19th century to 20th century, people began to play jazz music using brass instruments in New Orleans, Louisiana. Jazz was composed of both Afro-American traditional music and the classical music from Europe. The brass band became even more popular in European countries in Napoleonic times. During that particular period, brass instruments were introduced in French towns in America and New Orleans is one of the places. Afro-American people were influenced by the brass band and later they began to play various types of their own music such as march, gospel and spritual songs. Later they learned how to read music from the Crillo who had both French and Afro-American ethnic background. Afro-american people soon began to create their own music by combining blues sound with unique syncopated rhythm and gradually it was turned into jazz music. They eventually created their characteristic and improvisational music by utilizing various components of music such as blue note, rough sound, strong emphasis on beats and rhythm outside the frame. As above, Afro-american music is diverse and their music conveys the soulful feeling which represent their history and spirit. In this report, we will take a look at the music and life of the two legendary musicians, Ray Charles and Stevie Wonder who represented soul music. In addition, we will also compare their music to that of Korean representative soul musician, Kim Geun-Mo and analyze how both Ray Charles and Stevie Wonder's music affected Korean popular music.

호흡 방식이 발성에 미치는 영향 연구

박현정 동덕여자대학교 2021 국내석사

본 연구의 목적은 호흡 방식이 발성에 미치는 영향을 탐구하고 실용음악 가창자들의 호흡 활용 범위를 확대하는 방안을 제시하는 데 목적이 있다. 다양한 교육과정을 통해 습득된 정보들에 의하면 호흡은 발성과 밀접한 관계가 있으며, 가창 시 발생하는 다양한 문제에 호흡을 해결방안으로 제시하는 경우가 많다. 그러나 호흡이 발성에 미치는 영향에 관한 선행연구는 많지 않고 이마저도 오페라나 성악 등의 가창자를 대상으로 국한되어있는 실정이다. 이에 본 논문에서는 여러 장르의 음악을 다양한 방식으로 가창하는 실용음악의 특성에 따라 호흡 방식을 상부호흡, 하부호흡, 자연호흡으로 분류하여 연구를 진행하였다. 실험대상은 숙련자, 중급자, 초급자 그룹으로 분류하였으며 숙련자와 중급자 그룹은 실용음악 가창자로 선정하였다. 연구의 방법은 신체적 특징, 음질 및 음량, 음고, 강도를 중심으로 호흡 방식이 발성에 어떠한 영향을 주는지를 관찰하고 가창자의 숙련도에 따라 미치는 영향에 차이가 있는지를 비교 분석하는 방식으로 진행하였다. 이러한 과정을 통하여 나타난 결과를 요약하면 다음과 같다. 호흡 방식은 신체적 특징과 음질 및 음량에 관여하며 발성에 영향을 주는 주된 요소로 작용하는 반면 음고나 강도는 호흡 방식보다는 발성의 방식이나 성대훈련 상태 등에 더 많은 영향을 받는 것으로 관찰되었다. 숙련도에 따라서도 차이가 있었는데 초급자의 경우 발성의 여러 가지 방면에서 호흡 방식의 영향을 많이 받았으나 발성이 개발된 중급 이상 숙련자의 경우 크게 영향을 받지 않는 것으로 나타났다. 본 연구결과 호흡 방식 외에 가창자의 성대훈련 상태 또한 상당 부분 발성에 영향을 주고 있는 것을 알 수 있었다. The objectives of this study are to explore the influence of breathing methods on vocalization and to suggest ways to expand the utilization range of breathing in the applied music singers. According to information obtained through various curricula, it is a fact that breathing is closely related to vocalization, and the breathing is often suggested as a solution to various problems that occur during singing. However, there are not many preceding studies regarding an influence of breathing on vocalization, and it is a fact that even this is limited to singers of opera and vocal music. In this regard, this study was conducted by classifying the breathing methods into upper breathing, lower breathing and natural breathing according to the characteristics of applied music, which sings various genres of music in various ways. The subjects of experiments were classified into groups of the skilled, the intermediate and the novice, and the groups of skilled and intermediate were selected as the singers of applied music. In terms of a methods, this study was conducted by observing how breathing methods affects vocalization in the basis of physical characteristics, sound quality and volume, pitch, and intensity, and then, by comparing and analyzing whether there are differences in influence according to the singer's proficiency. The results from this process are summarized as follows. The breathing methods is involved in physical characteristics, sound quality and volume, and acts as the main factor influencing the vocalization, whereas the pitch and intensity are observed to be more affected by the vocalization methods or the vocal chords training status than the breathing methods. The difference was also observed depending on proficiency, and beginners were heavily influenced by breathing methods in many aspects of vocalization, but those with intermediate or higher skills whose vocalization was developed were not significantly affected. In the results of this study, it was revealed that the vocal chords training condition of a singer other than the breathing methods also had a significant influence on vocalization.

이슬의 졸업 작품 「미정(未定)」 해설

이슬 동덕여자대학교 2020 국내석사

본 논문은 동덕여자대학교 실용음악과 석사과정 이수를 위한 졸업 공연 「미정(未定)」에서 발표한 4개의 작품을 분석한 것이다. 또한 각 작품의 창작 배경을 설명하고 곡의 형식, 선율 및 화성 구조와 리듬을 분석함으로써 작곡자의 작곡 의도와 작품 특징을 살펴본 결과물이다. 음악인이라면 누구나 자신만의 음악 세계를 구축하고 자기만의 특징적 색채를 찾는 것에 대해 고민을 한다. 이러한 고민이 이 작품의 큰 주제다.

라경진의 졸업작품 <Hommage>의 해설

라경진 동덕여자대학교 2017 국내석사

현대의 실용음악은 비교적 정형화된 서양음계와 이것을 기반으로 이루어진 코드(Chord), 그리고 또 그것들을 연구한 화성학을 중심으로 만들어지고 있다. 비록 이런 음악에서 벗어나려는, 혹은 벗어난, 새로운 시도와 다양한 장르 또한 매우 빠르게 발전했으나 오랜 기간 축적되어온 음악적 지식과 결과물에 비교하면 매우 적은 부분임은 확실하다. 비록 현대는 인터넷과 위성통신망의 등장으로 정보가 다양화되며, 대량으로 공유되고, 개방되어졌다. 매우 빠르게 변화하는 세상의 흐름에 걸맞게 음원 차트에는 짧은 시간에도 강렬하게 감성 혹은 메시지를 전달하려는 대중음악, 실용음악의 스타일이 주를 이루고 있다. 그러나 이러한 음악들 사이에서도 오래도록 기억되고 들려지는 음악들이 존재한다. 예를 들어 매우 오래전부터는 바로크(Baroque)시대의 고전주의 음악부터 혹은 낭만파 음악을 잇는 대표적인 예로 베토벤과 같은 소위 클래식(Classic)음악이라던가, 조금 더 가까이로는 영화 <The Wizard of Oz> (1936) 에 수록된 ‘Somewhere over the Rainbow' 와 같은 영화음악이라던가, 더 가까이로는 프랭크 시나트라(Frank Sinatra)의 ‘My way' (1969) 와 같은 팝송처럼 이러한 명곡들은 시대에 상관없이 많은 이들에게 사랑받고 또 연주되어져 왔다. 또한 아름다운 명곡과 더불어 위대한 아티스트들을 기리는 마음에서 수많은 편곡과 리메이크가 존재하며 또 다른 경의의 표현으로 오마쥬(Hommage) 의 형태가 존재한다. 존경하는 예술 작품에 대한 마음이자 또 하나의 작품으로 원작에 대한 기억을 오래도록 간직하는 것이다. 그래서 좋은 작품이 갖추어야 할 요소들을 배우기도 하고 또 그것들을 가지고 현대음악의 발전에 이바지하는 것이다. 따라서 음악을 하고자 하는 아티스트들은 옛것임에도 불구하고 여전히 훌륭한 작품들을 듣고 오랫동안 쌓여온 음악적 지식을 연구하며 한편으로는 현대사회를 사는 대중의 호소력을 끌만한 신선하고, 혁신적인 감각을 제시해야만 한다. 뿐만 아니라 본인의 작품 또한 독립된 훌륭한 작품으로 성장시키기 위해 부단한 노력을 기울여야 할 것이다. 본 논문에서는 본인이 음악적 세계관을 넓히고 보다 좋은 음악을 만들기 위한 방법으로 오마쥬(Hommage)를 택하여 졸업작품을 발표하였으며, 본인이 존경하는 아티스트들 중 클로드 아실 드뷔시(Claude Achille Debussy), 요한 세바스티안 바흐(Johann Sebastian Bach), 브래드 멜다우(Brad Mehldau), 팻 메스니(Pat Metheny, Patrick Bruce Metheny) 이렇게 4명의 작품들을 연구하여 오마쥬하고 그것을 다시 작곡기법을 중심으로 분석하였다. 드뷔시는 이른바 인상주의 음악의 시조로써 후기 낭만파 음악에의 가장 용감한 도전자였다. 본 논문에서는 특히 동양적인 음감의 적극적인 구사와 아르페지오 기법에 주목하였다. 또 J. S. 바흐는 <푸가의 기법(실내악곡)>에서 볼 수 있듯이 전통적인 음악의 완성자였다. 그러나 한편으로는 평균율을 적극적으로 사용하였고 <인벤션(Invention)>이라는 대위법을 사용한 정교한 작품을 만들어 지금도 피아노학습에서는 없어서는 안 될 작품으로 꼽힌다.편집부, <최신명곡해설 & 클래식명곡해설 - 작곡가편>, 삼호ETM, 2012 그리고 두 아티스트와는 비교적 현대의 두 아티스트로써 브래드 멜다우는 즉흥 연주에 가장 중점을 둔 연주 스타일과 록은 물론 재즈 안에 머무르며 거장의 반열에 올랐고 팻 메스니또한 이 시대 가장 영향력 있는 재즈뮤지션이자 기타리스트, 밴드리더로써 재즈를 중심으로 컨트리와 포크를 넘어 보사노바와 프리재즈까지 아우르고 있으며 영화 음악 작업까지 다양한 활동을 해오고 있다. 본 연구의 목적은 첫째, 4명의 아티스트의 작품세계를 연구하여 그들의 작곡기법과 독창적인 감성을 인식한다. 둘째, 가요 혹은 팝 위주의 실용음악이라는 보편적인 관점에서 벗어나 다양한 설정을 배경으로 작품을 창작하고자 한다. 셋째, 이러한 작업을 통해 오마쥬(Hommage) 함으로써, 위대한 작품들을 더 오래 남기고자 한다. 연구 방법으로 드뷔시의 “Arabesque no.1 in E major" 와 바흐의 “Invention no.1 in C major", 멜다우의 ”Airport Sadness", 팻 메스니의 “First Circle" 이렇게 4곡에 대해 문헌을 통한 자료 수집과 악보분석 바탕으로 고찰하였으며, 발견된 요소들을 바탕으로 새로 작품을 창작하며 작곡기법을 연구하였다. 결과적으로는 대위법(Counterpoint)같은 기존의 이론적으로 접근할 수 있는 클래식 작곡기법과 텐션 노트(Tension Note)의 적극적인 활용 등 이와같은 화성적인 요소와 또 한편으로는 코드의 아르페지오(Arpeggio)활용, 폴리 리듬(Poly Rhythm)이나 스윙(Swing), 변박자(Odd meter)와 같은 다양한 리듬적 요소를 발견할 수 있었고 이를 응용한 작품을 창작할 수 있었다.

"What’s Going On"에서 나타난 James Jamerson의 베이스 연주 분석

김종호 동덕여자대학교 2014 국내석사

모타운은 Berry Gordy가 1959년 디트로이트에 세운 흑인 음악 회사로써 초기 파퓰러 음악시대에 미국에서 큰 성과를 거두었다. 모타운 음악은 애틀랜틱과 스택스 레이블의 소울음악보다 상업적인 양식을 내세워 백인음악과 흑인음악의 크로스오버에 중요한 역할을 하였다. Jamerson은 1959-1973년까지 모타운 음반사 최고의 전성기 때 전속밴드인 Funk Brothers의 베이스기타 연주자로써 다른 베이스 연주자들과 차별화된 연주법으로 동시대의 베이스 연주자뿐 아니라 후대의 베이스 연주자들에게도 많은 영향을 주었다. 논자는 모타운 음반사의 발표 곡 중 Marvin Gaye의 “What’s Going On”에서 나타난 Jamerson의 베이스 연주를 연구하였다. 먼저, 리듬구조를 연구하기 위하여 한마디 단위로 이루어진 베이스 Motive리듬을 겹 점4분 음표 와 16분 음표 로 이루어진 앞 두 박자 부분을 a로, 8분 음표 4개로 이루어진 뒤 두 박자 부분을 b로 나누어 곡 전반에 걸쳐 ①, ②, ③단계로 분류 하였다. ①의 단계에서는 a와 b의 Rhythmic Variation을 세분화 하였고, ②의 단계에서는 ①의 단계에서 분류된 결과를 연구의 편의성을 위하여 A , B로 간소화 하였다. ③의 단계에서는 ②에서 분류한 결과를 토대로 한 마디단위로 재분류하였다. 단계별로 분류한 리듬구조와 베이스 선율을 중심으로 각 주제부 형식에서 나타난 특징을 분석하였다. 그 결과 Jamerson은 Verse 부분에서 선택, 반복, 변형 이라는 리듬구조의 일관된 규칙성을 토대로 Vocal 멜로디와의 상호작용을 통한 멜로디 중심의 연주를 지향하였음을 발견하였다. Call and Response 구조로 이루어진 Bridge와 Chorus부분에서 Jamerson은, 2박자 단위인 Vocal 멜로디의 Call and Response 구조와 대조적으로 한마디 단위의 독립적인 Call and Rsponse 구조를 만들어 Counter Melody를 연주하였다. Vocal 멜로디가 없는 Interlude와 Outro 부분에서는 Rhythmic Ostinato와 Melodic Ostinato를 사용하여 새로운 베이스 Riff를 만들었고 이를 지속적으로 반복하여 연주함으로 주선율의 역할을 하였다. 이와 같이 Jamerson은 반주형태의 연주에서 반복적인 Riff로 연주하던 대부분의 동시대 연주자들과는 차별화된 연주법을 제시하였다. Jamerson의 연주방식은 모타운 사운드의 초석(礎石)이 되어 초기 파퓰러음악 시대에 백인음악과 흑인음악의 크로스오버에 중요한 역할을 하였다. Motown(Motown Record Corporation) is a black music company established by Berry Gordy in Detroit in 1959 and saw a great success in the early days of the popular music industry of America. Motown music pursued a more commercial form of the music compared to the soul music of Atlantic and the Stax, playing a significant role in the crossing-over between the white music and the black music. Jamerson was the bass guitar player in one of Motown’s own bands, Funk Brothers during the heydays of Motown, from 1959 to 1973. His unique play style was nothing like what other bass players of the day used, and this left a significant influence on not only other bass players in his days but also those who came up later. The author studied the bass playing of Jamerson which was featured in “What’s Going On” by Marvin Gaye, which is one of the Motown numbers. Firstly, in order to analyze the rhythm structure, the motive rhythm of the bass which was composed of a single bar was divided into two parts, with the first two beats of the motive that is composed of double dotted quarter notes and 16thnotes designated as ‘a,’ while the two beats that followed, composed of4 8th notes designated as ‘b.’ Then, the entire song was analyzed as segmented to phase ①, ② ,and ③. In phase ①, the rhythmic variation of ‘a’ and ‘b’ were further segmented, while the results of the segmentation in phase ① was simplified into A and B for convenience. In phase ③, the results of classifications in phase ② were reclassified by the unit of a bar. With a focus on the bass melody and the rhythmic structure in each phase , the characteristics of each theme were analyzed. The result showed that Jamerson aimed for a melody-centered play style using the interaction with the vocal melody based on the regularity of the rhythmic structure, which was based on selection, repetition, and adaptation in the verse part. In the bridge and the chorus part which are constructed in a ‘call and response’ structure, Jamerson created an independent ‘call and response’ structure to play a counter melody, instead of the ‘call and response’ structure of the vocal melody that was composed of 2-beat units. In the interlude and outro part, which were without any vocal melodies, he used the rhythmic ostinato and the melodic ostinato to make a new base riff, which was repeated on and on as the main melody. As we can see, Jamerson presented a differentiated play style compared to other contemporary bass players who depended on repetitive riffs. The playing style of Jamerson formed the foundation of Motown’s sound and played an important role during the crossing-over between the white music and the black music.

재즈의 시대별 스타일 변화와 뮤지션에 대한 고찰

김수한 청운대학교 산업기술경영대학원 2015 국내석사

Black music was born in a way to genuinely express condolences to African-Americans’ deep sadness and difficult hardships when Africans were brought to America in the beginning of 1900s as slaves. Later on, black music developed into a genre called jazz. African folklore music was expressed through a simple yet sad song called “Field-holler.” Moreover, songs unique to African-Americans that were influenced by European music appeared as well such as black spirituals, work songs, and chain gang songs (“Chain Around My Leg”). Jazz was born in the United States and is a combination of African-American music and European-American music. Rhythms, phrasing, sound, and blues came out of the musical characteristics of Africa and African-Americans, while the use of instruments, melody, and harmony is a traditional method used in Europe. As a result, jazz is a crossover of two musical characteristics. Rhythmical rhythm—which is one of the characteristics of jazz—and styles unique to African-Americans such as blues, harmony, and improvisation, require important requisites like artistic sensitivity and wit. Such features are clearly expressed in the music and the appearance of such music was an opportunity for unique styles of music (melody, voicing, rhythmical patterns, melody) and a diverse range of genres to be created. It is evident that jazz’s charm is its style unique to African-Americans consisting of rhythmical sounds, individuality, and musicians’ amazing improvisation performances. Jazz performers’ improvisation performances is a technique that comes from long hours of thorough practice as well as the performer’s quick wittedness yet accurate calculation that comes from musical sensibility. Musical characteristics that are only felt from particular performers, such as voicing, melody, and rhythmical patterns, can be called the performer’s own “style”. To utilize those styles at improvisation performances, it is most important to understand and analyze the performer’s historical group and characteristics of musical elements (melody, voicing, rhythmical patterns, melody). Such styles have come to grow into various genres such as Dixieland, Chicago, swing, bebop, cool, hard bop, free jazz, and fusin. In conclusion, the history of jazz—in its constant flow of change—has deeply influenced a diverse pop culture (movies, musicals, plays, dance, songs, performances, etc). This paper looked at performers’ performance style, created a standard to classify musical characteristics, and organized and contemplated the musical history through the history of jazz, musical characteristics of different genres by time periods, albums of famous performers by genres, and musical pieces. 1900년 초반 아메리카에 노예로 끌려온 흑인들의 깊은 슬픔과 고단한 노동의 고통을 위로 하고 삶의 진솔한 표현 방식으로서 태어난 흑인음악은, 훗날 재즈라는 장르로 발전하게 된다. 아프리카 민속 음악의 감각을 Field-holler 라는 단순하고 서글픈 노래로 표현 하였고, 유럽음악의 영향을 받은 흑인 특유의 흑인영가, 노동가, 체인 갱송(쇠사슬에 묶인 노예의 노래) 등이 나타났다. Jazz는 미국 흑인의 음악과 유럽 백인 음악의 융합으로 미국에서 생겨난 음악이다. 리듬, 프레이징, 사운드, 블루스는 아프리카와 미국 흑인의 음악적 특징에서 나온 것이며, 사용된 악기, 멜로디, 하모니는 유럽의 전통적인 수법으로 두 음악적 특성이 크로스 오버 된 형태라 할 수 있다. 재즈의 특징인 리드미컬한 리듬과 흑인 특유의 블루스 , 화성, 그리고 즉흥 연주의 중요한 요소인 예술적 감성과 재치는, 그들이 연주한 음악에 분명하게 표현되어 음악적 특징(멜로디, 보이싱, 리듬 패턴, 화성)인 개성 있는 스타일을 만들고, 다양한 장르가 만들어지는 계기가 되었다. 이러한 재즈만의 매력이라면 흑인 특유의 리드미컬 하고 특색 있는 음악과 연주가들의 개성 있는 즉흥 연주를 말할 수 있다. 재즈 연주자들의 즉흥 연주는 오랜 시간 철저한 연습으로 습득 되어진 테크닉과 순간적이면서 정확한 음악적 계산에서 나오는 연주자의 음악적 감성으로 이루어졌다고 할 수 있다. 특정 연주자의 연주에서 느껴지는 음악적 특징들, 빈번히 구사하는 보이싱, 멜로디, 리듬패턴 등을 그만의 ‘스타일’ 이라 할 수 있다. 그러한 스타일을 즉흥 연주에 활용하기 위해서는 연주자의 시대적 분류, 장르의 음악적 요소들 (멜로디, 보이싱, 리듬패턴, 화성) 의 분석을 통한 이해와 연구가 무엇보다 중요하다. 그러한 스타일들이 확장된 결과 딕시랜드(Dixielan), 시카고(Chicago), 스윙(Swing), 비밥(Bebop), 쿨(Cool), 하드 밥(Hard bop) 프리재즈(Free jazz), 퓨전(Fusin)등 다양한 장르가 생겨나며 발전하게 되었다. 재즈의 발생부터 현재까지 시대별 변화의 흐름 속에 재즈는 다양한 대중문화 (영화, 뮤지컬, 연극과 춤, 노래, 연주 등) 에 깊은 영향을 끼쳐왔다. 이 논문은 재즈의 역사적 이해와 시대별 장르의 음악적 특징, 장르별 유명 연주가들의 앨범, 연주곡 등을 통해 그들의 연주 스타일의 음악적 특징을 분류하는 기준을 세우고 시대별로 정리하고 고찰하였다.