Béla Bartók의 <Mikrokosmos>를 통하여 본 피아노 음악의 주법 연구

박보미 국민대학교 교육대학원 2013 국내석사

<국문초록> Béla Bartók의 <Mikrokosmos>를 통하여 본 피아노 음악의 주법 연구 박 보 미 국민대학교 교육대학원 음악교육 전공 지도교수: 길일섭 교수님 <Mikrokosmos>는 [피아노곡에 의한 현대 음악 입문서]라 불리는 교재로써, Béla Bartók(1881-1945)이 아들 페테르(Péter)를 위해 12년에 걸쳐 완결한 작품집이다. 고전적인 교재에서 보이는 화성적 음악 교육 범위에서 벗어나, 바르톡의 음악적 특징을 바탕으로 현대 피아노작품의 교육을 위해 개발된 책으로 볼 수 있다. Vol.Ⅰ~Ⅳ에서는 주로 피아노 기법적인 요소로 구성 되어 초급, 중급 과정의 학습자에게 적합하며 Vol.Ⅴ~Ⅵ은 성격적인 작품이 많아 연주회용으로도 빈번하게 사용되고 있다. 현대적인 리듬, 선율, 화성을 짧고 쉽게 훈련시켜 현대음악의 음악적, 기술적인 부분을 자연스럽게 습득할 수 있도록 구성 해 놓은 점이 특징이다. 특히 음계와 음정, 리듬과 박자감, 악구 처리, 다양한 셈여림 기호 등에 대한 정확한 연주 기법을 키울 수 있도록 제시되어 있다. 바르톡의 피아노 음악을 의미 있고 정확히 연주하기 위해서는 그의 음악적 특징과 흐름에 대한 전체적인 이해가 필요하며, 바르톡 피아노 음악의 연주에는 전통적인 주법 뿐 만 아니라 전혀 새로운 주법까지 알아야 한다. 본 논문에서는 <Mikrokosmos>에 나타나는 바르톡의 음악적 특징을 살펴보고, 그 특징을 통하여 본 피아노 음악의 주법을 연구 하였다. <Mikrokosmos>에 나타나는 피아노 주법을 운지법, Touch, 타악기적 특징, 페달법, 연주기호로 구별하여 연구하였다. 운지법은 바르톡이 고안한 독특한 음계와, 겹음, 옥타브, 연타음에서의 운지법으로 나누어 화성적인 특징을 바탕으로 효율적인 주법을 제시하였다. 그리고 피아노 연주에 있어 Touch법은 중요하므로 Legato와 Staccato, Portato, Tenuto로 나누어 터치법에 따른 음색의 변화를 살펴보았다. 현대 피아노곡에 있어 가장 큰 특징으로 볼 수 있는 타악기적 피아노 주법에 대해서는 양손 엇갈려 치기(Cross -over beats), 양손교대로 치기(Single stroke), 장식음에 의한 플램(The Flam) 주법, 갑작스런 셈여림 변화, 지속음, 톤 클러스터(Tone Cluster) 주법으로 나누어 연구 하였다. 피아노의 타악기적 연주법은 강세를 더하여 리듬 변화를 주는 강렬한 어택(attack)을 가진 리듬형으로 날카로운 화성을 보여준다. 또한 손가락에 힘을 주어 건반을 내려치는 Martellato 주법은 바르톡이 고안한 것으로 그의 작품에 자주 등장 한다. 장식음에 의한 주법은 타악기에서 북을 위한 주법으로 사용되는데 악센트를 주기위함과 리듬의 장식적 효과에 사용되는 연주법이다. 갑작스런 셈여림 변화는, 갑작스런 파장으로 타악기적 음향효과를 내고, 지속음에 나타나는 하모닉스라는 주법은 배음(overtone)의 음향 효과로 지속음의 형태로 활용했다. 또한 근접 해 있는 음들의 집단이 동시에 울리는 집단화음의 클러스터(Cluster)는 팔힘과 함께 때려치듯 강하게 치는 주법으로 설명된다. 페달법은 Legato pedaling, 악상표현을 위한 페달링, 리듬적 표현을 위한 페달링, 음색과 특수효과를 위한 페달링으로 나누어 살펴보았다. 바르톡은 독특한 리듬 특징을 페달의 활용으로 더욱 효과적으로 보여주며, 음색과 특수효과를 위한 페달링으로는 crescendo, decrescendo의 강조되는 색채감을 표현하기 위해 페달의 깊이까지 자세히 제시하여 음색의 변화를 구체적으로 표현하기를 요구 했다. 끝으로 연주기호를 따로 살펴보았는데 <Mikrokosmos>에서는 바르톡이 직접 고안한 빠르기말과 Allegro와 같은 템포에 관한 기호, 메트로놈 속도, 연주시간까지 명확히 제시 해 놓았다. 그리고 악구들 사이에 레가토가 중단됨을 알려주는 분리선도 표시하여 이 분리선 앞의 악구에서는 마지막 음 음가를 다 채우지 않고 짧게 혹은 스타카토로 연주 하도록 제시 하였다. Béla Bartók의 대표적인 음악적 특징을 바탕으로 <Mikrokosmos>교재의 피아노 주법을 살펴보았다. 이 교재는 현대 피아노 음악의 이해를 돕고 있으며, 바르톡의 음악적 특징과 함께 현대 피아노 음악의 새로운 주법을 익히도록 되어있다. 본 논문을 통하여 현대 피아노 음악의 이해와 바르톡 피아노 음악의 연주함에 있어 깊이 있는 연주에 도움이 되길 바란다.

현대작곡기법을 활용한 고등학교 창작수업 지도방안 연구 : 쇤베르크의 12음 기법을 중심으로

조웅현 국민대학교 교육대학원 2017 국내석사

Modern society needs more creative a계ility and critical thinking as a kernel in a social value. Creative activity in Music class has to be dealt with effective method of teaching because it helps to develop their creative thinking. But the activities now in music class consists with limited contents because of deficiency in systemic program, circumstance and hardship. As a result, students began to lose their interest in the class. Most music textbooks for the first year of high school, which has published in 2014, contains about Schönberg and his twelve-tone theory. Nevertheless, it has not been highly utilized because of the lack of understanding, professionalism of teachers, limited contents and demanding conditions. This thesis is a Teaching Method, which is aimed at the first year of highschool students. First, explain about Interval, fundamental of serialism, and attitude asa composer. Second, analyze a prime-serial of the twelve-tone scale from the Schönberg‘s String Quartet No.4 Op.37,1st movement, and make students to construct three of modified-serials using the prime-serial. Also, a score of Bartok’s Mikrokosmos No.140 is presented to help students understand concept of the irregular time. Third, It needs to explain about Small Ternary Form before writing music using serials. The most important things of this writing music class are teacher’s effort and explanation with various materials. I wish this Teaching Method can be used as a effective materials for teaching student’s music class. Also, I hope this can help students have diverse music experiences and they continue to grow up with music.

효율적인 유아기 피아노 교수법에 관한 고찰

조영은 국민대학교 교육대학원 2015 국내석사

본 연구에서는 유아기 아동에 대한 음악 교육이 중요하기 때문에 능률적이고 효과적인 학습을 위한 지도방안을 연구하여 아동을 가르치는데 그 목적을 둔다. 연구의 대상은 4세에서 7세까지의 어린이 이며, 보편적으로 가장 많이 사용되고 있는 피아노 교재인 「세광 뉴 바이엘」 과, 유아에 맞게 구성한 「엘리트 피아노 스타트 북」 두 교재의 내용을 비교 분석하였다. 그 결과 아동마다 학습 능력은 저마다 개인차가 있고, 피아노 학습을 시작하는 동기와 원하는 목표치도 다르다. 그러므로 두 교재가 누구에게나 알맞고 효율적인 교재라고 말할 수는 없다. 아이들에게 보다 나은 교육을 위해서는 교재에 대한 꾸준한 관심과 동료 교사들과 정보를 서로 교환하고, 연구하는 것도 좋은 방법이라는 결론을 내렸다.

우연성음악을 활용한 창의적 수업지도안 연구

김은하 국민대학교 교육대학원 음악교육전공 2018 국내석사

시대는 빠르게 변화하고 있으며 이러한 환경 속에서 적응하기 위해서는 독창성 있는 사고방식과 창의성을 겸비한 사람이 되어야 한다. 따라서 음악교과는 학생들에게 단순히 음악적 지식과 정보를 학습 시키는 것이 아니라 다양한 음악적 경험을 통해 새로운 것을 창조해 내고 표현하는 방법을 교육해야 한다. 음악은 시대가 흘러가고 문명의 발달과 함께 발전하였다. 시간이 흘러갈수록 더욱 다양한 음악이 등장하고 있으며 그 형태는 자유로운 음악적 양상을 띠고 있다. 특히 조성의 붕괴라는 음악적 특징을 기점으로 20세기 이후의 음악을 현대음악이라 정의하고 있으며 전자기기나 악기의 발달로 인해 실험적인 작품들이 창작되고 있다. 이러한 다양한 음악양식이 존재하고 있음에도 불구하고 학교현장에서의 음악교육은 낭만시대까지의 음악수업 위주로 다루어지고 있다. 그 결과 학생들은 음악에 대한 예술로서의 시각이 확장되는데 제한이 생기며 아름다운 음악을 인지하는데 편중된 사고를 갖게 된다. 이러한 문제점을 해결하기 위해 다양한 음악을 바탕으로 한 창의적인 음악교육활동에 대한 지도방안의 연구가 필요하다. 본 논문은 현대음악의 특징 중 우연성음악을 활용하여 창의적인 창작활동과 표현활동을 통한 수업 내용을 구상하였다. 우연성 음악이란 우연적으로 발생하는 음악으로써 소리와 소음을 음악적 재료로 사용하는 음악이다. 이러한 우연성 음악의 특징을 활용하여 음악에 대한 이해를 높이고 창의력과 표현력을 향상시키고자 본 논문에서는 4차시의 수업지도안을 작성하였다. 4개의 수업지도안은 2015 개정 교육과정의 내용체계, 성취기준을 토대로 수업 목표를 선정하였다. 1,2차시 수업은 우연성 음악의 기본적인 작곡기법인 우연성, 확률적 요소를 활용하여 리듬과 선율을 창작하는 활동이다. 3차시 수업은 그림악보를 창작하고 악기로 표현함으로써 연주 중에 발생할 수 있는 우연성을 경험할 수 있도록 지도하고자 하였다. 마지막 4차시 수업은 악기에 물리적 장치를 적용하여 음향으로 발생할 수 있는 우연성을 탐구할 수 있도록 계획하였다. 이러한 우연성 음악을 바탕으로 한 다양한 창작, 표현 활동의 수업을 통해 학생들은 음악의 다양성을 이해하고 예술로써 음악의 범위를 확장하여 생각하도록 지도하려한다. 또한 창작활동에 대한 즐거움을 느껴 능동적인 태도로 음악활동에 임할 수 있도록 지도하고자 하는 데 논문의 목적이 있다. In order to adapt to a fast-changing environment, it is essential to embody creative and ingenious state of mind. Thus, music is not only to let students learn knowledge and information of music, but also to educate the way to express and create something new through a variety of musical experience. The music developed with time, and the progress of civilization. with time, a diversity of music with unrestrained forms emerged. This movement is the most apparent in contemporary music, which was triggered by the disintegration fo tonality in the 20th century. Also, experimental pieces of music have been made with the advent of electrical devices and instruments. Despite the various forms of music, actual classrooms only focus up to the Romantic period. As a result, students have limitation on expanding the view of music as art, and biased thought in recognizing beautiful music. In order to solve this problem, creative music lesson plans with various forms of music should be studied. This paper is about the contents of class that utilizes Chance Music, which is one of the features of contemporary music, through creative and expressive activities. Chance Music makes use of sound and nois that are made “by chance”, as musical materials. The four staged lesson plan in this paper has the purpose to improve creativity, expressiveness, and understanding of music, by utilizing the features of Chance Music. The objectives of four staged lesson plan are selected on basis of the contents system and achievement standards in 2015 Revised Curriculum. The first and second stages are composed of creating rhythm and melody by utilizing indeterminacy factors which are fundamental compositional techniques of Chance Music. The third stage trains the students to design music sheets and empress them with musical instruments. by doing so, it enables the students to experience contingency during musical performance. The final stage is planned to explore contingency that occurs while applying physical devices to instruments. Students are expected to understand diversity of music, and enlarge the scope of music through various creative and expressive activities, based on Chance Music. In addition, the objective of the paper is to lead students to actively engage in music classes, experiencing the pleasure of creative activity.

중·고등학교 대중음악 지도를 위한 재즈 반주법 연구

한승옥 국민대학교 교육대학원 음악교육전공 2018 국내석사

오늘날 음악 산업의 발달과 대중 매체의 발달로 다양한 장르의 음악을 쉽게 접할 수 있게 되면서, 반주를 자주 해야 하는 음악교사나 지도자들에게 대중음악이나 실용음악에 익숙해져 있는 사람들의 감각을 충족시켜 줄 수 있는 다양한 반주법이 요구되고 있다. 이에 본 연구자는 실용음악 화성을 활용한 피아노 반주에 대해 연구하려 한다. 실용음악이라는 장르를 선택한 이유는 오늘날 실용음악이 현 시대의 음악에서 차지하는 비중이 크고 문화 전반적으로 많은 영향을 끼치고 있기 때문이다. 연구 내용으로는, 첫째, 실제적으로 재즈를 피아노 반주에 적용하기 위해서 알아야 하는 화음 및 텐션에 대한 이해를 구하였다. 둘째, 교과서에 수록된 제재곡의 리듬 패턴과 반주 유형을 제시하고 화성, 코드진행, 보이싱(Vocing), 부속7화음(Secondary Dominant 7th Chord)과 투-파이브(Ⅱm7-Ⅴ7)진행, 대리화음과 경과화음(Passing Chord) 등을 소개하였다. 셋째, 중·고등학교 음악교과서에 제시된 ‘아름다운 세상’, ‘10월의 어느 멋진 날에’, ‘즐거운 나의 집’, ‘ Let it be’, ‘풍선’의 피아노 멜로디를 분석하고, 기본 코드 진행의 틀을 잡은 후, 앞에서 살펴보았던 재즈 리듬, 화성, 코드진행, 보이싱, 대리화음, 세컨더리 도미넌트, Ⅱ-Ⅴ-Ⅰ, 텐션 등을 이용하여 리하모니제이션하고, 마지막으로 선율과 리듬의 변화로 반주를 더욱 더 자유롭고 화려하게 바꾸어서 완성된 반주 악보를 제시하였다. 이상의 연구에서 살펴본 바와 같이 실용음악 화성의 반주법은 다양하다. 기존의 가창곡뿐만 아니라 중·고등학교 학생들의 수업 시간에도 이러한 반주법을 활용하여 반주를 한다면, 학생들은 좀 더 다양한 리듬과 가락, 그리고 화성을 인식할 수 있게 될 것이며, 또 다른 음악 감각을 일깨워 나갈 수 있을 것이다. 시대가 변함에 따라서 교육의 내용도 변해야 한다. 보다 더 다양한 음악적 경험을 지향하여 대중음악이나 민속음악, 현대음악 등 다양한 성격의 장르를 음악교육에 도입하여 학생들이 보다 창의적인 음악적 경험을 할 수 있도록 하는 것이 필요할 것이다. 또한 교사들도 기존의 틀에서 벗어나 다양한 장르에 대해서 열려진 시각으로 관심을 갖어야 할 것이다. 그러기 위해 본 연구에서처럼 기본적인 반주 유형과 반주법을 제시함으로써 단조로운 진행으로 구성된 음악교과서의 제재곡을 실용음악화성을 통해 다양한 음악 색깔과 화려한 화성으로 변화한 반주로 학생들에게 들려줄 것을 기대한다. With the development of the music industry and the mass media today, it is possible to easily meet various genres of music. and to satisfy the feeling of people who are accustomed to popular music and applied music, the music teachers and leaders who need a variety of accompaniment methods are required. For this, the researcher intends to study piano accompaniment using applied music harmony. The reason why we chose the genre of applied music is that today's applied music has a large portion of contemporary music and it has a lot of influence on culture overall. In the research, First, we need to understand the chords and tension that to know in order to apply jazz to piano accompaniment. Second, presented rhythm patterns and accompaniment types of the songs recorded in the textbooks. The secondary dominant 7th chord and the IIm7-V7 chord progression, the substitute chord and passing chord were presented. Third, we analyze the piano accompaniment part of the music presented in the middle school music textbook and reharmonize it using jazz rhythm, chords, chord progression, voicing etc. In the process of Reharmonization using applied music, we expect that the analysis of chord progression will be enhanced and the area of musical expression will be expanded. Especially, it aims to reconstruct the accompaniment method of the textbook using the applied music harmony and to enable the teachers to use various accompaniment forms. this research hopes that music teachers will recognize the importance of piano accompaniment in their singing lessons and help them to become more enjoyable music lessons through more effective and sophisticated accompaniment.

코다이 교수법을 활용한 바이올린 지도방안 연구 : 아동기를 중심으로

김세림 국민대학교 교육대학원 음악교육전공 2018 국내석사

“음악은 모든 이의 것이다.”라고 말했던 코다이(Zoltán Kodály, 1882∼1967)는 모든 사람이 음악교육을 통해 음악적 소양을 기르면 창조적이고 인간적이며 보다 풍부한 삶을 영위할 수 있다고 믿었다. 본 논문은 코다이 교수법의 특징을 정확히 이해하고, 아동기의 음악 발달 능력에 따른 바이올린 교육에 활용할 수 있는 지도안을 제시하는 데 목적을 두었다. 코다이 교수법을 활용한 바이올린 지도방안을 모색하기 위해 다음과 같이 구성하였다. 첫째, 이론적 배경으로 코다이의 생애, 음악교육 사상, 교수법의 특징을 고찰한다. 둘째, 기악교육의 중요성을 살피고 아동기의 발달특징과 음악적 능력의 발달에 대해서 정리한다. 셋째, 위 내용을 근거로 교수-학습 지도안을 설계하였다. 총 9차시의 교수-학습 지도안으로 구성하였으며 초급 수준의 초등학교 1∼2학년을 대상으로 한다. 제재곡은 일반적으로 바이올린 교육에 사용 되는 교재를 바탕으로 학생들의 음악적 능력을 고려하여 선정하였다. 본 연구는 학습대상이 바이올린을 처음 접하는 학생이므로 음악 기초이론과 바이올린의 기본적인 연주에 관한 내용으로 이루어진다. 연주 기술 위주의 일방적인 지도방식에서 벗어나 학생의 발달단계를 고려하여 신체활동과 가창 등으로 구성하였다. 학생들의 능동적인 수업 참여를 끌어냄으로써 자발적인 흥미 유발과 음악에 대한 전반적인 이해도 신장을 목표로 한다. 코다이 교수법을 활용한 바이올린 지도방안은 바이올린을 처음 접하는학생들에게 리듬을 말로 표현하며 익히고, 손기호를 통해서 독보력을 신장시키며 정확한 리듬감으로 연주할 수 있도록 하였다. 기존의 획일화된 기악교육에서 벗어나 코다이의 교수법을 통하여 언어를 익히듯이 자연스럽게 음악을 익히고 악기를 연주하고 습득하는 과정이 음악의 아름다움을 느끼는 동시에 전인적 인간으로 성장 할 수 있는 소중한 음악적 경험이 되길 기대해 본다. Kodály (1882∼1967), the established music educator who quoted ‘Let music belong to everyone.’ firmly believed that all human would be able to lead a more creative, humane and richer life through the embracement of music education. The purpose of the research is to accurately understand the characteristics of Kodály music education concept and present violin education method applicable to the varying musical aptness in childhood. The Violin education methods on Kodály concept were formulated in the following ways. First, Kodály’s personal life, philosophies on music and characteristics of education method were observed based on theoretical framework. Second, justification on the importance of instrumental music education and the observation on characteristics of childhood and musical ability developments were analyzed. Third, on the basis of the above findings, present teaching and education methods were structured. A total of 9 structures were developed subject to children from first grade to second grade of primary school children. The musical pieces were selected from general music education books and Musical compositions were selected in reference to the basic level of musical ability among children and general levels of textbooks used to educate children. The research is composed of content relevant to the elementary music theories and education level for students unfamiliar with music education. Eliminating one-way educational method, the method strategically acknowledged children’s development phase and utilized physical movements and vocal exercise. By encouraging voluntary involvement out of the students, the method aims to explore interest stimulation and enhancement of musical understanding. Violin education strategy that fundaments on the Kodály concept was structured for students to express and understand rhythms vocally, develop music expression capability through the development of finger movements for rhythmic accuracy. Hopefully, not on the basis of standardized instrumental education, but on the Kodály method, students can learn music as much like learning language and also expect that the process of acquiring the way of managing musical instruments can make students feel the beauty of music and wish it to be a valuable musical experience for them to grow well-rounded persons.

피아노 기초 교재 『바이엘 하늘 자전거』, 『포인트 New 바이엘』, 『피아노 어드벤처』에 관한 비교연구

권도영 국민대학교 교육대학원 2017 국내석사

Since music is deeply connected with human mind and body, music education for children is imperative. Especially, piano is the first instrument for children who learn the music at firs time. The purpose of beginner's piano book is not at educating experts on playing the piano, but making children enjoy the music, and have exoteric purpose - "Enjoyable and educational book for everyone“ At this study, compare and analyze three piano books - 『Beyer Sky Bicycle』: Modernly interpreted of 『Beyer』, 『Point New Beyer』: Modernly interpreted of 『Beyer』, 『Piano Adventure』: Gained sensational popularity in Korea for years. These three piano books are classified as two categories.『Beyer Sky Bicycle』and 『Point New Beyer』is focusing on proficiency of playing the piano. Both of the books are composed of familiar songs. Children can learn techniques by playing familiar songs. On the other hand, 『Piano Adventure』is focusing on improvement of total skills such as music theory & dictation, piano performance, reading music..and so on. Teachers should be aware of these differences when they select a book for students. There are some reminders selecting 『Beyer Sky Bicycle』 and 『Point New Beyer』as piano books. 『Point New Beyer』is tends to follow 『Beyer』and it would be hard for beginners to learn this book since there is not enough explanation. On the other hand, there are many familiar songs with enough explanation for students in 『Beyer Sky Bicycle』, but the book is not proper for deepen lessons. It is suggested to use those two books at the same time; Use 『Beyer Sky Bicycle』as the main piano book, and use 『Point New Beyer』with teacher when deepen lesson is needed. There are enough visual materials which can arouse students' interests in 『Piano Adventure』, it could be better than those two books in terms of accessibility. Unfortunately, the songs in the book are too simple even for beginners, it is hard to improve piano skills, and motivate students. There is another book 『Nam Joo Hee's exciting Bayer』: Compromised and complemented of above mentioned books' merits and demerits. But there is no perfect book for everyone because of each person's different level of skills and techniques. For a teacher, it is desired to understand each student's level and capacity of learning, and the teacher needs to use several proper textbooks or pieces in parallel based on the students. Also the teacher should be considerate of their students not losing interests in music, and spared no effort for comprehensive growth in their students' musical skills too, To do that, the teacher should pay close attention to their students. 어렸을 적 많은 사람들이 피아노를 연주해 본 경험이 있을 것이다. 그만큼 피아노는 오늘날 가장 널리 연주되는 악기다. 하지만 전공자를 제외하면 어렸을 적 배웠던 피아노를 성인이 된 지금도 여전히 연주하는 사람은 드물다. 많은 이유가 있을 것이다. 하지만 잘못된 교육방법으로 더 이상 흥미를 느끼지 못해 학습자가 그만둔 경우라면, 교육자가 자성해야 할 부분이다. 특히 1900년대 후반 하농, 바이엘, 체르니 등으로 이어지는 틀에 박힌 교재들은 학습자에게 음악에 대한 지루함과 부정적인 인식을 안겨주기에 충분했으며, 교육자의 재량 또한 많은 부분 제한되었다. 이에 따라 새로운 교재에 대한 필요성은 더욱 증가하였고, 시중에 많은 교재들이 발간되었다. 교재 선택의 폭은 그만큼 늘어났지만, 그에 비례해서 어떤 교재를 선택하는 것이 옳은가 하는 문제 또한 제기되었다. 이 논문에서는 현재 가장 널리 사용되고 있는 교재 3종(『바이엘 하늘 자전거』, 『포인트 New 바이엘』, 『피아노 어드벤처』)을 중심으로, 어떤 내용이 주를 이루고 있는지, 각기 장단점을 분석하고 그에 맞는 교육방법을 제시하려고 노력했다. 이에 대해 본 연구에서는 『바이엘 하늘 자전거』『포인트 New 바이엘』과 『피아노 어드벤처』3가지 피아노 교본을 선택하여 기초 교본으로서 갖춰야 할 필수 항목을 비교·분석했다. 교사가 피아노를 지도할 때 생겨나는 문제점을 개선하고, 각 교재의 장점과 그 특성들을 파악하여, 피아노를 처음 학습하는 아동이 효과적인 피아노 연주기술을 습득하는 데 모색할 수 있는 연구 자료로서 활용되는 것에 그 목적을 두었다.

달크로즈, 코다이, 오르프 교수법을 적용한 놀이 음악 지도방안 연구 : 초등학교 1~2학년 대상으로

장연지 국민대학교 교육대학원 2019 국내석사

급변하는 현대사회는 다양성과 창의성을 추구하며 더욱 더 복잡해지고 세계 여러 문화들과 함께 공존하며 살아가고 있다. 이러한 현대사회 속에서 예술의 한 분야인 음악도 점점 다양해지고 복잡해지고 있다. 따라서 음악을 바르게 이해하고 올바른 개념 형성이 이루어지려면 음악교육 또한 다양한 방법의 지식 전달이 필요하다. 이를 위해 교사는 폭넓은 음악 활동을 지속적으로 제공 하여야 하며 학습자의 발달 단계에 맞게 가르칠 음악 개념들을 구조화 시켜야 한다. 즉, 유아기 때는 주위를 모방함으로 경험하였던 것들을 초등학교 1, 2학년 시기가 되면 구체적 표현과 논리적 조작이 시작된다. 그러므로 그들에 지적, 신체적, 감정적 발달 특징과 음악적 성장 특징을 함께 이해하고 체계적인 음악체험을 적합하게 제공 하여야 한다. 이에 본 연구에서는 학교 교육의 첫 시작인 초등학교 1, 2학년을 대상으로 음악을 이해하는데 있어 알아야 할 기본 구성 요소인 리듬, 셈여림, 빠르기, 가락, 화음, 감상에 순으로 활동 영역을 나누었다. 또한 학습자들의 음악적 잠재력을 이끌어냄과 동시에 적극적 참여 유도를 중점으로 한 지도방안 개발에 목적을 두었다. 본 연구는 보다 체계적이고 효과적인 지도방안을 제시하기 위하여 음악교육자 달크로즈, 코다이, 오르프의 교수법을 적용 하였으며 흥미롭고 재미있는 놀이음악 지도안을 개발‧보안 하여 작성하였다. 본 연구를 통하여 모든 어린이의 발달 단계와 흥미, 관심 등을 고려한 새로운 음악놀이와 다양한 지도방안들의 개발이 끊임없이 연구되고 확대되며 발전되기를 기대한다. 또한 제시된 다양한 활동들이 적절히 활용되기를 바라며 향후 음악 학습에 좋은 영향을 미치기를 바란다. 본 수업 지도안이 급변하는 현대사회의 많은 학습자들에게 흥미롭고 즐거운 지도 방안이 되기를 바라며 보다 풍요롭고 삶 속에 음악을 향유하며 살아가는데 기여되기를 바란다. The rapidly changing modern society is getting more and more complex adopting diversity and creativity, and coexists with different cultures around the world. In such a society, music as an art form is getting more and more diverse and esoteric as well. Consequently, to understand music and its concept correctly, it is necessary to develop various teaching methods and ways of communicating knowledge for music education. To this end, a teacher should constantly provide a wide range of music educational program and materialize the curriculum for learner's each developmental stage. For example, contrary to what early childhood's experiences are limited to just imitating their surroundings, children starts original expression and logical behaviour in their first and second grade of elementary school. Therefore, organized musical experience should be provided with the right understanding of children's physical, intellectual, and emotional development and musical growth. So, in this research, a teaching method that focuses on developing musical potential and encouraging student's active participation has been written for the first and second grade elementary school students who are at the very first school education, and divided the curriculum into in order of rhythm, expression, tempo, melody, harmony, and appreciation, which are fundamental elements needed to understand music. Plus, teaching methods of Dalcroze, Kodaly, and Orff has been applied to provide more organized and effective curriculum and made up for the music play learning method. Through this research, one can expect development of new music activity and various teaching methods considering children's developmental stage, interests, and attention would be researched, expanded, and improved. Plus, proposed teaching methods and activities are expected to be adopted properly and have a beneficial influence on music education. I expect this research would be interesting and entertaining teaching method for students in rapidly changing modern society, and contribute to enjoy music and lead abundant life.

F. Schubert의 Moments Musicaux Op.94 D.780을 중심으로 한 성격소품에 관한 연구

김리윤 국민대학교 2016 국내석사

19세기 낭만주의(Romanticism)는 이전의 관습과 형식에서 탈피하여 개인의 감정과 주관적 내면의 자유로운 표현을 추구하였다. 악기의 발전과 더불어 작곡가들은 음악에서 감정 표현의 범위가 보다 넓어졌으며 음악외적 요소들을 자유롭게 구사할 수 있게 된 것이다. 성격소품(Character piece)은 이러한 낭만주의 미학관과 잘 부합하였고, 많은 작곡가들에게 선호되면서 낭만주의 음악의 중심적인 장르로 큰 발전을 거두었다. 성격소품에서는 문학을 통해 작곡가의 내면세계를 상징적으로 표현하기도 하며, 시와 직접 결부시키거나 예술 가곡 형식이 나타나기도 한다. 이러한 발전은 슈베르트(Franz Peter Schubert, 1797-1828)로부터 본격적으로 시작되었다고 할 수 있다. 형식과 구성에 치중한 소나타에서 벗어나 다양한 음악적 어법들이 더욱 발전되고 확립되어졌으며, 자신의 음악적 생각을 성격소품을 통해 더욱 구체화 시킬 수 있었다. 이후 멘델스존(Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy, 1809-1847), 슈만(Robert Schumann, 1810-1856), 브람스(Johannes Brahms, 1833-1897) 등 많은 낭만주의 작곡가들에게 영향을 미치며 더욱 폭넓게 발전하였다. 슈베르트의 대표적인 성격소품 ‘악흥의 순간’(Moments Musicaux Op.94 D.780)은 작곡가의 서정성과 감정들을 자신만의 기법으로 그려낸 작품이다. 성격소품의 전형적인 A-B-A 3부 형식을 따르며, 6곡으로 이루어진 모음곡 형태이다. 하지만 각각의 곡들이 가지는 주제적 통일성은 없다. 슈베르트만의 조성적 구성방법으로 작품의 조성관계에 있어 3도 관계조로 진행함을 알 수 있으며, 이명동음과 반음계적 진행의 전조로써 단순한 주제를 여러 조성으로 자유롭게 변화 및 확장하는 특징이 있다. 또한 주제선율의 동형진행, 캐논, 성부교환과 같은 기법과 함께 차르다스(Csárdás),닥틸(Dactyl) 리듬, 코랄형 진행과 같은 패턴을 곡 전체를 통해 사용하였다. 본 연구를 통해 슈베르트의 ‘악흥의 순간’은 전통적인 작곡 기법과 함께 작곡가만의 낭만적 서정성을 잘 조화시켰으며, 무엇보다 성격소품이 가지는 주관성과 즉흥적 그리고 감정묘사의 특징이 잘 나타나는 작품임을 알 수 있다. 더불어 슈베르트의 성격소품을 바탕으로 낭만주의 작곡가들에게 많은 영향을 미치며 성격소품의 기반을 형성하였다고 할 수 있다. Romanticism in the 19th century pursued free expression of individual emotions and subjective inner space, breaking from previous customs and formats. With the development of musical instruments, the range of the composer’s expression of emotions in music became wider and they could freely make use of the outward elements in music. Character piece well corresponded to such a Romantic aesthetic view, and as preferred by many composers, it accomplished a great development as a primary category of Romantic music. A character piece symbolically expresses the composer’s inner world through literature, directly connects to poetry or the art song form appears. It can be said that this development began from Franz Peter Schubert (1797-1828) in earnest. Getting away from Sonata, which attaches importance to the form and configuration, various musical expressions were further developed and established, and they could further refine their own musical thoughts through character pieces. Later, it had an influence on many composers of Romantic music such as Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847), Robert Schumann (1810-1856) and Johannes Brahms (1833-1897) and was developed more widely. Schubert’s representative character piece, Moments Musicaux Op.94 D.780 is a work he shows his lyricism and emotion with his own technique. It follows the typical form of a character piece, 3 parts consisting of A-B-A and is a suite form consisting of 6 songs. However, each of the songs does not have any thematic unity. With Schubert’s unique tonal configuration method, in the relation of the tonality of the work, it progresses in third relative key, and has characteristics of free change and expansion of simple themes with several tonalities with enharmonic and modulation in chromatic progression. In addition, along with techniques such as sequences of the theme melody, canon and voice exchange, he used patterns such as Csárdás, Dactyl rhythm and choral progression throughout the piece. This study found that Schubert’s Moments Musicaux successfully harmonized the composer’s unique Romantic lyricism with traditional composition skills, and above all, it is a work that clearly shows the characteristics of subjectivity, spontaneity and emotional expression of a character piece. In addition, Schubert’s character piece had great influences on composers of Romantic music and formed the base of the character piece.

Luciano Berio의 Sequenza ⅩⅠⅤb for Kontrabass(2004)에 대한 분석 및 연주기법 연구

김태우 국민대학교 대학원 2015 국내석사

This thesis analyzed the art work of Luciano Berio(1935~2003) <XIVb(Sequenza ⅩⅠⅤb for Kontrabass)>(2004). Currently, double bass has been actively played in various fields of music with the continuous improvement of the instrument itself and the development of the performance technique. Also, it is very much welcomed as a solo instrument. Especially, as modern-day composers are trying to find new possibilities of double bass as a solo instrument, not only as an ensemble instrument, many timbres as well as new techniques are tried and implemented through art pieces. Thus, at first, this thesis figures out the overall characteristic of double bass; secondly, this thesis aims to broaden the double bass players' understanding about modern music by analyzing modern art pieces composed for double bass and studying modern performance techniques. The study conducted for writing this thesis aimed to identify that double bass has equipped with the current instrument structure with the continuous improvement of the instrument itself thanks to the research regarding the development process and the structure of the instrument. Moreover, the fact that double bass is currently played as a solo instrument as well as an ensemble instrument by developing the performance techniques. In addition, the new possibilities of double bass as a modern instrument were discussed as well. This was done by analyzing Luciano Berio's <Sequenza XIVb>, which enabled the comprehensive study on the art piece as well as the understanding of the modern playing technique that showed up in this piece. <Sequenza XIVb> is a solo arranged version for double bass, which was originally titled as <Sequenza XIV>, which was originally composed for playing the cello. <Sequenza XIVb>, the newly arranged version includes the 3 short cadenzas and the modified version of the original art piece which was composed by reflecting the size of double bass and the various performance techniques. The general performance techniques of stringed instruments, the special performance techniques such as sul tasto and sul ponti., as well as the specialized performance techniques for making the sounds of percussion, as well as the special bow performance technique utilizing the pressure on the bow are the various performance techniques used for the art piece. Each performance technique are combined with other performance techniques, which is a recognizable character. This tendency is continuously and remarkably figured out throughout the whole art piece; this complex playing technique is defined as the complex modern performance technique in this thesis. This playing technique also affected the type classification. Featured performance technique is used in A part and B part: In A part, the motive variation is done only by utilizing pizzicato, harmonix, and percussion playing technique, however, in B part, various playing techniques utilizing bows are tried. In the case of cadenza which uses the motive of A and the motive of B, the features of A's performance technique and B's performance technique are shown as they are. Thus, it can be figured out that <Sequenza XIVb> was composed by considering the instrument's feature and the playing technique of double bass, which is known by comparing the playing technique's classification and the type analysis. As the playing technique which shows the clear distinction according to the usage of bow is used in A part and B part, the thorough consideration regarding the playing techniques of each part also helps the understanding of the art piece's form. Consequently, the understanding about the form of <Sequenza XIVb> and further the understanding of the art piece can be done by conducting the research and analysis of the art piece's complex modern performing techniques. 본 논문은 루치아노 베리오(Luciano Berio, 1935-2003)의 작품 <시퀸차 XIVb(Sequenza ⅩⅠⅤb for Kontrabass)>(2004)를 분석한 논문이다. 현재 콘트라베이스는 지속적인 악기 개량과 연주 기법의 개발을 통해 다양한 음악의 영역에서 연주되고 있으며 독주 악기로도 활발히 연주되고 있다. 특히 현대 작곡가들이 합주 악기뿐 아니라 독주 악기로써 콘트라베이스의 새로운 가능성을 모색하면서, 작품을 통해 새로운 기법과 다양한 음색들이 시도되고 있다. 따라서 이 논문은 첫째, 콘트라베이스의 전반적인 특징을 이해하고, 둘째, 콘트라베이스를 위해 작곡된 현대 작품을 분석하고 작품에 사용된 현대적 연주 기법을 연구함으로써 콘트라베이스 연주자들의 현대 음악에 대한 이해의 폭을 넓히는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 본 연구는 콘트라베이스의 발전 과정과 구조를 연구함으로써 콘트라베이스가 지속적인 악기 개량을 통해 지금의 악기 구조를 갖추게 되었으며, 연주 기법의 개발을 통해 합주 악기뿐 아니라 독주 악기로도 다양하게 연주되고 있음을 밝히고자 하였다. 또한 루치아노 베리오의 <시퀸차 XIVb> 분석을 통해 이 작품에 등장하는 현대적 연주 기법을 파악하고 작품 전체를 분석함으로써 현대 악기로써 콘트라베이스의 새로운 가능성에 대해 주목하였다. <시퀸차 XIVb>는 첼로를 위한 <시퀸차 XIV>를 콘트라베이스를 위한 독주곡으로 편곡한 작품으로, 콘트라베이스의 크기와 다양한 연주 기법을 고려하여 악보의 일부를 수정하고 3개의 짧은 카덴차를 추가하여 새롭게 완성한 작품이다. 이 작품에는 현악기의 일반적인 연주 기법, sul tasto와 sul ponti.와 같은 특징적인 연주 기법과 함께 타악기적인 효과를 위한 연주 기법, 활에 가하는 압력을 이용하는 특수한 활 연주 기법 등 다양한 연주 기법들이 사용되는데, 특징적으로 하나의 연주 기법을 다른 기법들과 결합한 형태로 연주한다. 이러한 경향은 작품 전체를 통해 지속적으로 두드러지게 나타나며, 이러한 복합적인 연주 기법을 본 논문은 복잡한 현대적 연주 기법으로 정의하였다. 이러한 연주 기법은 형식적인 분류에도 영향을 끼친다. A부분과 B부분은 특징적인 연주 방식을 사용하는데, A부분이 활 없이 오로지 피치카토, 하모닉스, 타악기적인 연주 기법을 통해 모티브를 변주해나간다면 B부분은 활을 사용한 연주 기법들이 다양하게 시도하고 있으며, A의 모티브와 B의 모티브를 사용하는 카덴차의 경우에도 예외 없이 A의 연주 기법과 B의 연주 기법의 특징을 그대로 보여준다. 따라서 연주 기법의 분류와 형식 분석을 비교해 볼 때, <시퀸차 XIVb>는 콘트라베이스의 악기 특성과 연주 기법을 고려하여 작곡되었음을 알 수 있다. A부분과 B부분이 활의 사용 여부에 따라 명확하게 구분되는 연주 기법을 사용하기 때문에 각 부분에 사용된 연주 기법에 대한 충분한 고려는 형식적으로 작품을 이해하는 데에도 도움이 된다. 결과적으로 <시퀸차 XIVb>의 복잡한 현대적 연주 기법의 연구와 분석을 통해 <시퀸차 XIVb>의 형식을 이해하고 더 나아가 작품에 대한 이해를 높일 수 있다.