집단적 기억과 대안적 글쓰기

김승철(KIM Seoung-Cheol) 한국프랑스문화학회 2011 프랑스문화연구 Vol.23 No.-

Historienne, romancière, cinéaste, Assia Djebar occupe une place importante dans la littérature maghrébine francophone. Elle a élaboré plusieurs ouvrages y compris Quatuor algérien(L'Amour, la fantasia, Ombre sultane, Vaste est la prison et Loin de Médine). Ces quatre oeuvres ont en commun des thèmes que l’on retrouve dans les quatre livres de manière plus ou moins développée : l’écriture, l’histoire, les femmes, les voix des femmes anonymes, les traditions orales, particulièrement la mémoire individuelle et collective dans la socio-culture arabo-berbéro-musulmane. Dans presque toute son oeuvre, romanesque et cinématographique, Djebar se sert de ses propres expériences autobiographiques pour illustrer son propre parcours et celui de ses soeurs qui n'ont pas eu le luxe d'accéder au domaine de l'écriture. Alors son autobiographie pour elles est collective. Ainsi s'agit-il de la mémoire collective dans la plupart de l'écriture d'Assia Djebar. On utilise le concept de ‘la mémoire collective’ de Maurice Halbwachs dans La mémoire collective pour étudier l'écriture d'Djebar. On tente de recherher les relations entre la mémoire collective et son écriture sous trois point de vues : autobiographie collective, mélange de fiction et d'histoire, voix et langues multiples Enfin, son écriture par la mémoire collective tâtonnera une possibilité de la nouvelle vie des femmes arabo-musulmanes.

한국 현대 추상미술의 통어(通語), 박서보의 <묘법> : 모더니즘에서 포스트디지털까지

최정주(Jeong-ju CHOI) 한국조형교육학회 2021 造形敎育 Vol.- No.80

박서보는 전후 한국 현대미술 제1세대로, 1958년 앵포르멜의 포문을 연 이래, 1973년 ‘묘법’ 연작을 통한 단색조 회화의 선구적 개창으로 한국 추상미술의 개척자로서의 위상을 지닌 작가다. 본 연구의 목적은 한국 고유의 정신적 가치를 수렴한 박서보의 ‘묘법’이 역사적 가치 형성에 머물지 않고, 끊임없이 시대정신을 수렴하면서 예술의 새로운 기능을 확장해 나가는 시도의 일환으로, ‘디지털묘법’을 재생산한 의미를 살펴보기 위한 것이다. 이를 위해 2장에서는 박서보의 묘법이 지니는 미술 사적 위상을 재고하기 위해 초기묘법과 중기묘법이 지니는 한국형 추상미술의 시원으로서의 성립과정과 수신 및 수행의 본질을 고찰하고, 후기묘법이 포스트모더니즘 미학을 함의하면서 ‘수신’에서 ‘치유’로 개념적 확장을 이룬 의의를 추적했다. 이어 4장에서는 디지털묘법으로의 전환에 따른 새로운 미학적 특이성과 대중의 일상 속으로 찾아들어간 감상방법의 혁신적 성과를 고찰하고, 포스트디지털시대의 디지털묘법의 미래비전을 살펴보았다. 박서보의 묘법은 예술의 순수성에서 출발하여 대중과의 교감에 이르는 탈태(脫態)를 거듭하며 미술 생태계의 발전적 지표 형성에 기여해왔으며, 그의 디지털묘법은 미래 미술사의 다양성의 논리에 새로운 지평을 연 사례라고 할 수 있다. Park Seo-bo is the first generation of post-war Korean contemporary art, and since opening the door of Enformel in 1958, he has a status as a pioneer in Korean abstract art with the pioneering opening of monochromatic painting through a series of Écriture in 1973. The purpose of this study is to examine the meaning of reproducing Digital Écriture as part of Park Seo-bo s attempt to expand new functions of art while constantly collecting the spirit of the times, not just forming historical values. To this end, Chapter 2 examines the establishment process, self-discipline, and performance of Korean abstract art, and traces the significance of the conceptual expansion from self-discipline to healing by referring to postmodernist aesthetics. Chapter 4 examines the new aesthetic specificity of the transition to digital techniques and the innovative achievements of appreciation methods that have entered the public s daily lives, and examines the future vision of digital techniques in the post-digital era. Park Seo-bo s Écriture is a model that contributed to the formation of developmental indicators of the art ecosystem, starting from the purity of art to communion with the public, and his digital Écriture can be said to be an example of the logic of diversity in future art history.

생텍쥐페리의 『어느 인질에게 보내는 편지』를 활용한 말하기․쓰기 통합 교육 활성화 방안

황선경(HWANG SunKyung) 한국프랑스문화학회 2016 프랑스문화연구 Vol.32 No.-

Notre objectif est de faire épanouir une compétence potentielle des étudiantes au niveau de la discussion et de l'écriture. Notre étude a pour but de trouver une méthode spécifique qui pourra intégrer le cours de discussion et celui d'écriture. Nous prenons Lettre à un otage comme un texte, car nous considérons Saint-Exupéry comme un grand écrivain qui combat bravement contre le nazi. Nous trouvons une solution favorisant l'intégration de deux cours dans cette lettre qui sert à dénoncer le nazi et à faire réfléchir l'amitié et la dignité humaine. D'abord, afin de stimuler une discussion, nous proposons quelques nouveaux thématiques à exploiter grâce auxquelles les étudiantes pourront amélorer leurs compétences de parler. Ensuite nous présentons des films concernant la Seconde Guerre mondiale pour comprendre mieux le texte. Et puis, nous proposons des exercices variées : des compositions d'un petit texte, une interview imaginaire, un article fictif, un critique et un mémoire sur l'oeuvre. Ecrire une parodie où les étudiantes modifient une intrigue paraît très valable, car cette méthode permet d'évoluer aux étudiantes l'imagination et la créativité, et d'accomplir une fonction cathartique et thérapeutique grâce à laquelle elles pourront vaincre des conflits intimes et retrouver une sérénité.

문화적 정체성, 글쓰기의 정체성

임수현(LIM, Soo-Hyun) 프랑스학회 2009 프랑스학연구 Vol.47 No.-

Samuel Beckett est considéré comme un écrivain qui nous a montré “une quête du soi” rigoureuse et exceptionnelle dans tous les domaines de son écriture, et aussi dans sa propre vie. En tant qu'un irlandais, qui a vécu une période de guerre civile causée par la relation conflictuelle anglo-irlandaise, il a été fort sensible au problème de l'identité. Au moment de la formation de sa personnalité et de sa vocation d'écrivain, c'est-à-dire dans les années trente, il semble que Beckett trouvait la tradition irlandaise “étouffante et insupportable”. Comme on peut le remarquer dans les premiers textes beckettiens, il essaye de rejeter tous les héritages autoritaires de son pays, pour se diriger vers un territoire confus, obscur et désespéré, mais libéré de toutes les contraintes. Beckett souffre aussi de mésentente avec sa mère, “May Beckett”, qui exige à son fils les valeurs traditionnelles et religieuses. Comme l'est son setiment vis-à-vis de l'Irlande, Beckett est partagé entre les deux désirs contradictiores, à savoir entre son éternel retour à sa mère et sa fuite de toutes les exigences maternelles. Cette conscience excessive pour la mère, amour et haine confondus, pourrait expliquer par le désir essentiel de retourner à l'origine, et de retrouver une identité harmonieuse. Face à cette impasse, Beckett trouve, durant son séjour à Paris, sa conviction littéraire sous l'influence de James Joyce. Ils sont tous les deux exilés irlandais à Paris, et ils ont le même sentiment ambivalent d'amertume et de nostalgie pour leur pays. Et ils partagent les mêmes goûts littéraires, à savoir leur faveur à propos de nouveaux modes d'expressions et de nouvelles formes artistiques. Mais Beckett essaye encore de trouver son propre chemin, sa propre mode d'écriture. Entre Dublin stérile et Paris dévorant, entre la mère possessive et un Joyce écrasant, Beckett a besoin d'un refugre, lieu neutre, où il pourrait prendre de recul pour s'objectiver. En ce sens, on peut dire que Londres a joué un rôle dans la vie de Beckett, plus qu'un exil transitoire. C'est à Londres qu'il s'intéresse avec passion à la psychanalyse, et surtout qu'il parvient à affronter soi-même, avec l'aide d'un psychanalyste, Wilfred Bion. Après ces expériences, Beckett finit par accepter que “l'obscurité que je m'étais toujours acharné à refouler” était en réalité la source même de son inspiration artistique. Cette recherche de l'identité va encore plus loin, d'autant plus que Beckett écrit ses textes en deux langues, anglais et français, et qu'il les trauduit lui-même d'une langue à l'autre. Ainsi, Beckett serait le seul écrivain qui pratiquait le bilinguisme dans toutes ses possibilités, et qui le considérait non seulement comme “projet” esthétique mais aussi comme choix existentiel. Cette écritre en(tre) deux et cette manière singulière d'auto-traduction seraient l'aspect le plus manifeste et le plus concret qui nous montre à quel point Beckett s'acharne au problème de l'identité de l'être et de l'écriture. Mais si l'auteur oscille sans cesse entre les deux langues, c'est que, parincipalement, il reconnaît bien les limites propres du langage, à savoir, l'inefficacité et l'impuissance expressives de celui-ci, qui sont d'ailleurs irrévocables. Par conséquent, la réalité intérieure n'appartient ni

사르트르의 전쟁의 글쓰기와 미학

조영훈(CHO, Yeung-Hun) 프랑스학회 2011 프랑스학연구 Vol.56 No.-

Nous analyserons dans cette étude la mise en texte de l’écriture sartrienne de la guerre dans la tétralogie romanesque des Chemins de la liberté et l’oeuvre théâtrale des Séquestrés d’Altona, ces deux ouvrages qui traitent de la Seconde Guerre mondiale en montrant des structures esthétiques fort différentes et des attitudes idéologiques radicalement opposées. Les Chemins de la liberté représentent une guerre en devenir sur l’étendue de toute l’Europe de façon linéaire, avec un projet esthétique de Sartre de situer son roman au ‘présent’ de son écriture. Au contraire, Les Séquestrés d’Altona reconstituent ou, plus précisément, remettent en cause la guerre en tant que ‘passé’, dans une forme de mise en contraste. La comparaison des deux oeuvres permettra également de comprendre l’évolution de la pensée de Sartre sur la Seconde Guerre mondiale. Le problème que la guerre soulève dans le texte romanesque de Sartre est entre autres celui de la fictionnalisation ‘immédiate’ et des restrictions de champ. Ce dont souffrent Les Chemins de la liberté, ce sont donc la perte de références extratextuelles et l’absence de perspectives généralisantes. La ‘focalisation interne multiple’ introduit la fragmentation et la transmigration des unités narratives, et la transformation du chronotope accompagnant, à son tour, l’évolution de la problématique de la guerre. L’Age de raison constitue la première étape de l’enjeu narratif des Chemins de la liberté. Dans Le Sursis qui correspond à la deuxième étape, la guerre se met à produire son propre temps-espace, c’est-à-dire ce que l’on pourrait appeler chronotope ‘guerrier’. La migration vertigineuse de l’espace fragmente le récit en micro-récits que le partage neutralisé du temps permet de relier. C’est la plus ou moins grande rapidité de succession des images qui donne l’illusion de leur simultanéité. La première partie de La Mort dans l’âme ralentit le rythme narratif du Sursis, tandis que ce dernier a accéléré celui de L’Age de raison. En perte de vitesse, La Mort dans l’âme finit par concentrer, dans sa deuxième partie, la focalisation sur Brunet, qui sera le seul point de vue jusqu’à Drôle d’amitié. Alors que l’écriture sartrienne représente, surtout dans Le Sursis, un mouvement, elle se concentre sur les contrastes dans Drôle d’amitié, dernier ouvrage inachevé de la tétralogie romanesque des Chemins de la liberté, et puis dans l’oeuvre théâtrale des Séquestrés d’Altona. C’est la concentration qui caractérise la quatrième et dernière étape dans l’enjeu narratif des Chemins de la liberté. Les caractéristiques du chronotope du camp de concentration résident avant tout dans la fixation du temps et le rétrécissement de l’espace. Le camp représente en particulier une espèce de synthèse des souffrances d’idées et de passions. L’espace romanesque ayant été rétréci, le débat idéologique revêt un caractère théâtral. Produisant un effet de zoom et permettant une action simple, Drôle d’amitié donne lieu à une théâtralisation des passions en conflit. Le chronotope de Drôle d’amitié rappelle la règle classique des trois unités. C’est un chronotope ‘théâtralisé’. L’intérêt dramaturgique de

프랑수아 모리악의 『독사떼』에 나타나는 편지와 글쓰기의 문제

김모세(KIM, Mo-Se) 프랑스학회 2014 프랑스학연구 Vol.67 No.-

Dans Candide le 24 mars 1932, Albert Thibaudet a dit : "Il me paraît bien que Mauriac a écrit là son chef- d'oeuvre, et un chef-d'oeuvre." Moins célèbre que Thérèse Desqueyroux ou Le Désert de l'amour, Le Noeud de vipères publié en 1932 est pourtant l'un des grands romans de François Mauriac. Moins préféré que Thérèse, Louis, vieil avocat qui tout en étant riche, est très avare, et qui couve une vengeance de ses familles, est un personnage spécial dans le monde mauriacien. En fait, Le Noeud de vipères, pour notre auteur, se trouve au sommet de sa carrière et constitue un tournant de sa carrière. Tandis que les héros ou les héroïnes dans les romans qui précèdent Le Noeud de vipères sont, dans la plupart, des adolescents attardés ou bien des femmes malheureuses, Mauriac met en scène, pour la première fois, un homme adulte dans ce roman. Le héros n'est pas un inadapté social, mais un père d'une famille, un avocat respectable, un propriétaire. Comme H. Shillony a remarqué, "Le point de vue du maître, du tyran domestique qui fascine et domine les siens remplace celui de l'esclave, toujours à la merci d'autrui. L'oeuvre romanesque se libère de l'ombre tutélaire de la mère qui hante le romancier depuis ses débuts." Mais Louis est aussi un personnage abandonné dans le désert de l'amour. Malgré son pouvoir et sa richesse, il est un malheureux, un pauvre isolé de ses familles, un mal-aimé de sa femme et de ses enfants. Sa femme montre une parfaite indifférence à l'égard de lui, et ses enfants n'attendent de lui que la succession des biens. Louis, à son tour, veut se venger des siens en les déshéritant. Et il commence à écrire une lettre destinée à sa femme pour se justifier et pour attribuer l'incommunicabilité à l'indifférence de ses familles. Sa lettres se transforme avec le temps en mémoire intérieur ou bien en autobiographie. Et puis, ce mémoire intérieur est devenu un lieu où il découvre l'authenticité de sa vie dissimulée sous l'apparence de 'monstre'. L'histoire de cet homme ne progresse pas linéairement. Dans un mouvement perpétuel de va-et-vient entre présent et passé ou bien entre lettre et mémoire, émerge une partie authentique de la vie d'un homme qui ne savait pas ce qu'il voulait. Enfin, ce mouvement parvient au changement décisif de la vie de Louis, qui ne veut plus se venger des siens, mais qui veut se communiquer avec eux. La confession de Louis rejoint une sorte de repentir, et son désir de la communication se conduit vers la lumière, 1'amour de Dieu. Ainsi donc, nous avons voulu analyser dans cet étude le processus du changement ontologique de Louis, héros du Noeu.d de vipères, au point de vue herméneutique. Et L'aspect de ce héros, nous semble-t-il, peut se lier avec les éléments biographiques de Mauriac. Il avait 47ans à ce moment-là, il était un romancier renomé, et lui-même père de famille. Et surtout, Mauriac écrit ce roman à l'issue d'une époque troublée de sa crise spirituelle. Dans ce roman, on peut voir le processus mauriacien de surmonter la crise par l'écriture. À cet égard, l'écriture d'une lettre- mémoire de Louis se compare à celle de l'auteur.

‘나’와 작가 그리고 책 : 『가짜』의 정체성 연구

이광진(Kwang Jin Lee) 한국프랑스문화학회 2021 프랑스문화연구 Vol.50 No.1

Cette étude examine le problème d’identité apparaissant dans Pseudo de Romain Gary, connu sous le pseudonyme d’Émile Ajar, en dimension de personnage, d’écrivain et d’œuvre. D’un point de vue psychanalytique, Pseudo est une œuvre qui a été créée par deux intentions différentes : l’une peut ê̂tre qualifiée de troublée, l’autre de perturbatrice. L’inadéquation de ces intentions découle de la rupture narrative entre le “je”, personnage-narrateur à la première personne, et l’auteur. Le refoulement s’exprime à travers cette rupture. Ce qui est refoulé est le nom, ce qui est refoulant est l’écriture. Le problème d’identité au niveau d’oeuvre résultent de différentes intentions entourant le nom du “je” et l’écriture de la part de l’auteur. Pour cette raison, Pseudo n’est ni une autobiographie ni un roman, et ne peut donc pas ê̂tre défini. Par conséquent, cet article explore l’identité de Pseudo avec les éléments autobiographiques présentés par le “je” et l’éclaire à travers l’œuvre posthume laissée par l’auteur.

페늘롱의 『텔레마쿠스의 모험Les Aventures de Telemaque』: 신화에서 교육소설로

이효숙 한국프랑스학회 2004 한국프랑스학논집 Vol.46 No.-

Les Aventures de Télémaque de Fénelon est un roman pédagogique du XVIIIe qui a été destiné à servir à l'éducation du dauphin, duc de Bourgogne. Ecrit comme une suite de l'Odyssée d'Homer, ce récit en prose a satisfait les amateurs de pédagogie et ceux de la volupté des récits mythiques. Ses lecteurs peuvent apprendre la politique, l'économie, l'art de la guerre et de la diplomatie, celui du commerce et de l'agriculture, les moeurs et les arts de l'Antiquité, la mythologie et l'esthétique. Cependant ce qui importe le plus dans cette oeuvre, ce sont les préceptes et les exemples qui entendent transmettre la parole de la vérité (chrétienne). C'est que la référence biblique y est étroitement associée à la référence païenne. Les personnages mythiques, bons ou méchants, et leur vies sont peints à la chrétienne. Mentor-Minerve, incarnant un type de paternité, représente la Sagesse biblique. Pour transmettre l'art de régner au lecteur-élève prvilégié, duc de Bourgogne, Mentor le mène aux palais des rois bons et mauvais. Puis, l'élève sera mûri à travers les erreurs, les tentations, les épreuves, les exemples des personnages secondaires et les leçons de Mentor: Télémaque-élève parvient à surmonter la passion et survit à toutes sortes de combats. C'est ainsi que les schémas pédagogiques dans cette combinaison des éléments antiques et des éléments chrétiens, faisant l'originalité de ce récit, nous conduisent à une réflexion sur la réécriture.

외국어(B언어) 방향 문학번역교육 - 이론과 실제

최미경(CHOI, Mikyung) 프랑스학회 2015 프랑스학연구 Vol.72 No.-

En matière de traduction littéraire du coréen vers le français, la traduction en B vise à pallier l’absence de traducteurs français capables de travailler seuls (comme c’est souvent le cas pour les langues dites « rares»). L’opération traduisante étant effectuée par des traducteurs coréens travaillant en B, l’exigence formelle de la traduction littéraire implique une solide formation. Cette étude est fondée sur notre propre expérience de l'enseignement de la traduction littéraire vers le français en classe de l'Ecole d'interprétation et de traduction. Nous avons voulu analyser le processus de l'enseignement, étape par étape, en nous appuyant sur des théories (Ballard, Delisle, Gresset, Herbulot, Lederer, Leclercq, Wuilmart, Roux-Faucard) et sur des exemples (les devoirs des élèves, les propositions du professeur, les améliorations successives) avec pour objectif de faire apparaître les conditions de réussite de la réériture littéraire. L'enseignement de la traduction littéraire se déroule en deux temps, l'étape de l'analyse approfondie du texte de départ, suivie de celle de la réexpression, laquelle consiste à réécrire se fondant sur les éléments linguistiques transcrits en captant l'esprit et en déployant la créativité : l'activité de la traduction se révèle parallèle à celle de l'écriture. La clé de voûte de la réussite de l'enseignement de la traduction en B est le bon déroulement des étapes successives autour du sens, la mise en place des échanges des versions et du dialogue entre les élèves et le professeur, la réécriture collective qui fasse pleinement valoir la richesse du texte, c'est-à-dire toutes les possibilités d'interprétation linguistique, culturelle et formelle.

『잃어버린 시간을 찾아서』에서 그림과 글쓰기의 상관성

김귀원 한국프랑스학회 2013 한국프랑스학논집 Vol.84 No.-

Nos études concernent le rapport entre l'écriture et la peinture dans A la recherche du temps perdu. Du fait que la peinture nous présente constamment comme commentaire, description, citation dans le texte proustien, ces tableaux sont équivalents au texte et se rapportent à l’écriture. Mais le rôle de la peinture ne reste pas simplement à la métaphore de l'écriture. Il s'agit du procédé d'appréhender des choses et de l'univers. Nous constatons que cette démarche esthétique et stylistique a des liens étroits en trois modes de la peinture apparus au tournant du siècle, c'est-à-dire, L’Impressionnisme, la vision de Rembrandt et Veermeer, Cézanne et Le Cubisme. D'abord, le monde extérieur et le moi fusionnent dans L'Impressionnisme. Il ne s'interesse pas à l'imitation trop directe comme «la littérature qui se contente de ‘décrire les chose’, et (...) réaliste qui est la plus éloignée de la réalité», mais il renforce l'aspect luminieux et coloré par l'instantanéité et l'immédiat de sa perception par l'expérience sensorielle. C'est pourquoi l'illusion optique fait mieux voir l’objet, et devient un pont entre le moi et l'objet extérieur. Ensuite, cette intégration de la vision a besoin de l'obscurité de Rembrandt pour avoir une image profonde qui éclaire la vérité. Et «le petit pan de mur jaune» de Veermeer reflète l'homogénéité de la figure et le sens (l’interprétation), de l'expression et l'impression à la quelle Bergotte aurait dû écrire. Il s'agit de la représentation picturale sur une réalité qualitative et essentielle. Enfin les effets des images fragmentées et des formes instables se rassemblent en multiples couches de couleur, c'est-à-dire en perspectives multiples du temps et de l'espace. Cette reprise chez Proust s'oriente vers la quête esthétique sur la structure et le volume auxquels obsèdent Cézanne et le Cubisme. Ceux-ci montrent des tableaux tout à la fois, structurés et désordonnés en choisissant des points de vue, multiples. Ce n'est pas de processus à voir mais de celui à penser. Les personnages et les paysages transposent tout en s'intégrant et en étant analogique et allégorique au texte. Si l’écriture est une mise en tableaux, la narrativité s'effectue sur les divers stéréoscopes en juxtaposant, transposant et déplaçant. En effet, Proust est fasciné par la peinture pour la transposer en l’écriture. Ces deux genres sont mutuels parce que le texte est des tableaux comme ceux de L’Impressionnisme et Rembrandt et Veermeer, Cézanne et Le Cubisme. Les peintres et leurs tableaux sont des modèles ou des médiateurs à l’écriture proustienne. Pourtant l’image osmose et pénétrable ne réduit pas à une forme solide et bien structurée comme G. Genette insiste sur l'écriture de palimpseste en s'inscrivant 'non pour atteindre celui d’un réalisme des essences'. ce que nous voyons dans la nature morte chez Cézanne, ce n’est pas de forme solide et de couleurs bien colorées, mais la force des idées à ordonner en multiples perspectives pour avoir un volume. Donc Proust nous fait aussi voir des choses autrement en clair- obscure comme des tableaux et son texte est ouvert au lecteur pour la mutation entre le temps et le moi. La solidité de forme reste assez ambigue par la réflexion selon G. Genette à cause de l’aporie entre l’intention et la production du texte. G. Genette, op. cit., p. 66. Mais si le peintre crée un espace plein et efficace en couleur, cela suffit que l’écrivain retrouve une réalité du temps en écriture à sa manière de voir. C’est le lecteur qui va s'accomplir par sa lecture.