이화여전 글리클럽 연구: 1927-1935년의 활동을 중심으로

김은영 이화여자대학교 음악연구소 2019 이화음악논집 Vol.23 No.1

This study will be mainly focused on the Glee Club at Ewha College from 1927 to 1935. Ewha Hakdang, established by Mary F. Scranton in 1886, was reorganized as the first women's specialized college with the Liberal Arts Department and the Music Department in 1925. As Choseon’s folksongs were recognized as an essential element of Choseon’s traditional culture, traditional music research and the Glee Club were introduced as a curriculum for the Music Department. Since 1927, Ehwa College, led by Mary E. Young and Gi-Yong Ahn, published Choseonminyohabchanggogjib as record albums, which was a modern act. Moreover, the concert, which toured the country by arranging Choseon folk songs in chorus, generated a syndrome so-called ‘the Folksong Choir of the Joseon New Women,’ drawing a huge public response. However, these acts of Glee-Club were criticised and condemned by patriarchal society and the Christian community. It is possible that behind the criticism has been the response of discipline authorities who have been wary of girls producing social meaning through music. Nevertheless, as of 1935, when Ewha College was relocated to Sinchon, the Glee club’s activities have turned around to reproduce and imitate Western choir music. Also, by the end of the 1930s, when the energy of war was at its peak, it was mobilized for state-led music events such as ‘National Music Night’ and ‘The Night of the Feast’ and joined the ranks of the Empire’s faithful people. Although it’s been less than 10 years, Glee Club’s movement distinguished themselves from the ‘Western music-centred community’ as they tried to achieve their goals with Korean traditional music. The criticism and condemnation by the conservative society were possibly made by their fear of Glee Club’s liberal movement. Thus, the success of the glee club project in this period and the resistance of the institutional community to this period are also signs of colonial modernity, which was once again in conflict and confusion, such as ‘traditional society’ and ‘modern society,’ ‘traditional music’ and ‘western (Christian) music,’ ‘women’s social advancement’ and ‘resistance of paternal discipline power.’ 본 논문은 1927-1935년 사이 이화여자전문학교(梨花女子專門學校) 글리클럽(Glee Club)에 대한 연구이다. 1886년 스크랜턴(Mary F. Scranton)에 의해 설립된 이화학당은 1925년, 문과와 음악과를 갖춘 여성 최초의 전문학교로 재정비한 후 조선민요를 조선 전통문화의 요체로 인식하면서 국악연구 및 글리클럽을 음악과의 커리큘럼으로 도입하였다. 1927년 이후, 이화여전 음악과는 선교사 메리 영과 안기영의 합작(collaboration)으로 『조선민요합창곡집』을 출판하고 레코드로도 전곡을 취입하는 등 매우 근대적인 행보를 이뤄내었다. 또한 전국순회 연주회를 통해 ‘조선 신여성의 민요합창’이라는 신드롬을 일으키며 대중으로부터 큰 호응을 이끌어 내었다. 그러나 이와 같은 글리클럽의 음악활동은 음악계 및 기독교계 모두로부터 비난과 공격을 받았다. 음악계에서는 조선 재래음악을 오선보로 만들고 합창음악으로 편곡하여 서구화하였다는 이유로, 기독교계로부터는 미션스쿨 여학생들의 민요합창이 기생을 연상시킨다는 이유 때문이었다. 결국 1935년 이후 글리클럽은 서구 합창음악을 재현하고 모방하는 레퍼토리로 전환하고 1930년대 말에 이르면 ‘국민음악의 밤’이나 ‘기원절봉축의 밤’ 등 관주도의 음악행사에 동원되면서 제국의 충실한 국민이 되어가는 대열에 합류하게 된다. 비록 10년이 채 못 되는 짧은 시간이었지만 이 시기 글리클럽의 활동은 서구음악의 일방적 수용자를 넘어 한국의 전통음악을 통해 선교지 현장을 반영하려고 시도했던 음악적 성취였다. 당시 제도권 사회의 공격과 반발은 글리클럽의 사회적 행보에 불편함과 위기의식을 느낀 가부장제 사회의 반발이었다고 볼 수 있다. 그러므로 이 시기 글리클럽 프로젝트의 대중적 성공과 이에 대한 제도권 사회의 저항은 ‘전통사회’와 ‘근대사회’, ‘전통음악’과 ‘서구(기독교)음악’, ‘여성의 사회진출’과 ‘가부장제 규율권력의 저항’ 등 갈등과 혼돈을 거듭하던 식민지 근대성의 징후로 해석될 수 있다.

1930년대 여류악단(樂壇) 형성과 구성 원리: 이화여자전문학교와 신문·잡지를 중심으로

송현민 이화여자대학교 음악연구소 2019 이화음악논집 Vol.23 No.2

During the Japanese colonial period, in 1930s, a musical scene was formed and a social organization of professional musicians were formed. This chapter distinguished ‘non-musical’ from ‘musical,’ and set a certain musical value. The principle of creation and maintenance of such a band played a similar role in the literary circle. In particular, newspapers and magazines have addressed various events that constitute the music industry of the colonial Joseon dynasty, examined the current status of musicians, suggested points of reflection for the development of the music industry, and suggested that modern media through networking. I realized the logic of forming and maintaining a musical band while selecting ‘music’ and ‘not music.’ Over time, these bands were differentiated based on various criteria such as their academic background, taste, personal interests, and worldview. In early 1930s, the so-called ‘female music scene’ was one of them. The term ‘female music scene,’ which was formed and used at the time, was a sign of female artists who are going to be gradually performing. As time went on, the contents of the ‘female musicians’ and ‘female music scene’ gradually increased in the commentary area of ​​the music world. This means that the New Home(新家庭) And in February 1934 issue of New Home(新家庭), the “Total Evaluation of Womans Music,” and was used in the context of introducing and discussing female musicians in newspapers and magazines. In this study, I think that the formation and cause of female music scene are in the modern school education at Ewha Womans College, modern media such as newspaper and magazine. Modern media formed and spread the discourse and planned and imagined a chapter. School education was a system that realizes modern education. Therefore, the formation of female music scene is related to ① the influences of women’s literature in literary circles in early 1930s, ② the graduation of Ewha Womans College established in 1925, and the advancement of society. In addition, I asked the question, “Who made female music scene?” and discussed ③ The principle behind the composition of the female music scene is the discursive role of newspapers and magazines and the resulting community of imagination. 일제강점기 중 1930년대가 되면서 음악가들의 사회를 뜻하는 ‘악단’(樂壇)이 형성되며 직업적 음악가들의 사회적 조직이 만들어졌다. 이 장(場)은 비(非)음악적인 것으로부터 ‘음악적인 것’을 구분하고 일정한 음악적 가치를 설정하는 역할을 하였는데, 이러한 악단의 생성과 유지의 원리는 문학계의 문단과도 비슷한 역할을 하였다. 특히 신문과 잡지는 식민지조선의 음악계 내부(악단)를 구성하는 여러 사건을 거론했고, 음악가들의 현황을 살폈으며, 음악계의 발전을 위한 반성의 지점과 제언을 하며, ‘근대 매체’와 ‘음악’이 상호공명적 네트워킹을 통해 ‘음악’과 ‘음악 아닌 것’을 선별하는 가운데 악단의 형성과 유지의 논리를 실현하였다. 당시 형성되어 사용하기 시작한 ‘여류문단’(文壇)이라는 말과 음악의 여류악단이라는 말은 서서히 진행될 여성예술가들의 활약을 암시하는 징후와도 같았다. 시간이 흐를수록 악단을 논평하는 지면에서도 ‘여류음악가’들과 ‘여류악단’에 대한 내용들이 점진적으로 증가하였다. 본 연구는 이러한 여류악단의 형성 원인에 있어서 큰 역할을 한 것은 ‘이화여자전문학교’라는 근대식 학교교육과 ‘신문’과 ‘잡지’라는 근대 미디어에 있음을 밝힌다. 근대 미디어는 담론을 형성·전파하며 하나의 장을 기획하고 상상하게 하였으며, 학교교육은 근대적 교육을 현실화하는 제도였던 것이다. 따라서 ‘여류악단’의 성립은 ① 1930년대 초반 문단 내 여류문단의 영향 관계와 직·간접적인 관계에 놓여 있으며, ② 1925년 설립된 이화여전 음악과 졸업생들의 사회(음악계) 진출과 그 속에서의 활약과 맞물려 있음을 논한다. 이와 함께 ‘그렇다면 누가 여류악단을 만들었는가’라는 질문을 던져 ③ 여류악단의 구성 원리로서의 신문과 잡지의 담론적 역할을 논한다.

Enhancement of Understanding East Asian Music through Technical Innovation of the EMDB(Ewha Music Database) : 동아시아 근·현대 음악 데이터베이스와 두 가지의 혁신적인 검색 방법

Hyun Kyung Chae,Kyeung J. Lee 이화여자대학교 음악연구소 2015 이화음악논집 Vol.19 No.3

이 논문은 두 가지의 혁신적인 검색 방법이, 대용량의 자료들에서 특정한 자료를 찾아내는데, 얼마나 유용한지를 밝히고자 한다, 특히 방대한 음악자료에서 유사한 음악패턴을 찾아내어 그 유사성의 특질을 연구하거나, 또는 곡의 고유성을 알려주는 첫머리(incipit) 검색이 유사한 곡들을 찾아내어 역사적으로는 하나의 큰 문화권을 이루어 온 동아시아 지역을 이해하는데 특히 유용하다. 동아사의 근대는 지정학적으로나 문화적으로 서로 얽혀 있지만, 서로 다른 문화를 형성해 온 지역이다. 두 가지 검색 방법을 통해 이 지역의 음악의 보급과 경로를 살펴볼 수 있는 심층적인 연구는 동아시와 유사한 지역 연구에 특히 유용하다. 2011년 11월부터 이화여자대학교 음악연구소는 EMDB라는 명칭의 동아시아 근·현대 음악데이터베이스를 구축해 왔다. 첫 번째 결과물은 근대 동아시아 근대 음악교육 자료였으며, 이 자료들을 검색하는 효율적인 방법을 개발하였으며, 그 첫 번째 결과물이 곡의 고유성과 유사성을 검색할 수 있는 <첫머리 선율을 이용한 음악검색 방법 및 시스템>으로 2013년 국내 특허를 출원하였다. 또 다른 유사검색 방법인 <멜로디에 기반한 음악분류 방법 및 음악 데이터베이스를 이용하여 멜로디 라인을 추천하는 방법>이 2015년 국내에서 특허로 출원되었다. 이러한 새로운 음악검색 방법을 통해 대 용량의 데이터베이스에서 자료들을 분석하고 해석하는 과정은 음악교육과 음악문화 연구에 새로운 지평을 열어, 동아시아 학자들 간의 상호교류를 결성하고 지역 연구의 발화 지점을 수용자의 시각으로 보게 한다는 점에서 큰 의의가 있다고 본다.

여성선교사의 고등음악교육과 한국 여성의 새로운 정체성 찾기

허지연 이화여자대학교 음악연구소 2018 이화음악논집 Vol.22 No.1

American missionaries had great effect on the education for early generations of Korean musicians during the late Joseon Dynasty and the Japanese colonial period. Among the mission schools, Soongsil and Yeonhui for boys and Ewha for girls produced many musicians. The music education of Soongsil and Yeonhui was conducted as extracurricular activities. But Ewha which was established by Woman’s Foreign Missionary Society of the Methodist Episcopal Church (WFMS) in 1886 was differentiated in that it developed a four-year curriculum as music conservatory. Music Department of Ewha Women’s Specialized College was launched in 1925 and became the first and only higher music education institution in colonial Korea. This paper aims to investigate the contents and strategies of the higher music education at Ewha and to interpret its effects on colonial Korean society, focusing on the dual identity of Ewha as an educational institution and a mission agency. First, I reveal how Ewha’s music education was closely related to the missionary work of WFMS, by looking into faculty members, curriculum, out-of-school activities, the careers of the graduates, etc. Second, I discuss how the education of woman missionaries motivated Korean women to construct a new female identity as educated women. Thus, I argue that although the women missionaries’ higher music education was a practical education for supporting the mission work, it provided, for the same reason, Korean Christian women with the opportunities to receive higher education and work in public sphere, imprinting the identity of “professional women” in Korean society. 1880년대 중엽 입국하기 시작한 미국인 선교사들은 구한말에서 대한제국 그리고 일제강점기에 걸쳐, 정부 주도의 체계적인 서양음악교육이 부재한 상황에서, 초창기 한국 음악가의 양성에 결정적인 역할을 담당하였다. 선교사들이 설립한 미션스쿨 중에서도 특히 남자학교인 숭실과 연희 그리고 여자학교인 이화가 다수의 음악가를 배출하였는데, 숭실과 연희의 음악교육이 과외활동으로 진행된 반면 이화의 음악교육은 전문교육으로 차별화되었다. 미국 북감리회 여성이 조직한 미감리여선교회가 세운 이화학당은 이미 ‘대학과’ 시절인 1920년에 한국에 온 최초의 음악 전공 선교사인 메리 영(Mary Young)을 영입하여 음악교육의 수준을 높였으며, 1925년에 이화학당의 ‘대학과’와 ‘대학예과’를 통합하여 이화여자전문학교 음악과를 설립하였다. 이를 계기로 이화의 음악교육은 식민지 내 최초이자 유일한 고등교육기관이자 제도권 음악학교로 획기적으로 발전하였다. 이 논문은 이화여전 음악과가 갖는 교육기관이자 선교기관이라는 이중의 정체성에 초점을 맞춰 음악과에서 이루어진 교육의 내용과 목표, 그리고 그것이 한국 사회에 미친 영향을 해석하고자 한다. 첫째, 이화여전 음악과 교육의 구체적인 실제 -교원 구성, 교과과정, 교외활동, 졸업생의 진로 등- 를 분석함으로써 이화의 고등음악교육이 WFMS가 벌이는 사업과 어떻게 결부되었는가를 밝힐 것이다. 둘째, 여성선교사들의 교육이 선교현장이라는 제한된 테두리를 넘어, 한국 여성들이 새로운 여성정체성을 상상 또는 구성하는데 영향을 미쳤음을 논할 것이다. 이 논문에서 필자는 미국인 여성선교사들에 의한 고등음악교육이 선교사업에 기여하기 위한 실용적이고 방편적인 교육에 머물렀지만, 같은 이유에서 한국여성에게 고등교육을 받고 사회에 진출하는 기회를 제공하였으며 결과적으로 한국사회에 ‘전문직 여성’의 정체성을 각인시켰음을 밝히고자 한다.

초등학교 음악교육 실태조사 및 개선방안 탐색

문경숙 이화여자대학교 음악연구소 2009 이화음악논집 Vol.13 No.1

우리나라의 초등학교 음악교육은 학급담임교사에 의존하고 있다고 해도 과언이 아닐 정도로 담임교사의 비중은 거의 절대적이다. 그러나 현실적으로 비중이 큰 학급담임교사를 대상으로 하여 초등학교 음악교육의 문제를 심도 깊게 다루는 연구는 매우 부족한 실정이다. 이에 본 연구에서는 초등학교 학급담임교사에 초점을 두고 초등학교 음악교육을 담임교사에게 의존하는 데에는 문제가 없는지, 교육 일선에서 이들이 직면하는 환경적 제도적 어려움이나 문제점은 없는지, 또한 양성 프로그램에는 문제가 없는지 등을 조사 해 봄으로써 초등학교 음악교육의 문제점을 총체적으로 짚어보고 이에 대한 다양한 개선방안을 탐색해 보고자 하는데 그 목적이 있다. 본 연구에서 도출된 문제점과 개선 방안은 다음과 같다. 첫째, 학급담임교사가 차지하는 큰 비중을 고려해 교육대학교 교육과정을 재조정할 필요가 있다. 둘째, 부교재 개발을 통해 학급담임교사가 지니는 한계를 보완할 수 있는 방안을 강구해야 한다. 셋째, 음악실 및 악기 구비 등 음악시설 및 장비에 관한 지침서를 개발하여 관계자들이 참고할 수 있도록 해야 한다. 넷째, 천박한 음악교육의 중요성에 대한 인식을 각계각층을 대상으로 새롭게 바꾸어야 한다. 결론적으로 이상과 같은 제언들은 음악교육 종사자들이 현재 우리나라 초등학교 음악교육이 안고 있는 갖가지 문제점을 함께 느끼고 그것을 개선하기 위해 앞장설 때만 가능하다고 생각된다. The purpose of this study is to examine the current status of elementary music education, to investigate existing problems, and to explore alternatives for the improvement of the quality of elementary music education in Republic of Korea. For this study, the author examined the current curriculum of music education department in national universities of teacher education. Also the author analyzed survey results collected from 375 classroom teachers and examined current status of elementary music education. The following conclusions can be drawn from this study: First of all, more advanced and stronger additional training music program designed for pre-service classroom teachers should be implemented. Secondly, various music teaching resources for elementary school teachers should be developed and provided to help them to supplement their limitations in performance skills. Thirdly, guidelines for music facilities and equipment necessary for the development of a high-quality music education program in school should be developed. Finally, it is the most urgent to bring about changes in school administrators, ‘teachers’, and ‘parents’ attitudes toward the importance of music education in order to improve the quality of music education program in elementary schools.

장 필립 라모(Jean Philippe Rameau)의 프랑스 바로크 세속 칸타타에 관한 연구 : '성 루이의 날을 위한 칸타타'를 중심으로

이효진 이화여자대학교 음악연구소 2007 이화음악논집 Vol.11 No.2

The French cantata of Jean Philippe Rameau(1683-1764)reached an apex in this Baroque era. French cantata is the one of the chamber vocal music, which has strong relation with literature, among many genres of French Baroque music. It was greatly influenced by various and strong foreign power of Italian cantata, and was first established by Jean Baptiste Rousseau(1671-1741) and Jean Baptiste Morin(1667-1745). Before the advent of French cantata, at the time of the rise and fall of absolutism there had been acceptance, disapproval and disputation of Italian culture in many fields in French society, and then divided into pro Italians and defender of French music. Under the all these circumstance surrounding French cantata, it is greatly influenced by Italian cantata in its form and showed many similarities. But French cantata showed efforts to change from Italian influence to have its own style. Jean Philippe Rameau was the true developer of French cantata with harmonic progress and delicacy musical methods. 『Cantate pour le jour de la Saint Louis』 is the most recent discovery by his chronicler, Mary Cyr in 1979 even after the publication of Rameau's complete edtion of cantata. It was never appeared in any works about Rameau published before 1980 even including his biography Jean philippe Rameau: His Life and works, rev.ed 1969 by Cuthbert Girdlestone(1895-1975). This work in comparison with previous his works shows strong consolidation of poetry and music. Due to Rameau's thoughtful consideration in expressing poetic words, his cantata maximized unification between poetry and music. Rameau's cantata is the most comprehensive works in studying French cantatas of 18th century. 장 필립 라모(Jean Philippe Rameau 1683-1764)의 칸타타는 프랑스 바로크 칸타타의 정점에 위치한다 프랑스 칸타타는 프랑스 바로크 시대의 음악 장르 중에서 시와 밀접한 관계를 갖는 실내 성악 음악이다. 그것은 이탈리아 칸타타의 다양하고 강한 외세에 영향을 받으며 시인 루소(Jean-Baptiste Rousseau, 1671-1741)의 작곡가 모랭(Jean-Baptiste Morin)에 의해 처음으로 설립되었다. 프랑스 칸타타가 정립되기 이전 절대 왕권 주의시대의 부흥과 쇠퇴가 있던 시기에 정치, 사회, 문화전반에 걸쳐 이탈리아의 영향에 대한 수용과 거부 그리고 논쟁이 지속되었고 그 안에서 프랑스 음악은 친-이탈리아파와 프랑스 자국 음악을 옹호하는 계파로 양분되었다. 프랑스 칸타타는 이러한 모든 영향아래에서 자국 음악을 옹호하는 계파로 양분되었다. 프랑스 칸타타는 이러한 모든 영향아래에서 이탈리앙 칸타타의 외형과 많은 유사성을 가지고 생겨났다. 그리고 프랑스 칸타타는 프랑스 고유의 중용과 이성을 바탕으로 시와 음악을 동등하게 고려하고 이에 따른 음악적 형식의 차이로 이탈리아 칸타타와는 다른 면모를 보인다. 라모는 이탈리아의 시형과 음악적 구조를 프랑스의 고유한 것으로 변모시키는 모습을 보이는 것에서 나아가 진보된 화성을 사용하며 섬세한 시의 취급으로 이전보다 더욱 균현적이고 감수성이 돋보이는 프랑스 칸타타를 작곡하였다. '성 루이의 날을 위한 칸타타'는 라모의 칸타타 집 출판 이후에 라모의 연대기 편잔자인 싸이어(Mary Cyr)에 의해 1979년에 새로이 발견된 것으로 현존하는 그의 칸타타 중 가장 후기 것으로 알려져 있으며 라모의 전기 작가인 거들스톤(Cuthbert Girdlestone, 1895-1975)의 저서"장 필립 라모: 그의 생애와 작품"(Jean philippe Rameau: His life and works, rev.ed. 1969을 포함한 1980년도 이전의 라모에 관한 다른 저서에서 언급되지 않은 작품이다. 이 작품은 전기 작품보다 시와 음악의 조화로운 균현과 음악의 형식이 함께 고려되어 시와 음악의 결합에 있어 이 두장르의 관계를 더욱 유기적으로 강화하였다. 라모의 논리적이고 섬세한 시적 배려로 그의 칸타타는 시와 음악의 완벽한 융합을 이상적으로 실행하였다. 결국 라모의 칸타타는 프랑스 칸타타에 나타나는 시적인 배려에 의한 음악적 특징들을 함축적으로 보여주고 그것은 암악 양식적으로 더욱 진보되고 섬세한 기법으로 나타난다. 따라서 이러한 라모 칸타타 연구는 18세기 프랑스 칸타타의 집대성된 모습을 살펴볼 수 있다.

영화음악에 대한 기호학적 접근

박병규 이화여자대학교 음악연구소 2017 이화음악논집 Vol.21 No.4

This thesis aims to examine the relationship between music and images in film by treating film music from a semiotic point of view. The main point of this study is to clarify how the music embraces the visual meaning of the film, in other words, which semiotic composition reflects the narrative. Although Ferdinand de Saussure’s dualism provides a basis for semiologic objects with auditory signifier and visual signified in film music, the limitations of dualism is also pointed to, which is biased to a syntactic structure under the premise of arbitrariness. Therefore, this study applies Charles Sanders Peirce’s semiotics to film music in a triadic perspective to draw meaning and interpretation into signs. In film music, qualisign is presented by pitch, length, loudness, and timbre, which are the attributes of sound itself. Sinsign means ‘determination’ combined with the narrative in relation to music and image. Legisign refers to the case of acquiring ‘generality’ through repeated appearance of film music. Also, icon represents the feeling through ‘experiential similarity.’ It is possible to achieve intertextuality through ‘likeness’ as well. Index can reflect the element of narrative with a musical figure, and it may indicate a semiotic object with music itself. Symbol includes the leitmotif of the character. And rheme has a fragmentary meaning that does not provide specific information, while dicent expresses subject and fact explicitly. 본 논문은 영화음악을 기호학적 관점에서 다룸으로써 영화 내 음악과 이미지의 상관관계를 고찰하는 데 목적을 두고 있다. 본 연구의 핵심은 음악이 어떠한 방식으로 영화의 시각적 의미를 담는지, 즉 어떤 기호 구성을 가지고 내러티브를 반영하는지 살펴보는 것이다. 소쉬르(Ferdinand de Saussure, 1857-1913)의 이원론을 바탕으로 영화음악은 청각적 기표와 시각적 기의를 갖는 기호학적 대상의 근거가 마련되지만, 이원론이 ‘자의성’이라는 전제 아래 통사적 구조로 치우치게 되는 한계 또한 지적된다. 그리하여 본 연구는 의미와 해석을 기호 안으로 끌어오기 위해 삼원론적 관점에서 퍼스(Charles Sanders Peirce, 1839-1914)의 기호학을 영화음악에 적용한다. 결론적으로, 영화음악에서 성질기호는 음 자체의 속성인 음높이, 음길이, 음량, 음색 등으로 나타나며, 개별기호는 음악과 이미지의 관계에 있어 내러티브와 결합된 ‘한정’을 의미한다. 법칙기호는 영화음악의 반복된 등장을 통해 ‘일반성’을 획득하는 경우이다. 또한, 도상기호는 ‘경험적 유사성’을 통해 느낌을 재현하며, 이는 ‘닮음’을 통해 상호텍스트성을 이루기도 한다. 지표기호는 내러티브의 요소가 음형에 투영될 수 있으며, 음악 자체가 사실을 지시하는 기호로 쓰이기도 한다. 상징기호에 해당하는 것으로는 인물의 라이트모티브를 들 수 있다. 그리고 낱말기호는 영화음악의 해석적 측면에서 구체적인 정보를 제공하지 않는 단편적 의미를 가지는 반면에, 발화기호는 주체와 사실을 명시적으로 나타낸다.

중국음악사 시대 구분 시론 : 음악 양식의 변천을 중심으로

전인평 이화여자대학교 음악연구소 2008 이화음악논집 Vol.12 No.1

After completing 'New History of Korean Music" in 2000, the my research has been preceding on the studying of the mutual interchange of music within many countries in Asia. Thereupon choosing a geographically close nation, the outline on the history of Chinese music came to mind. While reading it, a quiet interesting fact was discovered. What it was that within the history of Chinese music, the time before Xinhai Revolution of 1911 was all classified as the Ancient Times. Generally the existence of the Ancient Times, the medieval times, the modem age and contemporary are all expected but only the Ancient Times was there. A book dealing with the entire era before the fall of Ch'ing Dynasty in 1911 is literally named as "History of Chinese Music of the Ancient Times". 1911 is mostly treated in West as the contemporary that has passed through the Middle Age and the Modem Age. But in the understanding of Chinese, this is seen as 'the Ancient Times." Chinese scholars defining 1911 in this way was quite intriguing. As will be discussed the next time, not only native Chinese scholars that are educated under the socialist regime have, but also the scholars of Taiwan have been writing within the same context. Yang in lieu, Yang En, lieu Jai cheng, Suk xiung hwa, Jin xe hai, Xio Jiap phong are all dividing each eras alike. As the above, the classification of the eras on the most outlines of the history of Chinese music is very much depended on the shift of dynasty. Some book does divide the Ancient Times using such terminology as primary ancient, middle ancient, modem ancient but nevertheless it still relies on the changes of the history of dynasty. The change of music does get influenced by the shift of dynasty but does not mean it coincides with it. So when writing "New history of Korean Music", it took much hesitation and revaluation but still less satisfaction to come to a decision of classifying each period on the criterion of the changes of music styles instead of the changes of dynasty. This present study is about raising such an issue and attempting the classification of Chinese Music according to the shift of music style. In this dividing, particulars should be attended especially. First, when possible, the shift of music style should be the focal point instead of the shift of dynasty. Secondly, to find out how the music style has changed, what is needed to be found is the time when the important Chinese music style has appeared and make it as the source of the classification of eras. Thirdly, make a notice on the growing numbers of respondent of the music. In other words, court music or festival music was only taken a place within the Royal Court or at a banquet where common people would not have been able to participate in. But since then, literati music must have been expanding its respondents and a play must have become the genre where not only people within the Court but the common were given the opportunity to take a part in. Fourth, as mentioned before, in a vast open land, countless things happen with continuity or discontinuity or sometimes happen even simultaneously. Within these events, pick a certain one that is a worth to look into and enumerate them and arrange a flow of music style with it. As this debate is the attempt that even Chinese have not tried, setting forth several people's views would therefore be a good way to go. Hopefully this writing would be a help to understand the history of Chinese music in new perspective. 중국음악사에 관한 개론서를 읽으면서 흥미로운 점을 발견하였다. 흥미있는 점이란 중국음악사에서 신해혁명 1911년 이전을 모두 고대로 분류한다는 점이다. 청나라가 멸망한 1911년 이전을 다루면서 아예 책이름을 『중국고대음악사』라고 붙이고 있다. 양음류(楊陰劉 1952), 양은(楊隱 1980), 류재성(劉再生, 1995), 숙흥화(肅興華 1995), 진사해 (陳四海 2003), 서갑방(徐甲方 2003) 모두가 같은 방법으로 시대 구분을 하고 있었다. 대부분의 중국음악사 개론서 시대 구분은 왕조 변천사에 의지하고 있다. 음악의 변천이란 왕조사 변천에 영향을 받기는 하지만 이와 일치하지 않는다. 본 논문을 이러한 문제점을 제기하고 음악 양식의 변천에 따른 중국음악사 시대 구분을 시도한 것이다. 이 구분에서는 다음 사항을 특별히 유의하였다. 1) 가급적 왕조사 변천을 벗어나 음악 양식의 변천을 중심으로 한다. 2) 음악 양식이 어떻게 변천하는 가를 알아보기 위하여 중국의 중요한 음악 양식이 언제 시작되었는지를 살펴 이를 시대 구분의 기본으로 삼는다. 3) 음악의 수용층 확산에 관심을 갖는다. 4) 중국음악사는 넓은 영토에서 연속적 또는 비연속적 또는 동시에 일어나기도 한다. 이러한 여러 사건 중에서 의미를 부여할 수 있는 사건을 잡아서 나열해 보고 음악 양식의 흐름을 정리해 본다. 이 논의는 중국 사람들도 시도해 보지 않은 시도라는 점에서 앞으로 여러 사람들과 의견 개진을 하고 싶다. 이 글이 중국음악사의 새로운 이해에 도움이 되기를 기대한다.

Accent structure in the second movement of Dallapiccola’s sicut umbra

Ahn, Sunhyun 이화여자대학교 음악연구소 2005 이화음악논집 Vol.9 No.-

Luigi Dallapiccola (1904-1975)는 많은 인터뷰에서, 자신의 성악 음악에서는 가사가 매우 중요하다고 주장한다. 그의 문학에 관한 관심은 리듬을 통하여 강하게 표현되고 있는데, 특정한 가사의 의미를 일정 리듬의 형태로 만들어서 형상화시키는 것이 대표적인 예이다. 음악이 가사 표현의 또 다른 매개체가 된다면 음악의 구성 요소인 멜로디, 화성, 박자, 액센트, 혹은 이러한 요소의 상호 관계들 또한 가사의 의미를 내포하고 있다. 그 중 액센트의 역할은 음악뿐만 아니라 가사에서도 중요한 역할을 하고 있다. 이 분석 연구에서는 음악과 가사의 액센트 관계에 관하여 Dallapiccola의 성악곡 Sicut Umbra (1970)의 제 2악장 분석을 통하여 다루고 있다. John Roeder (1995)는 그의 논문인 "A Calculus of Accent"에서 20세기 음악에서의 액센트가 무엇이며 어떻게 인지할 수 있는지에 관한 방법론을 제시고 있다. 본 연구의 첫 부분에서는 음악의 액센트 구조를 그의 이론에 근거하여 제시되고 있다. 음악에서의 액센트 패턴은 이 곡의 형식과 밀접한 관계를 가지고 있을 뿐만 아니라 가사의 의미를 나타내는 데에도 중요한 역할을 하고 있다. 가사의 액센트 패턴과도 일치하는 액센트의 구조는 음악과 가사가 동등한 역할로 음악의 이해를 돕고 있음을 알 수 있다. Dallapiccola의 가사에 대한 충분한 이해와 이를 바탕으로 한 계획적인 음의 구조는 전체적인 형식을 구축하는 역할을 하였을 뿐만 아니라 음악의 통일성을 제시하고 있다. Luigi Dallapiccola (1904-1975) is significant as a frontier composer who was foremost introducing the twelve-tone technique to Italy and also as a successful musician whose influence spread throughout Europe and the United States during his lifetime as well as after dead. He used the twelve-tone as the primary technique, but because of his distinctive use of inventing a row and floating rhythm, Dallapiccola's composition have come to be viewed as his own musical idioms of the Italian bel canto and German Ausdrucksgesang.1) In addition, Dallapiccola's strong interest in literature enables him to focus on specific verbal expression and imagination in the rhythmic setting of his prolific vocal works. Sicut Umbra(1970), a relatively late composition, exemplifies the aspect of his music, and in addition, is considered to contain Dallapiccola's textual sensuousness and attention to poetic element. Dallapiccola gave high priority to the poetry in his songs. Music may mirror the textual narrative or it may be in conflict. If music mirrors the text, it may do so with melody, harmony, meter, accent, or any combination of musical elements. The creating accent, if it acts as a signifier, can be a powerful musical interpreter of textual narrative. In this analysis, I propose an accent narrative that parallels the text. I will examine one movement of one of Dallapiccola's most famous vocal works Sicut Umbra. In this work, he sets three poems by Juan Ramon Jimenez to music. This piece is in four movements and is scored for mezzo soprano and four instrumental groups, which are gradually expanded with respect to instrumentation through four movements.2) The second movement in particular is a setting for three clarinets, three strings, and a vocal line with the following text of forgetfulness (El Olivido).

작곡에 있어서의 포스트 모더니즘(Post Modernism)에 관한 연구

유인재 이화여자대학교 음악연구소 1998 이화음악논집 Vol.2 No.-

1970년대 이후의 작품세계에 있어 어떻게 포스트-모더니즘(post-modernism)이 반영되었는지에 관해 여러 쟝르로 구분되는 음악적issue등을 나누어 분류해 보고 각 대표되는 작곡가의 작품 속에서 포스트-모던 음악의 각 분류중의 대표되는 작품들을 일러스트레이트(illustrate)해 보기로 한다. 1960년대 이후의 음악은 몇 해동안 고립되고 추상적이었으며,빠른 사회의 변천에 의한 영향을 피할수 없었다.그것은 음악이란 구조적(structure)일 뿐만이 아니라,기능적으로 무엇을 말하는 것인가에 대한 문제를 불러일으키게 되었다. 실제적으로 포스트-모더니즘의 이슈는 이러한 점으로부터 시작된 것이라고 말해진다. 포스트 모더니즘은 넓은 영역으로 확장되었는데,그것은 뉴 로맨티시즘(New-Romanticism),뉴 심플러서티(New-Simplicity),뉴 내셔널리즘(New-Nationalism),최소주의(minimalism),아트락(art rock)이른바 신세대(New-age)의 음악 미디어,연극예술과 새로운 극장음악으로까지 영향을 미치고 각 장르별로 독특한 특질을 가지고 나뉘어질수 있겠다. 1945~1960년대 사이의 모더니즘(Modernism)은 20C초반의 바레즈(Edgar Vare´se),스트라빈스키(IgorStravinsky),이이브스(C,Ives)의 병합으로 현대음악의 새로운 장을 열어 불레즈(Pierre Boulez),스톡하우겐(K.Stock Hausen),코웰(Henry Cowell),케이지(John Case),메시앙(Oliver Messiaen)에 이르기까지의 음악기법및 아방가르드 음악(Abangarde)의 특징들과,알레아토릭이라는 우연성 음악 등의 기법들이 쏟아져 나왔다. 이어 20C중.후반기로 접어들면서 전자공학이라던가,색체의 확장,동양주의의 도입(Multi-Culturalism),즉흥연주의 활성화,Cage개념등이 가져온 여러가지 발전등이 범람해 있는것이다. 1970년대까지 수십년동안 음악은 지금까지 본적이 없는 훌륭한'진보'를 경험했다.변화가 매우 급속해질 뿐 아니라,작곡이라는 예술행위가 시대를 따르지 않고 일어났던 인류의 여러가지 예술활동 중에서 가장 지적인 것이 되었으나 그러한 두뇌주의(지성주의)와 복잡함이 등장하면서 당연한 반동으로 일어나,좀 더 전통적인 음악요소에의 역행이 일어나게 된 것이다. 이러한 현대음악의 배경하에 새롭게 등장한 음악적 사조는 포스트-모더니즘 그것이었다. 본 논문에서는 post-modernism을 분류하여 각 분류마다 대표되는 작곡가들의 작품을 분석하고 고찰해 보고자 한다. I'd like to discuss post-modernism, in order to show how useful is the term post-modernism in attempting Both to identify and to solve the dilemmas of presant-day composers and how is this reflected in the Compositional world Since 1970. In order to discuss the importance of the music of post-modernism, I will illustrate my text by concentrating on Several works of minimalist artists, each one of Several branches of post-modernism music. The Music Since 1960's was isolated and abstract for Several years and could not avoid the influences of Social change. It brought up a problem what is the music not only Structually but also functionally. Actually, the post-modernism is thought to date from this point. Now, post-modernism is widespread in a larger sense, it may be said to include New Simplicity, New Romanticism, New-Nationalism minimalism, art rock so-called New-age Music, media, multi-media, performance art and new Music theater. However, in the early years of post modernism minimalism was the dominated Structure. Minimalism which was started in 1970's take aim at process of audibility not only Simplicity idea of process. In many respects, the minimalist approach can be regarded as an overwhelmingly negative reaction to some of the most cherished ideas of the main stream, and to those of post war avant-garde in particular. Since mid-1960's the Musical World has shown great interest in an altemative approach to process. This process involved extended repetition of deliverately limited material which is a series of minite changes happen. Minimalism is characterised by a process of repetition and gradual change. Minimalist technique, can be said sometimes to be Canon Style, Iso-Rhythmic Overlapping pattern. As practiced by Philip Gliss, additive technique or reduce in repetitive melodic pattern by increments of Smallest rhythmic Value. For example in Glass's Music in similar motion(1969) the material is repeated many times at a very rapid tempo. Incremental changes effect not only the melodic contour but the rhythms and duration as well. With regards to the structure, it could be said to be cumulative structure which is lacking quality of development or climax. Non Western influence had led Reich and Glass to foster an Unusual approach to performance difficulty at least by Euro-American Standards. Reich's Violin Phase(1967). Uses a live performer with taped patterns in a Similar way. Reich produced large, the principle of minimalism such as slow transformation, phase, and circultation is extremely finely manipulated in Reich's work. If some piece is composed of just only repetitive progress without any minimalist techniques, such as additive technique, rotation figure, iso rhythmic overlap, the presence of tonal centre, that piece could be said to be inadequate minimal work. The influence of minimalism on European composer such as Steve Martland, and Louis Andriessen can be tranced. Minimalism has other roots not only in non-Avant Garde Music, but also in rock, in audio technology, popular Culture such as music for Film, TV, Commercial which facilitates mechanical repetition. New Simplicity which is one of the Several branches of post-modern Music is influenced by minimal music and associated most often with younger European Composer. Howard Skempton(b. 1947∼) is a New-Simplicity Composer as a significant point of reference for a number of Younger Composers. One of the aims in his composing music is to enhance the midium. It is important to achieve 'a good sound'. New Romanticism which was introduced in the 1970's in the Euro-American to describe a return on the part of many Composers to large, Smooth gestures, big forms, Standard genres and diatonic harmony. New Romanticism is perhaps more emphasis on the ear of the listener and its evaluation may well be influenced by background circumstances, subjectivity almost demands as much. James Macmillan(b. 1959∼) is a Scottish Composer. He can be represented as for the composer of New Romanticism in the post-modern music. The range of political and religious involvements─a certain sympathy with Scottish nationalism, a continuing Commitment to the Catholicism in which he was brought up, express themselves, with increasing force and resolution in his most recent work. Veni, Veni, Emmanuel Composed by J. Macmillan(1992) This work is in One Continuous movement which has 8 Sections, Coda-Easter. This piece is based on the plainsong of the Same name and two different level is existed. On One level, the work is purely abstract, in that all the music material is drawn from the 15th-Century French Advent prain chant. On the other level, it is a musical exploration of the theology behind the Advent message. In the work perc. Soloist and Orchestra Converse throughout as two equal partners, Using a wide range of perc. instruments. He also Can be regarded as a "New-Nationalism" Composer for example, Tuireadh(1991) it makes its contribution to a nations mourning by weaving its material from of lament to be found in Scottish traditional music. As a Conclusion, tonality by assertion, Cyclical repetition, Slow and non-dialectical development and return to tonal, metrical, and Structural Simplicity can now be Considered as the mainstream of New Music of all types such as Concert, Theatrical Music & pop.