1930년대 여류악단(樂壇) 형성과 구성 원리: 이화여자전문학교와 신문·잡지를 중심으로

송현민 이화여자대학교 음악연구소 2019 이화음악논집 Vol.23 No.2

During the Japanese colonial period, in 1930s, a musical scene was formed and a social organization of professional musicians were formed. This chapter distinguished ‘non-musical’ from ‘musical,’ and set a certain musical value. The principle of creation and maintenance of such a band played a similar role in the literary circle. In particular, newspapers and magazines have addressed various events that constitute the music industry of the colonial Joseon dynasty, examined the current status of musicians, suggested points of reflection for the development of the music industry, and suggested that modern media through networking. I realized the logic of forming and maintaining a musical band while selecting ‘music’ and ‘not music.’ Over time, these bands were differentiated based on various criteria such as their academic background, taste, personal interests, and worldview. In early 1930s, the so-called ‘female music scene’ was one of them. The term ‘female music scene,’ which was formed and used at the time, was a sign of female artists who are going to be gradually performing. As time went on, the contents of the ‘female musicians’ and ‘female music scene’ gradually increased in the commentary area of ​​the music world. This means that the New Home(新家庭) And in February 1934 issue of New Home(新家庭), the “Total Evaluation of Womans Music,” and was used in the context of introducing and discussing female musicians in newspapers and magazines. In this study, I think that the formation and cause of female music scene are in the modern school education at Ewha Womans College, modern media such as newspaper and magazine. Modern media formed and spread the discourse and planned and imagined a chapter. School education was a system that realizes modern education. Therefore, the formation of female music scene is related to ① the influences of women’s literature in literary circles in early 1930s, ② the graduation of Ewha Womans College established in 1925, and the advancement of society. In addition, I asked the question, “Who made female music scene?” and discussed ③ The principle behind the composition of the female music scene is the discursive role of newspapers and magazines and the resulting community of imagination. 일제강점기 중 1930년대가 되면서 음악가들의 사회를 뜻하는 ‘악단’(樂壇)이 형성되며 직업적 음악가들의 사회적 조직이 만들어졌다. 이 장(場)은 비(非)음악적인 것으로부터 ‘음악적인 것’을 구분하고 일정한 음악적 가치를 설정하는 역할을 하였는데, 이러한 악단의 생성과 유지의 원리는 문학계의 문단과도 비슷한 역할을 하였다. 특히 신문과 잡지는 식민지조선의 음악계 내부(악단)를 구성하는 여러 사건을 거론했고, 음악가들의 현황을 살폈으며, 음악계의 발전을 위한 반성의 지점과 제언을 하며, ‘근대 매체’와 ‘음악’이 상호공명적 네트워킹을 통해 ‘음악’과 ‘음악 아닌 것’을 선별하는 가운데 악단의 형성과 유지의 논리를 실현하였다. 당시 형성되어 사용하기 시작한 ‘여류문단’(文壇)이라는 말과 음악의 여류악단이라는 말은 서서히 진행될 여성예술가들의 활약을 암시하는 징후와도 같았다. 시간이 흐를수록 악단을 논평하는 지면에서도 ‘여류음악가’들과 ‘여류악단’에 대한 내용들이 점진적으로 증가하였다. 본 연구는 이러한 여류악단의 형성 원인에 있어서 큰 역할을 한 것은 ‘이화여자전문학교’라는 근대식 학교교육과 ‘신문’과 ‘잡지’라는 근대 미디어에 있음을 밝힌다. 근대 미디어는 담론을 형성·전파하며 하나의 장을 기획하고 상상하게 하였으며, 학교교육은 근대적 교육을 현실화하는 제도였던 것이다. 따라서 ‘여류악단’의 성립은 ① 1930년대 초반 문단 내 여류문단의 영향 관계와 직·간접적인 관계에 놓여 있으며, ② 1925년 설립된 이화여전 음악과 졸업생들의 사회(음악계) 진출과 그 속에서의 활약과 맞물려 있음을 논한다. 이와 함께 ‘그렇다면 누가 여류악단을 만들었는가’라는 질문을 던져 ③ 여류악단의 구성 원리로서의 신문과 잡지의 담론적 역할을 논한다.

Enhancement of Understanding East Asian Music through Technical Innovation of the EMDB(Ewha Music Database) : 동아시아 근·현대 음악 데이터베이스와 두 가지의 혁신적인 검색 방법

Hyun Kyung Chae,Kyeung J. Lee 이화여자대학교 음악연구소 2015 이화음악논집 Vol.19 No.3

이 논문은 두 가지의 혁신적인 검색 방법이, 대용량의 자료들에서 특정한 자료를 찾아내는데, 얼마나 유용한지를 밝히고자 한다, 특히 방대한 음악자료에서 유사한 음악패턴을 찾아내어 그 유사성의 특질을 연구하거나, 또는 곡의 고유성을 알려주는 첫머리(incipit) 검색이 유사한 곡들을 찾아내어 역사적으로는 하나의 큰 문화권을 이루어 온 동아시아 지역을 이해하는데 특히 유용하다. 동아사의 근대는 지정학적으로나 문화적으로 서로 얽혀 있지만, 서로 다른 문화를 형성해 온 지역이다. 두 가지 검색 방법을 통해 이 지역의 음악의 보급과 경로를 살펴볼 수 있는 심층적인 연구는 동아시와 유사한 지역 연구에 특히 유용하다. 2011년 11월부터 이화여자대학교 음악연구소는 EMDB라는 명칭의 동아시아 근·현대 음악데이터베이스를 구축해 왔다. 첫 번째 결과물은 근대 동아시아 근대 음악교육 자료였으며, 이 자료들을 검색하는 효율적인 방법을 개발하였으며, 그 첫 번째 결과물이 곡의 고유성과 유사성을 검색할 수 있는 <첫머리 선율을 이용한 음악검색 방법 및 시스템>으로 2013년 국내 특허를 출원하였다. 또 다른 유사검색 방법인 <멜로디에 기반한 음악분류 방법 및 음악 데이터베이스를 이용하여 멜로디 라인을 추천하는 방법>이 2015년 국내에서 특허로 출원되었다. 이러한 새로운 음악검색 방법을 통해 대 용량의 데이터베이스에서 자료들을 분석하고 해석하는 과정은 음악교육과 음악문화 연구에 새로운 지평을 열어, 동아시아 학자들 간의 상호교류를 결성하고 지역 연구의 발화 지점을 수용자의 시각으로 보게 한다는 점에서 큰 의의가 있다고 본다.

여성선교사의 고등음악교육과 한국 여성의 새로운 정체성 찾기

허지연 이화여자대학교 음악연구소 2018 이화음악논집 Vol.22 No.1

American missionaries had great effect on the education for early generations of Korean musicians during the late Joseon Dynasty and the Japanese colonial period. Among the mission schools, Soongsil and Yeonhui for boys and Ewha for girls produced many musicians. The music education of Soongsil and Yeonhui was conducted as extracurricular activities. But Ewha which was established by Woman’s Foreign Missionary Society of the Methodist Episcopal Church (WFMS) in 1886 was differentiated in that it developed a four-year curriculum as music conservatory. Music Department of Ewha Women’s Specialized College was launched in 1925 and became the first and only higher music education institution in colonial Korea. This paper aims to investigate the contents and strategies of the higher music education at Ewha and to interpret its effects on colonial Korean society, focusing on the dual identity of Ewha as an educational institution and a mission agency. First, I reveal how Ewha’s music education was closely related to the missionary work of WFMS, by looking into faculty members, curriculum, out-of-school activities, the careers of the graduates, etc. Second, I discuss how the education of woman missionaries motivated Korean women to construct a new female identity as educated women. Thus, I argue that although the women missionaries’ higher music education was a practical education for supporting the mission work, it provided, for the same reason, Korean Christian women with the opportunities to receive higher education and work in public sphere, imprinting the identity of “professional women” in Korean society. 1880년대 중엽 입국하기 시작한 미국인 선교사들은 구한말에서 대한제국 그리고 일제강점기에 걸쳐, 정부 주도의 체계적인 서양음악교육이 부재한 상황에서, 초창기 한국 음악가의 양성에 결정적인 역할을 담당하였다. 선교사들이 설립한 미션스쿨 중에서도 특히 남자학교인 숭실과 연희 그리고 여자학교인 이화가 다수의 음악가를 배출하였는데, 숭실과 연희의 음악교육이 과외활동으로 진행된 반면 이화의 음악교육은 전문교육으로 차별화되었다. 미국 북감리회 여성이 조직한 미감리여선교회가 세운 이화학당은 이미 ‘대학과’ 시절인 1920년에 한국에 온 최초의 음악 전공 선교사인 메리 영(Mary Young)을 영입하여 음악교육의 수준을 높였으며, 1925년에 이화학당의 ‘대학과’와 ‘대학예과’를 통합하여 이화여자전문학교 음악과를 설립하였다. 이를 계기로 이화의 음악교육은 식민지 내 최초이자 유일한 고등교육기관이자 제도권 음악학교로 획기적으로 발전하였다. 이 논문은 이화여전 음악과가 갖는 교육기관이자 선교기관이라는 이중의 정체성에 초점을 맞춰 음악과에서 이루어진 교육의 내용과 목표, 그리고 그것이 한국 사회에 미친 영향을 해석하고자 한다. 첫째, 이화여전 음악과 교육의 구체적인 실제 -교원 구성, 교과과정, 교외활동, 졸업생의 진로 등- 를 분석함으로써 이화의 고등음악교육이 WFMS가 벌이는 사업과 어떻게 결부되었는가를 밝힐 것이다. 둘째, 여성선교사들의 교육이 선교현장이라는 제한된 테두리를 넘어, 한국 여성들이 새로운 여성정체성을 상상 또는 구성하는데 영향을 미쳤음을 논할 것이다. 이 논문에서 필자는 미국인 여성선교사들에 의한 고등음악교육이 선교사업에 기여하기 위한 실용적이고 방편적인 교육에 머물렀지만, 같은 이유에서 한국여성에게 고등교육을 받고 사회에 진출하는 기회를 제공하였으며 결과적으로 한국사회에 ‘전문직 여성’의 정체성을 각인시켰음을 밝히고자 한다.

이화여전 글리클럽 연구: 1927-1935년의 활동을 중심으로

김은영 이화여자대학교 음악연구소 2019 이화음악논집 Vol.23 No.1

This study will be mainly focused on the Glee Club at Ewha College from 1927 to 1935. Ewha Hakdang, established by Mary F. Scranton in 1886, was reorganized as the first women's specialized college with the Liberal Arts Department and the Music Department in 1925. As Choseon’s folksongs were recognized as an essential element of Choseon’s traditional culture, traditional music research and the Glee Club were introduced as a curriculum for the Music Department. Since 1927, Ehwa College, led by Mary E. Young and Gi-Yong Ahn, published Choseonminyohabchanggogjib as record albums, which was a modern act. Moreover, the concert, which toured the country by arranging Choseon folk songs in chorus, generated a syndrome so-called ‘the Folksong Choir of the Joseon New Women,’ drawing a huge public response. However, these acts of Glee-Club were criticised and condemned by patriarchal society and the Christian community. It is possible that behind the criticism has been the response of discipline authorities who have been wary of girls producing social meaning through music. Nevertheless, as of 1935, when Ewha College was relocated to Sinchon, the Glee club’s activities have turned around to reproduce and imitate Western choir music. Also, by the end of the 1930s, when the energy of war was at its peak, it was mobilized for state-led music events such as ‘National Music Night’ and ‘The Night of the Feast’ and joined the ranks of the Empire’s faithful people. Although it’s been less than 10 years, Glee Club’s movement distinguished themselves from the ‘Western music-centred community’ as they tried to achieve their goals with Korean traditional music. The criticism and condemnation by the conservative society were possibly made by their fear of Glee Club’s liberal movement. Thus, the success of the glee club project in this period and the resistance of the institutional community to this period are also signs of colonial modernity, which was once again in conflict and confusion, such as ‘traditional society’ and ‘modern society,’ ‘traditional music’ and ‘western (Christian) music,’ ‘women’s social advancement’ and ‘resistance of paternal discipline power.’ 본 논문은 1927-1935년 사이 이화여자전문학교(梨花女子專門學校) 글리클럽(Glee Club)에 대한 연구이다. 1886년 스크랜턴(Mary F. Scranton)에 의해 설립된 이화학당은 1925년, 문과와 음악과를 갖춘 여성 최초의 전문학교로 재정비한 후 조선민요를 조선 전통문화의 요체로 인식하면서 국악연구 및 글리클럽을 음악과의 커리큘럼으로 도입하였다. 1927년 이후, 이화여전 음악과는 선교사 메리 영과 안기영의 합작(collaboration)으로 『조선민요합창곡집』을 출판하고 레코드로도 전곡을 취입하는 등 매우 근대적인 행보를 이뤄내었다. 또한 전국순회 연주회를 통해 ‘조선 신여성의 민요합창’이라는 신드롬을 일으키며 대중으로부터 큰 호응을 이끌어 내었다. 그러나 이와 같은 글리클럽의 음악활동은 음악계 및 기독교계 모두로부터 비난과 공격을 받았다. 음악계에서는 조선 재래음악을 오선보로 만들고 합창음악으로 편곡하여 서구화하였다는 이유로, 기독교계로부터는 미션스쿨 여학생들의 민요합창이 기생을 연상시킨다는 이유 때문이었다. 결국 1935년 이후 글리클럽은 서구 합창음악을 재현하고 모방하는 레퍼토리로 전환하고 1930년대 말에 이르면 ‘국민음악의 밤’이나 ‘기원절봉축의 밤’ 등 관주도의 음악행사에 동원되면서 제국의 충실한 국민이 되어가는 대열에 합류하게 된다. 비록 10년이 채 못 되는 짧은 시간이었지만 이 시기 글리클럽의 활동은 서구음악의 일방적 수용자를 넘어 한국의 전통음악을 통해 선교지 현장을 반영하려고 시도했던 음악적 성취였다. 당시 제도권 사회의 공격과 반발은 글리클럽의 사회적 행보에 불편함과 위기의식을 느낀 가부장제 사회의 반발이었다고 볼 수 있다. 그러므로 이 시기 글리클럽 프로젝트의 대중적 성공과 이에 대한 제도권 사회의 저항은 ‘전통사회’와 ‘근대사회’, ‘전통음악’과 ‘서구(기독교)음악’, ‘여성의 사회진출’과 ‘가부장제 규율권력의 저항’ 등 갈등과 혼돈을 거듭하던 식민지 근대성의 징후로 해석될 수 있다.

초등학교 음악교육 실태조사 및 개선방안 탐색

문경숙 이화여자대학교 음악연구소 2009 이화음악논집 Vol.13 No.1

우리나라의 초등학교 음악교육은 학급담임교사에 의존하고 있다고 해도 과언이 아닐 정도로 담임교사의 비중은 거의 절대적이다. 그러나 현실적으로 비중이 큰 학급담임교사를 대상으로 하여 초등학교 음악교육의 문제를 심도 깊게 다루는 연구는 매우 부족한 실정이다. 이에 본 연구에서는 초등학교 학급담임교사에 초점을 두고 초등학교 음악교육을 담임교사에게 의존하는 데에는 문제가 없는지, 교육 일선에서 이들이 직면하는 환경적 제도적 어려움이나 문제점은 없는지, 또한 양성 프로그램에는 문제가 없는지 등을 조사 해 봄으로써 초등학교 음악교육의 문제점을 총체적으로 짚어보고 이에 대한 다양한 개선방안을 탐색해 보고자 하는데 그 목적이 있다. 본 연구에서 도출된 문제점과 개선 방안은 다음과 같다. 첫째, 학급담임교사가 차지하는 큰 비중을 고려해 교육대학교 교육과정을 재조정할 필요가 있다. 둘째, 부교재 개발을 통해 학급담임교사가 지니는 한계를 보완할 수 있는 방안을 강구해야 한다. 셋째, 음악실 및 악기 구비 등 음악시설 및 장비에 관한 지침서를 개발하여 관계자들이 참고할 수 있도록 해야 한다. 넷째, 천박한 음악교육의 중요성에 대한 인식을 각계각층을 대상으로 새롭게 바꾸어야 한다. 결론적으로 이상과 같은 제언들은 음악교육 종사자들이 현재 우리나라 초등학교 음악교육이 안고 있는 갖가지 문제점을 함께 느끼고 그것을 개선하기 위해 앞장설 때만 가능하다고 생각된다. The purpose of this study is to examine the current status of elementary music education, to investigate existing problems, and to explore alternatives for the improvement of the quality of elementary music education in Republic of Korea. For this study, the author examined the current curriculum of music education department in national universities of teacher education. Also the author analyzed survey results collected from 375 classroom teachers and examined current status of elementary music education. The following conclusions can be drawn from this study: First of all, more advanced and stronger additional training music program designed for pre-service classroom teachers should be implemented. Secondly, various music teaching resources for elementary school teachers should be developed and provided to help them to supplement their limitations in performance skills. Thirdly, guidelines for music facilities and equipment necessary for the development of a high-quality music education program in school should be developed. Finally, it is the most urgent to bring about changes in school administrators, ‘teachers’, and ‘parents’ attitudes toward the importance of music education in order to improve the quality of music education program in elementary schools.

재현과 판단: 최근 음악분석 담론의 규칙과 융합성 연구

조현리 이화여자대학교 음악연구소 2017 이화음악논집 Vol.21 No.4

This paper analyzes four musicological essays that reflect recent tendencies in music analysis, in order to understand the rules that underpin current music-analytical discourse and the ways in which it converges with other discourses. Asking how music-analytical statements are produced, excluded, and transformed, the paper draws on Michel Foucault’s method of discourse analysis which has been adapted by Gavin Kendall and Gary Wickham into a set of more pragmatic guidelines. The paper focuses on the two general elements of music analysis, representation and judgment, and delves into various strategies that today’s musicologists use in their analyses of music. Regarding the issue of representation, it discusses ways in which music analysts handle scores and performances, problems of representing gender and other differences in music, and expanding and changing objects of music analysis. Regarding judgment, it explores the dynamic relationship between music theory and music, and the traditional aesthetic question of how to mediate between form and other content of music. The ultimate goal of this study is to reconsider the values and future direction of music analysis. 이 연구는 최근의 음악분석 경향을 보여주는 네 편의 음악학 에세이를 분석하여 음악분석 담론을 지배하는 규칙과 음악분석과 다른 담론 사이의 융합 방식에 대한 엄밀한 이해를 얻기 위한 연구이다. 음악분석에서 이루어지는 진술의 생산, 배제, 변용의 양상을 분석하기 위하여 푸코(Michel Foucault)의 담론분석 방법, 특히 캔들(Gavin Kendall)과 위컴(Gary Wickham)에 의해 실용화된 형태의 푸코식 담론분석 방법이 사용된다. 이 논문은 음악분석의 두 가지 보편적 요소인 재현과 판단의 담론적 성격을 파악하는 일에 논의의 초점을 두고, 재현과 판단을 위해 음악학자들이 선택하는 다양한 전략을 탐구한다. 재현에 관한 논의에서는 음악분석가들이 악보와 연주를 다루는 방식, 젠더를 비롯한 다양한 차이에 대한 음악적 표상, 음악분석 대상의 확대와 변화에 대한 논의가 이루어지며, 판단에 대한 논의에서는 음악이론과 음악 사이의 역동적 관계와 음악분석의 오랜 미학적 문제인 형식과 내용 사이의 매개에 대한 논의가 이루어진다. 필자는 이러한 연구를 통해 현재의 음악분석이 지향하는 가치와 방향에 대해 재고하고자 한다.

17세기 독일 남부 오르간 음악에 나타난 복합성(Multi-Vältigkeit) : J.J. Froberger와 G. Muffat을 중심으로

박혜선 이화여자대학교 음악연구소 2005 하계 국제학술회의 자료집 Vol.2005 No.-

식민지조선 여성 음악가에 대한 인식적 고착화: 결혼제도에 따른 여성과 음악의 한계

조윤영 이화여자대학교 음악연구소 2022 이화음악논집 Vol.26 No.4

Considering patriarchy the greatest obstacle to activities of female musicians in colonial Joseon, this paper analyzes not only how marriage system affected the societal position of female musicians, but also how married ones responded and took their attitudes in the discourse of ‘women and music.’ Influences of the marriage system on female musicians can be seen in differential social recognition and activities between unmarried and married women musicians. As shown in the fact that female musicians with modern education denied to marry at their marriageable age, a life of married women was considerably predetermined. Married female musicians had to play a fixed gender role in the home no matter whether their husband was also a musician or not. This study confirms that female musicians’ volition and ability to have a social life was constrained by spousal supports and was restricted to a certain degree. A majority of female musicians tended to passively follow the mainstream of society rather than subjectively contemplate existing problems. Likewise, their responded to situations in order to raise issues or take an action to overcome the reality indicates that social activity was not their top priority. Although female musicians, a group of the New Women [Sinyeosong], had strived to be independent of the patriarchy society and endured harsh gaze, it is difficult to expect them to bring a striking change in the society. Nonetheless, by focusing a close lens on the path of female musicians’ everyday life, we see a conflict between home and society in the changing cleft of modernity, which might unravel a cognitive fixation on female musicians. 가부장제가 식민지조선 여성 음악가의 음악 활동을 저지하는 걸림돌이 될 수 있기에 이 논문에서는 ‘여성과 음악’ 담론을 여성 음악가의 위치와 결혼, 기혼 여성 음악가의 반응과 태도로 나누어 분석한다. 결혼제도가 여성 음악가에 미치는 영향은 미혼 여성 음악가와 기혼 여성 음악가에 대한 사회의 인식과 활동에서도 그 차이를 알 수 있으며, 근대 교육을 마친 여성 음악가들이 사실상 혼기에 결혼을 거부할 만큼 결혼 후 여성의 삶은 가정에 집중되었다. 기혼 여성 음악가는 배우자인 남편의 직업이 자신과 같은 길을 걷는 음악가이든 음악가가 아니든 집안에서 여성으로의 역할에는 별다른 차이가 없었다. 이 연구를 통해 비록 가부장제 사회에서 여성이 가정에 한정된 삶을 살았을지라도 자신의 의지와 능력, 남편의 지원이 있으면 사회생활이 가능했음을 확인할 수 있었다. 그러나 자신의 사회활동이 가정보다 후(後) 순위로 밀려나야 하는 상황에서 여성 음악가들은 문제를 제기하거나 현실을 극복하기 위해 주체적으로 사유(思惟)하고 대응하는 태도를 보이는 대신 대체로 일반 사회의 큰 방향에 의존하는 수동적인 경향을 보였다. 신여성군(群)으로 분류되는 여성 음악가들이 가부장제 사회에서 자립하여 따가운 시선을 견디며 살아왔다 해도 그녀들이 그 사회에 타격을 입힐 만한 큰 변화를 가져왔다고 할 수는 없다. 그러나 근대라는 변화의 틈에서 가정과 사회 사이에 갈등하던 여성 음악가의 행보는 일상에 밀착된 시선에서 여성 음악가에 대한 인식적 고착화(cognitive fixation)의 실마리를 푸는 작업이 될 것이다.

인식적 청취에서 촉각적 소리 경험으로: 구체음악과 ASMR 음악 작품의 경계 가로지르기

박수인 이화여자대학교 음악연구소 2022 이화음악논집 Vol.26 No.4

이 논문은 최근 실험적 현대음악 분야에서 나타나기 시작한 ASMR을 사용한 음악 작품(이하 ASMR 음악 작품)을 구체음악과 연계해서 살핀다. 최근 나타나기 시작한 ASMR 음악 작품을 통해 20세기 중반 나타난 일렉트로 어쿠스틱 음악의 현재성을 밝히는 것이 이 논문의 목적이다. 이를 위해 구체음악과 ASMR 음악 작품의 작곡 방법을 각각 살피고 각각이 공유하거나 차별화되는 부분을 비교함으로써, 상이한 작곡 방법에 따른 청취 경험 방식의 변화를 밝힌다. 구체음악과 ASMR 음악 작품은 모두 일상적 소리를 녹음해 이를 스피커와 같은 오디오 장치로 확성시킨다. 그러나 구체음악에서는 녹음한 소리가 가속, 확장, 분절 같은 방식으로 왜곡되어 소리 자체의 추상적 음악 구조를 듣게 되는 것과 달리, ASMR 음악 작품에서는 맥락과 분리되지 않는 작고 미세한 소리가 스피커로 송출되는 ‘확대된’ 작은 소리를 통해 소리를 발생시키는 대상의 물리적 속성을 촉각적으로 감각하게 된다. 그럼으로써 ASMR 음악 작품은 특정 소리를 전체 음악 구조의 일부로 파악해 논리적으로 인식하기 이전에 신체적으로 경험하는, 최근 나타난 감각적 전회(sensory turn)에 대한 청취 문화의 경우를 대변하는 한 가지 본보기가 된다.

재즈 스탠다드(jazz standard) 개념의 기원과 미학적 원리: 미적 범주들의 포괄적 정의를 위한 시론

남정우 이화여자대학교 음악연구소 2022 이화음악논집 Vol.26 No.4

Jazz Music, as an art form, has multiple characteristics that differentiate it from other art forms structurally, including its composition, performance, improvisation, as well as its appreciation and criticizing. The concept of jazz standard implies its unique material practices that comprehends those aesthetical diversities in terms of the musical form, originating from the technical limitation of music industry of the initiative music recording, and also containing the meaning of commercial popularity of the pieces and improvisational instantiablilty claims. The creativity of jazz music is derived from violating and distorting the idea of original score, however, the concept of jazz standard contains and evolves to a direction of embracing and extending its own creative aesthetics, regarding itself as a sound structure of ontologically existing presentative art. In the way of evolvement of its own peculiarities, a jazz standard adopts a simple music notation method known as lead sheet, that served to develop the discipline and improvisational practice of variation in play based on the chord-scale system of the score. The purpose of this paper is to find a comprehensive definition with arbitrary categories of its aesthetic concepts that consist of composition, arrangement, form, perception, existence, and notation of jazz standard. 재즈 음악은 작곡, 연주, 즉흥연주를 통한 창작과정에 원곡의 재현과 즉흥성 평가 및 그에 대한 향유를 포괄하는 다층적 구조를 갖고 있으며, 이는 여타 예술들과 구분되는 주요 특성이다. 재즈 스탠다드 개념은 창작과 감상의 이와 같은 미학적 다층구조를 포괄하는 고유의 연주 제재를 의미하지만, 음악산업 현장의 기술적 한계, 상업적 인기곡의 이용, 연주의 용이성 요구 등과 연관해 유래한 용어이다. 재즈 음악의 창조성은 즉흥연주를 통한 원곡 아이디어에 대한 위배ㆍ왜곡에서 기원하는데, 이러한 특성은 재즈 스탠다드의 본래 개념을 수용하면서도 원본 구현 요구로부터 탈주하는 고유의 창조성을 확장하는 방식으로 진화했다. 이러한 확장성은 존재론적 측면에서 음악 작품의 현존성을 폐기하지 않으면서도 반복 예시 가능성을 구현하는 하나의 지시사항의 소리 구조로 이해될 때 음악 작품으로 현존할 수 있다. 이 때문에 재즈 스탠다드는 그와 같은 특성들을 반영하는 고유의 기보법을 채용했고, 이로부터 ‘화성-음계 체계’를 활용하여 즉흥연주를 가능케 하는 음악적 교육과 훈련 방식으로 발전했다. 이 논문은 재즈 음악의 이러한 양상들을 반영하는 임의의 범주들, 즉 ‘작곡, 편곡, 형식, 지각, 감상, 존재, 기보’ 등의 미학적 개념들을 제시하고 이를 토대로 재즈 스탠다드의 포괄적 정의에 도달하고자 하는 시도이다.