피아노전공 대학생의 능력관련 기대믿음과 연주연습과의 관계에서 가치지각의 매개효과

설벽운(Xue, Biyun),전윤한(Jeon, YoonHan),동환(Dong, Huan) 학습자중심교과교육학회 2020 학습자중심교과교육연구 Vol.20 No.14

본 연구의 목적은 성취동기에 대한 기대-가치 이론(Expectancy-value theory; Eccles & Wigfield, 2002)을 적용하여 피아노를 전공하는 대학생들의 가치지각이 능력관련 기대믿음과 연주연습과의 관계를 매개하는지를 검증하는데 두었다. 연구대상은 피아노를 전공하는 224명의 대학생들(남학생=25명, 여학생=199명)이며, 자료는 기술통계, 상관분석 및 구조방정식모델링을 통해 분석되었다. 구조방정식모형 분석을 실시한 결과, 피아노전공 대학생들의 능력과 성공의 기대관련 믿음이 내적 가치와 달성 가치 및 유용성 가치 지각을 증진시키는데 기여하지만, 목표달성에 대한 가치지각만이 동기적 믿음과 연주연습 간의 관계를 정적으로 부분 매개하는 역할을 하는 것으로 나타났다. 이 결과는 피아노 연주능력에 대한 대학생들의 동기적 믿음이 이들로 하여금 목표달성 가치를 지각하게 함으로써 연주연습을 위해 지속적인 노력을 기울이는데 기여한다는 사실을 시사한다. The purpose of this study was to investigate the relationships among undergraduate piano students’motivational beliefs, value perception, and playing practice in piano. More specially, the study investigated the mediating roles of value perceptions in linking motivational beliefs to playing practice. A total of 224 university students (25 males, 199 females)completed a self-report survey for the study. Data were conducted using descriptive statistics, correlations, and structural equation modeling. The study suggested students’motivational beliefs related to music enhance intrinsic value, attainment value, and usefulness value, but only attainment value partially mediated the relationship between motivational beliefs and playing practice in piano. These findings imply that once students perceived values to practice, they become more persist and out forth greater effort for playing a piano.

빌 에반스(Bill Evans)의 즉흥연주에서 나타난 인상주의 음악적 특징

최인영(inyoung Choi),전윤한(Yoonhan Jeon) 한국문화융합학회 2023 문화와 융합 Vol.45 No.12

19세기 후기에서 20세기 초 미국에서 발생한 재즈는 그 탄생에서부터 현재까지 다양한 문화와 장르의음악적 특징을 흡수하며 발전해 왔다. 본 연구는 재즈 피아니스트 빌 에반스의 즉흥 연주에 나타난 인상주의 음악적 요소를 찾아 인상주의 음악가인 드뷔시의 음악과 비교 분석하였다. 본 연구의 범위는 빌에반스 옴니북에 수록된 연주 악보와 인상주의 음악가 드뷔시의 작품 중 전주곡 1,2 권에 수록된 작품들을 분석하였다. 인상주의 음악의 특징으로는 온음 음계(Whole tone Scale)의 사용, 반음계(Chromatic Scale)의 사용, 5음 음계(Pentatonic Scale)의 사용, 코드 구성음 이외의 음을 사용한 화성 구성과 클래식 음악에서 금기시되는 진행 등이 있으며 빌 에반스의 즉흥 연주에서 이러한 특징들을발견하였다. 결국, 재즈 음악은 클래식 음악과 서로 구분되는 특징이 있지만, 전혀 연관성이 없다고 보기 힘들며 역사적으로 수많은 재즈 음악가가 클래식 음악에 영향받아 왔다. Jazz, which originated in the United States in the late 19th and early 20th centuries, has developed by absorbing musical features of various cultures and genres from its birth. This study seeks to identify impressionistic features in the improvisations of jazz pianist Bill Evans and compare them with the music of the Impressionism composer Debussy. The scope of this research includes the scores in the Bill Evans Omnibus and the works of Debussy in the Preludes Book 1 and 2. The characteristics of Impressionism music include the use of whole-tone scales, chromatic scales, pentatonic scales, harmonic structures using notes other than chord components, and progressions that are taboo in classical music, and we found them in Bill Evans' improvisations. In the end, although jazz music has distinct characteristics from classical music, they are related, and many jazz musicians have been influenced by classical music throughout history.

영화 “하울의 움직이는 성”에 등장한 라이트모티프의 활용에 대한 음악적 어법 분석

임연우(Yeonwoo Lim),전윤한(Yoonhan Jeon) 한국문화융합학회 2023 문화와 융합 Vol.45 No.12

The soundtrack in the movie is closely related to the movie's universe, especially the characters. This study examined the leitmotif of Studio Ghibli's “Howl's Moving Castle” and analyzed how the leitmotif related to the narrative of the film are used throughout the film. Sophie, the maini character, is cursed from an ordinary 18-year-old girl and instantly transforms into a 90-year-old grandmother. Hisaishi Joe accepts the director's order to make music consistent so that movie audiences can feel the same as Sophie, breaking the idea that the main theme should not exceed one-third of the total movie music, and actively utilizes the leitmotif in the movies frequently. As a result, in “Howl's Moving Castle”, the main theme appears in 18 out of 33 songs. By analyzing how the leitmotif related to characters in video works with narratives are used, it is hoped that in addition to orchestra-based classical instruments, the leitmotif using various sounds, including electronic instruments and ambiance sounds, can be used more diversely in various video media. 영화에서의 사운드트랙은 영화의 세계관, 특히 인물들과 밀접하게 연관되어 있다. 본 연구는 스튜디오지브리의 “하울의 움직이는 성”에 등장한 라이트모티프를 살펴보고, 영화의 내러티브와 관련한 라이트모티프가 영화의 전반에 걸쳐 어떻게 활용되는지를 분석하였다. 주인공인 소피는 평범한 18세 소녀에서 저주에 걸려 단숨에 90세 할머니로 바뀌게 된다. 히사이시 조는 영화를 보는 관객들도 소피와 같은마음을 가질 수 있도록 음악을 일관되게 해 달라는 감독의 주문을 수용하여 메인 테마가 전체 영화음악의 3분의 1을 넘기면 안 된다는 생각을 깨고 영화 여러 곳에 라이트모티프를 적극 활용한다. 그 결과 “하울의 움직이는 성”에서는 전체 33곡 가운데 18곡에 메인 테마가 등장하는 것을 확인할 수 있다. 서사를 가진 영상 작품에서 등장하는 인물들과 관련한 라이트모티프가 어떻게 활용되는지를 분석하여오케스트라에 기반한 클래식 악기 이외에도 전자악기와 엠비언스 사운드를 비롯한 다양한 소리를 활용한 라이트모티프가 여러 영상매체들에서 더 다양하게 활용될 수 있기를 기대해 본다.

빌 에반스(Bill Evans)의 “We Will Meet Again” 솔로 피아노에 나타난 아포지아투라와 폴리코드에 관한 연구

박지은(Jieun Park),전윤한(Yoonhan Jeon) 한국문화융합학회 2023 문화와 융합 Vol.45 No.12

본 연구는 빌 에반스의 화성적 기법 중 화성적인 확장과 긴장이 가장 두드러지게 나타나는 아포지아투라와 폴리코드를 중심으로 분석하였다. 이 두 개의 기법은 화성적으로 극적인 긴장감을 유도하고 해결시키는 빌 에반스의 특징적인 화성 진행이다. 빌 에반스의 다른 개성적인 화성 기법들도 많지만, 위의두 기법은 그가 클래식 음악으로부터 수혜를 받아 재즈 피아노까지 뿌리를 내린 기법이기에 모든 재즈화성 발전의 초석이 되었다. 아포지아투라는 빌 에반스가 비화성음들의 다성부적 사용을 통해 어떠한방식으로 화성적 긴장과 해결을 유도하였는지에 대하여 알아볼 수 있었다. 폴리코드는 크게 다이아토닉스케일과 변형된 스케일에서 구성되는 두 가지 폴리코드로 나누어 분석하였으며, 화성적 긴장도와 악곡의 흐름에 따라 그가 어떠한 방식으로 다양한 폴리코드를 사용했는지 연구하였다. 본 연구에서는 빌 에반스의 “We Will Meet Again” 솔로 피아노 곡을 통해 조성 음악에서의 화성 확장이 어떻게 이루어졌으며, 빌 에반스가 이 기법들을 어떻게 연주에서 사용하여 그만의 화성들을 구현하고 구체화하였는지에대해 살펴볼 수 있었다. This study analyzes the most prominent manifestations of harmonic expansion and tension in Bill Evans’ harmonic techniques, focusing on appoggiatura and polychords. These two techniques represent Evans’ characteristic harmonic progressions that dramatically induce and resolve tension. While Evans employs numerous other idiosyncratic harmonic techniques, these two serve as cornerstones of all Jazz harmonic development, rooted in his assimilation of classical music into Jazz piano. Appoggiatura elucidates Evans’ method of inducing harmonic tension and resolution through the polyphonic use of non-harmonic tones. Polychord is dissected into two categories: one comprising diatonic scales and the other involving altered scales. The study explores how Evans employed diverse Polychords based on harmonic tension and the flow of the musical piece. Through the analysis of Bill Evans’ solo piano composition “We Will Meet Again”, this research examines how harmonic expansion unfolds in compositional music and elucidates how Evans employed these techniques in his performances to actualize and crystallize his unique harmonies.

키스자렛(Keith Jarrett) 쾰른 콘서트 《Koln Concert January 24, 1975, Pt, Ⅱ A》에 나타난 즉흥기법 연구

김수진(Sujin Kim),전윤한(Yoonhan Jeon) 한국문화융합학회 2022 문화와 융합 Vol.44 No.6

이 논문은 키스자렛의 다양한 음악적 표현 기법 중 즉흥연주의 특징을 중심으로 논의한다. 유럽 클래식 전통에서부터 기원되는 즉흥연주라는 분야는 음악사에 있어서 끊임없이 발전되어왔던 기법 중 하나이다. 수많은시대의 음악 양식에 따라 연주자의 기교적인 탁월성을 보여줄 수 있는 도구로 사용되어져 즉흥연주는 1960년대 이후부터는 음악적 구조에 종속되지 않고 조성, 리듬, 형식, 등 모든 면에서 연주자의 의지가 그대로 반영되는 새로운 개념의 형태였다. 이때가 1960년대 프리 재즈와 1970년대 퓨전 재즈 시대이다. 본 논문은 퓨전 재즈의 즉흥연주 형태에 주안점을 두고 이 시대의 흐름을 겪으면서 자신만의 스타일이 정착되어 가면서 무한한가능성의 즉흥연주를 표현한 아티스트 키스자렛의 실황 콘서트 앨범 쾰른 콘서트 (Koln Concert) Part.Ⅱ A를 중심으로 연구해 보았다. 그 결과 즉흥연주는 무의식에서 밖으로 표출되는 예술의 한 부분이지만 결코 간단하게 정의 할 수 있는 부분은 아니다. 음악이 생겨난 때부터 현대의 음악까지 두루 향유하며 시대마다 인간들이 만들어 왔던 또는 만들 수 있는 음악 기법들을 매순간 연구하고 곱놓으며 끊임없는 훈련의 고귀한 산물이라고 할 수 있다. 잠재되어 있는 음악성은 물론 가치관, 감정, 철학 등 연주자가 가지고 있는 총체적인 것을표현하는 것이 즉흥연주의 가장 핵심이라고 이 논문을 통해 강조한다. This paper focuses on the characteristics of improvisation among the various musical expression techniques of Keith Jarrett. The field of improvisation, which originated from the European classical tradition, is one of the ever-developing techniques in music history. Used as a tool to show the performer’s technical excellence by the musical styles of many eras, improvisation has been independent of musical structure since the 1960s, and has everything from creation to rhythm to form. It was a new concept that the performer’s will was reflected as it was. This is the 1960s free jazz and 1970s fusion jazz era. This paper focuses on the improvisational form of fusion jazz, and while the style of one’s own is firmly established through the flow of this era, the live performance of artist Keith Jarrett who expresses the improvisational performance of infinite possibilities. I mainly researched Part. II A in the concert album “Koln Concert”. As a result, improvisation is part of the art that goes out of the unconscious, but by no means easy to define. It can be said that it is a noble product of continuous training by researching and repeat over and over again music techniques that human beings have made or can make for each era, involving music from the time it was born to modern music. Through this paper, I emphasize that expressing the overall things that the performer has, such as values, emotions, and philosophies, as well as the latent musicality, is the most important part of improvisation.

잭슨 폴록의 추상표현주의에서 나타나는 재즈의 미학

강윤정(Kang Yoonjeong),전윤한(Jeon Yoonhan) 한국문화융합학회 2021 문화와 융합 Vol.43 No.5

The purpose of this research is to investigate the aesthetic correlation between the art of Jackson Pollock and Jazz by extracting the aesthetic features of Jazz appearing in Pollock’s abstract expressionism. For this, the theoretical backgrounds and aesthetic features of these two arts were examined, and a comparative analysis was conducted on the creation process, expression technique, and inherent artistic perspective. Furthermore, the connection between the world of Pollock’s works and Jazz was researched. The common aesthetic characteristics of Pollock’s abstract expressionism and Jazz are as follows. First, they have freedom and originality liberated from tradition and basic structure. Thus, the innovative spirit and fresh sense of the artist are inherent in the artworks. Second, they have the improvisation based on instinct. Based on this, artists manifested highly skilled technic according to their intentions. Third, the creation process itself was considered as an artwork, and the artists assigned it with artistic value. In conclusion, Pollock’s abstract expressionism and Jazz, which occupy distinct places in their respective art fields, have aesthetic connections, and they have been inherited and developed up to the present. This tendency demonstrates the boundless potential of different art types to expand the prospect of art through shared inherent aesthetic values.

샹송에 의한 프랑스 초현실주의 시의 재현

강윤정(Kang Yoonjeong),전윤한(Jeon Yoonhan) 문학과언어연구회 2018 문화와 융합 Vol.40 No.3

이 연구에서는 프랑스 시와 샹송의 밀접한 상호작용을 연구하기 위해 시와 샹송의 역사적 흐름을 살펴보고 초현실주의 대표적 시들의 샹송화를 집중적으로 분석하였다. 샹송은 무엇보다도 가사를 중시하는 프랑스의 대중음악으로 프랑스 시와 중세 시대부터 현재까지 밀접하게 교류하고 있다. 특히 초현실주의의 시들은 다른 나라의 언어로 재탄생되어 번안곡으로 제작되기도 하며 시에 담긴 철학과 음악성이 전 세계로 전파되었다. 프랑스 시의 샹송화를 분석한 결과 프랑스의 시인들은 작시할 시 음악을 고려한 운율을 선택하는 경우가 많았고 프랑스의 음악가들은 시의 본디 전통을 유지하되 시의 구조나 내용에 변화를 주고 선율과 화성을 더해 대중들에게 전달하여 시의 대중화에 공헌한 것을 알 수 있었다. 이러한 연구 결과를 통해서 프랑스 시는 통시적 전통을 유지하며 샹송과의 상호텍스트성에 의한 음악과 문학의 융복합을 통해 그 지역성을 확장하고 전 세계의 음악가들로부터 연주되며 재해석되고 있는 것에 공시적인 의의가 있다고 할 수 있다. In this research, we are going to examine the historical flow of the French poetry and Chanson and analyze specifically on the influence of it. This research will be focusing on major surrealist poems to investigate the close relationship between the two genres. Chanson is a French popular music with a great emphasis on the lyrics. Those lyrics had a large impact on French music and has been closely associated with the French poetry since the Middle Ages. In particular, the surrealist poetries have been translated into different languages and adapted into various songs, allowing its philosophy and musicality to spread throughout the world. By analyzing the effect of Chanson on the French poetry, it was evident that the French poets, often wrote rhyme relative to the music when composing verses. Similarly, the French musicians have retained the poetry’s traditional features by giving some changes to the structures and contents of the poem while adding the melody and harmony. As the result, this interplay contributed to the popularity of the poetry to the general public. The research shows that the French poetry conserves and develops its diachronic tradition. Further, it has clearly shown that it has extended the poem’s locality by the fusion of music and literature through the intertextuality with the Chanson. And as the result, it is reinterpreted and played by musicians from all over the world.

방탄소년단(BTS) 작품 《비(BE)》 앨범에 나타난 예술철학사상 연구

김민석(Kim Minseok),전윤한(Jeon Yoonhan) 한국문화융합학회 2021 문화와 융합 Vol.43 No.12

본 논문은 전 세계적으로 영향력을 끼치고 있는 방탄소년단의 앨범 중 《비》 앨범을 통해 방탄소년단이 다른 앨범들에서 전하고 있던 ‘인생의 가장 아름다운 순간은 청춘이다’, ‘자기 자신을 사랑하는 것이 진정한 사랑의 시작이다’, ‘보여주고 싶은 자신과 외면하고 싶은 자신을 받아들였을 때 온전한 자신을 찾는다’ 등 지금 이 순간이 소중하고 아름답다. 자기 자신을 사랑하라. 어떤 모습의 나라도 자신을 받아들여야 진짜 나를 찾는다는 메시지를 지속적으로 전하고 있는데이런 방탄소년단의 예술철학사상이 코로나19 시대에서 활력과 희망을 전하고 싶어 하는 방탄소년단의 《비》 앨범에서는어떤 예술철학사상들이 있는지 연구했다. 조금 더 정확하게 분석하기 위해 방탄소년단에 대해 분석하고, 방탄소년단과가장 연관이 있는 케이팝, 아이돌, 팬클럽 아미에 대해 분석했다. 최종적으로 방탄소년단이 음악과 메시지로 보여주는 예술철학사상은 어떤 상황 속에서도 현실을 받아들이고 앞으로 나아가고, 전 세계 다민족들을 예술로 자유롭게 연결시켜주고, 방탄소년단이 전하는 행복, 희망, 사랑, 위로 등의 메시지로 치유하며 그것으로 전 세계의 모든 예술들을 하나로 합쳐주는 역할을 하고 있다는 것을 알 수 있었다. 남은 문제는 방탄소년단이 전 세계에 있는 사람들을 위해서 선한 영향력을 끼치고 있는데 그런 방탄소년단은 정말 진심으로 생각과 마음을 전하고 있는 것인지 그렇다면 방탄소년단은 어떤 것에서 누구에게서 선한 영향력을 받으며, 방탄소년단이 전하는 메시지가 방탄소년단 자신들과 전 세계의 모든 사람들에게일시적 치유가 아닌 근본적인 것까지 바꿔주고 지속적 치유를 할 수 있는지 연구가 필요하다 This paper is about BTS’ influence in the today’s world. Through one of their albums called 《BE》 , the message is about ‘The Most Beautiful Moment In Life’, ‘It mentions that loving yourself is the beginning of true love’, ‘When you accept the self you want to show and the self you want to turn away from, you find your complete self’ The message continues by saying This moment is the most important moment. love yourself. It is constantly conveying the message that I must accept myself to find the real me. The message of life and hope found in BTS’ album called 《BE》 portrayed the artistic philosophical thought BTS had during the COVID-19 time period. In order to accurately understand, I analyzed BTS, their fan club “Army”, and KPOP Idol groups that were most relatable to BTS. Ultimately, the artistic philosophical thought that BTS shows through music and its’ message is, accept reality and move forward in any situation. It can be understood that multi-ethnic people are brought together and healed through the messages of happiness, hope, love, and comfort by BTS’ art. The remaining thought is that although BTS has a good influence on people around the world; are they really relaying their true heart and thought? it is necessary to research if BTS is truly relaying their heart. And if so, further study is needed to find out whether or not they can help fundamentally heal people instead of something temporary.

EDM에서 나타나는 라틴 아메리카 리듬 표현 기법 연구

유진(Jin Yoo),전윤한(Yoonhan Jeon) 한국문화융합학회 2024 문화와 융합 Vol.46 No.1

The purpose of this study is to analyze Latin American rhythm expression techniques in EDM, explore the impact of these expressions on the future music industry, and present a new perspective on musical creativity. Prior to the study, a basic study was conducted to explore the impact of the times according to the historical flow of each genre. For in-depth research, the scope was limited to works released after 2010, which are evaluated as the heyday of EDM, and cases showing the rhythmic characteristics of Latin America were selected by referring to articles and introductions from distributors. As a result of analyzing the instruments and rhythms applied in the works selected to draw conclusions, new works were formed by introducing various traditional instruments, samba, reggae-like rhythms, and 'Call And Response' playing methods, and it was found that these experiments could contribute to the development of the future music industry by creating new experiences and expanding the diversity of music. 본 연구의 목적은 EDM에서 나타나는 라틴 아메리카의 리듬 표현 기법에 대해 분석하여, 이러한 표현이 미래의 음악 산업에 미치는 영향에 대해 탐구하고, 음악적 창의성에 대한 새로운 관점을 제시하기위함에 있다. 연구의 진행에 앞서, EDM과 라틴 아메리카의 이해를 돕기 위해 각각의 역사적 흐름에따른 시대적 상황이 각 음악 장르에 미친 영향을 탐구하는 기초 연구를 실시하였다. 보다 심층적인 연구를 위해 연구의 시대적 범위를 EDM의 전성기로 평가되는 시기인, 2010년 이후에 발매된 작품으로한정하였으며, 뉴스 기사 및 유통사의 음원 소개 글을 참고하여 라틴 아메리카의 리듬적 특성이 두드러진 사례를 선정하였다. 본 연구의 결론 도출을 위해 논자가 선정한 작품에서 응용된 라틴 아메리카의악기와 리듬을 분석한 결과, 각 작품에서 다양한 전통 악기와 삼바, 레게와 같은 리듬과, 'Call And Response' 연주 방식이 도입되어 새로운 작품이 형성되었고, 이러한 실험은 보다 새로운 음악적 경험을 창출함과 동시에, 음악의 다양성을 확장해 미래 음악 산업의 발전에 기여할 수 있음을 확인 할 수있었다.