한국가곡반주 비교연구

박선희 배재대학교 대학원 2008 국내석사

1885년 기독교와 함께 우리나라에 유입되어진 서양음악은 여러 음악장르 중에서도 특히 가곡부분에서 많은 변화를 가져왔다. 이전의 우리 가곡은 시조와 시에 음률을 얹어 부르는 성악이었으나, 기독교의 찬송가가 널리 보급되면서 찬송가의 선율에 우리의 시를 얹어 부르는 형식으로 우리나라 가곡이 시작되었고, 이것이 창작창가로 발전, 다시 창작가곡으로 변화를 가져왔다. 한국가곡은 우리 고유의 정서와 시대적 상황, 역사적 배경 속에서 여러 가지 시도와 전개를 거듭하며 계속하여 발전·변화하여 왔고 현재까지도 지속적인 변화를 보이고 있다 가곡은 시에 곡을 붙인 하나의 음악형식으로, 오랜 시간과 역사 속에서 인류에게 가장 사랑받아온 음악장르의 하나이다. 그 이유는 가곡에 내재되어 있는 요소들 언어, 선율, 리듬, 화성 등에 개인과 집단의 생활상, 그리고 한 민족의 시대상을 잘 반영해주고 있기 때문일 것이다. 이 가곡에 그 선율이나 성부를 보완하고, 강조하는 목적으로 붙여지던 것이 반주이다. 반주는 가곡의 발전과 함께 자연스럽게 그 역할까지 변화하게 된다. 처음의 선율을 보완하던 위치에서 현재는 선율을 중복하거나, 화성적으로 또는 대위적으로 선율을 보완하거나, 전주에서 곡 전체의 분위기를 암시하기도 하고, 선율과 이중주적인 반주를 하는 선율과 동등한 위치로까지 변화하였다. 한국가곡반주 역시 초창기에는 화성 또는 리듬형의 단순한 반주였으나. 활발한 서정시의 창작과 더불어 단순히 반주에 그치는 것이 아니라, 현재는 분위기의 표현, 독립적인 반주, 선율과 이중주적인 반주 등으로 변화를 보이고 있다. 본 연구는 성악과 반주로 이루어진 가곡을 피아노 반주에 중점을 두어 그 역할과 기능, 화성과 음색, 이중주로서의 기능을 알아보고, 1945년 이후부터 현 재까지 한국가곡반주를 제1기(1945년~1960년대), 제2기(1970년대~현재)로 보고, 선율과 반주, 가사와 반주, 민속적인 요소의 사용, 전주의 역할 등으로 비교 연구하여, 보다 더 효과적으로 가곡을 표현할 수 있는 방향을 모색하려고 한다. 1885 saw an inflow of western music in to Korea along with Christianity. Among other genres of music western music brought with it the most changes, in particular with songs. In the past Korean art song involved applying rhythm to verse to make vocal music but with the popularization of Christian hymns Korean art song started to take on the form of applying verse to the rhythm of hymn. This stimulated the development of writing and singing created songs. Korea art song have developed and changed with the characteristics of the country’s sentiment and period situation, as well as with historical background and present continuous changes can still be seen. Art song are a type of music with music applied to verse and is one of the most loved music genres over a long period of time and history. The reason is the inherent factors of language, melody, rhythm, harmony and such individual and collective portrayals of life. In addition it reflects the portrayal of a generation of one nation. Accompaniment was applied for the purpose of emphasizing and complementing the melody or part of the art song. The accompaniment developed alongside the song and took on its role naturally. In the beginning it was for the complementation of the melody and now it is for the repetition of the melody of for the substituting of melody complementing. In addition it serves as an indication of the mood of the overall song at the overture and has also evolved to melody or duet accompaniment. The pioneer days of Korean art song accompaniment involved harmony and rhythm type accompaniment and vibrant lyrics as the pure accompaniment and in the present day it is an expression of mood, independent accompaniment, melody and duet accompaniment and such changes are evident. This research study looks at the art songs which encompass vocals and accompaniment and the piano accompaniment and its role and functions and harmony and tone. The functions of duets will also be looked at and the Korean song accompaniment First period (1945-1960), Second period (1970-present) will be examined in terms of melody and accompaniment, art song lyrics and accompaniment, the usage of folk factors, the role of the overture and such comparative research. An attempt will be made to establish more effective directions to express art songs.

한국예술가곡 가사중심 수업방안 연구 : 2015 개정 교육과정에 따른 중학교 음악교과서의 제재곡을 중심으로

이선희 전북대학교 교육대학원 2019 국내석사

Korean Art song is written in Korean poetry which the language and music that are combined artistically. Therefore, it is necessary to understand the lyrics, which is a linguistic element, more than other genres of music. As a result, when teachers are teaching Korean art song in a music course, they should guide the students to understand the contents of the poem that forms the lyrics and to feel the melody that contains the nuances of the lyrics. Also in the education of Korean art song, not only educational effect of music but also that of Korean subjected is expected because Korean life and emotions are presented along with the linguistic characteristics of Korean language. However, as a result of comparing and analyzing the textbooks of middle school music based on the 2015 revised curriculum, learning objectives and contents in Korean art song lessons are insufficient for singers to acquire the lyrics, the language which is the main element of the song. The purpose of this study is to complement current Korean art song lessons through teaching methods centered on lyrics, and to realize the artistic and educational value of art songs. The teaching method, ultimately, will improve student achievement, inquiry process and thinking skills of students; and the method also has an educational significance in accordance with the achievement standards of expression in the 2015 revised middle school curriculum. In this study, three contents that need to be taught in lyric-centered art song lessons will be discussed; and with the application, a teaching method is presented through three experimental teachings. In the first stage, the song Sanchon (Mountain Country) was selected to emphasize the correct pronunciation method and Bomi omeon (When Spring Comes) was selected for the second and third stages. The second stage emphasized poetry’s literary and musicality covering the relationship between lyric and poetry, and poetic expression. In the third stage, the concept of rhythm progression was dealt with, and the rhythm activity was designed according to the given conditions based on the learning. The study suggests method to realize the artistic and educational value of Korean art songs through teaching-learning; criticizing the superficial lessons that are being taught in the same form as other genres despite the fact that Korean art song has a fulfillment function that distinguishes Korean art song from other genres. It is expected that the lesson plans centering on lyrics, the main element of Korean art songs will be actively researched to help with effective integrated lessons with music and Korean language. 한국예술가곡은 가사가 한국어 시로 쓰였으며, 언어와 음악이 아름답게 결합된 성악곡이다. 따라서 다른 장르의 음악들보다 언어적 요소인 가사에 대한 이해의 필요성이 높다고 할 수 있다. 그에 따라 한국예술가곡을 음악교과에서 제재곡으로 선정하여 수업을 할 때 교사들은 학생들이 가사를 이루는 시의 내용을 이해하고 가사의 뉘앙스를 담아낸 선율을 느낄 수 있도록 지도해야 한다. 또한 한국예술가곡의 교육에서는 한국어의 언어적 특징과 함께 한국인의 삶과 정서를 담아내고 있기에 음악교과 뿐만 아니라 국어교과의 교육적 효과까지도 기대할 수 있다. 그러나 2015 개정 교육과정에 따른 중등 음악 교과서들을 비교 분석한 결과 현행 한국예술가곡 수업에서는 한국예술가곡을 이루는 주요 요소인 언어, 즉 가사를 습득하기에 해당 학습 목표 및 내용이 매우 부실함을 확인할 수 있었다. 이에 본 연구는 가사중심 수업방안을 통해 현행 한국예술가곡 수업을 보완하고, 가곡만의 예술적·교육적 가치를 실현하고자 한다. 이는 궁극적으로는 학생들의 성취 능력, 탐구과정 및 사고 기능을 향상시킬 수 있으며, 더 나아가 2015 개정 중학교 음악과 교육과정 중 표현 영역의 성취기준에도 부합되는 교육적 의의를 가진다. 본 연구에서는 가사중심 수업의 내용으로 다루어져야 할 세 가지를 논하고, 이를 적용한 총 3차시에 걸친 수업방안을 제시하였다. 1차시는 제재곡을 《산촌》으로 선정하여 한국예술가곡의 특징, 악곡의 구조를 학습하며 표준발음법에 따른 정확한 발음법을 강조하였고, 2차시와 3차시는 제재곡을 《봄이 오면》으로 선정하였다. 그 중 2차시는 가사와 시의 관계, 시적 표현 등을 다루며 시의 문학성과 음악성을 강조하였으며, 3차시는 가락 진행의 개념을 다루고, 학습한 것을 바탕으로 주어진 조건에 따른 가락 짓기 활동을 설계하였다. 필자는 한국예술가곡이 다른 장르와 구별되는 성취기능이 있음에도 불구하고 다른 장르와 같은 형태로 피상적인 수업이 진행되는 것을 비판하며, 한국예술가곡의 예술적, 교육적 가치를 교수-학습으로 실현하기 위한 방안을 제시하고 있다. 한국예술가곡의 주된 요소인 ‘가사’를 중심으로 한 수업방안이 앞으로 더 활발하게 연구되어져 더 나아가 음악-국어교과의 효과적인 연계 수업에도 도움이 되길 바란다.

韓國 藝術歌曲의 成長過程에 대한 考察 : 歌曲의 變遷過程에 따른 樂曲分析을 中心으로

정가건 慶熙大學校 敎育大學院 1990 국내석사

전통가곡의 지도 방법에 관한 연구 : 8학년을 중심으로

서정민 단국대학교 교육대학원 2003 국내석사

본 논문은 제 7차 교육과정 중 제 8학년에서 지도하도록 명시된 ‘전통가곡’의 지도 방법을 연구하여 그 시안(試案)을 마련해 보는 데 목적을 두고 있다. 교육과정(敎育課程)이란 교육을 통해 성취하려는 구체적인 지향점를 달성하고자 선택된 교육내용과 학습활동을 체계적으로 편성·조직·계획한 것으로 교육과정에 나온 내용들은 교육현장에서 지도되어야 한다. 이에 논자는 제 7차 교육과정 중 제 8학년의 지도 내용에 편성된 ‘전통가곡’을 중심으로 그것이 교육현장에서 학생들에게 충실히 지도하고 있는가의 지도현황을 살펴보기 위해 2003년 3월~4월, 8학년 과정을 마친 학생들(현 9학년)을 대상으로 경기·서울지역의 5개교에서 각각 40명씩 총 200명을 대상으로 설문을 실시한 바 있다. 그 결과에 의하면 수업시간 중에 전통가곡을 배웠다고 응답한 학생들은 10%미만으로 나타나고 있었으며, 또한 전통가곡에 대한 이해도나 인지도를 묻는 질문들에 대해 긍정적인 응답을 한 학생들은 1% 이하로 나타나고 있었다. 앞의 내용들로 미루어 보아 8학년에서 지도되어야 할 ‘전통가곡’에 대하여 학생들은 전통가곡이 어떠한 형태의 노래인지 그 자체를 모르고 있는 것으로 판단된다. 따라서 본고에서는 전통가곡이 교육현장에서 다루어질 수 있도록 구체적인 수업지도의 마련하여 제시해 본 것이다. 시안에서는 전통가곡 중 ‘편락’을 제재곡으로 택하였고 그 지도방법을 6단계로 구분하여 각 단계별 지도 내용을 제시하였는데 그 내용을 살펴보면 다음과 같다. 1단계에서는 전통가곡의 역사적, 문화적, 심미적 가치를 통하여 학생들로 하여금 전통가곡에 대한 자긍심을 갖도록 지도하는 내용을 담았다. 2단계는 전통가곡의 변천과정, 음계, 형식, 반주악기와의 관계 등 전반적인 이론의 지식과 제재곡에서 다루게 되는 가사의 내용, 가사의 의미를 정확하게 이해하도록 지도하는 내용을 담았다. 3단계에는 가창실습을 위한 기본적인 단계로 정간보의 독보능력 을 키우도록 지도하는 내용을 담았다. 4단계는 전통가곡의 16박 장단과 10박 장단의 틀을 이해하고 제재곡의 장단을 실습하도록 지도하는 내용을 담았다. 5단계는 골격음 위주의 리듬창을 실습하고, 율명을 통한 율명창을 익힌 다음, 가사를 붙여보는 가사창의 순으로 지도하고, 이러한 골격음 위주의 가사창이 익숙해진 뒤에 ‘편락’의 원곡을 지도하는 내용을 담았다. 마지막으로 6단계는 명인·명창들의 음반을 들으며 자신이 익힌 가곡과 비교하고 분석하며 토의하도록 지도하는 내용을 담았다. 본 전통가곡의 지도시안을 통하여 교육현장에서 우리의 전통가곡이 활발하게 지도하길 바란다. 이러한 지도의 노력으로 학생들은 전통가곡의 긍지를 갖게 될 것이고, 그러한 경험을 바탕으로 전통가곡을 포함한 전통음악 전반의 이해도를 넓힐 수 있는 것이며, 우리의 자랑스런 문화유산에 애호심을 갖게 될 것이라 믿는다. The purpose of this study is to research the desirable teaching methods of Korean traditional lyric songs, stated in the 7th Curriculum of Music for the 8th grade students. A curriculum is to design, organize and construct all the course of study systematically for students to attain concrete teaching goals through education, therefore the contents of the curriculum should be taught in the educational field. To research into the present situation whether the Korean lyric song are substantially taught in class, that is contained in the 7th Curriculum as a teaching matter for the 8th grade students, I carried out questionnaire for one month from March to April in 2003. The subject of this research is the 9th grade students, who completed the 8th grade curriculum and two hundred students(40 students per each school) answered the questions in five middle schools located in Seoul and Gyeonggi Province. According to the result, less than 10% answered that they have learned Korean lyric songs in the class, also less than 1% answered that they could answer the questions about whether they recognize and comprehend Korean lyric songs. As previously stated, it has turned out that students do not have any knowledge of Korean traditional lyric songs the 8th grade students should know thoroughly. This thesis aims at suggesting the effective teaching method for teachers to teach students Korean traditional lyric songs in the class. In this method, Pyeon-rak is selected as a teaching material music and the procedure consists of six steps to present the teaching method of each step. The details of this teaching method are as follows: In the 1st step, evoke students' self-confidence in Korean lyric songs through the historical, cultural, and aesthetic value of Korean lyric songs. In the2nd step, teach general theoretical knowledge about Korean lyric songs such as history, musical scale, music form, and the relationship between songs and the accompanying instrument and let students understand contents and meanings of lyrics accurately. In the 3rd step, as a basic step for practicing singing, teach students how to read “Jeongganbo”, the Korean traditional musical note. In the 4th step, students understand music forms of Korean traditional 16-tune rhythm and 10-tune rhythm and practice beating of the teaching material music. In the 5th step, students practice rhythm songs that is composed with fundamental rhythms and after training Yulmyeongchang through Yulmyeong, students practice reading lyrics of the song with rhythm. After students feel free to read lyrics, they practice singing the original music of Pyeon-rak. Finally, in the 6th step, students listen to the Korean lyric songs of great singers and compare, analyze and discuss what they practiced during the class. I hope that this thesis can make a lot of Korean lyric songs taught actively in the educational field. I believe that such an effort will be able to have students take pride in Korean lyric songs, promote the appreciation of the whole field of Korean traditional music, and also have the devotion to our own boastful cultural inheritance.

韓國歌曲에 대한 硏究 : 1920년이후의 시대별 가곡경향및 한국가곡 발전과정에 대하여

임휴민 한양대학교 대학원 1988 국내석사

독일예술가곡이 중국예술가곡의 발전에 미친 영향 연구 : 샤오유메이의 음악을 중심으로

진명 경희대학교 대학원 2022 국내박사

The purpose of this study is to explore the musical works of Xiao Youmei (1894~1940), who is known as the frontier of Chinese music development to investigate the influence of German art songs on the creation and development of Chinese art songs. Art songs hold a special aesthetic value to humans. The spread of art songs functions as an important indicator to verify the civilization level of a nation or an ethnic group. Since Xiao Youmei was pursuing a doctoral course in vocal music and had experiences singing various western art songs, it augmented his interest in Chinese art songs. While developing his capabilities as a musician, he based on the musical works in China and investigated the historical traces of the creation and development, and he realized the pressing need to excavate the historical background, music culture, and national spirit connoted in the art songs of his home country. There is an old Chinese saying, ‘Know the fact and the reason.’ It means that the surface of the object must be known, and the nature and the cause of the occurrence of the object also have to be recognized. To this end, the musical works of the Chinese composer Xiao Youmei will be inspected to understand the inner connection between Chinese art songs with the music of many countries around the world as well as how Chinese art songs have developed until now. This study will conduct a comparative study on the composition skills of Xiao Youmei influenced by German art songs to understand the starting point of early Chinese art songs and also focus on the works of the composers who are active in China to emphasize the importance. It is anticipated that this study will function as a foothold for research on early Chinese art songs. Xiao Youmei is referred to as the father of Chinese modern music, the beginning of Chinese modern music, and the first man to compose Chinese art songs. He was one of the first Chinese musicians to study abroad in the west, and he received his doctoral degree in musicology from Königliches Konservatorium der Musik zu Leipzig. Although he was near 30 when he went to study abroad in Germany and was not at the best age to learn about musical performances, he learned different fields at once such as music performances, theories and composition, pedagogy, psychology, philosophy, and aesthetics and made efforts to be knowledgeable to work in the field of music composition and music education. He was the first Chinese composer to compose songs by using western composition skills. He integrated Chinese and western music and performed research on music composition, music education, and music theories and holds consistent representation in modern and contemporary Chinese music styles. In addition, it causes an important influence on Chinese music in the present. Xiao Youmei persistently referred to the characteristics of German art songs while he composed music and even more, he combined traditional Chinese poetry with folk songs and created art songs that represent the distinct features and class of the Chinese people. Chinese composers succeeding Xiao Youmei used sophisticated techniques, meaningful content, popular trends of the times, and powerful influence and started to compose art songs that reflect the Chinese features. This study will begin by discussing the creation and development process of German and Chinese art songs. This study will analyze by focusing on how Chinese art songs were created and developed under the influence of German art songs. Back then, German-Austrian art songs were reputable among western art songs. Composer Xiao Youmei was strongly influenced by German music style while he studied abroad in Germany so this study begins by considering the history of how German art songs developed. Additionally, this study focuses on how Chinese art songs referred to German art song composition skills and integrated with the characteristics of Chinese national music and developed the composition process. This study introduces the composers and works that led the Chinese art songs back in the ‘May Fourth Movement’ period¹ including Chinese composers Xiao Youmei, Zhao Yuanren (1892~1982), Qingzhu (1893~1959), Huang Tzu (1904~1938), and Youseolam (1905~1985). This study centers on the life of composer Xiao Youmei, his years of studying in Germany, various musical achievements and acknowledgeable performances. This study discusses Xiao Youmei’s four art songs like <Ask>, <Swallows flying southward >, <Listen>, and <One Year> and compares with the composition skills of German art songs to analyze by centering on the composition skills like the lyrics, melodies, rhythms, harmonies, and structures. Accordingly, this study explores how Xiao Youmei applied German composition skills to compose Chinese art songs and how it was based upon them to realize distinct national features. This influenced the composers of Chinese art songs in the later generation and their works emphasize the importance of Xiao Youmei’s musical achievements. Furthermore, this study aims to investigate Xiao Youmei’s ‘Chinese-Western combined’ music value, so this study recognizes how Western music education affected Xiao Youmei’s views on music education as well as how the theoretical system of Western music influenced Xiao Youmei’s musical theory system. 본 연구는 중국음악의 발전에 선두주자라고 할 수 있는 샤오유메이(萧友梅, 1894년~1940년)의 작품을 통해 독일예술가곡이 중국예술가곡의 생성과 발전에 미친 영향에 관한 연구이다. 인간에게 있어서 예술가곡은 특별한 미적 가치를 지니고 있다. 예술가곡의 전파 정도는 한 나라, 한 민족 문명 정도의 높고 낮음을 보여주는 중요한 표지가 된다. 성악 전공의 박사 과정 학생으로서 다양한 서양 예술가곡을 부른 경험을 통해 중국 예술가곡에 대한 관심도 함께 높아졌다. 음악가로서의 역량을 강화하고 성장해가는 과정에서 중국의 음악 작품에 입각하여 그 생성 및 발전의 역사적 궤적을 탐구하고, 자국의 예술가곡 뒤에 내포된 역사적 배경, 음악 문화 및 민족정신 등을 발굴해야 함이 절실하다는 것을 느끼게 되었다. 중국의 옛말에 ‘그 사실을 알고, 그 까닭을 안다’라는 말이 있다. 이 말은 사물의 표면적인 현상도 알아야 하고, 사물의 본질과 그 발생의 원인도 알아야 한다는 뜻이다. 그래서 본 연구에서중국 예술가곡과 세계 여러 나라 음악 간의 내적 연관성을 이해하기 위해 중국 예술가곡은 어떤 형태로 지금까지 발전해 왔는지를 중국 작곡가 샤오유메이의 작품을 통해 연구하고자 한다. 독일 예술가곡에서 영향을 받은 샤오유메이 작곡기법을 비교 연구함으로써 초기 중국예술가곡의 출발점을 이해 할 수 있고 현재에 이르기까지 중국에서 활동하는 작곡가들의 작품을 통해 샤오유메이 음악의 중요성을 강조하였다. 이 논문을 통해 초기 중국 예술가곡 연구에 발판이 될 것이라 믿는다. 샤오유메이는 중국 근대음악의 아버지, 중국 현대음악의 효시, 중국 예술가곡 작곡의 제일인으로 불린다. 그는 중국에서 서양으로 유학한 최초 음악가 중 한 사람이며 독일 라이프치히 음악학원에서 음악학 박사 학위를 취득하였다. 비록 그가 독일로 유학 갔을 때 서른 살이라는 나이에 가까웠고, 음악 기능을 배울 수 있는 가장 적합한 나이는 아니었지만, 그는 음악공연, 이론, 작곡, 그리고 교육학, 심리학, 철학, 미학 등 여러 분야에서 동시에 손을 대 자신이 음악작곡과 음악교육에 종사하는데 필요한 지식을 갖추도록 노력하였다. 그는 서양 작곡기법을 사용하여 작곡한 최초의 중국 작곡가이다. 샤오유메이는 중국과 서의음악을 결합하여 그의 음악작곡, 음악교육 및 음악이론의 연구 전반에 걸쳐 중국 근·현대 음악 생활에서 일정한 대표성을 가지고 있으며, 당시뿐만 아니라 오늘날의 중국 음악에 중요한 영향을 끼친다. 샤오유메이는 작곡 중에 끊임없이 독일 예술가곡의 특징을 참고하고 학습하며, 아울러 중국 전통 시가와 민요를 융합시켜 중국의 민족 특색과 품격을 갖춘 예술가곡을 형성시켰다. 샤오유메이의 뒤를 이어 중국 음악가들은 세련된 기법, 의미 깊은 내용, 시대성과 감화력이 풍부하고 선명한 중국 특색이 있는 예술가곡을 작곡하기 시작하였다. 본 연구의 시작은 독일 예술가곡의 생성과 발전과정 및 중국 예술가곡의 생성과 발전과정을 논술한다. 중국 예술가곡이 독일 예술가곡의 영향 아래 어떻게 생성하고 발전했는지에 중점을 두고 분석한다. 당시 독일-오스트리아 예술가곡은 서양 예술가곡에서 중요한 위치를 차지한다. 작곡가 샤오유메이는 독일 유학시절동안 독일 음악 스타일의 영향을 많이 받았기 때문에 본 연구는 독일 예술가곡의 발전역사에 대한 고찰을 시작으로 전개된다. 또한 본 연구는 중국 예술가곡이 독일 예술가곡 작곡기법을 참고하고 중국민족음악의 특색과 결합하여 발전한 작곡 과정을 체계적으로 소개한다. 그 중에서 '5·4운동 시기' 의 작곡가 샤오유메이, 조원임(赵元任, 1892~1982), 청주(靑主, 1893~1959), 황자(黃自, 1904~1938), 유설암(劉雪庵, 1905~1985) 등 중국 예술가곡의 선봉에 선 작곡가와 작품을 소개한다. 작곡가 샤오유메이의 생애와 독일에서 공부한 경력, 각종 음악실천 및 그가 이룩한 주목할 만한 성과에 관하여 본 연구에서 상세히 소개한다. 본 연구의 본문에서는 샤오유메이의 네 개의 예술가곡《问(묻다)》,《南飞之雁语(남비지안어)》,《听(듣다)》《年(일년)》을 예로 들어, 독일 예술가곡들의 작곡기법을 비교하면서, 가사, 선율, 리듬, 화성, 형식 등의 작곡기법을 중심으로 분석하였다. 샤오유메이가 어떻게 독일 작곡기법을 활용하여 중국 예술가곡을 작곡했는지, 그리고 이를 기초로 하여 어떻게 민족특색을 구현했는지 고찰한다. 이는 후대의 중국예술 가곡 작곡가들에게도 영향을 끼쳐 그들의 작품을 통해 한번 더 샤오유메이 작품들의 중요성을 강조하고 있다. 또한 본 연구에서는 샤오유메이의 ‘중서결합’의 음악관념의 형성을 탐구하기 위하여 서양 음악교육 양식이 샤오유메이의 음악교육관에 끼친 영향과 서양음악 이론체계가 샤오유메이의 음악이론체계의 형성에 끼친 영향도 고찰한다.

황자(黃自)의 고시사 예술가곡과 현대 시사 예술가곡에 대한비교 연구

완밍샤 추계예술대학교 일반대학원 2023 국내박사

예술가곡은 18세기 말부터 19세기 초에 유럽에서 유행하기 시작하였다. 그로부터 100여년이 지난 후 중국에서는 외국유학에서 돌아온 음악가와예술가들의 끊임없는 연구와 노력으로 중국의 예술가곡은 큰 발전과 변화가 나타나기 시작했다. ‘중국 예술가곡’은 중국의 고대시나 현대시를 가사로 사용하고, 서양의 작곡기법을 접목시킨 것으로 중국 민족음악의 특징을 살린 가곡을 지칭한다. 중국의 ‘예술가곡’ 창작은 오래된 역사를 지니고 있지는 않지만, 고유하고 독특한 중국 예술가곡 만의 특징을 가지고 있다. 그 중에서도 황자(黄自, 1904-1938)의 고시사 예술가곡은 중국 예술가곡 초기 대표작품으로써그 특징을 가장 잘 나타내주고 있다. 황자는 작품을 통해서 우리는 다음과 같은 특징을 알 수 있다. 첫째, 중국 고시사 예술가곡은 사회적 격동기, 수난기 및 문화 변혁기내에서 시작되었으며, 동·서양의 우수한 문화가 융합되고 내표되어 있다. 둘째, 서양의 낭만주의의 영향을 받은 동시에 동양 고전주의가 가지고있는 미학의 정수(精髓)와 강한 애국주의 정서도 함축되어 있다. 이를 통해 황자는 후대에 ‘애국 노래의 왕’이라고 불리게 되었다. 본 연구를 통해, 중국 고시사 예술가곡의 대표로써 황자의 초기작품은음악교재편찬을 목적으로 시작되었고, 황자는 가곡창작 뿐만 아니라 교육및 학문적 연구에도 관심이 있었음을 알 수 있었다. 또한 황자의 가곡창작 시기와 작품을 분석한 후, 분석내용을 바탕으로그의 작품들이 후대에 어떤 영향을 끼쳤는가를 확인하였다. 그는 중국의민족음악과 서양의 작곡기법을 연구하여 새롭게 변화되고 완성도 높은 그만의 음악세계를 완성하였다. 그 결과, 황자의 음악은 후대의 많은 음악가들에게도 깊은 영향을 끼쳤다. 중국의 후대 음악가들은 황자의 음악적 영향을 받아 고전 예술가곡을계승 발전시켜 중국내 근현대음악사의 중요한 음악가로 성장하였다. 이에황자는 ‘중국 예술가곡의 대가(大家)' 라는 칭송을 받기도 했다. 황자가 지니고 있는 예술성을 서양가곡의 왕인 슈베르트와 단순 비교할수는 없지만, 시대적, 사회적 배경이 다른 상황 속에서 황자는 중국 예술가곡의 개척자 역할을 했다고 볼 수 있다. 고시(古詩) 와 예술가곡에서나타나는 문학적 소양과 음악적 특성을 융합시킨 그의 시도는 슈베르트가독일과 오스트리아의 서양가곡을 새롭게 작곡했던 것과 같은 역할이었다. 또한 황자의 작품에 나타난 독창성은 이성적이고 합리적인데, 이는 슈베르트와 같은 서양 음악가들의 획기적인 음악적 특성을 흡수한 것으로보인다. 이 때문에 황자는 ‘중국의 슈베르트’라고 불린다. 20세기 초 대표적인 중국 고시사 예술가곡은 황자를 통해 동·서양 문화의 종합적인 영향을 받아 중국 예술가곡의 기초적 배경이 되었음을 선행연구를 통해 알 수 있었다. 본 논문의 연구목적은 황자의 짧은 생애를 구체적으로 정리함과 동시에고시사 예술가곡 다섯 작품과 현대 시사 예술가곡 세 작품을 비교·연구하고 그 차이점을 살펴보고자 한다. 또한 중국고전 미학사상을 분석하고 내용을 살펴보고자 한다. 본 연구를 통해 중국 예술가곡 및 황자의 예술가곡 연구 기초자료 제공과 추후 세계 각국의 성악가들이 중국의 초기 예술가곡에 대한 이론 연구에 활용되었으면 한다. In the late 18th century and the early 19th century, art songs gradually began to prevail in Europe. More than 100 years later, with the exploration and efforts of a group of musicians and writers studying abroad, artistic songs have gradually prospered in China. Generally speaking, we call them "Chinese art songs" that use ancient Chinese poetry or modern poetry as their lyrics, follow western composition techniques, and have the characteristics of Chinese folk music. Among these kinds of works, Huang Zi's art songs, especially the ancient poetry and art songs, have a relatively early history, and they also have the most characteristics of Chinese art songs. The study of yellow poems and art songs since ancient times shows that Chinese art songs were born under the turbulent period of the country, the national hardship period and the period of cultural change, which contains the inheritance and integration of the two excellent cultures of the East and the West. At the same time, Huang Zi‘s modern poetry and art songs not only have the influence of Western Romanticism, but also have the aesthetic essence of Oriental classicism, and also have strong nationalistic or patriotic feelings. Because of this, Huang Zi is called "the King of patriotic songs". This study also found that many of Huang Zi's vocal music works represented by ancient poems and artistic songs were originally written for music teaching materials, and Huang Zi was also undertaking heavy teaching tasks during the creation process. Therefore, it is inferred that these works have strong teaching and research purposes. After analyzing the creation time sequence of these works, he also found that the innovation of the integration of folk music and western techniques was also gradually mature only after continuous practice and exploration. At the same time, these achievements have deeply influenced Huang's students through Huang's teaching. His students later created a large number of classic art songs, many of whom became important figures in the history of modern Chinese music. Therefore, Huang Zi is also known as the "generation of music master". Although due to different times, different social background, artistic achievements can not simple analogy, but if shubert as huang reference object, huang in Chinese art songs is very key, in his ancient poetry art songs reflected in the literary accomplishment and music bold breakthrough, and shubert in the German art songs create a similar role. The innovation of The Times reflected in these works is scientific, rational and orderly, which is reflected in Huang Zi's modern poetry and art songs, which also draws on the successful experience of Schubert and other Western music figures. Therefore, Huang Zi is also known as the "Schubert of China". This study in Chinese art songs cannot independently born and developed, as an important representative of huang poetry art song is by social factors, cultural factors, western culture, Oriental thought and other comprehensive factors based on the fact, in the early 20th century Chinese art songs as the background, specific comb huang short life, This paper focuses on the comparative analysis of Huang Zi's five ancient poems and three modern poems. to read the profound Chinese classical aesthetics, put forward the academic view of this study, etc. Therefore, this study hopes to provide basic materials for the birth of Chinese art songs and the study of Huang Zi's art songs, and to provide theoretical background and inspiration for the vocal music peers in various countries to sing Chinese ancient poetry works in the future.

현대사회 문화콘텐츠로서 전통가곡(歌曲)의 활용방안 연구 : 현대사회 문화콘텐츠로서 전통가곡(歌曲)의 활용방안 연구

김문조 공주대학교 문화유산대학원 2019 국내석사

여창가곡의 가야금 선율 연구 : 우락, 환계락, 계락을 중심으로

강민정 이화여자대학교 대학원 2003 국내석사

가곡(歌曲)은 정악(正樂)1)의 갈래에 드는 조선 후기에 나타난 대표적인 성악곡으로, 시조시를 5장 형식의 일정한 틀에 얹어서 부른다. 전주에 해당하는 대여음에서 관현악기들이 독자적으로 연주를 하다가 대여음 마지막 각 12박 합장단(□)에서 연주를 그친다. 그에 이어서 초장부터 노래를 시작하고, 현악기는 초장 제 1각 9박 쿵(○)에서부터, 관악은 12박 합장단(□)부터 연주를 한다. 가곡을 노래하고 연주할 때 이루어지는 일련의 절차는 형식미(形式美)를 가진 정악의 절도를 보여준다고도 할 수 있겠다. 앞서 언급한 것처럼 가곡 반주는 악기마다 쉬고 나오는 절차가 약속되어 있고, 악기의 선율과 성악 선율이 함께 혹은 따로 선율을 진행하면서 조화 이루게 된다. 이러한 가곡을 노래함에 있어서 반주 악기들이 중요한 부분을 차지하고 있음에도, 가곡이 성악곡이라는 이유로 반주 악기의 선율에 대한 연구 논문이 많지 않았다. 특히 여창가곡에서는 많이 다루어지지 않아, 가곡에서의 가야금 선율에 대한 논문이 미흡하였고 생각한다 그리하여 본 논문에서는 현행 여창가곡 우락(羽樂)·환계락(還界樂)·계락(界樂)을 성악 선율에 대한 반주 악기로써 가야금 선율을 고찰해 보았다. 가야금과 성악의 선율을 비교함과 동시에 싸랭법, 옥타브 저음법, 종지법, 탄현법으로 가야금의 연주법을 나누어 살펴보았다. 이를 정리하면 다음의 6가지로 요약할 수 있겠다. 첫째, 우락·환계락·계락을 각각 성악과 가야금 악보를 통하여 비교한 결과 성악에서 우락의 초장과 2장은 환계락의 초장·2장과 3군데 장식음을 제외하고는 모두 동일한 선율을 보였다. 환계락의 4장·5장은 계락의 4장·5장과 장식음 2군데와 악보 상으로 마지막 장단의 박자가 다른 것을 제외하고 같았다. 가야금의 경우는 우락과 환계락의 초장·2장이 같고, 환계락의 4장과 계락의 4장이 같았다. 이로써 19세기 후반에 나타난 반우반계의 환계락이 우조인 우락과 계면조인 계락의 음을 차용하여 만든 변주곡임을 확인 할 수 있었다. 둘째, 가야금 선율과 성악 선을 비교에서 우락 총 5장 203박 중 동일박이 51박으로 25.1%, 유사박은 85박으로 41.9%, 상이박은 67박으로 33%를 차지하였다. 환계락은 총 5장 195박 중에 동일박이 66박으로 33.8%, 유사박이 66박으로 33.8%, 상이박이 63박으로 32.3%이었다. 계락은 총 5장 165박 중 동일박이 58박으로 35.1%, 유사박이 44박으로 26.7%, 상이박이 63박으로 38%를 나타내고 있다. 우락에서는 유사박이 환계락은 동일박과 유사박이 계락은 상이박이 가장 큰 비중을 차지하고 있다. 셋째, 가야금의 연주 방법인 싸랭법(□)을 살펴보면, 우락 2장·4장, 환계락 2장·4장·5장, 계락 4장을 제외한 모든 장에서 싸랭으로 반주를 시작한다 싸랭은 장구의 제 1박과 12박의 합장단(□)과 제 4박과 9박의 북편을 치는 박(○)에서 나타났다. 싸랭을 하는 음으로는 黃, 太, 仲, 林이 있었는데, 仲이 50%, 林이 22.5%, 黃이 15%, 太가 12.5%의 빈도수를 보였다. 가야금이 싸랭을 연주할 때는 성악도 싸랭을 하는 음과 같은 음을 노래한다. 넷째, 성악 선율이 동일음을 3박 이상 지속할 때 주로 가야금 선율은 옥타브 저음법으로 연주함으로써 동일음에 변화를 주어, 성악 선율과의 조화를 이루었다. 다섯째, 가야금 선율에서의 종지법은 우락·환계락의 초장의 종지형이 동일했고, 우락·환계락·계락의 2장·3장·4장은 각각 장의 종지형이 서로 같았다. 하지만 세 곡의 5장은 모두 종지형이 다르다. 총 15번의 종지에서 남-중-황의 종지형이 7번으로 46.7%, 남-태황(□^♬)-남의 종지형이 3번으로 20%, 仲-黃-太의 종지형이 2번으로 13.3%, 仲-黃-仲의 종지형과 林(□)-林( o )-남 종지형, 황-남-황 종지형은 1번씩 나타나 각각 6.7%의 비중을 차지하고 있다. 종지법은 성악 선율이 끝나고 독립적으로 나타나는 데, 농현을 하지 않고 개방현으로 연주하게 된다. 또한 우락과 환계락, 계락의 초장 9박에서 11박까지는 남-중-황으로 가장 많이 쓰인 종지형과 같은 선율이 출현하는데, 이는 초두에 나타나는 악구종지라고 할 수 있다. 여섯째, 모지로 타는 법(-), 장지로 타는 법(□), 뜰 하는 법(□), 튀기는법( o )으로 나누어 가야금의 탄현법을 알아보았는데, 모지로 타는 음의 경우에는 주로 선율이 하행 진행할 경우에 사용되었다. 장지로 타는 것은 독자적으로 사용되기보다는 앞서 살펴본 옥타브 저음법이나 옥타브 관계의 위·아래 음, 가야금 악기의 구조 상 세 줄 이상의 도약을 필요로 하는 음, 악구 종지·종지법에서 모지-장지 순으로 사용되고 있음을 보았다. 뜰로 연주하는 음은 싸랭과는 달리 강박이 아닌 채편 가볍게 치는 박 인 더러러( □ )나 덕(·)에서 나옴을 알 수 있었다. 음을 튕기는 방법으로 연주할 때는 장단이나 선율에 대해서 일정한 규칙성을 보이는 것은 없지만, 환계락과 계락의 경우에서 보면, 싸랭이나 슬기둥 뒤에 나타나 음을 동일하게 지속하는데 사용되었음을 볼 수 있다. 우락과 환계락의 초장과 2장, 환계락과 계락 4장이 동일한 선율임에도 악보 상으로는 주법을 기보한 것에 차이가 있었다. 또한 동일음을 지속하는 선율에 있어서 여러 가지 연주법을 섞어서 진행한 것 등으로 미루어 보아 가곡을 연주하는데 있어서의 가야금 탄현법은 연주의 편이와 장단·성악 선율과의 조화를 위하여 사용된 것으로 보인다. 지금까지 가야금의 선율을 살펴보았다. 가곡의 반주에 있어서 가야금은 대부분 성악의 주요 선율을 따라 유사 선을 진행을 함으로 성악의 선율에 크게 다른 선율을 연주하지 않는 것을 볼 수 있었다. 또한 다양한 연주법의 변화를 주어 성악 선율과의 조화를 이루었다고 하겠다. 이와 같이 가곡은 성악만을 즐기는 것이 아니고 가야금과 그 밖의 반주 악기들로 이루어진 관현악 반주의 조화가 중요한 부분을 차지하고 있다고 하겠다. The author believes that there have not been sufficient comparative studies on the melodies of vocal music and Gayageum accompaniment to songs, and this study aimed to compare the said melodies and search for the Gayageum accompaniment methods, centering on such current female songs as Urak, Hwangye-rak, and Gyerak. First, Urak, Hwangye-rak, and Gyerak were compared each other using the vocal music and Gayageum musical notes. The findings include the following. Chapters 1 and 2 of Urak are the same as those of Hwangye-rak to the exception of three grace notes and that Chapters 4 and 5 of Hwangye-rak are the same as those of Gyerak to the exception of two grace notes and the number of the last rhythm. As for Gayageum, Chapters 1 and Chapter 2 of Urak are the same as those of Hwangye-rak and the middle female tone and Chapter 4 of Hwangye-rak are the same as those of Gyerak. As a result, it is determined that Hwangye-rak, which came into being late in 19th century, borrowed the rhythms of Urak and Gyerak and remains a variation of them. Second, Gayageum accompaniment melodies were compared with the melodies of vocal music. There are 5 chapters and 203 beats in Urak; the same beats account for 25.1% (51 beats), similar beats 41.9% (85 beats), and different beats 33% (67 beats). There are 5 chapters and 195 beats in Hwangye-rak; the same beats account for 33.8% (66 beats), similar beats 33.8% (66 beats), and different beats 32.3% (63 beats). There are 5 chapters and 165 beats in Gyerak; the same beats account for 35.1% (58 beats), similar beats 26.7% (44 beats), and different beats 38% (63 beats). As a result, it is determined that most of Gayageum accompaniment melodies resemble major rhythms of the vocal music and employs analogous tunes. Third, Gayageum melodies are usually accompanied and provide the same melodies with octave changes using the octave bass accompaniment method, while the vocal music melodies proceed with more than three beats of the same tunes. Fourth, the Ssaraeng(□) accompaniment method for Gayageum was investigated. As a result, it is found that the accompaniment is started with Ssaraeng in all chapters except for Chapters 2 and 4 of Urak, Chapters 2, 4, and 5 of Hwangye-rak, and Chapter 4 of Gyerak. Ssaraeng is attested in Hapjang-dan(□) executed by 1 beat and 12 beats of Janggu and in (○)-beat executed by 4 beats and 9 beats of a drum. Ssaraeng is achieved by the tones such as Hwang(黃), Tae(太), Jung(仲), and Lim(林); Jung accounts for 50%, Lim 22.5%, Hwang 15%, and Tae 12.5% in their frequency. The vocal music generally performs the same tunes as Ssaraeng while Gayageum plays Ssaraeng. Fifth, the Gayageum accompaniment melodies finish independently after the vocal music melodies have ended. Chapter 1 of Urak and Hwangye-rak finishes in the identical form and Chapters 2, 3, and 4 of Urak, Hwangye-rak, and Gyerak do the same. In contrast, Chapter 5 of the aforesaid three tunes finishes differently each other. The total of 15 finishing forms have been detected; the finishing form of Lim-Jung-Hwang(□-□-□) accounts for 46.7% (7 times), the form of Lim-Taegwang-Hwang-Lim(□-□□(□⌒♬)-□) 20% (3 times), the form of Jung-Hwang-Tae(仲-黃-太) 13.3% (2 times), and the forms of Jung-Hwang-Jung (仲-黃-仲), Lim-Lim-Lim(林(□)-林(□)-□), and Hwang-Lim-Hwang(□-□-□) 6.7%, respectively (1 time). The most frequent finishing form of Lim-Jug-Hwang (□-□-□) is attested in 9 beats to 11 beats, the first Gak, Chapter 1 of the three tunes; it is a finishing form used in the initial part of a music section.

19세기 예술가곡 연구 : 시와 음악의 관계를 중심으로

박미향 경희대학교 대학원 2000 국내석사

19세기 독일 낭만파 가곡이 다른 가곡들보다 예술적 가치를 높이 평가받는 이유가 무엇인지, 음악인들뿐 아니라, 일반인에게까지 사랑 받고 있는지 알아보고자 본 연구를 시작하였다. 19세기 독일 낭만가곡은 Kunstlied(예술 가곡)라 불리우는데, 이것은 독일가곡 작곡가들이 괴테를 비롯한 쉴러, 하이네, 뫼리케 등의 시에서 영감을 받아서 작곡하였다. 이들은 시에 대한 예민한 감수성과 음악적인 재능을 결합함으로써 시와 음악이 완전한 조화를 이루었다고 평가 받고 있다. 이 시와 음악의 완전한 조화, 다시말하면, 기존의 문학작품(시)와의 결합을 통해 성악곡이 만들어졌다는 것을 알 수 있다. 시와 음악은 각기 다른 장르이지만, 성악은 이 둘을 하나로 만든다는 흥미로운 본질을 가지고 있다. 당시의 독일 작곡가를 보면 문학사조나 음악사조에 깊이 관여하면서 나름대로 독창성을 가지고 음악과 시의 이상적인 결합을 추구하였다. 슈베르트에 의해 Kunstlied라 불리우게 되었고, 슈만 브람스 등이 다양한 표현으로 아름다운 가곡을 발표하였다. 예술가곡의 전반적 고찰을 위해 가곡의 기원과 19세기 독일낭만가곡의 시대적 배경, 당시의 예술 조류 등 중흥에 대해 이야기하였다. 이 논문의 중심인 시와 음악의 완전한 조화 부분은 예술가곡의 본질이란 제목 하에 시와 음악의 혼합과정을 당시의 시와 시의 형식, 음악 요소, 시의 음악적 전환 등으로 설명하였다. 이것으로 예술가곡에서 시와 음악의 결합과정과 이로 인한 가곡의 발달계기를 제시하였다. The main purpose of this paper is to study the German Romantic Lied in the 19th century. This paper shows why the 19th century's the German Romantic Lied is of best value to people. The German Romantic Lied was influenced by Goethe's poet. Because Goethe's poet is very sensibility, his poet made perfect harmony with Lied. that is, the 19th century's the German Romantic Lied developed into a art form which is articulate existing literature genre. Although poetry and music are different genre, the Romantic Lied created mixing two genres. In the 19th century, German composers a participated in the trend of literature and music and pursued to mix music and poetry. This paper was talked about the Lied's origin, in the 19th century background of the German Romantic Lied and current of art. This paper main theme- harmony of the poetry and music- was researched into verse, verse's form and music element, verse's musical convert At last, I wish that in this paper the Lied is literarily known and going forward you can also understand composer's intension. If you go to this way, you will find out the true value of the Lied.