서울대학교 음악대학 국악과 60년, 국악 정기연주회의 성과

설보라 서울대학교 동양음악연구소 2019 동양음악 Vol.46 No.-

샤르팡티에(Marc-Antoine Charpentier, 1643-1704)의 종교음악, 혹은 음악 적 근대의 잃어버린 고리: ≪마니피캇≫ (Magnificat) H73을 중심으로

정경영 서울대학교 음악대학 2024 음악이론연구 Vol.43 No.-

샤르팡티에의 ≪마니피캇≫ H73은 흥미로운 작품이다. 이 작품이 샤르팡티에가 살 았던 시대의 정치적, 문화적, 사회적, 역사적 환경을 드러내 보여주기 때문이다. ≪마니 피캇≫ H73에는 샤르팡티에가 이탈리아에서 배웠을 법한 하행4도 오스티나토, 예수회 의 영향을 받았을 생생한 가사그리기와 수사학적 방법이 나타난다. 그뿐만 아니라 이 작품에는 당대 프랑스에서 유행했던 파사칼리아의 특징도 포함되어 있다. 따라서 이 작 품을 분석해 보면 17세기 프랑스의 음악적 지형도가 드러난다. 또한 이후의 음악사적 전개에서 나타나는 프랑스-이탈리아 음악 논쟁을 단순히 음악적 문제나 취향의 문제가 아니라 정치적, 사회적 문제로 이해할 수 있게 되며, 기악음악이 자율성을 갖게 되는 음악적 근대성의 역사적 전개를 재고하게 된다. Charpentier’s Magnificat H73 is an interesting piece. This is because it reveals the political, cultural, social, and historical environment of the time in which Charpentier lived. Magnificat H73 displays the descending tetrachord ostinato that Charpentier may have learned in Italy, as well as vivid text-painting and rhetorical methods that may have been influenced by the Jesuits. In addition, it also contains features of the passacaglia that were popular in France at the time. Analyzing this work reveals the musical topography of seventeenth-century France, enabling us to understand the Franco-Italian musical controversy in the subsequent development of music history as a political and social issue, not merely a matter of music or taste, and to reconsider the historical development of musical modernity in which instrumental music gained autonomy.

‘디지털 테크놀로지’와 ‘전통’의 대화: 포스트디지털 음악미학 탐색

오희숙 서울대학교 음악대학 2025 음악이론연구 Vol.44 No.-

‘디지털 혁명은 끝났다.’ 네그로폰테의 이 선언은 디지털 도구와 표현이 이제는 새로운 변화를 가져오는 것이 아니라 일종의 시대 정신으로 자리 잡았다는 것을 의미한다. 이러한 변화된 상황은 ‘포스트디지털’ 개념으로 축약된다. 그렇다면 음악에서 ‘포스트디지털’ 현상은 어떻게 나타날까? 과연 포스트디지털 음악의 양식적⋅미학적 특성은 무엇일까? 본 논문은 이러한 문제의식에서 출발하여, 포스트디지털 음악의 대표적 작곡가로평가되는 알베르토 베르날(Alberto Bernal, 1978-), 요하네스 크라이들러(Johannes Kreidler, 1980-), 막시밀리안 마르콜(Maximilian Marcoll, 1981-), 안톤 바실예프(Anton X. Vasilyev, 1984-)의 음악을 연구하였다. 이를 통해 포스트디지털 시대의 창작 방식의 변화와 특성, 그리고 이에 따라 나타난 미학적 특성을 탐구하는 것이 본 논문의 목적이다. 연구를 통해, 포스트디지털 음악은 최첨된 테크놀로지를 활용하지만 무조건적인 새로움을 추구하기보다는 기존의 ‘전통’과 다양한 방식으로 밀접하게 접목하고 있음을 알수 있다, 이에 포스트디지털 음악은 기존의 음악적 재료를 활용하는 상호텍스트성 미학과 연결되며, 디지털과 아날로그의 경계를 넘나들면서 사회비판적 메시지를 드러낸다. 오랜 시간 축적된 음악의 ‘전통’은 테크놀로지의 발전에도 불구하고 무시되거나 배제되지 않고, 음악 창작의 흐름에 중요한 기반으로 작용한다는 것이 한편 역설적으로 보이지만, 한편 자연스럽게 보인다. 기술의 발전과 예술의 역사는 배타적으로 작용하지 않고, 서로서로 창의적인 대화를 나누며 예술의 역사를 새롭게 만들어가고 있는 것이다. “The Digital Revolution is Over.” This declaration by Nicholas Negroponte signifies that digital tools and modes of expression no longer herald transformative change, but rather have become ingrained as a kind of zeitgeist. This shift in context is encapsulated by the concept of the postdigital. How, then, does the phenomenon of the postdigital manifest in the realm of music? What are the formal and aesthetic characteristics of postdigital music? This paper begins with these questions and investigates the music of Alberto Bernal (b. 1978), Johannes Kreidler (b. 1980), Maximilian Marcoll (b. 1981), and Anton X. Vasilyev (b. 1984)—composers widely regarded as representative figures of postdigital music. The aim of this study is to explore the transformation in compositional practices and aesthetic features that emerge in the postdigital era. The research reveals that postdigital music, while employing cutting-edge technology, does not pursue novelty for its own sake. Rather, it integrates and reinterprets tradition in multifaceted ways. As such, postdigital music is linked to an intertextual aesthetic that utilizes existing musical materials and traverses the boundaries between digital and analog domains to articulate socially critical messages. The long-standing musical tradition, despite advancements in technology, is neither ignored nor excluded; paradoxically—or perhaps naturally—it continues to serve as a foundational element in the creative process. The development of technology and the history of art do not operate in mutual exclusivity; instead, they engage in a dynamic and creative dialogue, continually shaping the evolution of artistic expression.

모방과 창의성 사이의 테크놀로지: 코프(D. Cope)의 초기 AI 작곡 모델 에미(Emmy) 연구

오희숙 서울대학교 음악대학 2023 음악이론연구 Vol.40 No.-

AI(Artificial Intelligence) has made a significant impact on human life, and various AI composition models are now active in the field of music. What kind of aesthetic value does music created by AI? Starting from this critical question, this thesis examines David Cope's (b. 1941) early AI composition model called 'Emmy'. Cope developed the Emmy in 1981 while attempting "Experiments in Musical Intelligence." Emmy inputs the works of major composers in Western music history, analyzes each element of original music, discovers stylistic signatures through pattern matching, and recombines them through ATN(Argumented Transition Network) to create her own music. Emmy composed symphonies, piano sonatas, chorales, string quartets, and operas, which were hotly debated and criticized as "no heart," "soulless," and "cheap imitation" aroused all. However, as a result of examining the aesthetic discussion according to Emmy's creative process and acceptance, many prejudices intervened in the evaluation of Emmy's music. This thesis claims that Emmy's work is not a simple imitation of existing music, but implies its own aesthetic value. In other words, it is necessary to newly define the concept of creativity corresponding to the changes in music caused by the intervention of technology, to understand and evaluate the creative activities of AI more appropriately. Thus, we need a new aesthetic perspective that recognizes itself to comprehend the impact of AI on the art of music. 최근 AI는 인간의 삶에 깊숙이 개입하고 있으며, 음악 분야에서도 다양한 AI 작곡 모델이 활동하고 있다. 과연 AI가 창작한 음악은 어떤 미적 가치를 가지고 있을까? 본 논문은 이러한 문제의식에서 출발하여, 코프(D. Cope, 1941-)의 초기 AI 작곡모델 ‘에미’(Emmy)를 고찰하였다. 코프는 1981년부터 ‘음악 지능 실험’(Experiments in Musical Intelligence)을 시도하면서 에미를 개발하였다. 에미는 서양음악사의 주요 작곡가들의 작품을 입력 및 분석하고, 여기서 패턴 매칭을 통해 양식적 시그니처를 발견하고, 이를 확장천이네트워크(ATN)를 통해서 재합성하여 자신만의 음악을 만들어 낸다. 에미는 교향곡, 피아노 소나타, 코랄, 현악4중주, 오페라 등 다양한 장르의 수천곡의 작품을 작곡하였는데, 이 작품은 “싸구려 모방”, “영혼이 없는 음악”이라는 비판을 받으며 뜨거운 논쟁을 불러일으켰다. 그렇지만 에미의 창작과정과 수용에 따른 미적 논의를 살펴본 결과, 에미의 음악에 대한 평가에는 많은 선입감이 개입하였으며, 에미의 작품은 기존의 음악의 단순한 모방이 아니라, 자신의 고유한 미적 가치를 함축하고 있으며, 이후 AI 작곡의 중요한 토대가 됨을 알 수 있었다. 즉 AI의 음악을 보다 적합하게 이해하고 평가하기 위해서는, 테크놀로지의 개입에 따른 음악의 변화에 상응하는 창의성 개념이 새롭게 규정될 필요가 있으며, 컴퓨터가 생산한 음악에 대한 부정적인 선입관에서 벗어나 AI음악을 그 자체로 인정하는 새로운 미적 시각이 필요하다고 본다.

다니엘 모저(Daniel Moser)의 작품 《살풀이》를 통해 본 21세기 음악에서의 탈식민주의 담론

손민경 서울대학교 음악대학 2023 음악이론연구 Vol.40 No.-

This article analyzes Austrian composer Daniel Moser’s Salpuri (2017), composed amid the growing interest of Western composers in Korean music due to the recent K-culture trend, and examines the discourses of postcolonialism. Moser critically considered the musical exoticism that had arisen in the use of East Asian music by Western composers such as John Cage and Lou Harrison. He also tried to recreate the non-linear view of time in the East in Korean traditional dance Salpuri in contemporary music. For this purpose, the disintegration of the sense of rhythm, the subversion of the bars, and the juxtaposition of bi-cultural instruments were composed among the musical parameters in Western music. What is significant is that Moser’s use of Korean music was not a tool for other cultures but a reflection of his intention to discover the unique Korean sound by recognizing its relative value and existence of cultural others. Above all, Moser’s work evokes a unique sense of time listening, and ultimately contains the aesthetic significance of the ‘in-betweenness’ of post-colonial theorist Homi Bhabha. In other words, when the heterogeneous cultures of Korea and the West meet, the third sound space was created, embodying “a dynamic field of negotiation between differences.” 본 글은 오늘날 K-문화 열풍으로 서양 작곡가들의 한국음악에 대한 진전된 관심 속에서 창작된 오스트리아 작곡가 다니엘 모저(Daniel Moser)의 《살풀이》(Salpuri, 2017)를 분석하여 탈식민주의(postcolonialism) 담론을 고찰한 연구다. 모저는 그간 존 케이지와 루 해리슨과 같은 서양 작곡가들의 동양음악 활용에서 자주 제기된 문화 전유를 비판적으로 고찰하고 한국의 전통 무용인 살풀이에 담긴 동양의 비선형적 시간관을 현대음악에서 재생성하도록 하였다. 이를 위해 음악에서는 서양음악에서의 음악적 매개변수 중 박절 감각의 와해와 마디의 전복, 이중문화 악기의 병치가 이루어졌다. 중요한 것은 모저의 한국음악 활용이 타문화의 도구적 전용이 아닌 문화의 상대적 가치와 존재를 인정하여 고유한 한국의 소리를 발굴하려는 성찰(Reflection) 의식이 반영되어 있었다는 점이다. 이러한 모저의 작업은 무엇보다 독특한 시간 청취 감각을 환기하며, 궁극적으로 탈식민주의 이론가 호미 바바의 ‘틈새’(in-betweenness)의 미적 함의를 담고 있다. 즉, 한국과 서양의 이질적인 문화가 만났을 때 “차이들이 벌이는 역동적인 교섭의 장(field)”을 구현하면서 제3의 소리 공간을 창출한 것이다.

미국인 선교사와 기독교 지식인의 전통음악 인식과 실천: 『조선민요합창곡집 제1집』(1931)을 중심으로

허지연 서울대학교 음악대학 2023 음악이론연구 Vol.40 No.-

Korean Folk Songs, Vol. 1, published in 1931 by the department of music of Ewha College, is a significant literature in Korean music history in that it is an early case of arranging Korean traditional songs into Western music. This volume contains seven choir pieces based on Korean folk songs, arranged for soprano solo and female 3-parts with piano accompaniment. Missionary Mary Young (美理英, 1880-1967), who was the head of the music department at the time, and Keui Young Ahn (安基永, 1900-1980), a “Christian intellectual” who had just returned from studying in the United States and was appointed as a teacher of Ewha College, were in charge of the arrangement. In this paper, I investigate Ewha’s folk song project in three aspects. First, the progress of the project is traced in detail. Second, the lyrics of choir pieces are compared with those in Lee Sang-jun’s songbooks. And third, the Western music techniques used for arrangement are analyzed. Through this, I reveal that the lyrics of Ewha’s folk songs were influenced by values of enlightenment, and the indigenous melodies were arranged by introducing various techniques of Western music. Furthermore, I argue that this project was deeply connected to the mission of evangelization and civilization through Christianity. 이화여자전문학교 음악과가 1931년에 발행한 『조선민요합창곡집』은 한국 창작음악계에서 여전히 유효한 화두인 ‘전통의 현재화’라는 문제의식을 드러낸 초기 사례라는 점에서 음악사적 의의가 크다. 『조선민요합창곡집』은 재래의 민요를 피아노 반주가 붙은 소프라노 독창과 여성3부 합창용으로 편곡한 일곱 곡을 수록하고 있다. 편곡은 당시 음악과장이었던 메리 영 선교사(Mary Young, 美理英, 1880-1967)와 막 미국 유학에서 돌아와 교원으로 임용된 ‘기독교 지식인’ 안기영(Keui Young Ahn, 安基永, 1900-1980)이 담당했다. 이화의 민요 합창 프로젝트는 편곡, 공개 연주회 출연, 음반 발매, 악보집 출판 등으로 이어지며 식민지 양악계의 시선을 모았다. 이 연구에서는 메리 영과 안기영이 주도한 이 프로젝트를 세 가지 측면에서 접근한다. 첫째, 프로젝트의 경과를 구체적으로 추적하며, 둘째, 합창곡의 가사를 이상준의 ‘속곡집’에 수록된 가사와 비교하고, 셋째, 편곡에 동원된 서양음악 기법을 분석한다. 이를 통해 필자는 이화의 민요 합창곡이 계몽적 가치를 담은 가사를 채택하였고, 재래의 선율을 서양음악의 다양한 기법을 동원하여 편곡하였음을 밝혔으며, 더 나아가 이 프로젝트가 기독교를 통한 복음화와 서구 문명화라는 선교적 사명과 맥을 같이 함을 주장하였다.

스트리밍 시대 미디어를 통한 한국인의 음악청취행태 분석

박재록 서울대학교 음악대학 2023 음악이론연구 Vol.40 No.-

In South Korea, people listening to music through streaming service apps on their smartphones is increasing. According to diffusion of innovations theory, there should be differences in gender, age, education, and income among those who adopt this new technology early. This study investigates the differences in music listening behavior by these demographic attributes during the period of popularization of the new technology of streaming through smartphones, For this purpose, the Media Panel Diary data provided by Korea Information Society Development Institute was analyzed. Analyzing data from 2011 to 2022, some interesting changes during this period were found. Overall, music listening rates were found to increase in all gender, age, education, and income attributes. Within each demographic, women were more likely to use smartphones and streaming than men. In the early 2010s, younger people listened to more music, but by 2020, teenagers listened to less music than 20s, and 30s listened to less music than 40s and 50s. The higher the education level, the higher the music listening rate. There was little difference in music listening by income level. The difference between listening to music on smartphones and streaming also showed little difference by income level. Smartphones and streaming have different properties as media, but there is little difference as media used for listening music. While there are some limitations and unsatisfactory parts in this article, the significance of this study is that it tracked changes in music listening behavior as the media environment has changed since 2011, and makes meaningful findings across demographic attributes. 한국에서 스마트폰의 스트리밍 서비스의 앱을 통해 평소 음악을 듣는 사람들의 비율이 높아지고 있다. 혁신확산이론에 따르면 이런 새로운 기술을 먼저 채택하는 사람들의 성별, 연령, 학력, 소득에 따라 대체로 채택율의 차이가 있다고 한다. 본 연구는 주요한 문화콘텐츠 중 하나인 음악이 스마트폰을 거쳐 스트리밍이라는 새로운 기술이 대중화되는 시기에 인구사회학적 속성에 따른 음악청취행태의 차이에 대해 연구하였다. 이를 위해 한국정보통신정책연구원의 한국미디어패널 다이어리 데이터를 분석하였다. 2011년부터 2022년까지의 데이터 분석을 통해 이 기간 동안 일어난 흥미로운 변화들이 발견되었다. 전체적으로 모든 성별과 연령, 학력, 소득 변수에서 음악청취율이 증가하는 현상이 발견되었다. 각 인구통계학적 변수별로 보면 성별에 있어 여성은 남성보다 스마트폰과 스트리밍을 더 많이 사용했다. 연령에 있어서는 2010년대 초반에는 연령이 젊을수록 더 많이 음악을 청취했지만 2020년이 되면 10대는 20대보다 적게 음악을 들었고 30대는 40대와 50대보다 음악을 적게 듣는 계층이 되었다. 학력의 경우 학력 수준이 높을수록 음악청취율이 높게 나타났다. 소득의 경우 소득 수준에 따른 음악청취율의 차이는 거의 나타나지 않았다. 스마트폰과 스트리밍을 이용한 음악청취율의 차이도 소득 수준에 따라 차이가 거의 나타나지 않았다. 스마트폰과 스트리밍은 매체로서의 속성은 다르지만 음악청취를 위해 사용되는 매체로서는 차이가 거의 없었다. 몇 가지의 한계점과 아쉬운 부분들이 있지만 2011년 이후 음악청취에서의 미디어 환경이 변화되는 과정에서 음악청취행태의 변화를 추적했고 인구통계학적인 변수별로 의미 있는 발견들을 했다는 점에서 본 연구의 의의를 찾을 수 있을 것이다.

베토벤 당대의 피아노 소나타 비평에 투영된 감상의 고도화

허효정 서울대학교 음악대학 2024 음악이론연구 Vol.42 No.-

본고는 18∼19세기 독일어권 음악 청취의 역사적 변천에 비추어 베토벤 당대 피아노 비평에 투영된 감상의 고도화(高度化)를 살핀다. 18세기 중반에 ‘립하버(Liebhaber 음악애호가)’와 ‘켄너(Kenner 감정가)’가 서로 가까운 개념으로 비전문 음악인을 뜻하였던 것과 달리, 19세기 전반에는 립하버와 켄너의 구별이 훨씬 강화되고, 켄너의 취향에 훨씬 높은 문화적 권위가 부여된다. 베토벤 당대 피아노 소나타 비평은 켄너의 감상이 고도화되면서 켄너와 립하버의 간극이 벌어지던 시기를 생생하게 담고 있다. 1800년경 초기 피아노 소나타 비평에서는 신고전주의의 미적 기준에 비추어 세부적인 음악 요소를 평가하는 분석적인 비평이 주를 이루었지만, 1820년경에 이르면 주관적인 상상을 통해 작품의 정신적인 면을 해석하는 환상적인 비평이 등장하기 시작한다. 음악적 요소들이 만들어내는 효과를 기술하던 전통적인 비평 위에, 상상을 동원하여 베토벤 피아노 소나타가 담은 정신적인 면을 해석하는 비평이 더해진 것이다. 또한, 1820년경의 비평에서는 하나의 작품 전체, 베토벤 작품 생애, 음악사 전체를 거시적으로 조망하여 그 문맥에서 베토벤의 피아노 소나타를 평가하는 경향이 두드러진다. 이와 같은 변화는 1) 음악 작품이 주는 영향을 수동적으로 느끼던 방식에서 음악에 담긴 본질을 능동적으로 해석하고자 하는 방식으로, 2) 한 작품의 음악적인 요소를 작법의 규칙이나 미학적인 기준에 비추어 세부적으로 살피던 미시적인 방식에서 작품 전체의 문맥과 역사적인 맥락을 아우르는 거시적인 방식으로 당대 켄너의 감상이 고도화되고 있었음을 보여주는 것이다. 또한 이것은 당대 베토벤 소나타의 주된 고객이었던 켄너들이 신고전주의의 미학관과 관념론의 미학관을 아우르고 있었고, 그들에게 ‘음악적인 규칙에 대한 후천적인 지식’과 ‘음악에 대한 감성이라는 정신의 능력’ 양면이 요구되고 있었으며, ‘피아노 소나타’라는 장르가 ‘여흥’을 넘어 ‘예술’로 여겨지기 시작했음을 반영하는 것이라 할 수 있다. This paper examines the enhancement of appreciation reflected in the critical reception of Beethoven’s piano sonatas by his contemporaries in the context of historical changes in music listening in German-speaking countries in the 18th and 19th centuries. While both ‘Liehaber (music lover)’ and ‘Kenner (connoisseur)’ meant non-professional musicians having close concept by the mid-18th century, by the first half of the 19th century, the distinction between Liebhaber and Kenner became much stronger, and Kenner’s tastes were given much higher authority. Criticism of Beethoven’s contemporary piano sonatas vividly captures the period when the gap between Kenner and Liebhaber widened as Kenner’s appreciation became more sophisticated. Early piano sonata criticism around 1800 was dominated by analytical criticism that evaluated musical elements according to neoclassical aesthetic standards, but around 1820, rhapsodic criticism began to emerge that interpreted the spiritual aspects of the work through subjective imagination. On top of the traditional criticism that describes the effects generated by musical elements, rhapsodic criticism that involved imagination to interpret the spiritual aspects of Beethoven’s piano sonatas was added. In addition, in criticism around 1820, there was a noticeable tendency to evaluate Beethoven’s piano sonatas in a macroscopic view of the entire work, Beethoven’s career, and musical history. This change was 1) from passive listening that feels effect of music to active listening that interprets the essence of the music; 2) from a micro-analysis that examines the work in detail in light of the rules of composition and aesthetic standards to macro-interpretation on the overall quality of the work. This shows that Kenner’s appreciation at the time was becoming more sophisticated through a macroscopic interpretation that encompasses musical context and historical context. In addition, this means that the Kenners, who were the main customers of Beethoven’s sonatas at the time, encompassed the aesthetic views of Neoclassicism and Idealism, and they had both ‘acquired knowledge of musical rules’ and ‘the mental ability of sensitivity to music’. Moreover, it reflects that the genre of ‘piano sonata’ was beginning to be considered as ‘art’ instead of ‘entertainment’.

전통의 현대적 재해석과 공생적 상상력: 음악극 ≪적로≫를 중심으로

오해인 서울대학교 음악대학 2025 음악이론연구 Vol.44 No.-

본 연구는 2017년 초연 이후 한국 창작 음악극의 중요 성취로 평가받는 ≪적로: 이슬의노래≫를 생물학자 린 마굴리스(Lynn Margulis)의 공생(symbiosis) 이론, 특히 공생발생(symbiogenesis)과 연속세포내공생이론(SET), 자기생산(autopoiesis) 등의 핵심 개념을 통해 심층적으로 분석한다. 기존 연구가 주로 작품의 음악적 측면에 집중했던 것과 달리, 본고는 ≪적로≫의 음악, 서사, 연출이라는 세 축이 단순한 병치나 혼합(mixture)을 넘어, 각 요소가 독립성과 고유성을 유지하면서도 서로의 존재를 전제하고 상호 침투하며 분리 불가능한 새로운 전체를 형성하는 ‘예술적 공생’(artistic symbiosis)의 방식으로 독창적인 예술 세계를 구축하는 과정을 규명하는 데 목적을 둔다. 이를 위해 본고는 먼저 2장에서 린 마굴리스의 공생 이론의 주요 개념들을 상세히 고찰하여, 경쟁뿐 아니라 협력과 융합이 진화의 중요한 동력이라는 그의 혁신적 관점을 본 연구의이론적 토대로 삼는다. 이어 3장에서는 이 이론적 틀을 바탕으로 ≪적로≫에 나타난 공생적상상력의 구체적인 양상을 분석한다. 음악적 공생 측면에서는 전통음악 어법(정가, 산조, 씻김굿 등)과 현대음악 어법(재즈, 클래식 등) 및 국악기와 양악기의 창조적 융합을, 서사적 공생 측면에서는 실존 인물(박종기, 김계선)과 허구적 인물(산월)의 교차 및 과거와 현재 서사의 중첩을 통한 의미 생성을, 연출적 공생 측면에서는 음악, 신체 행위(씨름 등), 무대 공간(발(簾)의 활용 등)의 유기적 상호작용을 통한 총체적 예술 효과를 논의한다. 분석 결과, ≪적로≫는 이질적인 예술적 ‘개체’들이 역동적인 상호작용과 협력을 통해 하나의 유기적인 ‘예술적 생명체’를 탄생시키는 공생적 상상력의 탁월한 사례임을 확인하였다. 본 연구는 ‘공생’이라는 분석 틀을 통해 ≪적로≫에 대한 다층적 이해를 제공하고, 나아가 동시대 한국 창작 음악극 연구에 새로운 시각과 이론적 확장을 더하는 데 기여하고자 한다. This study analyzes the musical ≪Jeokro: The Song of Dew≫ (2017), a significant Korean creative musical, through Lynn Margulis’s symbiosis theory, focusing on core concepts like symbiogenesis, Serial Endosymbiosis Theory (SET), and autopoiesis. Departing from prior music-focused research, this paper investigates how’s music, narrative, and staging interpenetrate beyond mere juxtaposition or mixture, with elements maintaining their independence and uniqueness to form an inseparable new whole via ‘artistic symbiosis’. Chapter 2 details Margulis’s symbiosis theory, establishing her innovative pers- pective—that cooperation and fusion, not just competition, are crucial evolutionary drivers—as the study’s theoretical foundation. Subsequently, Chapter 3 analyzes’s symbiotic imagination by examining: musical symbiosis in the creative fusion of traditional musical idioms (such as Jeongga, Sanjo, Ssitgimgut) and modern musical idioms (jazz, classical), alongside Korean and Western instruments; narrative sym- biosis through the intersection of real figures (Park Jong-gi, Kim Gye-seon) and a fictional character (Sanwol), and the overlapping of past and present narratives; and staging symbiosis via the organic interaction of music, physical actions (like ssireum – Korean wrestling), and stage space (such as the use of the bamboo screen, bal). The analysis confirms as an outstanding example of symbiotic imagination, where heterogeneous artistic ‘entities’ dynamically interact to create an organic ‘artistic organism’. Employing ‘symbiosis’ as its analytical framework, this study offers a multi-layered understanding of, aiming to contribute a new perspective and theoretical expansion to the study of contemporary Korean creative musical theater.

한양대학교 국악과 교육과정의 변천

손정화 서울대학교 동양음악연구소 2024 동양음악 Vol.56 No.-

본 연구에서는 한양대학교 국악과 교육과정의 변천을 실기 및 이론 과목으로 구분하여 학년별 특징을 분석하였다. 졸업학점 및 교과목 구분의 변화는 초기에는 음악대학 공통과목이 많고 교육과정 변화가 빈번했 으며, 중기에는 전공 교과목이 활발히 개설됐다. 후기에는 기존 과목이 안정화되고 최신 동향에 맞 는 과목만 개설되는 경향을 보인다. 교육과정의 변천에서 학년별 특징으로는 1학년은 전공의 기초 과목 위주로 구성되었고, 2,3학년 에는 필수 및 심화 과목, 최신 학문 이슈를 반영한 과목이 배치되었다. 4학년에서는 전공 인접 분야 및 졸업 후 진로에 필요한 과목이 개설되는 양상이 나타났다. 한양대학교 국악과 교육과정은 세부 전공(기악, 성악, 이론, 작곡)의 특성을 살리기 위해 창설 초기 관현악, 이론, 작곡의 전공별 교육과 정을 따로 만들었으며 이후 정착된 교육과정에도 전공의 특성을 살릴 수 있도록 노력한 흔적이 나타 난다. 실기 과목은 창설 시기부터 현재까지 개설되어있는 과목들이 많고, 그 밖에도 대부분 1990년대 이 전에 개설된 것으로 보아 전통성을 고수하고 있음을 알 수 있다. 반면, 이론 과목은 지속적인 변화와 다양한 개편이 이루어졌는데, 이러한 양상은 시기별 동향을 반영한 과목개설의 결과라고 판단된다. 본 연구에서 이루어진 1972년부터 2023년까지의 한양대학교 국악과 교육과정의 변천에 관한 논의는 앞으로 한양대학교 국악과 교육과정의 보편성과 특수성을 고려한 방향성의 선정에 근거 자 료로 활용될 수 있을 것이다. This study investigates the developmental changes in the curriculum of Hanyang University’s Department of Korean Traditional Music, categorizing courses into practical and theoretical subjects and analyzing their characteristics by academic year. The change in graduation credits and course classification shows that, in the early stage, there were many common subjects across the music college, and curriculum changes occurred frequently. In the middle stage, major-specific courses were actively offered. In the later stage, existing courses became stabilized, and only courses aligned with the latest trends tended to be offered. To begin with, the curriculum characteristics by academic year reveal that the first year is primarily composed of foundational courses specific to the major. In the second and third years, the curriculum includes core and advanced courses, along with subjects reflecting current academic trends. By the fourth year, the curriculum features courses from adjacent fields and those tailored to post-graduation career requirements. Hanyang University’s Department of Korean Traditional Music designed individual curricula for each specialization—instrumental performance, vocal performance, theory, and composition—from its inception to highlight the unique characteristics of each field. The continued evolution of the curriculum reflects consistent efforts to retain and enhance these distinctive aspects across specializations. When examining course types, practical courses have largely been maintained since the department’s inception, with most offerings originating before the 1990s, underscoring a strong adherence to tradition. In contrast, theoretical courses have experienced ongoing updates and restructuring, a trend likely resulting from course additions that respond to evolving academic and cultural trends over the years. This study’s examination of the curriculum changes in Hanyang University’s Department of Korean Traditional Music from 1972 to 2023 provides a valuable foundation for guiding future curriculum development that balances the program’s universal principles with its unique characteristics.