완벽주의자, 그러나 인간미있는 로맨시스트: 브람스의 사랑과 생애, 그리고 "독일 레퀴엠"

소정화 한국지반공학회 2015 지반 : 한국지반공학회지 Vol.31 No.7

홍성훈 오르간; 한국적 미와 소리

소정화 한국문화융합학회 2022 문화와 융합 Vol.44 No.4

Sung-Hoon Hong, as an Orgelbaumeister, has been making organs for over 20 years in Korea, a barren land of organ production. Regarding the production of musical instruments, while maintaining the philosophy that the appearance, which is the ‘sound to be seen’ and the tone, which is the ‘sound to be heard,’ give life to the instrument, he emphasized the harmony of space, appearance, and sound. In order to establish the basic sound that a Korean organ should have, along with an exterior design that can harmonize with the space where the organ will be installed, the characteristics of the Korean flute and French romantic organ sound were set as the basis. Rather than borrowing traditional instruments for a Korean sound, Sung-Hoon Hong is establishing the identity of a Korean organ by modifying and refining the organ’s unique tone to fit the Korean sentiment. In the end, by creating Korean sound such as ‘Hong flute’ and ‘PrincipalKorea’, that of the Korean organ is further specified. On the other hand, traditional patterns, colors, and surrounding scenery were creatively applied to the exterior decoration of the organ for the appearance, which is the visible sound. Considering the balance and harmony with the place where the instrument is installed, traditional beauty was realized through the shape and tone of the organ. Despite the many obstacles, it was the sense of calling to the profession that made the musical instrument production continue. The organ plays a role that matches the essence of the instrument, and the vocation to realize it as a genuine work of art with Korean beauty was the driving force that continued to make musical instruments. As such, Sung-Hoon Hong is writing the history of Korean organ production by continuing creative attempts and experiments for the realization of the Korean identity of the organ.

나인용의 ‘오르간을 위한 산조’에서 보이는 융합적 요소

소정화 한국문화융합학회 2018 문화와 융합 Vol.40 No.7

In this article, I will discuss how the Sanjo for Organ can be seen as a convergent element and its significance. This work was composed to realize Sanjo of Korean classical music with organ musical instrument. Sanjo has a characteristic that it develops dynamically without repeated melodies and pursues newness. In Sanjo for organ, there is Sanjo’s freedom beyond organ improvisation, and the theme melody is alternated to episode, and the unity and stability of structure are not lost. In particular, the third theme, which is expressed by organistic magnificence, became the center of the entire music, and the symmetrical theme melody and episode alternatingly maintained formal rigidity that could be lost due to free improvisation. Being the foundation of the entire music is a five-note mode from the Pyung- jo of the 12 Korean traditional scale. Relocating the notes of the Pyung-jo to obtain the fourth interval pitch, which is an essential ingredient of the melody and harmony of the organ Sanjo. In addition, modern sounds lead the entire music through bold use of chromatic and free rhythms and decorations. In other words, it can be said that Sanjo and organ toccata were reborn in modern language.

죽음교육을 위한 음악활용의 의의

소정화 한국교양교육학회 2024 교양교육연구 Vol.18 No.6

물질문명이 발달함에 따라 정신적 가치가 하락하는 이 세대에서 삶과 생명의 가치 교육의 필요성이 절실하다. 삶의 소중함과 의미를 강화하기 위한 주제는 역설적이게도 죽음교육이라 할 수 있다. 카우텐바움은 죽음학을 ‘죽음에 내재된 생명학’으로 정의함으로서 진정성있는 삶의 연구가 바로 죽음학이라는 것을 말하고 있다. 현대사회는 언젠가부터 죽음에 대해 말하지 않고 있고, 이는 죽음에 대한 잘못된 이해로 이끌며 삶의 의미와 가치를 하락시키고 있다. 본 소고에서는 이러한 죽음교육을 보다 쉽게 시행되도록 돕기 위해 음악 활용을 제안한다. 음악은 정서적 기능을 제공하기에 다루기 어려운 주제도 음악을 통해 이야기할 때 쉽게 수용될 수 있다. 음악의 정서적 영향에 대한 심리학적 연구는 청자의 신경안정, 스트레스 완화, 사회적 관계 향상 등, 매우 긍정적인 결과들을 보고해오고 있다. 본 소고에서는 리스트의 교향시 <전주곡>을 통해 죽음교육의 의의를 논의한다. 삶이란 죽음에의 전주곡이라고 언급한 라마르틴의 시에 따라 인생의 여정을 노래하는 교향시를 통해 카우텐바움의 “죽음에 내재된 생명학‘을 고찰하고자 하는 것이다. 따라서 죽음교육에서의 음악 활용은 삶 또는 죽음을 주제로 하는 실제 음악작품을 이해하고 면밀히 감상하면서 청자의 정서 순화 및 감정이입을 도울 뿐만 아니라 죽음을 바라보는 감정적 상처와 두려움을 치유함으로서 삶을 진정성 있고 포용력있게 바라 볼 수 있도록 도울 수 있다. As material civilization advances, the need for education on the value of life and existence becomes increasingly urgent in this era where spiritual values are declining. Paradoxically, the theme that strengthens the preciousness and meaning of life can be described as death education. Kastenbaum defines thanatology as “the study of life inherent in death,” emphasizing that the genuine exploration of life is essentially a study of death. Modern society has, at some point, stopped talking about death, leading to isunderstandings and diminishing the meaning and value of life. This article discusses the significance of death education through Liszt's symphonic poem <Les Préludes>. Following the poetry of Lamartine, who describes lifeas a prelude to death, the article explores the symphonic poem as a way to reflect on life’s journey and examines Kautenbaum's concept of the “the study of life inherent in death.” Therefore, the use of music in death education not only helps listeners refine their emotions and foster empathy through understanding and closely appreciating actual musical works on the themes of life and death, but it also aids in healing emotional wounds and fears surrounding death, thus allowing individuals to view life more authentically and inclusively.

공감각을 활용한 음악교양교육의 의의

소정화 배재대학교 주시경교양교육연구소 2023 대학교양교육연구 Vol.8 No.1

공연예술의 확장: 메타버스 콘텐츠의 현 과제와 미래 방향

소정화 한국콘텐츠산업학회 2025 콘텐츠와 산업 Vol.7 No.2

본 연구는 메타버스 기술이 공연예술에 미친 영향과 그 문화적 확장 가능성에 주목하여 메타버스 공연 콘텐츠의 현재와 미래 방향을 고찰하였다. 코로나 팬데믹 기간 동안 메타버스는 공연, 교육, 문화 등 다양한 분야에서 대안적 플랫폼으로 활용되었고, 특히 공연예술 분야에서는 시공간을 초월한 새로운 방식의 무대 구현이 가능해졌다. 메타버스 공연의 시작은 관람자들의 호기심과 큰 관심을 모으며 세계 곳곳에서 폭발적인 참여율을 보였지만, 이제는 호기심만으로 공연을 이어나가기에는 여러 개선점이 관찰된다. 따라서 본 연구는 메타버스의 개념과 구성요소에 대한 이론적 배경을 정리하고 실제 공연 사례를 분석하여 기술적 한계, 윤리적 문제, 콘텐츠의 방향성 등 메타버스 공연에서 개선되고 추구되어져야 할 방향성을 탐색해 보았다. 이에 더하여 스토리 기반 융합 공연과 커뮤니티 중심의 맞춤형 콘텐츠를 제안하며 단순한 오락을 넘어 예술성과 공공성을 갖춘 미래 공연 콘텐츠의 가능성을 고찰해 보았다. 이러한 논의는 메타버스 공연이 기술을 넘어 사회적 약자의 건강한 삶, 청년들의 건전한 가치관 형성, 정서적 치유 등에 기여할 수 있는 새로운 문화 생태계로 발전 할 수 있음을 시사한다. This study examines the current status and future direction of metaverse performance content, focusing on the impact of metaverse technology on performing arts and its potential for cultural expansion. During the COVID-19 pandemic, the metaverse was utilized as an alternative platform across various fields such as performance, education, and culture. In particular, it enabled new forms of stage production that transcend the limitations of time and space in the realm of performing arts. Accordingly, this paper reviews the conceptual framework and components of the metaverse, and analyzes actual performance cases to explore the necessary improvements and future directions for metaverse-based performances in terms of technical limitations, ethical issues, and content development. Furthermore, this study proposes story-driven hybrid performances and community-oriented customized content as potential models, aiming to move beyond simple entertainment toward artistic and public value. Through this discussion, it is suggested that metaverse performances may evolve into a new cultural ecosystem that contributes to the well-being of marginalized groups, fosters healthy values among young people, and promotes emotional healing beyond the scope of technology.

메시앙의 오르간곡집(Liver d’Orgue, 1951)에서 보이는 색채적 언어

소정화 The Pianissimo 음악예술학회 2016 음악예술연구 Vol.6 No.1

본 논문은 메시앙의 중기 오르간 작품인 ‘오르간곡집 (Livre d’Orgue, 1951)’을 통해 성취한 음악의 색채적 특징을 살펴보는데 목적이 있다. 학자들은 색채적 감각을 공감각(synesthesia)과 연결하여 말하기도 하는데, 좁게는 하나의 특정음을, 넓게는 개념이나 사물조차도 색깔과 연결지어 색채적으로 느끼는 것을 공감각이라 한다. ‘오르간곡집’에서 메시앙은 자신의 음악적 언어인 12음의 독창적 진행과 독특한 리듬을 통해 이러한 공감각적 색채언어를 창출해내었다. 이를 논의하기 위해 먼저, 메시앙의 음악적 구조를 이루는 주요 요소인 12음의 진행방법을 트라빅(Trawick)이 언급한 ‘팬(Fan)’ 형식에 근거하여 살펴보고, 그의 중요한 관심 중 하나인 리듬, 특히, 힌두리듬의 영향을 받은 악곡과 새소리를 모방한 악곡의 특징 및 구조를 논의한다. 특별히 음향과 색채적 논의를 위해 이러한 리듬과 선율이 어떻게 오르간의 음색과 조화를 이루며 전개되는지 논의한다. 메시앙의 독창적 음렬주의 구조적이고 공간적으로, 리듬과 음색은 그러한 구조를 채우는 색채적 역할을 함으로서 공감각적 언어를 창출해내었다고 할 수 있다. The purpose of this article is to suggest the study of the colored language in Messiaen’s Livre d’Orgue(1951), which is called “synesthesia.” The word, “synesthesia” indicates “colored hearing” on specific tone, however, in this article, author expands the boundary of the meaning to timber obtained from organ playing unusual rhythmic melody, modern harmony and bird song. The sound from unique language in Messiaen’s music fills in the structure established by his individual process of serialism, and it arouses sense of the “synesthesia,” just like seeing the glittering color inside structure of cathedral. For discussing this subject, author suggests the Messiaen’s technique on serialism, which is the ‘Fan’ form explaining ‘closed fan’ and ‘open fan’ mentioned by Trawick. Secondly, musical features influenced from Hindu rhythm and bird song played in unique organ sound.

피오리 무지칼리(Fiori Musicali, 1635)를 통해서 본 프레스코 발디(G. Frescobaldi)의 건반음악

소정화 The Pianissimo 음악예술학회 2011 음악예술연구 Vol.1 No.-

According to Alexander Silbiger, as the first important European composer to concentrate on instrumental music, Frescobaldi (1583-1643) gives us great musical impact until present. Since his surviving keyboard works surpass those of any predecessor or contemporary and they encompass virtually every type of keyboard composition known to the period. Fiori Musicali (1635) is intended to be at mass and vespers and it is the last publication devoted entirely to new instrumental works. Toccata presents the improvisatory passage and durreze et ligature which is the chance to players being able to applying their musical interpretation in expressive and free way along with Frescobaldi’s indication. Elevation toccata is the good example of durreze et ligature and it produces mysterious mood with chromatic progression. Canzona and Ricercar, Renaissance musical genres, suggest the various uses from one theme for each different sections. Especially the post communion canzona from the mass of Apostle develops the theme to its transformation, which composers such as Liszt in late Romantic era used often. Canzonas have the active and live rhythms than other genres. These are all imitative, multi sectional based on motto themes. Ricercars suggest more severe style with chromatic subjects and its derived influences. Although Fiori Musicali is purposed appropriately to the dignity of the service, but the expressiveness and affeti are considered as an essential factors.

교양 예술수업 설계: 융합적 사고와 적용을 위한 음악수업

소정화 사단법인 인문사회과학기술융합학회 2019 예술인문사회융합멀티미디어논문지 Vol.9 No.2

In this paper, to try the integrated thinking in music class at Liberal Arts, it is suggested to view musical concept ‘Rhythm’ in different way from traditional standards. This is expected to help students cultivate the integrated and creative thinking, and also improve their ability of physical expression, cooperation, communication in group activities. For this, the criteria of proposed activities are as follow; at first, in rhythm through temporal flow, second, in coloristic combination in rhythmic ensemblem, and finally in eurythmics. Each activity consists of, first, writing down in concrete by personal experience from their abstract understanding, second, creating and playing rhythmic ensemble in various timbral voices, and the third, expressing the flexible music of improvisational nature physically. Although, it is hard to identify how developed such activities help students’ ability concretely, it gives chances to non music- major to experience the musical communication and thinking through the activities as well as sensitivity which is basic substance in music. 교양 음악수업에서의 융합적 사고와 적용을 위해 하나의 음악적 개념을 다른 영역의 개념으로 사고하여 사고의 전환과 확장을 시도해보려고 한다. 음악에서 가장 기본적인 요소 중 하나인 ‘리듬’에 대해 시간적, 공간적, 색채적 개념을 가지고 활동하고 이해를 시도하는 수업이다. 이는 학생들로 하여금 병행되는 음악 외적인 활동, 즉 신체 움직임, 색채적 개념의 사고와 창작, 시간과 공간, 에너지 등, 추상적 개념과 연결짓는 표현 활동을 통해 소통, 신체표현, 협업 등을 배양하고 더 나아가 음악을 매개로하는 융합적이고 창의적인 사고를 배양하기 위함이다. 이를 위해 제안한 활동의 기준은 첫째, 공간을 인식하는 신체 율동, 둘째, 색채적 조합에 의한 리듬, 세 번째, 시간적 흐름에서의 리듬활동이다. 각각의 활동은 음악을 들으며 추상적 개념을 자신의 경험에 비추어 글로 구체화시키고, 다양한 음색으로 리듬 앙상블을 창작하고, 즉흥적 성격의 유연한 음악을 신체적으로 표현해 보는 것이다. 이와 같은 활동은 음악의 지적 이해를 넘어, 가장 본질적 음악 요소인 감성과 함께 통합적 사고와 소통의 훈련을 경험하는 계기가 될 것이다.

휴고 디슬러(Hugo Distler, 1908-1942)의 코랄 모음곡 Op. 8-3: 모음곡의 배경과 특징, 디슬러 음악의 역사적 위치

소정화 The Pianissimo 음악예술학회 2014 음악예술연구 Vol.4 No.2

20세기에 짧은 생을 살다간 휴고 디슬러(Hugo Distler, 1908-1942)의 코랄 모음곡 Op. 8-3을 통하여 모음곡의 배경과 용도, 그리고 그의 음악 적 경향을 살펴봄으로서, 작곡자와 그의 음악에 대한 이해를 도모하고자 한다. 사상적으로는 루터교의 음악적 상징주의를 기반으로, 바로크 이전시 대의 음악적 형식을 취하고 있지만, 그의 음악적 언어는 현대적이며 독창 적이다. 그가 사용한 음악적 형식은 주로 르네상스와 초기 바로크에서 보 이는 파르티타, 비치니움, 리체르카, 그리고 전원곡(pastoral)과 같은 형식 을 취하고 있고, 음악적 구조 역시 독립된 선율들의 대위적 짜임새와 더불 어, 디슬러의 독창적인 음악적 언어를 보이고 있다. 즉, 미분화된 리듬을 반복적으로 사용하고, 오르간의 음색을 독특하게 사용하며, 정선율에서 새 소리를 모방하는 선율, 리듬적 특징을 보인다. 루터교 음악가로서 중요하게 간주되었던 요소는 음악적 상징주의인데, 이는 가사의 의미를 음형, 선율, 리듬 등의 음악적 요소를 통해 상징적으로 표현하는 것이다. 디슬러는 쉼 표, 넓은 도약에 의한 특징적인 음형, 오르간의 음색 등을 통해 이러한 가 사에 대한 음악적 상징을 표현했다. 이러한 그의 음악은 철저히 루터교의 음악적 사상에 입각하여 작곡됨으로서 초기 바로크 작곡가 사무엘 샤이트의 음악적 이상을 추구하고 있다. 코랄 모음곡을 통하여 살펴본 디슬러의 음악적 특징 및 역사적 성취는 세 가지로 요약 될 수 있다. 첫 번째는 르네상스 음향의 구현, 두 번째는 전통적 형식에 덧입혀진 개인적 음악언어에 의한 독창성, 세 번째는 샤이트의 음악적 이상을 추구함으로서 이룩한교회음악의 개혁이 바로 그것이다. 본 논문은 디슬러의 짧은 코랄 모음곡을 통하여, 그의 음악뿐만 아니라 작품의 배경 그리고 작곡자 자신의 음악세계를 논의함으로서 잘 알려지지 않고, 자료가 부족한 디슬러와 그의 작품에 대한 전반적인 이해를 제공한다는 데에 의의가 있다. The 20th century, German organist, Hugo Distler(1908- 1942)'s music is known of Neo-Baroquecism in that his musical derived from the Renaissance and early Baroque periods', which are partita, ricercar, bicinium, and pastorale. In this, his musical language is modern and personal. His melody imitate often bird song by dividing rhythm into small note-value and decoration. His music, like other Lutheran musician‘s in Germany, is based on Lutheran philosophy that music should be a instrument for delivering theology. Based on this idea, Distler suggested his unique musical-language with the traditional musical form. Through these musical features, it could be said for his contribution to the musical history that Distler realized Renaissance-sound through organ, and achieved the musical uniqueness by his musical language in the history of church music.