How Tragedy Affects Consumer Choice : The Effects of Tragedy on Meaningful Consumption

이서진 서울대학교 대학원 2018 국내박사

This thesis attempted to explore the changes in people's consumption behavior when exposed to traumatic, tragic events. The results indicate that when people experience tragic in-group events directly, meaningful consumption increases more than when there are no tragic events. However, when people are exposed to tragic out-group events indirectly, meaningful consumption was not affected as compared with an absence of tragic events. Moreover, when people are exposed to an in-group tragedy, hedonic consumption decreases more than when the tragic event does not occur, whereas when people are exposed to an out-group tragedy, there was no significant difference in hedonic consumption as compared with the case without tragedy. The mediation analysis confirmed that this phenomenon was caused by life reflection. Additionally, when an out-group tragedy occurs, meaningful consumption increases more than the control condition only when the human factor was included in the tragedy. However, in the case of in-group tragedy, the availability of information related to the victims did not affect meaningful consumption intentions. Finally, by collecting the actual Korean music chart dates (Melon Sound chart) and analyzing the weekly music charts before and after the Sewol ferry disaster of 2014, it was confirmed that the top 10 songs after the tragic event showed slower beats per minute and more profound meaning than before the tragic event.

Theoder Dreiser 硏究 : An American Tragedy에 묘사된 人間像을 中心으로

이창희 東亞大學校 大學院 1981 국내석사

For more than a decade after the publication of An American Tragedy in 1925. Dreiser often explained in letters, articles, and interviews that his purpose in writing the novel had not been to exploit the fictional possibilities of a particular sensational crime but rather to express an archetypal American dilemma. In this thesis, the present writer tried to look into the image of human beings depicted in An American Tragedy and the scope of this thesis is based on the composition and development of the plot, analysis of the hero's character, and his circumstances. This novel is divided into three parts. As most of Dreiser's novels, the part Ⅰ is about the hero's childhood to his adolescence and a specific description of his backgrounds. In part Ⅱ, Clyde Griffiths, struggles for a better life after he left the Kansas city and even commits a murder for it. Then in part Ⅲ, his judgement in the court and his execution are dealt with. Like this, every part expresses the different stage of his development and acknowledgement. In each part the hero has his own hope and troubles to reach it, but is finally found with despair and tragedy. An American Tragedy has a unity of religious atmosphere and remains a tragedy which will be continued by the hero's nephew Russell. Although everybody in this novel is trying to reach a better social position for himself, a tragic tendency is getting deepened. As it is well indicated in the novel, Clyde Griffiths has been treated and looked into in social, psychological, religious, moral, and lawful aspects. Because Dreiser was interested especially in American economic system, the present writer tried to study characters as they are under the circumstances of American capitalism. their despair, their troubles, their revolt toward American reality. and their skeptic minds toward religion. Clyde Griffiths has devoted himself to wealth, sex, and social position and his character is weak, sensible. and selfish. He also is influenced by Dreiser's thought that every motivation of life is under an accidental chance. So he is at the mercy of the unknown force instead of his own faults and deficiency. Thus Clyde Griffiths is finally drawn by his surrounding circumstances to the electric chair from his Mission House. His tragedy comes from the unbalance between his character and circumstances. It is a fatal one. And his tragedy is not so much a simple one that he finished his life on an electric chair as his failure on account of his American dream which he gas searched for all his life. And his skeptic attitude toward God remains unchanged until he is executed. In a word. An American Tragedy is the study of a young man who is caught in and finally destroyed by the crush of conflicting forces.

Theodore Dreiser 硏究 : An American Tragedy를 중심으로

김건수 檀國大學校 大學院 1986 국내석사

본 논문의 목적은 미국 자연주의의 대표적 작가 Theodore Dreiser의 An American Tragedy를 중심으로 해서 당시의 시대상, 작품의 구성과 실재사건과의 비교하는 것을 주로 하였다. 그리고 난 후 작가가 본 내적인 삶을 잃고 "American Dream"에 빠져 자아를 창조하지 못하고 환경과 우연에 지배당하는 주인공 Clyde Griffiths의 인간상을 분석하고 전기의자에서 짧은 생을 끝마치는 순간까지도 왜 죽어야 하는지를 알지 못하는 주인공의 비극의 근원을 파악해 보았다. 특히 Clyde의 성격과 환경등은 그를 비극으로 인도할 수 밖에 없어 사회도 마땅히 Clyde의 잘못을 용서해야 된다는 작가의 humanism 등을 살펴보고 Dreiser의 작품 세계를 좀 더 이해해 보려는 데 목적을 두었다. Dreiser의 작품은 어느 면에서 작가 자신의 하나의 자서전이라고 말할 수 있다. 그는 자신이 미국인의 꿈에서 실패한 가정에서 태어나 자기의 현실을 꾸준히 만들어 나간 사람이었다. 그렇기 때문에 그는 자기의 인생체험을 바탕으로 하여 한 방황하는 젊은이의 생애를 자연주의 이론에 도입시켜 이 소설에서 상세히 기록하고 있다. 장편임에도 불구하고 An American Tragedy의 구조는 비교적 단순하다. 이 소설은 3개 부문의 구조를 가지고 있다. 1부에서는 주인공 Clyde의 어린 시절과 Kansas시에서 보낸 사춘기를 서술하고 있다. 2부는 Clyde가 Kansas시를 떠나 출세하기 위해서 결국 살인까지 하는 장면을 보여주고 있으며 소설의 3분의 1이상을 차지하고 있는 3부는 살인죄에 대한 재판과 처형을 다루고 있다. 각 부는 사회현실에 대한 정서적인 발전과 의식면에서 상이한 단계를 나타내고 있다. 그리고 각 단계는 희망과 가능성을 가지고 시작하지만 비극과 절망으로 끝맺는다. 소설의 구성이 Clyde를 사형으로 처벌한 것은 작가의 원대한 목적하에 인간사회에 개재된 사회악에 대한 하나의 고발로 제시한 것으로 이것은 인간생활의 한 단면도인 것이다. Dreiser는 문체적인 결점때문에 비난의 대상이 되어 왔고 작품 자체도 비평가들에 의해서 많은 공격을 받아 왔다. 그러나 그의 공적은 미국의 전통과 맞서서 용기와 진지성 그리고 철저한 철학관으로서 자신의 생애를 어느 작가보다 자연주의 수법으로 당시 미국사회의 비극적 인간상을 이해와 동정을 가지고 시대적인 사조속에서 표현하려고 노력하였다는 데에 있다. 이 노력이 지닌 예출적 가치는 An American Tragedy가 증명하였으며 따라서 그의 예술은 높이 평가되어 마땅하다. For more than a decade after publication of An American Tragedy in 1925, Dreiser often explained in letters, articles and interviews that his purpose in writing the novel had not been to exploit the fictional possibilities of a particular sensational crime but rather to express on archetypal American dilemma. In this thesis, I have tried to look into the tragic nature depicted in An American Tragedy and the scope of this thesis is based on the plot structure, periodical background, the wonder of hero, Clyde Griffiths, and lastly his crime and punishment. This novel is devided into three parts. The part one is about hero's childhood to his adolesence and specific descriptions of his backgrounds. In part two, Clyde Griffiths struggles for the better life he left Kansas city and even committs a murder to reach the goal. Then in part three, his judgement in the court and his execution are dealt with. Each part expresses the different stage of the hero's social involvement. In each part we see the hero has his own hope and troubles to reach the goal. Clyde Griffiths has tried to get wealth, sex, and higher social position, but having no social advantages he reveals weak, sensible and selfish character. He also demonstrates Dreiser's own thought that every motivation of life is under accidental chances. In Dreiser's world, there is a gulf between what we see and it's meaning behind, between appearance and reality, between the realm of chance and accident, and the realm of essence and inevitavility. Accidental events often seem to dominate hero and heroine. They are at the mercy of the unknown forces instead of their own faults and deficiencies. The elements which shaped Clyde-poverty, ignorance, and inexperience-once again determine his fate. Thus Clyde Griffiths has been at the mercy of surrounding circumstances finally leading to the electric chair. The main emphasis of this thesis is to prove that his tragedy comes from the unbalance between his character and circumstances, and that tragedy is fatal. As indicated by the title of the novel, Dreiser put Clyde to death in the end and he represented clyde's tragic life which could happen to many other Americans. Death sentence given to him in the novel represents author's version of the solution to the evils in human society. As a writer, Dreiser has been criticized for having bad style and his works has been subjected to marry criticisms. However, opposing to American tradition, he tried to express the tragic human life in America of his time with more courage and deeper philosophy than any other naturalistic writers throughout his life. Therefore, An American Tragedy can be called a masterpiece which is created through the tragic view of Dreiser toward life closely organized with complete structure, background, characters and realistic description.

Arthur Miller의 悲劇理論과 實際 : Death of a salesman과 The crucible을 中心으로

정현 朝鮮大學校 大學院 1988 국내석사

There have been a lot of discussions about the definition of tragedy. But it can be outlined that tragedy shows the limits of the human condition which seems to be beyond the reach of human ability and the greatness of human being which can be accomplished by its endeavor to overcome the limits. In Greek tragedy and Shakespearean tragedy, the human condition that confined him was his fate. In modern drama, however, the human condition is mainly explained by the relationship between the man and the society around him which interferes his life and makes him helpless. Arthur Miller is one of those who have tried to make a definition of modern tragedy and to embody it in his plays. Through such articles as "Tragedy and the Common Man", "The Nature of Tragedy" and the Introduction to Collected Plays, Miller sets forth his theory of tragedy in details. Arthur Miller believes that the common man is as apt a subject for tragedy as kings were. Because modern social and psychological problems are very different from those of the classical and Shakespearian ages. And it needs not be circumscribed by the Aristotellian precept of only great, exalted personages as tragic heroes. One of modern man's profound social needs is his need to evaluate himself justly through his relation to his neighbors and to his society, and his desire to restore his lost dignity and establish the righteous socity in which to live. In this thesis, I noticed while reading Death of a Salesman and The Crucible that any of them is more suitable for the ideal standard of tragedy which Miller has set up. In Death of a Salesman, Willy Loman falls short of being a tragic hero because he doesn't achieve recognition. Instead, he dies clinging to wrong American dream. Miller says that it is man's inherent unwillingness to remain passive in the face of what he conceives to be a challenge to his dignity, his image of his rightful status. Only the passive or submissive are flawless. In the light of Miller's tragic view, the tragic nature of Death of a Salesman does not stem from this possibility. Willy Loman does not gain "size" from the situation. He is certainly seen as the victim of his society and the deluded victim rather than as a sufficiently clear-sighted heroic challenger. Willy Loman falls down by the distorted aspect of American Success Dream. His fall, above all, stems fran his anachronistic view and false values. He does not face the reality of his pursue only the wrong values of society and vain dream. His fall includes not only an outside factor but an inner factor. In Death of a Salesman, Miller shows that man's inner life can be changed by outer situation and that man is helplessly victimized in more distorted situation. The Crucible, however, fits the ideal standard of tragedy more than his former plays. It has the universal significance, not limited to particular time and place though many critics relate it to Mac-Carthysn and it deals with an historical event. Its tragic characteristics are largely due to the presence of a tragic protagonist, John Proctor. He is a common man who was incapable of becoming great by committing himself to the larger social issue. At first, he is too common and humble to be a heroic figure but as the play moves on to the end, he wants to rebel against the authority and mistaken court in spite of the fact that it would soil his name. He struggles even to death and in the course of it, he gains size and recognition that fit to the tragic hero. He becomes 'a man who is ready to lay down his life to secure his sense of personal dignity.' Finally he triumphs Over the evil authority and over himself and achieves tragic exaltation and dignity.

Spectacles of Horror: Approaching the Supernatural in Greek Tragedy

Bowman, Nathan ProQuest Dissertations & Theses University of Kans 2020 해외박사(DDOD)

Belief in the power of the supernatural world to affect the world of the living permeates Greek tragedy. Contrary to traditional accounts of ancient Greece as a forebearer to modern Western culture, an exploration into Greek supernatural beliefs shows that tragedy is radically non-rational, and non-modern. Its values are incongruous with the values of an empirically and globally based modern world that takes as orthodoxy the inherent realism of all things tangible. It is the radical difference between ancient Greek culture and the modern world that presents such a challenge to modern theatre directors who approach the production of Greek tragedy. While the secularized modern West dispatched with supernatural curiosities in the public sphere, tragedy finds its modern kindred in that realm to which those curiosities were banished but given new life: horror fiction. By employing the aesthetic elements of that genre to which the modern world consigned its fascination with the macabre, Greek tragedy, through a spectacle of horror centered on the existence and power of supernatural forces has the potential to challenge the social, ethical, and scientific assumptions of modern audiences. This dissertation will explore the relationship between Greek tragedy and modern horror by considering three objects of horror that guide the violent outcomes of the tragic plot: the Dead, the Divine, and the Other. An analysis of these objects of horror will first consider the role of these forces in ancient Greek culture as evidenced by the extant literary tradition of antiquity. Secondly, this dissertation will analyze exemplary modern productions of tragedy to consider how the aesthetic theories of horror provide a lens by which the modern theatre maker might approach the supernatural characteristics of tragedy. We will see that the parallels between tragedy and horror allow for the aesthetics of horror to provide a model in which the supernatural powers present in Greek tragedy may be effectively presented to a modern audience.

『시학』과 폴리스 : 아리스토텔레스 비극론의 사회 정치적 함의

이은구 연세대학교 대학원 2021 국내석사

This thesis aims to reveal the interrelation between tragedy and community inherent in Aristotle’s Poetics. While Plato challenged tragedy’s educational value and its status as a source of wisdom, Aristotle reinstated tragedy as a socially beneficial genre. Aristotle maintained that to live a happy life, it is necessary to have an ability to enjoy leisure activities in which noble pleasure can be found. As a preferable leisure activity, tragedy plays a significant role in Aristotle’s best city described in Politics VII-VIII. For the city’s purpose is to let its whole citizens live a happy life, tragedy as leisure can be considered as a key player for the realizations of the city's potential. In Aristotle’s best city, it can also be used for the purpose of education. At the center of this function is katharsis. Although the meaning of this notorious term has long been a matter of contention, we subscribe to the claim that katharsis can attribute to the formation of character. This thesis also pays heed to the community's role in and effect on tragedians' creation. Although tragedy stems from natural human instinct, the effort to bring its potential to the full can be hindered by various factors: the poet's skill and audience. The latter, which is beyond the poet’s control, is so influential that Aristotle says even a virtuoso is bound to succumb to their pressure, thereby creating faulty, appeasing works. What the poet can do is to maximize the tragedy’s intrinsic effects, namely the pleasure from pity and fear. The requirements described in Poetics consist of probable and coherent plot structure, tragic events between family members and the presence of hamartia. However, audiences with a distorted soul, or do not assent to Aristotle’s criteria for the best tragedy, would not only fail to recognize an excellent tragedy as excellent, but also consider a bad tragedy as a masterpiece. What is worse, they can exercise influence over tragedians’ creativity. Unfortunately, in ancient Athen the audience was not sophisticated enough to be able to judge correctly. And the present study suggests that this is a part of the reason why Poetics is considered to be irrelevant to extant Greek tragedy. In Aristotle’s perspective, Athenian democracy was in too extreme and distorted condition to bring forth cultivated audiences. Hence, great works like Oedipus Rex could be composed only accidently. To create a favorable environment for good tragedies, city-state’s intervention is necessary. Members of the community need to be educated and trained from a young age to have a virtuous soul and to acquire an ability to judge poetic works correctly. Also, the city has to take a measure to prevent vulgar audiences from exercising undue influence in competition. 이 논문은 아리스토텔레스의 『시학』이 함축하고 있는 비극과 폴리스 사이의 관계를 드러내는 것을 목적으로 한다. 플라톤이 비극이 전통적으로 가지고 있었던 교육적 가치와 지혜의 원천으로서 지위에 도전했다면, 아리스토텔레스는 비극을 공동체에 유익한 형식으로 재정의했다. 아리스토텔레스는 행복한 삶을 살기 위해서 고상한 즐거움을 주는 여가 활동을 즐길 수 있는 능력이 필수적이라고 보았는데 비극은 이러한 여가 활동의 한 종류로서 『정치학』의 7-8권에서 제시되는 최선의 도시에서 중대한 역할을 담당한다. 최선의 도시의 목적은 모든 시민이 행복한 삶을 살도록 하는 것이기에 여가로서의 비극은 도시의 목적의 실현을 위한 핵심적인 지위를 부여 받는다. 한편, 비극은 여가 뿐만 아니라 교육의 목적으로도 사용될 수 있다. 교육적 기능을 가능하게 하는 것은 카타르시스 효과인데 이 용어의 의미에 관하여 많은 논쟁이 있었지만 본고는 카타르시스가 성격의 형성에 기여할 수 있음을 주장한다. 이 연구는 또한 시인의 창작에 있어서 공동체의 역할과 영향에 대해서도 주목한다. 비록 비극은 인간의 자연스러운 본성에서 비롯된 것이지만 그 형식의 잠재력이 최대로 실현되는 것에 있어서는 많은 방해 요인이 작용한다. 이러한 요인에는 대표적으로 시인 기량과 관중이 있는데 후자의 경우 시인이 통제할 수 없음에도 막대한 영향을 끼친다. 유능한 시인조차도 관중의 압력에 굴복하여 결함있는 작품들을 창작할 수 있다고 아리스토텔레스는 주장한다. 『시학』은 시인이 비극의 고유한 효과인 연민과 두려움에서 오는 즐거움을 극대화할 수 있기 위한 조건으로 개연성과 통일성을 갖춘 플롯과 가까운 사람들 사이의 파괴적 사건, 그리고 그 원인으로서의 하마르티아를 제시한다. 하지만 관중이 왜곡된 영혼을 가지고 있거나 최선의 비극의 조건을 연민과 두려움이 아닌 부차적인 요소의 탁월함으로 판단하는 경우에는 탁월한 비극을 적합하게 평가하지 못하거나 심지어 결함있는 비극을 최선이라고 평가할 수 있다. 그리고 그들은 시인의 창작에 영향력을 행사하여 자신들이 선호하는 작품을 창작하도록 이끈다. 그러나 고대 아테네에서 관중들은 비극을 적절하게 판단할 수 있는 능력을 갖추고 있지 않았다. 본고는 이것이 『시학』이 현존하는 그리스 비극 작품들에 대한 분석으로 부적절하다는 평가의 하나의 원인이라고 제안한다. 아리스토텔레스의 관점에서 아테네 민주정은 극단적이고 왜곡된 정치체제로써 교양 있는 관중을 기를 수 없었다. 그리하여 『오이디푸스 왕』과 같은 탁월한 작품은 우연적으로 나타날 수밖에 없었다. 결국, 좋은 비극이 탄생하기에 적합한 환경을 조성하기 위해서는 도시의 개입이 불가피하다. 공동체의 구성원들은 어린 시절부터 덕이 있는 영혼과 비극 작품을 적절하게 판단할 수 있는 능력을 갖출 수 있도록 교육받고 훈련되어야 한다. 또, 도시는 관중을 구성하는 저속한 이들이 영향력을 행사하는 것을 막아야 한다.

식민지기 한국 근대문학에 나타난 절대적 자아의 비극성 연구 : 이광수, 이상을 중심으로

양순모 연세대학교 대학원 2023 국내박사

본 연구는 낭만주의적 주체로서 ‘절대적 자아’를 비극 무대 위 ‘비극의 인물’ 삼아 한국 근대문학 정신을 새로이 살펴보고자 한다. 장르로서 비극은 그 발생의 시공간적 고유성에도 불구하고 “시대를 초월해 세계 조형의 패러다임이 되는 대형식” 중 하나로, 본고는 연구 관점으로서 비극 서사가 연구 대상으로서 ‘식민지기 한국 근대문학 정신’의 주요 형상으로서 ‘절대적 자아’들을 새롭게 조명해줄 수 있을 뿐 아니라 이를 탐구하는 기존의 한국근대문학(사) 연구 관점 및 방법론 또한 성찰적으로 되돌아보게끔 한다고 주장한다. ‘자유’와 ‘필연’ 사이의 균형이라는 비극의 효과로서 ‘비극성’ 창출을 목표로 본고가 비극 서사를 통해 살펴보고자 하는 ‘식민지기 한국 근대문학의 정신’은 한국 근대문학사의 “집단 무의식 속에 은폐돼왔던 주체”이자 “끊임없이 타자화됐던 근대 정신사의 그늘”인 한국적 낭만주의의 절대적 자아로서, 다만 절대적 자아로서 한국 근대문학의 주요 작가들은 서구 낭만주의의 절대적 자아와 분명하게 구별되는 특징을 가지는바, 이들은 식민지 인민으로서 근대적 개인성을 거의 보장받지 못한 상황 가운데, 온전한 근대성을 추구하는 과정에서 ‘초월’을 상상, 이와 ‘단절’하지 않고 외려 긴밀한 관계를 형성함으로써 스스로를 정립한다는 특수성을 가진다. 한국적 절대적 자아로서 한국 근대문학의 주요 작가들은 서구의 절대적 자아와 구별되는 고유한 문학적 태도 및 정신을 통해 당대 (식민지) 근대성에 대응하는 유의미한 ‘한국 근대문학’의 실험을 개진해온 것이다. 그렇다면 왜 비극의 관점이어야 할까. “근대문학과 미학은 비극 이후 뿐만 아니라 또한 비극에 맞서 태어났다”는 논의에 따르면 ‘비극’은 ‘근대문학’의 주요 대당으로, 비극성은 ‘근대문학’을 ‘비극적인 것’과 구별되는 ‘근대문학적인 것’으로 상대화하며 이를 반성적으로 되돌아볼 수 있게 하기 때문이다. 요컨대 ‘근대성’에 대응하는 태도의 차원에서 ‘비극’은 ‘근대문학’과 대조적으로 구별되는바, ‘근대문학’이 ‘자유’의 발현과 ‘가능성’ 마련을 중심으로 근대성에 대한 ‘반성’의 기능을 수행하고자 한다면, 반대로 ‘비극’은 인간 자유의 ‘한계’를 명시하며 근대성의 아포리아(불가능성)를 마주하고자 한다. 이처럼 비극의 관점은 한국적 낭만주의의 주체로서 ‘한국적 절대적 자아’라는 ‘근대문학’의 대표적 정신을, ‘근대문학’의 무대 위가 아닌 그것의 대당에 해당할 ‘비극’ 무대 위에 올려 놓음으로써, 그동안에 알려진 모습 이외의 면모를 드러낼 뿐 아니라, 나아가 오늘날 독자로 하여금 ‘근대문학’과 ‘근대성’ 전반을 되돌아보게끔 한다. ‘비극성’을 목표로 하는 비극 서사의 관점은 ‘한국 근대성’을 반성적으로 성찰하는 ‘한국 근대문학’을 다시금 반성적으로 살펴볼 수 있도록 하는 관점으로서, 독자는 비극의 관점과 경유해 자유와 가능성 중심의 ‘근대문학’을 필연성 및 불가능성과 같은 ‘한계’적 관점과 더불어 살펴볼 수 있다. 이광수와 이상은 한국 근대문학 정신을 대표하는 상징적인 ‘절대적 자아’들로 이들을 비극적으로 살펴보고자 하는 본 연구는 근대문학 정신을 비극적 주인공으로 하는 비극을 통과한 후 독자가 획득하는, 자유와 필연 사이의 균형으로서 ‘비극적 자유’, ‘비극적 주체성’의 마련을 궁극적 목표로 삼는다. 근대성의 반성적 역할을 도맡아온 근대문학 정신을 다시금 반성적으로 살펴보는 비극의 관점은 오늘날 우리가 근대문학과 더불어 무엇을 기대하고 또 실천할 수 있을지, 필연과 자유 사이의 새로운 균형을 실천하는 비극적 주체로서 ‘근대문학’은 어떤 모습일 수 있을지를 질문하게 하는바, 본고는 위의 질문을 수행하며 그 대답을 마련하기 위한 모색을 개진한다. This paper examines the spirit of modern Korean literature by examining the romantic subject of the absolute self as a tragic person on the tragic stage. The tragedy genre is one of the “large-scale forms that transcend time and become a paradigm of world formulation” despite the spatio-temporal uniqueness of its occurrence. This paper argues that the tragic narrative not only sheds new light on the absolute self is a major part of the modern colonial Korean literary spirit as a research subject but also reconsider existing perspectives and methods of analyzing modern Korean literature. The goal of this paper is to create a "tragedy" of balance between freedom and necessity, and the "spirit of colonial Korean modern literature" that this paper seeks to examine from a tragic point of view is the absolute self of Korean romanticism, the "subject that has been hidden in the collective unconsciousness" of Korean modern literature history and the "shadow of modern spiritual history that has been constantly otherized." However, as the absolute self, major writers of modern Korean literature have a characteristic that is clearly distinguished from that of the absolute self of Western romanticism. They imagine transcendence in the process of pursuing complete modernity and establishing themselves by forming a close relationship with transcendence in a situation where modern individuality is rarely guaranteed for colonized populations. As the absolute self, major writers of modern Korean literature have been experimenting with meaningful modern Korean modern literature in response to contemporary colonial modernity through their unique literary attitude and spirit distinguished from the Western absolute self. Then why should research methodology be a tragic point of view. According to the idea that “modern literature and aesthetics were born not only after tragedy but also against tragedy,” tragedy is the opposite of modern literature and tragedy relativizes modern literature as a modern literary thing, which is distinguished from tragic things and makes modern literature reflective. Tragedy is different from modern literature in terms of its response to modernity. If modern literature reflects on modernity by focusing on the expression of freedom and possibility, tragedy reflects on the limits of freedom and the impossibility of modernity. As such, tragedy puts the representative spirit of modern literature on the stage of tragedy, not that of modern literature. In so doing, it reveals previously unknown aspects that has not been known before, allowing readers to reflect on modern literature and modernity. Tragedies allow readers to reflect on modern Korean literature that contains perspectives focused on freedom and possibility along with those focused on inevitability and impossibility. Lee Kwang-soo and Lee Sang are representative absolute egos of modern Korean literature. This paper discusses tragic freedom and subjectivity as balances between freedom and necessity in modern literature. Tragedy’s reflection on the spirit of modern literature, which has played a reflective role in modernity, asks what we can expect to get from modern literature and what modern literature can look like as a tragic subject that balances necessity and freedom in a new way. This paper answers these questions.

Baroque Skepticism and the Question of Justice in Renaissance Revenge Tragedies : 르네상스 복수극에 나타나는 바로크 회의주의와 정의의 문제

Park, Sang Ho 연세대학교 일반대학원 2016 국내석사

이 논문은 르네상스와 바로크 문화의 미학을 살펴보고, 어떻게 문화적 특질들이 사회적 배경에 의해 영향을 받았는지를 토마스 키드의 스페인 비극, 윌리엄 셰익스피어의 햄릿, 그리고 토마스 미들턴(혹은 키릴 토너)의 복수자 비극을 통해 살펴보고자 한다. 많은 연구들이 기독교적 정의 밖에서 이루어지는 개인의 복수에 대한 논의에 초점을 맞추어왔으며 그 정치적 효과를 살펴보았다면, 이 연구는 이와 관련하여 16세기 후반 바로크 시대의 문화에 중점을 두어 좀 더 폭 넓게 바로크의 붕괴와 불균형, 그리고 뒤틀린 미학과 연관 지어 살펴보고자 한다 .특히, 하인리히 뵐플린의 르네상스와 바로크에 대한 미학적 연구와, 아놀드 하우저의 예술사의 철학에 대한 이론을 토대로 복수의 정의가 함의하는 바와 바로크 시대에 형성되는 근대적 주체에 대해서도 알아볼 것이다. 첫째로, 르네상스 시대의 질서의 붕괴를 시작으로 그 효과가 어떻게 비극들에 드러나는지를 살펴보고자 한다. 매너리즘 이후 르네상스의 통합되고 균형 잡힌 미학과는 달리, 후기 르네상스에 들어서 사회적 변환과 함께 세계를 기존의 방식대로 묘사하는 것은 더 이상 의미를 잃게 되었다. 호세 안토니오 마라발 역시 바로크의 미학을 설명하면서 당시 사람들이 인식하고 있던 미쳐가고 있는 병든 세계가 바로크에서 주로 다루어지는 주제였으며, 이러한 특징들이 바로크 비극들에서 뒤집힌 세상이라는 모습으로 드러나고 있다는 것을 설명하고 있다. 현대 비평가들 중에서는 발터 벤야민의 바로크 비극에 대한 논의가 그러한 뒤집힌 세상의 미학을 잘 표현하고 있는 것으로 보이는데, 그는 폐허화된 알레고리라는 개념을 통해 바로크 비극들에서 의미가 고정되지 않고 끊임없이 이연 되는 세계를 그리고 있다고 설명하고 있다. 둘째로, 우리는 또한 세가지 복수극에 드러나는 의심과 회의의 시각을 좀 더 자세히 살펴 볼 수 있다. 후기 르네상스에 들어서면서 인문주의에 대한 생각의 전환은 사회적, 정치적, 그리고 종교적 측면에서 많은 변화를 가져왔고, 사람들은 그들의 믿음을 가지는 데에 있어서 어려움을 겪게 된다. 전통적인 지식의 질서는 붕괴되고 서로 다른 종교적 가치들의 충돌이 문제화됨에 따라 사람들은 어떠한 믿음에도 의지할 수 없게 되어 버린다. 이와 같은 구교와 신교와의 충돌, 또는 고대적 믿음과 기독교적 가치관의 충돌들은 햄릿의 연옥에서 또는 스페인 비극의 묘사들에서 살펴볼 수 있다. 정치적 측면에서 도덕성은 마키아벨리의 정치학에 대한 연구 이후에 역설적인 특성을 드러내기 시작하는데, 이와 관련해서 비극들에서도 역시 정의의 역설적인 문제를 드러내고 있다. 모든 등장인물들은 그들의 복수를 위해 행동하는 사악한 복수자들로서 제시가 되며 이러한 특성에서 우리는 전통적인 도덕관념을 부정하는 마키아벨리적인 음모자들을 살펴볼 수 있다. 마지막으로, 세가지 복수극들에서 드러나는 복수의 정의에 대해 살펴볼 수 있을 것이다. 위에서 살펴 본대로, 국가와 국가의 운영자들이 타락한 사회에서 사회의 질서는 비극들의 등장인물들에게는 더 이상 의미가 없으며 등장인물들 역시 사회의 정의에 더 이상 의존할 수가 없다. 전통적으로 중세 시대에 전근대 영국 사회에서는 가족을 위한 개인적 복수가 명예로운 것으로 받아들여졌지만, 기독교가 채택됨에 따라 종교적 도덕성이 강조되고 개인적 정의는 받아들여질 수 없게 되는 것이다. 따라서 세가지 복수극들은 이러한 기독교적 믿음에 기반한 사회적 정의와 개인의 사적 복수 사이에서 드러나는 정의의 역설을 제시함으로써 바로크 시대의 정의의 문제에 대해 회의적인 시각을 드러내고 있다는 것을 살펴 볼 수 있다. This thesis examines the aesthetics of Renaissance and Baroque culture and how these cultures were shaped by social structures of the era, by reading revenge tragedies, including Thomas Kyd’s Spanish Tragedy, William Shakespeare’s Hamlet, and Thomas Middleton(or Cyril Tourneur)’s Revenger’s Tragedy. Many scholarly debates surrounding the topic of justice exacted by individuals, outside the realm of Christian divine justice, and its political effect in that era have already taken place. In relation to those studies, by focusing on Baroque culture in the late 16th century, this study broadly explores the aesthetics of disintegration, disharmony, and distortion in Baroque culture, and its skepticism revealed in the tragedies. By borrowing Heinrich Wölfflin’s aesthetical study on the Renaissance and Baroque culture and Arnold Hauser’s theory of philosophy of art history, this thesis focuses more on the meaning implicated in justice of revenge and its relationship to constituting modern subjectivity in the Baroque era. The study first begins with the disintegration of order in the Renaissance era, and its influence on tragedies. The Renaissance aesthetics of unity, and a mannerism of harmonious beauty would no longer guide how the world was depicted following social transitions that began in the late Renaissance. Jose Antonio Maravall also explains such aesthetic traits of Baroque culture by suggesting that people perceived the world as mad, hostelry, or as diseased and revenge tragedies reflect this perception of the world upside down. A modern critic of the era, Walter Benjamin, describes the aesthetics of Baroque tragedy as a ruin of allegories; a poetics of tragedy in which meaning is continuously deferred. Second, the thesis takes a closer look at the poetics of doubt and skepticism of the era which are suggested in three revenge tragedies. The transition of ideas in humanism causes various social, political, and religious paradoxes and making it difficult for people to decide what kind of manner to express their feeling toward society. The traditional order of knowledge had been disrupted, and conflict between different religious beliefs also became problematic as people could not depend on faith anymore. Such conflict between Catholicism and Protestantism, or Classicism and Christianity can be found in the description of purgatory in Hamlet or The Spanish Tragedy. Morality in politics also becomes paradoxical after Machiavelli’s study on politics, and this also makes the justice in tragedies seem problematic. All of the characters in the plays are depicted as villainous revengers whose revenge is pursued without morality, a trait that shows a Machiavellian plot that negates the traditional concept of morality. Finally, we can think about the justice of revenge in those three tragedies. As discussed above, social order is not meaningful for the characters in these tragedies, because the state, and the powerful in the state are corrupt, and individuals can no longer depend on the justice of the courts. Traditionally, personal revenge for one’s family was honorable in pre-modern English society, but as the state consolidated and Christianity had been adopted as a religious morality, such personal revenge could not be accepted anymore. However, people in those days still wanted to be allowed their own revenge, and the tragedies show the situation of such problems of revenge.

Shakespeare의 장르의식 연구 : 희극이 비극에 미치는 극적 효과

이노경 연세대학교 대학원 2003 국내박사

본 논문은 장르 의식(genre consciousness)을 하나의 수단으로 하여 Shakespeare의 극을 읽어냄으로써 작가의 창작 의도를 추측해보고, 극을 바르게 이해하는 것을 연구의 주요 목적으로 삼는다. 장르의 순수성을 위해 비극 혹은 희극이라는 장르적 틀과 한계에 얽매인 작가들과는 달리, Shakespeare는 상호 장르 이동을 통한 극적 효과의 강화를 추구했다는 측면을 조명하기 위해, 본 논문은 희극을 Shakespeare의 비극을 해석하고 평가하는 출발선으로 삼고 있다. 다시 말하자면 기존 희극무대의 관행(conventions)이 비극이라는 전혀 다른 문맥에 끼어들면서 나타나는 효과를 연구하고자 함이다. 이와 더불어 단순히 비극을 읽어내는 도구적 역할로서의 희극이 아니라, 의문과 비평의 대상으로서 희극이란 장르를 검증하고, 보다 현실적이고 단단한 '희극적 비전'을 비극에서 제시한다는 장르적 비평을 시도하였다. Shakespeare는 자신에게 익숙한 희극을 비극을 풀어나가기 위한 적극적인 도구로 이용함으로써 비극의 형태 갖추기를 시도한다. 희극에서 자주 등장하는 인물, 희극이 즐겨 다루는 소재, 희극의 구조, 혹은 희극에서 반복적으로 이용되는 극적 장치와 같이, 하나의 공식화된 외형적 요소뿐만 아니라, 희극이 옹호하는 가치, 개념, 철학과 같은 형이상학적 요소까지 비극의 의미를 확장시키고 효과를 증폭시키기 위해 비극의 영역에 밀어 넣기를 주저하지 않았다. 희극과 비극사이에 넘지 못할 선을 긋는 것에 바쁜 작가들과는 달리, 각각의 장르가 충돌하면서 만드는 효과에 충실했던 것이다. Shakespeare는 기존 희극 세계를 비극의 새로운 방향과 효과를 위한 출발선으로 이용했고, 희극에서 벗어나려는 움직임을 통한 비극 만들기를 시도했다는 논문의 전제는 Shakespeare의 극이 장르간의 상호반응의 결과라는 결론을 이끌어낸다. 본 논문에서는 이러한 기본 전제를 배경으로 Shakespeare의 비극 가운데 Romeo and Juliet, Othello, Hamlet, King Lear를 분석하는 데 역점을 둔다. Romeo and Juliet의 초반의 예측 가능한 희극의 일반적인 움직임과 희극에서 볼 수 있는 행복한 결말에 대한 기대는 외부에서 부가되는 비극적 방해물들과 충돌하면서 비전형적 비극 구도가 주는 극적 효과를 유도한다. 희극이란 장르에서 희극적 결말을 위해 이용되던 극적 장치들은 비극의 하향 움직임에 멈출 수 없을 정도로 속도를 가하는 도구가 되어 버린다. 결혼이라는 완벽한 희극의 완성에서 출발한 Othello는 희극이란 장르가 옹호하고 애써 덮으려한, 사랑이란 감정이 야기하는 억제된 긴장감과 갈등을 노출시키면서 비극의 궤도를 따라간다. King Lear에서는 구원과 갱생의 메시지를 담은 희극적 패턴 아래, 형태 혹은 질서 부재의 부조리한 우주를 노출시키면서 다른 비극과 차별되는 독특한 '필연성(inevitability)'을 만들어내고, Hamlet에서는 복수를 하기 위해 해야 하는 것과 자신의 존재 양식을 부정하지 않고는 할 수 없는 상황사이의 해결 불가능한 딜레마에서 희극이 옹호하는 다양한 인식체계가 비극의 핵이 된다는 것을 통한 비극적 필연성을 제시하는 것에 주목했다. 결론에서는 장르라는 개념이 틀 혹은 기준으로서 예술의 창작과 수용에 있어 매우 중요한 부분을 차지하고 있으나, 고정되고 닫힌 배타적 개념이 아니고 새로운 창작과 효과 창출을 위한 작가들의 도전영역임을 밝힌다. 기존의 틀에 자신의 작품을 끼워 맞추는 것이 아니고 기존의 틀, 장르의 주요 관행(conventions)을 다른 문맥상으로 전치, 변형, 굴절시켜 새로운 틀 짜기에 부지런했던 Shakespeare의 생산적인 독창성을 지적하면서 장르의 진화적 성격을 부각시켰다. 변화하고 진화를 중시하는 장르의 현대적 정의에 입각하여 장르간의 끊임없는 마찰과 충돌을 통해 영역을 확장하는 생명력을 지닌 대상으로서의 장르의 의미를 확인한 것이다. Shakespeare used comic conventions, in which he was most at home, as a point of reference and departure in developing tragic forms. Unlike other playwrights, who were busy drawing lines between genres, protesting against genre mixture, Shakespeare didn't hesitate to efface lines between them for dramatic effects. To work on these assumptions, this study sheds light on the effects of the insertion of comic conventions in the context of tragedies. Not stopping at research on the use of comedy as a means to read and interpret tragedies, it tries to problematize comedy, to question “the comic vision,” and finally to suggest a genre criticism, which holds a more realistic, solid, and testified “the comic vision” is completed in tragedy. Shakespeare's plays can be considered as the result of genre collision or genre interaction. Shakespeare used traditional comic conventions, such as structures, assumptions, devices, and so on, in several ways to shape his tragedies. Not only comic formulas such as comic figures, structures, and techniques, but also the metaphysical elements such as values, concepts, and philosophy which comedy positively protects, were appropriated by Shakespeare for his creative works without hesitation. Shakespeare used a romantic comic world as a new direction and dramatic effects of tragedy, and deviated from the comedy to overcome the limitation of tragedy. This hypothesis, that comedy can act as the ground from which, or against which, tragedy develops, underlies my studies of four tragedies, from Romeo and Juliet, Othello, Hamlet, and King Lear. The initial comic movement and the expectation of a happy ending of Romeo and Juliet are thwarted by tragic obstacles from outside which would be favorable devices in comedies. Othello develops a tragic view of romantic love, following the orbit of tragic inevitability by exposing the strains and contradictions of love. While Comedies consciously put a special emphasis on the bright side of love as happiness, and harmony, Othello explores penetratingly the paradoxical sense of love as both life and destruction. Shakespeare manipulates the multiple possibilities dear to comedy for tragic tension in Hamlet. Setting comic order side by side with comic chaos, Shakespeare develops a special, devastating tragic effect in King Lear. All of them can be considered as the rich exploitation of comic means for tragic ends. Shakespeare's tragedies support the modern concept of the evolution of genres as living things, growing and developing through collision and friction between them. Genre is a challenge for writers: it is not closed and exclusive concept like a restraint or a frame, but a living tool for creative works and artistic effects. In that sense, Shakespeare, who has a special ability to look beyond and beneath genres, tried to leap over the walls of genres, expanding their realm through his creative works.

Seneca's influence on some Elizabethan revenge tragedies with particular reference to gorboduc, the Spanish tragedy, and titus andronicus

Lee, Kyung-Shik Sogang Univ. 1989 국내박사