San Antonio’s Spanish Missions and the Persistence of Memory, 1718-2015

Kitchens, Joel Daniel Texas A&M University ProQuest Dissertations & Thes 2016 해외박사(DDOD)

This dissertation examines the five extant missions in San Antonio, Texas over the course of nearly three hundred years. While the time period may seem overly ambitious, the geographic territory is highly concentrated, covering just a few miles. San Antonio holds the largest concentration of colonial Spanish architecture in the United States. In July, 2015, the United Nations Educational, Scientific, and Cultural Organization (UNESCO) granted World Heritage Status to the missions. This distinguished designation includes Mission San Antonio de Valero (the Alamo), Mission Nuestra Senora de la Purisima Concepcion, Mission San Jose y San Miguel de Aguayo, Mission San Juan Capistrano, and Mission San Francisco de la Espada. Because detailed information on the design and construction of the missions has yet to be found, speculation and romantic myths have grown up around the missions. These romantic myths were the basis for Anglo collective memories, particularly after the 1836 Battle of the Alamo. This dissertation examines the origins of the missions as the sources of some of these myths and memories. Advances in both print capitalism and transportation brought San Antonio’s missions to the attention of the traveling public. From the late nineteenth century into the present day these fantasies have been used to market San Antonio to tourists as a romantic and exotic destination. Additionally, other groups besides Anglos have their own collective memories related to the missions. For the local Tejano, Mexican-American, and Native American populations, the missions have served as sacred space, homes, and communities for three hundred years. Although the memories of ethnic minorities have been muted for many years, the Anglo veneer in San Antonio is not deep. Scratching the surface quickly reveals a deeper, more complex heritage. Collective memories are often divorced from historical reality, and the myths at the missions exemplify this. Conversely, the myths and memories of the missions also brought national interest and much-needed repairs and restorations, keeping this Spanish legacy relevant for future generations.

Antonio Vivaldi의 Gloria에 관한 연구 : 바로크 시대 합창음악을 중심으로

차은진 총신대학교 일반대학원 2005 국내석사

바로크 시대는 종교개혁이후 절대 교황의 세력이 점차로 군주에게로 옮겨지면서 개인의 자유와 권리를 주장하는 시기이다. 음악 양식에 있어서도 교회선법을 지키는 음악에서 가사의 표현을 위해, 불협화음이나 반음계를 사용하는 음악이 나타나기 시작하였는데, 이것은 음악사에 있어서 매우 혁명적이었다. 이전의 르네상스 음악이 선율적이었다면, 바로크에 와서는 주된 선율에 수직 화음적 반주를 붙임으로서, 조성에 대한 개념이 나타나기 시작하였고, 점차로 장 단조 음계를 체계적으로 정립하기 시작하였다. 화음적 반주는 기악음악을 독립적으로 발전시키는 모티브가 되었고. 성악음악과 동등하게 기악음악의 중요성이 부각되었다. 성악과 솔로악기를 위한 협주곡이 나타나기 시작하였는데, 이 형식을 확립시킨 사람이 안토니오 비발디(Antonio Vivaldi)이다. 본 논문은 수많은 협주곡, 소나타, 성악곡을 작곡한 바로크시대의 대표적인 작곡가인 비발디의 합창작품인 Gloria를 통해 바로크시대의 합창음악을 이해하고 더 나아가 실질적인 연주를 돕기 위한 자료로 삼는 것을 목적하고 있다. 본 논문에서는 비발디의 생애와 작품경향 및 작품을 분석함으로 바로크 시대 합창음악의 양식 및 특징, 작곡기법, 연주의 특성, 강약법, 기보법, 속도에 대해 연구하였다. 그 결과 당시 합창음악이 갖고 있는 특징을 발견 할 수 있었다. Gloria는 비발디의 다른 합창곡과 마찬가지로, 힘찬 합창과 서정적 아리아, 폴리포닉한 서법과 호모포닉한 서법, 극적인 메시지와 전원풍의 차분한 메세지, 비발디는 이것들을 능숙하게 대비시키면서 풍부한 음의 세계를 전개함으로써, 비발디가 추구하는 음악세계와 바로크시대 합창음악의 특징을 잘 표현해 주고 있다. 본 연구를 통하여 바로크시대 합창음악의 특징을 살펴보면 다음과 같다. 첫째, 바로크시대 합창음악의 연주에 있어서 강약법에 대한 새로운 인식을 하게 되었다. crescend와 decrescend는 Messa di voce원칙에 의해 사용되었고, ritardando, forte, piano, pianissmo, diminuendo가 한정적으로 사용되었다는 점이다. 둘째, 템포의 통일성이다. 빠른 Allegro는 너무 빠르지 않게, 느린 Adagio는 너무 느리지 않게 연주 하도록 한다. 악보에 나타난 crescendo와 diminuendo의 지나친 표현은 바로크 시대 합창음악에 어울리지 않는 표현이므로 유의하여 사용하여야 한다. 셋째, 장 단조의 음계의 정립으로 화성음악이 출현 하게 되어 성부의 동등한 역할이 요구되는데, 특히 베이스와 소프라노 선율에 비중을 두어 연주하도록 한다. 이 곡을 연주하는 이들에게 위와 같은 몇 가지 연주의 기법이 바로크 합창음악을 이해하고 실제 연주에 있어서 도움이 되었으면 한다. Baroque was the era of freedom and civil rights as power of pope was transferred to king after religious reformation. In musical style in Baroque music, dissonance and chromaticism started to be applied in church modes for effective expression of lyrics. This was considered revolutionary in music history at that time. While Renaissance music tended to be melodic, melodic theme lines in Baroque music were accompanied with vertical harmony. The concept of tonality started to emerge at this time, and this led to the foundation of major and minor scales in an organised way in the Baroque era. Harmonic accompaniment of Baroque music set off a motive to develop instrumental music independently, and instrumental music became as highly important as vocal music. Concertos for vocals and instruments became popular in this period. Antonio Vivaldi was the one who established this trend. The purpose of this study is to fully understand Baroque choral music and provide information for performers by analyzing Gloria by Vivaldi, the representative composer of the Baroque era who composed numerous concertos, sonatas, and choral works. In this study, forms and characteristics of Baroque choral music, composition styles, performing techniques, dynamics, notation, and tempo were examined by studying life of Vivaldi, characteristics of his music, and his works. Just like other choral works of Vivaldi, Vivaldi expresses vocal power, lyrical aria, polyphony, homophony, dramatic messages, pastoral and clam messages, and he skillfully contrasts these elements to enrich the music, Gloria. While developing his music idea in this manner, Vivaldi successfully shows characteristics of his music that he has pursued after and Baroque choral music at the same time. The characteristics of Baroque choral music found in this study are as following: First, the dynamics in Baroque choral music should be recognized differently. Crescendo and decrescendo were applied according to Messa di voce rule, and the use of ritardando, forte, piano, pianissimo, and diminuendo was limited. Second, regular tempo is universally accepted in Baroque times: Allegro means not too fast, and Adagio means not too slow. Since extreme expression of notations such as crescendo and diminuendo do not fit into Baroque choral music, such notations have to be applied carefully. Third, establishment and emergence of major/minor and harmonic music led to the more equal importance of all vocal parts than before although the melodic lines of soprano and bass are highlighted when performing. It is hoped that the performance techniques mentioned above would be helpful to singers to fully understand Baroque choral music when they actually perform choral works.

ANTONIO VIVALDI의 합창음악에 관한 연구 : "GLORIA"<RV 589>을 중심으로

양태승 대구가톨릭대학교 대학원 2009 국내석사

Vivaldi의 많은 합창음악 곡 가운데 “Gloria”를 중심으로 합창음악의 특징, 양식, 음악적 구조, 선율 및 화성, 리듬 등을 중점적으로 고찰을 하였다. Vivaldi “Gloria”의 곡 분석을 통하여 Vivaldi 합창음악의 특징을 정리한다면 다음과 같다. 이 곡은 “Gloria”<RV 589>는 총 12곡으로 이루어졌는데 힘찬 합창과 서정적 아리아, 대위법적 양식(Polyphonic style)과 화성적 양식(Homophonic style)이 사용 되었고, 극적인 것과 전원적인 색채가 잘 대비된 Passage로 Vivaldi의 풍부한 음악성을 유감없이 발휘하고 있음을 이해할 수 있었다. 총 12곡으로 30분가량 연주되는 곡으로 미사를 위해 작곡된 것이 아니고 연주용으로 작곡 된 곡으로 Vivaldi만의 매우 독창적인 아이디어 잘 드러난 연주곡이라 할 수 있다. Vivaldi의 합창음악 음악 표현기법을 통해 보면 Polyphonic style에서 점차 화성적인 접근이 시도되었음을 알 수 있었고, 화성은 주3화음과 부속7화음, 부감7화음, 부반감7화음 등을 사용하여 등을 사용하여 긴장감과 색체감을 더했으며, 표현면에서도 아름다운 선율을 부여하여 Ⅴ-Ⅰ, ⅶ-Ⅰ의 화음진행으로 갑작스러운 전조를 사용 하였다. Vivaldi 합창음악의 특징은 기악음악에서 잘 나타나는 경쾌하고 명료한 리듬, 화성과 선율, 가사와의 자연스러운 조화 등이 합창음악에도 잘 나타났음을 알 수 있었다. 또한 이 시기에 장음계와 단음계의 체계적인 정립이 시도되었으며 4성부의 각 파트별 역할이 구성하게 되었음을 알 수 있었다. 따라서 Vivaldi “Gloria”를 연구함으로서 Vivaldi 합창음악의 특징을 이해하는데 큰 도움이 되었다. 특히 “Gloria”가 전례적으로 가지는 역사적 의미를 이해함으로 본 논문의 연구 목적에 큰 도움이 되었으며 지금까지 Vivaldi “Gloria”의 연구 분석을 통하여 Vivaldi의 합창음악을 좀 더 쉽게 이해하는데 밑거름이 되길 바란다. The purpose of this thesis is to understand Vivaldi choral music and to be used as materials in aiding real life performances through Antonio Vivaldi's Gloria. Antonio Vivaldi is one of the leading composer from Venetia, Italy in the early 18th century A period of music lasting about 150 years that began around 1600 and ended in 1750 with the death of Bach was called Baroque music. As can be inferred from paintings and architecture of that era, rich and highly decorative method of treatment is evident in the music of the Baroque era. The term Baroque has been used in an irregular, odd and decadent sense. While Renaissance music tended to be melodic, melodic theme lines in Baroque music were accompanied with vertical harmony. The concept of tonality started to emerge at this time, and this led to the foundation of major and minor scales in an organised way in the Baroque era. Harmonic accompaniment of Baroque music set off a motive to develop instrumental music independently, and instrumental music became as highly important as vocal music. Concertos for vocals and instruments became popular in this period. Antonio Vivaldi was the one who established this trend. In this study, forms and characteristics of Baroque choral music, composition styles, performing techniques, dynamics, and tempo were examined by studying life of Vivaldi, characteristics of his music, and his works, Just like other choral works of Vivaldi, expresses vocal power, lyrical aria, polyphony, homophony, dramatic messages, pastoral and clam messages, and he skillfully contrasts these elements to enrich the music, Gloria while developing his music idea in this manner, Vivaldi successfully shows characteristics of his music that he has pursued after and Vivaldi choral music at the same time. Also by understanding Gloria's historical meanings it gave a big help for the purpose of this thesis.

Antonio Vivaldi의 합창 음악에 관한 연구 : Magnificat RV610을 중심으로

정명남 연세대학교 대학원 2006 국내석사

AntonioVivaldi(1687-1741)는 바하,헨델과 함께 바로크 시대를 대표하는 뛰어난 이탈리아 작곡가이다.오늘날 비발디는 기악음악의 거장으로 알려져 있으나 오페라와 칸타타,모테트,오라토리오 등 성악음악도 그의 음악에 중요한 부분을 차지하고 있다.비발디의 합창작품은 기악적이고 아름다운 선율과 경쾌하고 명료한 리듬,가사와의 자연스러운 조화를 통해 바로크 시대 합창음악의 특징을 잘 표현하고 있다.바로크 시대의 합창음악은 강약법과 템포,연주의 특성,작곡기법,화성 등에서그 양식과 특징이 확연히 구분되어지며 이러한 특징은 비발디의 작품을 분석함으로 어렵지 않게 발견 할 수 있다.Magnificat는 이태리 바로크 양식의 전형적인 스타일로 작곡 되었으며 비발디의어느 합창곡보다도 뛰어난 음악성을 자랑한다.Magnificat는 그의 원숙한 음악성을 보여주고 있으며 다양한 합창곡 형태와 솔로의 조화를 보여주는 작품이라 할수 있다.본 논문에서는 바로크시대와 그 시대의 합창음악 스타일을 살펴보고,비발디의생애와 음악의 특징을 알아보았다.그리고 그의 곡 Magnificat의 분석을 통해 바로크시대의 합창음악 특징을 이해하고 실질적인 연주에 조금이나마 도움이 되도록 연구해 보았다.

Antonio Vivaldi op.3 「和聲의 靈感」 의 樂曲構造에 관한 硏究

최창호 東亞大學校 敎育大學院 1980 국내석사

As for instrumental music, it remains true that Vivaldi's role is decisive. In fact, the new instrumental style was going to be nourished from him. His talent as an orchestrator is dazzlingly apparent through all of op.3 "L'Estro Armonico", translated: harmonic inspiration, his maiden work in the concerto form. The various features through a study of op.3 are as follows; 1. Although Vivaldi's rhythm consists of Lombard rhythm, which had been established; it is marked by animation and ingenuity. 2. The variety of Vivaldi's melodic inspiration is attested by the greatly differing lengths of his themes. 3. Thematic patterns escaped monotony by their brisk and varied rhythms. 4. From the point of view of orchestration, the soloists of the several typed concertos do indeed make up a concertino. Especially, the treatment of the violin as a solo instrument, is to be admired in the boldness and ingenuity. 5. The connections between the tutti and solo are in reality very flexible. Whatever may be the connections adopted, the result sought, is a marked opposition between the tutti and the solo. 6. Remarkablly, the slow movements are attested to by the variety of the orchestration. 7. The last movements are in reality very flexible like the first allegro. All this reveals Vivaldi as a colorist and even an impressionist very much ahead of his time. An analysis of Vivaldi's harmonic and contrapuntal writing would be as interesting as one of his orchestrations, but it would pass beyond this thesis. Besides, a little further on, a study of forms will give us an opportunity to bring out the dominant characteristics of this thesis.

Antonio Gramsci 思想에 있어서의 意識의 問題

문의식 高麗大學校 1997 국내박사

Program annotation : A. Vivaldi Lascera<, Sebben sente, F. P. Schubert Mignons Gesang Op.62 No.1, Lied der Mignon Op.62 No.2, Lied der Mignon Op.62 No.3, Lied der Mignon Op.62 No.4, L. Durey Le Bestiaire Op.17 中 6곡, Le Cheval, Le Chat, Le Chenille, Le Sauterelle, Le Poulpe, Les Sire<nes, L. Rona

최윤실 연세대학교 대학원 2008 국내석사

Antonio Vivaldi (1678-1741)'s Lascer? is an aria from second act of opera <Il Tigrane>, and it is sung by the heroine Cleopatra. The aria is about eternal faithful love between Cleopatra and Tigrane.Antonio Vivaldi (1678-1741)'s Sebben sente is an aria from opera <Ercole sul Termodonte>. The opera contains a story about the ninth labor of Hercule among his twelve labors from the Greek mythology.Franz Peter Schubert (1797-1828)'s song Op.62 is about Mignon, a character, who stirs up ideal and yearning apart from the reality. Her various characters inspired many other composers to write music. This lied is from Goethe's novel ?Wilhelm Meister? and the piano plays a key role in showing Mignon's emotion in the lied.Louis Durey (1888-1979) composed <Le Bestiaire Op.17> to link the life of poet to that of twenty-six animals, inspired by Apollinaire's poem ?Bestiaire?. It is sung as one recites a poem regardless of the images of animals, but the accompaniment describes the concrete images of animals as one draws a picture.Landon Ronald (1873-1938) set a Harold Simpson's poem, which liken life and love to four seasons, to his cycle of five songs <A cycle of life> The cycle represents life like seasons very well for it is composed of melody, harmony, rhythm suited with the atmosphere of each season and feeling of each lyric.Gaetano Donizetti (1797-1848)'s Opera <Don Pasquale> is about complicated relations among two men and a woman. The woman, Norina, prefers capricious and exiting love to simple and boring love. She sings an aria ?So anch'io la virt? magica? while reading a novel, with full of self-confidence that she can win a conquest of all men around the world. 본 내용은 본인의 석사 과정 졸업연주회 프로그램인 Antonio Vivaldi의 Aria Lascer? (이별)와 Sebben sente (그녀가 느낄지라도), Franz Peter Schubert의 가곡 Op.62 중 4곡, Louis Durey의 가곡 Le bestiaire Op.17 중 6곡 (동물 우화집), Landon Ronald의 연가곡 A cycle of life (인생의 순환), Gaetano Donizetti의 Opera <Don Pasquale> 中 ?So anch'io la virtu magica? (기사는 그 뜨거운 눈길에)를 중심으로 작품의 작곡자와 곡에 대해 살펴보고자 한다.Antonio Vivaldi (1678-1741)의 Lascer? (이별)는 <Il Tigrane>라는 Opera에 나오는 여자 주인공 Cleopatra의 Aria이다.Antonio Vivaldi (1678-1741)의 Sebben sente (그녀가 느낄지라도)는 그리스 신화인 헤라클레스의 12가지 과업 중에 9번째 과업에 대한 내용으로 쓰인 Opera <Ercole sul Termodonte> 중에 나오는 Aria이다Franz Peter Schubert (1797-1828)의 가곡 미뇽의 노래 Op.62는 J. W. Goethe의 소설?Wilhelm Meisters Lehrjahre? (빌헬름 마이스터의 수업시대)에 의거하여 작곡된 곡으로 현실 세계와 분리되어 이상과 동경을 불러일으키는 인물인 미뇽의 다면적인 성격이 음악적 영감을 불러일으켜 R. A. Schumann, H. Wolf 등 많은 작곡가의 음악적 소재가 되어 작곡된 바 있다.Louis Durey (1888-1979)의 가곡 <Le Bestiaire Op.17> (동물 우화집)은 G. Apollinaire의 ?Bestiaire? (동물 우화)라는 시를 보고 감동을 받아 작곡하게 되었는데 이 시를 소재로 Les Six의 일원이었던 F. Poulenc도 작곡했지만 12곡에 불과했고, L. Durey는 26개의 곡을 만들었다. 이 곡들은 모두 동물과 시인의 삶을 긴밀하게 연결하여 작곡되었다.Landon Ronald (1873-1938)의 <A cycle of life> (인생의 순환)는 5개의 곡으로 나뉘어져 있는 연가곡으로 인생과 사랑에 관한 주제를 사계절에 비유한 H. Simpson의 시를 가사로 하고 있다.Gaetano Donizetti (1797-1848)의 Opera <Don Pasquale> 中 ?So anch'io la virt? magica? (기사의 그 뜨거운 눈길에)는 여자주인공 Norina가 소설을 읽으며 자신은 세상의 모든 남자를 다 정복할 수 있다는 자신감을 나타내는 내용의 Aria이다.

Antonio Gramsci의 政治思想硏究

정현묵 東亞大學校 1992 국내석사

One of the most famous Italian Marxists, Antonio Gramsci has shown very wide ideological spectrum. While he was overestimated by his colleagues, he was unde-restimated by his enemies. Why did this happen ? Gramsci tried to explain the phenomena of the Capitalist State which was maintaining and stronger then before. He wanted to know the reason why proletarian revolution has not taken place after the Russian Revolution on the contrary of the predict of Marx. Also, he wanted to understand the limitation of the methodologies which Idealists and Marxists explained the society. Thus, he analized the history of Italy, France Revolution, and Russian Revolution for the reason why capitalist state could maintain uncessant development. This analization gave him the pattern of 'passive revolution' which was the political mode in the crisis of economy. In this revolution, there were two aspets of the 'historical bloc' which was based on the economical conditions. The one was domination to the opposing class and the other was leadership to the friendly class. So state could be controled by consent which took place by friendly class at any time, and at any conditions. To this role of the state, Gramsci pointed out the 'integral state' or 'ethical state' ( State ='Political society + Civil society). State wasn't 'the committe of bourgeois', but did hegemonic role which based on the consents. State was hegemonic body which was guared by armored forces. In this explanation of the Capitalist State, he considered two phases of philosophical matters. ' First, he knew, Croce's historicism couldn't explain the society's dialectical process. So he understood why Croce ran into the speculative philosophy. While Gramsci understood the necessity of historicism, also he wanted to get out of speculative method which appeared in Croce. Thus, he introduced dialectical method into historicism. Second, he criticized Plekhanov's and Bukharin's dialectical materialism. He knew that Bukharin's undialectical materialism was easy to become voluntarist idealism and also Plekhanov's snobbish materialism was easy to become dogmatism. According to this, he applied historical materialism strictly in the field of praxis. The 'Pilosophy of Praxis' devoted into the reality rigorously. Philosophy which was based on the abstraction, speculation, voluntary and snobbery was meaningless to him. For him, philosophy could appeared when it was creative of human mind. So an equation came into existence that was philosophy = dialectic = history = praxis = politics. Like this, Gramsci's theory is available to explain the phenomena of Capitalist State. Capitalist State has been limited by the authenthic civil society in its origin, but after mid-20℃, State called for active role. Thus, State could obtain its original poundations which were closely interlocked with the economy, the culture and the society. State is no longer 'night-watcher', but is all day interventionist' in any field. So, Gramsci told us that the state in Russia was everything, civil society was premordial and gelatinous, but in the west, there were proper relation between State and civil society, and when the State trembled a sturdy structure of civil society was at once revealed. So, first of all, 'organic intellectuals who want Capitalist State to become Workers State have to conquer the civil society with counter-hegemony ('war of position'). This process isn't interrupted. New society has to be created in former society, and the former society will be disappeared by the completion of the new society. Gramsci's theory is the consequences of the effort to explain the Capitalist State. Though Gramsci's theory has partial revelences in mordern society, his theory is one of the peculiar models which explain modern Capitalist State. This is indeed Gramsci's originality which gives Marxism theoretical, political and philosophical structure through ethical political praxis of hegemony.

Antonio Vivaldi (1680-1743)의 6 aria에 관한 연구

이연호 (李蓮浩) 誠信女子師範大學 大學院 1980 국내석사

Antonio Vivaldi(1678~1741)의 Aria 연구 분석 -oratorio "Juditha triumphans”중심으로-

박민숙 경북대학교 대학원 2005 국내석사

17세기∼18세기 전반, 독일과 이탈리아를 중심으로 발달한 바로크 시대 음악은 대위법의 융성기였던 르네상스와 화성법의 융성기인 고전파 음악 사이에서 대위법과 화성법이 교차하는 다채로운 음악이라고 할 수 있다. 바로크 시대의 작곡가들 중, Vivaldi는 후기 바로크 양식에서 초기 고전양식으로 전환되어 가는 과정에서 가장 중요한 작곡가 중의 하나이다. Vivaldi가 생존 중 출판된 그의 작품은 약 40곡의 소나타, 100곡의 협주곡 등 기악곡뿐이지만, 오페라, 칸타타, 모테트, 오라토리오 등에 서도 많은 업적을 남겼다. 또한 당시 그는 오페라 작곡가로서의 명성은 매우 높아 그가 오페라를 작곡한 1713~1739년 사이에 Venice의 극장들은 Vivaldi의 작품을 어떤 작곡가들의 작품보다 많이 상연하였다. 저자의 본 논문에서 다뤄진 "Juditha Triumphans"는 Vivaldi의 오라토리오 중 유일하게 현존하는 오라토리오로서 그의 작곡 양식을 단적으로 알 수 있다.