반주기(Karaoke)음악의 발전과 전망 : Karaoke음악의 Midi 표현기법(Guitar연주법 위주로)

안정훈 상명대학교 대학원 2009 국내석사

Since 1980's when the Karaoke system from Japan was first introduced in Korea, the cultural development of Karaoke has undergone great changes with gradual progress in hardware system and its contents. The first local Karaoke system in Korea was manufactured in 1986 and since then, we can see many different variety of new products coming in the market almost every year replacing the old system. With a great development in computer manufacturing technology, it makes people able to find a PC that comes with higher performance CPU and larger hard disk drive capacity at a lower price resulting in drastic development of Karaoke. It is believed to be true that Karaoke is now a part of our lives. Under this circumstances, I would like to present the history of Karaoke, method to use sound modules, how to make guitar sound more realistic, process of contents making and finally forecasting future development. First, meaningful Karaoke models and their contents from different companies will be presented to review the history of Karaoke system. Karaoke system has been developed from simple machine sound to much advanced sound system with various sound modules equipped. Moreover, it has come this far to make it possible to produce almost all musical sounds as it is recorded with real instruments.Karaoke system is now considered as not only a simple sound generating machine but also a system for multimedia purposes. Second, In this chapter, the whole process of creating Karaoke music will be reviewed, and merits and demerits of live Karaoke and Midi Karaoke will be also presented with possibility of future evolution. Third, I would like to review a famous module, Sound Canvas of Roland, which is considered a sound module for Karaoke system. Basic principles of guitar effect function and values of parameter in the module will be presented with a simple sample to show how to use System Exclusive and to edit sound using NRPN. Fourth, Guitar is the most unique instrument to create data of Karaoke. People tend to play the guitar by themselves to record a guitar sound, but in Karaoke system, as we mostly use Sound Module to create all the sounds for a song, we spend a lots of time on dealing with guitar sounds, and try to make the sound realistic. In this chapter, a representative playing technique sample for each guitar will be presented by sound module. People have been enjoying Karaoke so far and it has been a symbol of resting-place and entertainment element for those people in 21st century to alleviate the stress and build fellowship among families, friends, and colleagues. I hope that more dedication and research will be demonstrated to develop it. 1946년 1만 8300개의 진공관과 기계로 만들어진 30톤 무게의 세계최초의 컴퓨터 에니악(ENIAC)이 만들어진지 60여년이 흘렀다. 단순한 계산만을 위해 만들어진 컴퓨터가 발전과 발전을 거듭하며 성능과 부피를 줄이고 또한 개개인의 책상 위와 생활 속으로 깊숙이 파고들었고 하다못해 세탁기, 냉장고등의 가전제품에까지 이제는 컴퓨터가 존재하지 않는 세상을 생각한다는 것 자체가 어색한 세상이 되고 말았다. 음악, 미술 등의 예능계통도 예외는 아니어서 이미 컴퓨터를 이용한 많은 작품과 활용이 이루어지고 있다. 컴퓨터의 발전은 컴퓨터를 이용하지 않고서 음악을 창작하고 연주하던 당시보다 시간과 공간을 뛰어넘는 특히 여러 가지 시도를 효율적으로 할 수 있는 장을 열어주었다. 특히나 전자악기와 컴퓨터의 만남으로 많은 장비와 인원이 개인작업자의 책상 위 컴퓨터로 대체되어가고 있고 그 질적인 만족도 또한 점점 높아지고 있다. 이러한 컴퓨터와 전자악기의 만남으로 여러 대중들이 시간과 장소를 구애받지 않고 노래를 부를 수 있는 노래방이란 문화가 탄생하였고 우리나라에서 노래방의 탄생 또한 20여년이 흘렀다. 그동안에 노래방 반주기도 발전에 발전을 거듭하였고 지금도 하루가 다르게 계속 발전하는 중이다. 노래방문화가 오랜 시간이 흐르며 이미 우리들의 일상에서 없어서는 안 될 생활의 한부분이 되었고 다방면에서 많은 파급효과를 일으키며 성장해 왔다. 하지만 관련 자료나 연구가 많이 부족한 현실에서 앞으로 많은 연구가 이루어졌으면 하는 바람이다.

John Williams의 "Jurassic park" 테마음악 <The lost world> 연구분석

양지경 상명대학교 대학원 2001 국내석사

본 논문에서는 심포닉 사운드의 대표적인 작곡가 John Williams의 “Jurassic Park” 속편의 테마 음악인 「The Lost World」를 중심으로 한 연구이다. 이 연구를 통하여 영화음악에 대한 이해와 분석의 틀을 제공하고, 그러한 분석을 기초로 하여 실제로 영화음악을 어떤 방법으로 향상시킬 것인가에 대한 포괄적이고 일관된 연구를 목표로한다. 따라서 본 논문에서는 영화음악의 개념과 기능성을 연구 분석하였으며, 제작과정의 고찰을 통해 영화음악의 진행방법을 연구하였다. 또한 John Williams와 그 외의 과거영화사와 영화음악가들을 배경으로 분류시키었고, 이를 기반으로 하여, 영화음악의 역사적 고찰과 흐름을 연구하였다. 또한 John Williams의 테마음악「The Lost World」를 통하여, 이 작품의 전체적인 형식 화성, 음계, 관현악법 등의 음악적 특징들을 비교해보았다. 음악적인 분석 중 멜로디를 포함한 화성은 전체 악기를 중심으로 하였고, 음계에 대한분석은 멜로디를 포함한 화성분석을 통하여 시도하였다. 이러한 일련의 과정을 통합하여, 영화음악에 대한 깊이와 이해를 굳히고, 이러한 방법들을 통해 영화음악의 한 방향을 얻고자 한다. The purpose of this thesis is to study an analytical method for understanding of cinema music and to convey method of total outlining and how to approach and upheaval cinema music itself. With conjunction of analysis upon John Williams top piece of 「Jurassic Park :The Lost World」and its theme music of 「The Lost World」 which believe to be the best composed in its field. In this thesis studies on the theme music in symphonic sound 「The Lost World」 by the top composer of John Williams piece in ?Jurassic park: The Lost World.? With this study convey method of understanding and analytic approach in outlining cinema music. With these analytical basis of practical purpose is upheaval in total summation. Conjunction with this method the concept and function of cinema music being analysed, and proceedings in analysis and its progress. With classification of John williams and other composers piece, the flow with historical observations were made. And John Williams theme music of 「The Lost World 」following studies were made . Total harmonic formula, music scale, and the formula in orchestration being composed in music characteristics. The music analysis upon melodic harmony used total instrumentation. In music scale analysis reversely used in scale analysis including harmonic analysis for melody analysis. With these process in procession of cinema music can be made, consequently gained the direction and approach of cinema music in this study.

Bob Marley의 레게음악에 대한 비교 분석 연구 : 'I shot the sheriff'를 중심으로

차정규 상명대학교 대학원 2009 국내석사

본 논문은 레게뮤지션이었던 Bob Marely 의 원곡 I shot the sheriff가 이후 뮤지션들에게 어떠한 영향을 주었으며 어떠한 장르의 변화가 있었는지를 알아보고 1973년 그의 앨범 Burnin' 의 수록곡 I shot the sheriff를 통해 어떻게 레게음악이 그들의 장르 속에 파고 들어가게 되었고 발전되었는지 비교 분석을 통해 특징들을 알아보고 있다. 새롭게 편곡된 I shot the sheriff는 블루스 락 음악의 대표 뮤지션이었던 Eric Clapton에게 많은 영감을 주었고 이후 그에게 Remake 된 I shot the sheriff는 그에게 제 2의 전성기를 누리게 해준 곡이기도 했다. 그 이후의 락그룹 The Hobos, 힙합 뮤지션 Warren G, 베이스기타리스트 Jaco Pastorius, 밴드 Redd Holt 등에 의해서 Remake 되었으며 최근 발매된 Bossa n' Marley에서도 Remake 됐다. 그의 원곡은 그의 죽음 이후 뮤지션들에게 많은 영감을 주었고 많은 장르의 영향을 준 곡이기도 했다. 레게음악의 거장 Bob Marley는 36살의 젊은 나이로 죽기 전까지 뮤지션으로써 많은 활동을 하면서 3세계음악이었던 레게음악을 세계에 널리 알리는데 이바지한 공이 크다. 그의 대표곡 No woman no cry, I Shot the sheriff 등은 레게음악의 클래식과 같은 존재로 우리에게 알려져 있는 유명한 곡들이다. 3세계음악인 레게가 사랑을 받고 많은 뮤지션들이 그의 대표곡들을 Remake 하면서 레게라는 음악장르가 다른 장르와 만난 다는 것은 흥미로운 일이 아닐 수 없다. 본 저자는 장르는 바뀌었지만 Bob Marley의 원곡이 이후 뮤지션들의 장르적 특징 속에 어떻게 바뀌어 가게 되었는지 그리고 원곡의 느낌들은 어떻게 표현되었는지를 비교 분석을 통해 알아보고자 본 논문의 주제를 선택하게 되었다. This study is to examine the effects of the original song called, 'I shot the sheriff,' by Bob Marely, a reggae musician, on musicians thereafter, and what changes were caused in terms of genre. Besides, how reggae music penetrated into their genres through 'I shot the sheriff,'included in his album, 'Burnin' in 1973 was comparatively analyzed. 'I shot the sheriff,' newly arranged, inspired Eric Clapton, a representative blues rock musician, and later the remake version made him enjoy the second prime. Thereafter, the rock group, 'The Hobos,' hip hop musician Warren G, bass guitarist Jaco Pastorius, and music band Redd Holt released their remake versions, and the recently released album, 'Bossa n' Marley,' also included the remake. The original song inspired many musicians, and affected many genres after his death. Bob Marley, a great master of reggae music, was very active in his work until his early death at the age of 36, and contributed a lot to making known reggae music, which was the third world music in time. His well known songs such as 'No woman no cry,' 'I Shot the sheriff,' etc. are regarded as the classic of reggae music among us even today. As the third world, reggae, became popular and a number of musicians released remake versions, very interestingly, the certain genre, reggae, became mixed with other genres. The researcher of this study chose this theme for the study to examine how the original song of Bod Marley was changed when it was mixed with other genres' characteristics by other musicians, and comparatively analyze how the feelings of the original song were expressed.

현대 락 음악에 나타난 포스트모더니즘 현상 연구 : 밴드 'Radiohead' 중심으로

문정민 상명대학교 대학원 2008 국내석사

This study is to analyze the effect of Postmodernism, an artistic philosophy, and its phenomena reflected in Modern Rock music through the works of 'Radiohead', a British Modern Rock band. Postmodernism appearing as a countermovement in order to oppose the radical changes of 20th century society represents the art following Modernism. However, with that the definition of its notion and nature is not clearly clarified yet and many scholars have still conflicted with contradictory opinions, we cannot help subsisting in a contemporary with Postmodernism. Accordingly, this study proceeds to its investigation on the assumption that Postmodernism is a succession to Modernism which is based on the general idea of Professor Dong-wook Kim. ‘Modern Rock' has been classified among Rock music in 1990's, and Nirvana and Radiohead are the representatives of a number of bands playing similar modern rock musics. Likewise, features of Postmodernism are reflected in Modern Rock, and this thesis closely examines Radiohead's songs. It begins with Radiohead's background and evolution of their music. In particular, it inspects how the characteristics of Postmodernism are found in 14 songs in the aspects of the harmony, rhythm, composition, playing, form, sound, lyrics and subject. Consequently, its boundary and potential future in modern rock can be discovered as well. Postmodernism as challenge and defiance has infinite possibilities, but it is true that there are also critical views because it should require to outgrow the established convention under familiar things. Meanwhile, it may inspire freshness into the moderner who has suffered from the side effects caused by rapid social changes. Hence, it is necessary to embrace Postmodernism with broader views and seriousness. Currently, it is hard to find the study of Postmodernism in the field of music nothing but in that of the modern classic. I hope this thesis will conduce to study Postmodernism in popular music including modern rocks, and furthermore expect that it will be able to encourage the public as well as musicians to have the better understanding of its distinguishing traits in modern rocks. 본 논문은 현재 모든 예술 분야에 걸쳐 나타나 있는 포스트모더니즘이란 예술 사상이 현대 락 음악에 어떻게 반영되어 나타나 있는지, 영국의 모던락 밴드 ‘Radiohead’의 음악을 통하여 연구, 분석한다. 20세기에 들어와 급격한 사회 변화를 겪으며 그에 따른 대항 문화로써 대두된 포스트모더니즘은 모더니즘 이후의 예술 사상을 말한다. 그러나 아직도 그에 대한 개념과 본질이 명확히 정의되지 못하고, 여러 학자들끼리도 서로 모순된 의견을 제시한 채 현재 포스트모더니즘과 동시대를 살아가고 있다. 그러므로 본 논문에서는 그 중 김욱동 교수의 포스트모더니즘 개념과 본질 연구를 바탕으로 포스트모더니즘을 모더니즘의 계승으로 전제하고 분석한다. 락 음악은 1990년대에 이르러 ‘모던락’ 이라는 명칭으로 구분되기 시작하였는데, 대표적으로 Nirvana와 Radiohead를 필두로 수많은 밴드들이 비슷한 스타일의 현대적인 락 음악을 하기 시작하였다. 현대 락 음악에는 포스트모더니즘의 특징이 많은 부분 반영되어 있음을 알 수 있는데, 그러한 특징을 Radiohead의 음악을 중심으로 살펴본다. 먼저 Radiohead의 배경과 그들 음악의 진화 과정을 살펴보고, 그들의 음악 중 14곡을 선별하여 포스트모더니즘의 특징이 어떻게 반영되어 있는지 화성적인 측면, 리듬적인 측면, 곡 구성, 형식, 연주 측면, 사운드 측면, 주제, 가사 내용의 측면을 통해 연구하고 분석한다. 그럼으로써 나타나는 현대 락 음악에서의 포스트모더니즘의 한계와 미래를 살펴본다. 도전과 저항 정신의 포스트모더니즘은 가능성이 무궁무진하지만, 익숙한 것에 길들여져 있는 기존의 전통에서 탈피해야 하기에 비판의 시각도 많은 것이 사실이다. 그러나 급격한 사회 변화에 따른 부작용에 지쳐가는 현대인들에게 신선한 활력소가 될 수 있는 것이 바로 포스트모더니즘이다. 그러므로 보다 넓은 시각과 진지한 마음으로 포스트모더니즘을 받아들일 필요가 있다. 예술 분야 중에 음악 분야에서의 포스트모더니즘은 연구는 클래식의 현대 음악 쪽을 제외하고는 거의 찾아보기 힘든 실정이다. 본 논문이 현대 락 음악을 포함한 대중 음악계의 포스트모더니즘 연구에 도움이 되기를 바라고, 나아가 락 음악 활동을 하는 음악인이나 일반인에게도 현대 락 음악에서의 포스트모더니즘의 특징을 이해하는데 있어 도움이 되기를 기대한다.

컨텐츠 산업발전에 따른 게임음악에 관한 연구

박형원 국제신학대학원대학교 2019 국내석사

K-pop은 아시아를 넘어 전 세계적으로 한국을 대표하는 문화상품이 되었다. 그 중에서도 게임은 10여년 사이 눈부신 발전을 이루었고 그 어떤 분야보다 산업발전에 기여도가 크다고 하겠다. 게임분야의 발전과 더불어 게임 음악도 음악으로서의 예술성을 인정받기 시작하면서 국내 게임 산업에서도 활발한 움직임이 불고 있다. 특히 게임은 스토리, 연출, 그래픽 등 다양한 장르의 예술이 혼합되어 있어 종합예술이라 할 수가 있다. 특히 게임을 제작하는 것은 컴퓨터 환경 속에서 다른 응용프로그램과 은 차별화를 가지며 기능적이거나 혹은 다른 요소들을 고려하지 않는다면 올바른 게임 프로그램이 될 수 없으므로 게임의 특성을 이해하는 것이 요하다. 하나의 게임을 개발하기 위해서는 많은 분야의 전문 인력이 필요지만 국내의 게임 제작사는 아직까지 그래픽을 위주로 한 시각적 요소에만 지나치게 집중되어 있는 경향이다. 게임에서는 음악이 중요한 역할을 담당하고 있으며 특히 플레이어의 감정이입에 기능적인 역할과 배경제시의 기능, 몰입, 역할의 기능들이 있으므로 게임 음악의 사운드 제작이 매우 중요하다고 하겠다. 우리나라의 게임 산업의 규모는 이미 세계적인 수준으로 발전하고 있으며 게임음악 또한 게임의 중요한 요소로 작용하며 독립적인 문화컨텐츠로 전하고 있다. 이에 따라 게임 음악이 독립적인 한 분야로 자리를 잡기 위해서는 게임 음악의 전문성과 사운드의 질적 향상을 위하여 더욱더 많은 구가 진행되어야 할 것이다.

컴퓨터 음악을 활용한 영화 음악 제작 : 가상악기를 이용한 단편영화 'Wonder capsule' 영화음악제작

황인정 상명대학교 대학원 2006 국내석사

컴퓨터 음악에 있어서 현대무용 음악의 활용방안 연구 : 이정민의 현대무용음악 "귀소"를 중심으로

이정민 상명대학교 대학원 2006 국내석사

광고 음악에 관한 연구 : TV 광고에서 배경음악을 중심으로

임은경 상명대학교 2000 국내석사

한국 포크 음악의 특징과 그 방향성에 관한 연구

방종서 상명대학교 대학원 2009 국내석사

본 논문에서는 한국 포크 음악(Korea Modern Folk Music)의 발생과 전개 과정 속에서 나타나는 특징을 발견하고 그 흐름을 파악하여 현재의 한국의 대중음악 속에서 어떤 형태로 자리 잡고 있는지를 분석, 연구하였다. 먼저 현재 사용되고 있는 포크 음악(Folk Music)의 개념을 정리하고자한다. 첫째, 언어적인 의미에서의 포크 음악은 전통 음악(Traditional Music)의 의미를 갖는다. 이를 다른 표현을 빌리자면 전통 포크 음악(Traditional Folk Music)이라고 할 수 있다. 말 그대로 각국의 전통적인 음계와 악기를 사용하고 있으며 그 나라나 민족을 대표한다. 둘째, 가장 흔한 의미로 사용되고 있는 음악 장르의 한 분류로써 대중화된 미국의 모던 포크(Modern Folk Music)음악이라 할 수 있다. 미국이 가지고 있는 전통 음악이 현대로 내려오면서 팝적인 요소를 가미하여 대중화에 성공했고 현재도 음악의 한 분류로써 사용되고 있다. 셋째, 한국의 포크 음악(Korea Modern Folk Music)이다. 본 논문에서 그 정의와 효시를 명확히 하고 전개 과정을 연구하고자 한다. 한국 포크 음악(Korea Modern Folk Music)은 미국의 모던 포크나 제 3국의 포크 음악, 또는 월드 뮤직(모던 포크화된 각국의 포크 음악)과 다르게 그 발생은 미국이나 서양으로부터 무분별하게 들어온 번안 가요에서 그 효시를 찾을 수 있다. 많은 문헌 자료들은 ‘한대수’ 를 꼽고 있지만 그것은 우리 스스로에게 솔직하지 못할뿐더러 한국 포크 음악이 시작했다라고 말할 수는 없다. 그가 가져온 것은 미국의 모던 포크를 그대로 모방한 미국의 모던 포크일 뿐이기 때문이며 본 논문에서 언급하는 한국 포크 음악의 효시라고 할 수 없다. 그렇기 때문에 한국 포크의 효시는 번안가요를 부르기 시작했던 송창식을 비롯한 트윈폴리오로 정의한다. 한국 포크 음악의 발생은 미군을 위한 AFKN 방송의 유입과 미 8군의 무대에서부터 유입되기 시작한 미국의 팝 음악과도 밀접한 관계가 있다. 두 번의 군사 정권을 겪으면서 몇 번의 고비가 있었지만 시대에 따라 변화를 거듭하면서 현재에 이르기까지 지속적으로 그 색깔과 형태를 달리 하였다. 70년대는 미국의 모던 포크가 가지고 있는 그 포크음악의 의미와는 사뭇 다르게 전개되었기 때문에 일련의 저항이란 메시지가 불분명했다. 또한 삼엄한 군사적 통제와 압박 속에서 그 당시 한국 포크가 저항의 의미를 드러내기에는 너무 초보적인 단계인 것이다. 차라리 그 통제와 압박의 수위가 높아져감에 따라 그들이 의도 하지도 않는 저항이나 불순의 명분 아래 금지곡들만 늘어갔다. 80년대 제 2의 군부가 시작되면서 한국 포크는 급격하게 변화하기 시작하였다. 이른바 저항 가요(Protest Folk)가 생겨나고 ‘민중가’, ‘투쟁가’, ‘노가바’ 등의 다양한 별칭들이 생겨났다. 그 메시지는 또한 거칠고 직접적이었다. 6.29선언 이후 많은 사회적 변화와 새로운 민주주의의 물결이 일어나기 시작하였다. 포크 음악의 가장 큰 전환기는 바로 해금(解禁) 이다. 또한 저항의 꺼리가 없어지면서 한국 포크는 새로운 변화를 시도하게 된다. 여러 다른 장르와의 결합과 한 이면에서 일어난 시노래 운동은 한국 포크만의 특징이라 할 수 있다. 가볍지 않은 민중의 삶과 사랑의 메시지 또는 환경, 시 등이 포크와 결합하여 새로운 문화적 흐름을 이루고 있다. 주류에 묻혀 쉽게 간과할 수도 있는 한국 포크 음악은 한 시대의 사회 문화에 깊이 자리를 잡고 의미 깊게 한국 사회와 역사의 한 이면을 그림자처럼 따라 다니면서 생성과 소멸, 진화를 계속해 오고 있다. 서민 문화의 한 저변에서 문화적 소외를 감수하면서 그 맥락을 잇고 있는 한국 포크 음악의 잔가지들이 남아있다. 이것이 한국 대중음악의 과거와 현재 그리고 미래의 저변에 영향력을 미치고 있는 것으로부터 음악사적 의의를 찾고자 한다. Korean folk music is quite different from that of Americans in terms of its starting and progression. The beginning of Korean folk music can be found from the adopted songs of America. Thus, the early stage of Korean folk music did not have its unique characteristic of the spirit of resistance. The lack of its worth and evaluation made it hard to stand its own in Korean society. The experience of the 70’s suggested that the folk tradition came to be marked as the tool of resistance against the military authority. This was the beginning of the so called Korean protest folk music which distinguished from that of western. Kwangju, the stronghold of freedom through 70~80’s, has been the center of this folk songs ever since. In the 90’s, however, its unique characteristics of the spirit of resistance faded due to the growing of the democracy in Korean society. As a popular genre it quickly evolved to be quite different from its original roots. It brought more romantic rhythm with poetic lyrics, whereas 70’s and 80’s music tried to present its ultimate messages of resistance to the society. From the 90’s, the movement of poetic songs made a new change to the folk song ever since it had lost its spirit of resistance. Till now, there are still many folk musicians who refuse to mingle with mainstreamers without giving up on their own dignity. As it is written above, Korean folk music has been breathing with the ordinary working people who made those songs alive. There were times that Korean folk music went alongside with those of original ones. However, it has its own unique characteristics which are mentioned above. Korean folk music history cannot be considered lightly because it still gives a significant effect on contemporary Korean pop music.

게임의 영화화와 음악

이지현 상명대학교 일반대학원 2008 국내석사

In today’s society, in which OSMU (One-Source Multi-Use) is a driving force to lead the cultural contents industry, the release of a movie based on a game with a sound may significantly affect people whose profession is in music. Out of the movies which originated from a game utilizing OSMU, the study conducted research into a movie originated from a game which has been deemed as highly related to music and proposed a direction for Korean film musicians in relation to music through the research. First, the study forecasted that an action genre that arose out of video games is frequently shown in the movies which originated from games chosen for the research into and the classification and the analysis of movies made from games, and even on-line games may be able to be produced as a movie according to their storylines. Also, after researching current conditions through various statistical data, the study found that a game and a movie takes the great market share of the Korean market, and promotional policies have been actively pursued on a governmental level, including the outlook of the Korean game and movie industries, respectively, and the human resource structure and national policy supports. Accordingly, the study expected a positive outlook for the production of a game as a movie in Korea. Also, the study analyzed related Korean situations through simple research into foreign composers as well as the current Korean game/movie music composers, identified problems, and pointed out solutions. Finally, the study selected <Silent Hill>, a movie based on a game, for research and looked at the description of the movie and the procedure for the production of a game as a movie. In addition, the study’s conclusions concerning the production of a movie from a Korean game may propose a new direction for Korean game/movie musicians through research into Akira Yamaoka (山岡晃, 1968~), a composer of two movies. OSMU(One-source Multi Use)가 문화 콘텐츠 산업을 이끌어 가는 원동력이 되고 있는 현 시대에 사운드를 지닌 게임을 원작으로 한 영화의 출시는 음악을 직업으로 하는 사람에게도 적지 않은 영향을 준다. OSMU(One Source Multie-Use)를 활용한 원작의 영화화 작품 중에서, 음악과의 연관성이 높다고 판단되는 게임을 원작으로 한 영화에 대해 연구해 보고, 이를 통해 음악과 연관하여 국내 영상 음악가들이 앞으로 나아가야 할 방향성을 제시해보았다. 먼저 게임의 영화화 현황과 분류, 분석을 통해 게임 원작 영화가 비디오 게임 분야 중에서도 액션 장르에서 강세를 보이고, 온라인 게임이라 하더라도 스토리-텔링에 따라 영화화가 가능하다고 전망한다. 그리고 각종 통계 자료 등을 통해 국내 게임 산업과 영화 산업의 각각의 현황과 전망, 인력 구조와 국가 정책 지원에 대하여 조사하여 게임과 영화가 국내 시장에서 큰 비율을 차지하고, 정부 진흥 정책도 활발하다는 분석을 내렸고, 따라서 국내의 게임의 영화화의 전망이 긍정적이라고 기대한다. 또한, 국내의 게임/영화음악 작곡가의 상황과 외국 작곡가들에 대한 간단한 조사를 통해 국내 상황을 분석하고 문제점을 인식하여 개선점을 찾아내었다. 마지막으로 게임을 원작으로 한 영화 <사일런트 힐>을 연구대상으로 선정하여 작품 해설과 게임의 영화화 과정을 알아보았고, 또한 두 작품의 작곡가 야마오카 아키라(山岡晃, Akira Yamaoka- 1968~) 에 대한 조사를 통하여 국내의 게임의 영화화가 국내 게임/영화 음악가들에게 새로운 방향을 제시할 수 있다고 판단하였다.