전통과 현대 공예의 개념 정립 연구 : 工藝形氣神論을 중심으로

용주 한양대학교 대학원 2015 국내박사

제2차 세계 대전 후부터 공예는 여러 나라에서 현대대학교육제도와 체계에 편입했다. 하지만 근 10년에 예술디자인 새로운 사조의 급한 발전 때문에 공예는 미술학과 디자인학 각각의 일부로 해제되고 있는 것을 보이며 예술디자인학에 편입할 추세가 있다. 이 추세는 국제화, 기계지능화, 산업화 등 시대의 추세를 따라 가는 것도 있지만 현대 공예연구는 공예가 독립한 학과로써의 독립성 및 대체할 수 없는 특성을 보여 주지 못한 것을 반영된다. 오랫동안 공예학계에서 미술학 및 디자인학 저럼 사변(思辨)이론의 구축을 중시하지 않아서 당대공예이론은 주로 미술학 및 디자인학이론을 따라서 발전하여 미술 및 디자인 맥락에서 벗어나서 공예 자체의 특성이 있는 이론 및 관점을 표현하는 것이 별로 없다. 또한 공예는 전통을 보호 및 전승하는 것을 자신의 사명으로 여기지만 기술의 전승에 과도하게 집중해서 전통공예가상을 시대적인 연구 깊게 하는 경우가 별로 없다. 사변(思辨)이론 구축의 결핍 및 전통공예사상에 대한 깊은 연구를 중시하지 않기 때문에 공예학이 신세대에 위상을 즉각 정의 하는 것도 못하고 새로운 발전단계에 들어가지도 못한다. 이 연구 배경을 기반 해서 본 논문에서 공예형기신론(工藝形氣神論)을 제기한다. 공예 및 전통철학의 밀접한 관계를 빌려서 공예가 철학측면에서 갖고 있는 천인합일(天人合一)의 정신구축에서 출발하고 형기신(形氣神)의 철학 범주는 연결체로 생각하고 형(形), 기(氣), 신(神)사이의 변증관계를 이용하여 공예영역 내에 형기신(形氣神)과 대응할 공예연구 요소를 도출해서 전통철학사변논리의 특색 있는 공예이론구조를 구축한다. 본 이론의 도출과정은 공예의 철학적 본질측면부터 위에서 아래로 현상측면에 진행한다. 공예품을 중심으로 기여 과거 공예연구에 독립적이고 심지어 대립하고 한 로직에 귀납하지 못한 '기능적 및 비기능적', '수공생산적 및 기계생산적', '장인 정신적 및 디자인적' 등 요소를 형기신(形氣神)사이의 논리관계를 통해 서로 연관되어 안정한 관계를 가지는 이론 구조로 서로 연계한다. 공예의 본질은 공예의 형(形), 기(氣), 신(神)의 결합으로 보인다. 그 중의 공예의 형(形)은 기능형태 및 장식형태를 가리킨다. 공예의 기(氣)는 공예품 성형 전의 기능형태 재료 및 장식형태 재료, 수공생산력 및 기계생산력, 공예 기술 및 공예 규칙을 가리키고 공예품 성형 후의 공예품주변에서 퍼진 장기(匠氣)를 가리킨다. 공예의 신(神)은 기능의 구상과 설계, 장식적인 의사소통 및 장인 심리를 가리킨다. 본 논문은 3가지 내용으로 구성된다. 첫 번째는 공예형기신론(工藝形氣神論)을 제기한다. 공예전통에 철학과 밀접한 관계를 이용하여 공예가 가지고 있는 천인합일(天人合一)의 정신 및 이상에서 출발해서 '공예형기신이론' 제기 하는 도출논리 및 과정을 자세히 표현하고 형기신(形氣神)이론은 철학 범위에 공예이론 연구에 적용할 수 있는 이유 및 형기신(形氣神)과 공예 사이의 어떤 관계가 있는 지 등 문제를 설명한다. 두 번째는 진일보로 공예 형기신적 이론의 구체적 내용을 구축한다. 전통철학의 형기신(形氣神)범주 및 공예연구요소를 서로 연결시키고 공예의 형(形), 기(氣), 신(神)에 대한 할 수 있는 구제 적인 내용을 정리한다. 세 번째는 구축된 공예 형기신적 이론을 이용해서 구제적인 공예문제를 해결한다. 예를 들면 공예의 본질이 무엇이고 공예의 범위가 무엇인지 다른 공구, 기계 미술품 설계제품 등의 인공물체 하고 어떤 차이점 있는 지 등 장기적으로 계속 수많은 공예가 및 공예전공 학생이 고민한 문제를 해결한다. 그리고 이 이론은 향후에 공예교육, 공예창작 및 공예비판 등 영역의 발전 전망 및 현대 연구가치 등 내용을 간략하게 기술하여 향후에 본 이론을 연구자에게 참고를 제공한다. 공예형기신론(工藝形氣神論)은 완전히 새로운 공예이론이고 공예학계가 과거에 중시하지 않은 영역과 방향이다. 본 이론은 공예품과 공예제작이 가지고 있는 사람과 자연의 조화, 물질과 정신의 조화, 감성과 이성의 조화, 그리고 진(真)、선(善)、 미(美)의 조화 등 특성을 강조하고 공예활동을 천인합일(天人合一)을 심미와 체득하는 것에 유도하여 공예학의 신세대 배경에 새로운 위상을 정립하는 것에 참조를 제공한다.

제단화에 나타난 그리스도 이미지 연구 : 북유럽 제단화를 중심으로

김남민 백석대학교 2016 국내박사

[ 국문 초록 ] 제단화에 나타난 그리스도 이미지 연구 -북유럽 제단화를 중심으로- 백석대학교 기독교전문대학원 미술학전공 김 남 민 본 논문 연구는 역사 속에서 찬란하게 꽃을 피웠던 북유럽 제단화에 대한 관심으로부터 출발하였다. 연구의 필요와 목적은 제단화의 정체가 무엇이며 또 제단화를 통해 표현된 그리스도 이미지는 어떠한 것인가? 에 대한 탐구하기를 원했다. 예배처소에서 제단과 함께 예배의 핵심에 자리 잡고 있는 제단화는 예배 공간에 봉헌된 전례, 예배미술이었다. 이 제단화에 나타난 그리스도 이미지 연구를 하고자 한다. 제 I 장에서는 본 연구의 시간적 공간적 범위를 규정하였다. 르네상스기의 북유럽 제단화 연구는 시간적으로는 〈메로드 제단화〉가 제작된 1420년에서 〈이젠하임제단화〉를 봉헌한 1515년까지 약 100년의 기간이며, 공간적 범위는 알프스 북쪽, 프랑스, 플랑드르 지역, 네덜란드, 독일 지방을 포함한 지역이다. 북유럽제단화에 나타난 그리스도 이미지 연구로서 연구자는 기독교 세계관의 입장에서 그 의미와 내포된 상징을 분석하는 것이다. 방법론에서는 미술사와 기독교 역사에 근거하여 도상학과 도상해석방법으로 연구하였다. 제 II장에서는 제단화에 대한 역사적, 종적인 개관을 시도하였다. 긴 기독교 (미술) 역사에서 제단화는 계속하여 발전해 왔다. 제단화의 역사는 예배의 역사가 그렇듯이 오래되었다. 먼저 제단화에 대한 정의와 기능을 살펴보았다. 제단화는 기독교 교리와 가르침을 전달하는 동시에 “그리스도 현존을 초대”하는 기능을 가진다. 초기 기독교 시대에 예배공간에 함께 한 제단화의 초기 형태로 볼 수 있는 이미지들은, ‘제단화’라고 명명되기 이전이었지만 ‘제단화’로서 역할을 수행해 왔다. 그리스도 이미지의 시대적 변천을 개관함으로써, 당시의 역사적 성경적 함의를 발견할 수 있었다. 제단화의 초기 형태인 제단에 봉헌된 이미지를 발견할 수 있는 곳은 교회 공동체가 모여 예배드리던 예배 현장이었다. 제 III장에서는 북유럽 제단화의 형성 배경과 특성을 주목하였다. 15세기에서 16세기 초, 북유럽에서는 동시에 대량의 제단화와 대작이자 걸작이 생산된 전성기였다. 이렇게 제단화의 전성기를 이루게 된 그 시대적 배경과 정신 그리고 제단화의 구조, 형식은 물론 표현 방법에 대한 분석을 통하여 북유럽 제단화의 특징을 탐구하였다. 북유럽 제단화 특징을 연구함으로써 북유럽 제단화에 나타난 그리스도 이미지에 대한 도상학과 도상해석학적 분석이 가능하게 되었다. 제 IV장에서는 북유럽 제단화의 공시적 접근을 시도하였다. 북유럽 제단화에 나타난 그리스도 이미지를 주제별로 분석하였다. 당시 주문자들이 선호했던 제단화의 주요 주제들 가운데 - 수태고지, 성탄(탄생과 경배), 성모자상, 최후의 만찬, 십자가 책형, 최후의 심판에 대한 작품들을 주목하여, 각각의 제단화에 나타난 그리스도 이미지에 대해 고찰하였다. 제단화를 분석함에 있어 그리스도의 생애(사이클) 순서에 따라 주제별로 서술하고, 같은 주제에 있어서는 제작된 연대순으로 작품을 다루었다. 제 V장에서는 북유럽 제단화 가운데 그리스도 이미지를 다룬 여러 주제가 종합적으로 담겨져 있는 마티아스 그뤼네발트의 〈이젠하임 제단화(Isenheim Altarpiece)〉를 집중적으로 분석하였다. 이 제단화에 표현된 네 가지 주제 - 수태고지, 성모자상, 십자가 책형, 부활 - 속에 표현된 그리스도 이미지를 도상학과 도상해석학적 관점으로 고찰하였다. 그 속에 나타난 그리스도 이미지는 위로와 치유와 구원을 선포하는 설득력을 가진 메시지였다. 제단화는 그리스도의 이미지를 보여줌으로써 그리스도가 죽음에 처한 인생들의 고통과 두려움을 위로하고, 치유하며, 구원함을 전달하였다. VI장 결론에서는 각 장에서 고찰한 연구를 통하여 제단화의 기능을 알 수 있었다. 제단화는 그리스도(복음)를 증거하는 결정적인 역할을 하는 장치였다. 예배공간에 놓인 예배미술이자 복음 메시지 전달의 강력한 도구인 제단화는 회중과 예배자에게 구원을 선포하는 시각 메시지이자 설교였다. [Abstract] An Analytic Study of the Image of Christ in the Northern Renaissance Altarpieces Graduate School of Baekseok University Department of Fine Art Nominee Kim This dissertation had the starting point of the research: concerning the identity of the altarpiece which had the faithful and steadfast development as the field of religious, liturgical art in the history of the altarpiece in the Northern Renaissance art. As we know, altarpiece has the long history of the field of Christian art. For a long time, as a member of Christian community and the worshippers, I had some questions with curiosity about Northern European altarpieces in my heart; What‘s the implying? What does it signify and mean? Sculpting or painting, the things investing to God will bear some kind of image.The altarpiece was very attractive to me for the role(attitude) of conveying for the visual images of Word of God like guide plate or direction board. Moreover, the altarpiece might be located in the core or focus of worship service with the altar which is dedicated for the worship space as the ritual and liturgical art. Actually, the main purpose of this research is the meaning and symbols of the Image of Christ in the Northern Renaissance altarpiece through an analytic method of study in the sense of Iconography and Iconology. Thus, in the respect of the Biblical and Christian world view, I’ll study the image of Christ of the Northern Renaissance altarpieces concentrating the hidden meanings under symbols. The first chapter has regulation of the spatial, temporal range of this researches as follows: I will focus on Northern Renaissance art produced about 100years, between the early 15th century and the early 16th century.It’s at the flourishing time of the panel painting when developed is thought that from 1420’s to 1515. Regionally, it covered the Northern part of the Alps including France, Flanders, Netherlands, and Germany. The second chapter does the historical overview of the altarpieces in the Christian art history trying to trace special cultural and religious environments. By checking the ups and downs of the times, we can find historical connotation from the artwork at the very time. Even before the Altarpiece so named, the very place is where community gather for worship and prayer. The images of the primitive form of the altarpieces the place we can find the primitive form of the art of altarpiece was the early form of worship sites. like the tomb site of catacomb which the very spot where the worship service and prayer took place. The third chapter will introduce the characteristics of the Northern Renaissance Altarpiece with the spirit of the age and background about achieving its golden age. The fourth chapter tries to analyze the image of Christ from the six themes of the Northern Renaissance altarpiece favored to order by consecrater at that time. We can see the core images of Christ; the Annunciation, Nativity, Madonna and the Child, Holy sacrament, Crucifixion, the Last Judgement. The fifth chapter also deals with the four topics of the image of Christ, but from one artwork, 〈Isenheim Altarpiece〉 created by Grünewald. The images of Christ from the altarpiece express the suffering God and the wounded healer. The altarpiece shows the healing and redeeming power of the wounded and suffering God, Jesus Christ. Yes, the image of Christ in itself is the message of our salvation. The sixth chapter concludes the function of the altarpiece bearing the image of Christ through the study of all of chapters. The altarpiece is the art with the strong power of the word of God which has been dedicated in the space of worship service. Actually the identity of altarpiece is the visual message of the Words of God as a kind of visual sermon. That is, the altarpiece is a kind of vessel for delivering for the religious truth to the congregation or worshippers. Truly, the altarpiece have played a decisive role as a device to evangelize and witness for the gospel of Jesus Christ.

風俗畵를 中心으로 한 人物畵의 硏究

심동숙 同德女子大學校 大學院 1985 국내석사

Figure must be appeared next to the animal depiction on a picture when a drawing exceeds the level of a symbol and a design and reappears an object in every nation's art history. The hunting paintings represented in cave's wall paintings of the prehistorical age, the wall paintings of KOGUROE and the religious paintings of Renaissance are all that which prove the history of figure painting. It is natural that men have been interested in themselves and treated them the Painting's primary matter in the light of that men's originally internal impulse is arised from the intimate relations with common life and every value created in life as well as art is realized only when men exist. It seems that real figure painting in Korea had started being shoved up from the ancient tomb's wall paintings of 'three-nation age', however, the vein of figure painting had begun at the final period of 'Lee dynasty' when the figure painting was freed from the painting which had been impersonal, manneristic, typed by the idealist and visionary based on the Chinese pictorial theory such as preexisting inactionism, unionism and transcendentalism under the influence of the people's awareness against the contradiction of the feudalism, practicality and foreign ideas, so the native painting and folk painting depicted their circumstances had appeared. In intending to express the figure who are among the concentrated diverse features resulted from the mass production which is the characteristic of the modern society after the Industrial Revolution or the grouping figure that is met with everywhere, namely throng on canvas, I am willing to study and analyze our ancestor's works of past and several senior painters' after 1945. 8. 15. Symultaneously, with tracing our ancestor's creative stylistic techniques such as the change of the figure's characteristic and composition, I am about the reaffirm the shape-consciousness that is confused nowadays under the influence of the indiscrimanate western culture and discover there new possibility.

自然의 抒情的 이미지에 대한 연구

안현경 同德女子大學校 大學院 1988 국내석사

19C 이후에 현대 문명이 발달하면서 회화가 갖는 표현의 영역이 넓어지고 표현양식도 자유롭고 다양하게 전개되었다. 경험적이고 합리적인 시민생활의 영역이 넓어지면서 예술이 점차 개인의 경험을 중요하게 여긴 나머지 정서적(情緖的)인 표현이 사라지고 있는 경향이 나타나기도 했다. 그러한 가운데 독자성이 강한 새로운 정서 표현과 그 양식의 창조가 요구되었으며 인상주의 시대의 회화 속에는 Matisse나 Dufy에서 처럼 고도한 정서를 표현하는 새로운 가능성이 시도되기도 했다. 본인의 작업은 현대인이 상실해버린 감성적인 영역을 표현하고, 회화의 방법에 있어서 정서(情緖) 문제에 집중하므로, 형태와 색채는 물론 구도가 갖는 표현세계를 추구함에 그 목적이 있는 것이다. 이 문제를 해결하기 위해서 내용적인 面에서는 사실묘사가 아닌 화법, 이를테면 내면세계를 바탕으로 주제를 설정하고 주로 색채를 통해 정서의 미감(美感)을 표현하려 했다. 이런 양식을 탐구하기 위하여 Paul Gauguin, 그리고 Raoul Dufy의 색채법을 연구하였으며 야수파의 H. Matisse의 작품과 Richard Diebenkorn의 작품을 참고해 보았다. 이 논문에서 주로 본인의 작품이 갖는 특징을 비교해 보고 색(色)이 주는 서정성(抒情性)을 연구함으로써, 주관적인 표현에 대한 회화적 가치가 어떤 것인가를 반성하는 계기로 삼아보기로 했다. Concurrently with the advent of modern civilization in the nineteenth century, the domain of painting became extensive, and its mode of expression free and diversified. On the other hand, when the empirical and rational civic life led to an enlarged realm, art came gradually to emphasize individual experience, which showed a tendency that emotional experience, which showed a tendency that emotional expression disappeared. Under the situation were there needs of a new expression of clear originality and creation of its new mode. In addition, impressionist paintings made an attempt for a new possibility to express a high level of emotion, as in Matisse or Dufy. This study intends to express the sensational domain contemporaries have already lost, and then to make an approach to concentration on emotional problems in the methodology of painting. Efforts were made to adapt not merely styles and colours but also the well composed expressional world to a subject of emotional representation. For that purpose was taken in contents a canon of painting of no realistic depiction. That is, a subject was chosen on the basis of the internal world, and tried to express aesthetic feelings chiefly in terms of colours. In order to inquire into this kind of style, an examination was made of Paul Gauguin and Raul Dufy's chnomatics and referred to Fauvist H. Matisse and Richard Diebenkorn's works. Furthermore, this study allowed an opportunity to review that painting values subjective expression has by comparing the characteristics varied works of art had in themselves and inquiring into lyrical character colours presented.

水墨畵를 通해서 본 自然의 Image 形象化에 關한 硏究 : 本人 作品을 中心으로

조현주 경상대학교 대학원 1996 국내석사

추상표현주의의 표현방법에 관한 연구 : Action Painting 중심으로

백미숙 湖南大學校 大學院 2006 국내석사

잭슨 폴록(Jackson Pollock,1912-1956)은 제 2차 세계대전을 정점으로 수용된 유럽 초현실주의(Surrealism)의 의식의 흐름 수법과 자동기술법(Automatism)에 힘입어 액션페인팅(Action Painting)과 드립 페인팅(Drip Painting)을 창출함으로써 미국 현대 미술의 출발점이라 할 수 있는 미국형 회화-추상표현주의(Abstraction Expressionism)-를 형성하는데 지대한 역할을 했다. 미국이 세계미술의 중심지가 된 데에는 여러 가지 계기가 있었지만 세계2차 대전으로 말미암아 유럽대륙에서 미국으로 정치, 경제, 사회적 주도권이 옮겨졌으며 「아모리 쇼」이후 미국 미술계에 많은 변화가 이루어졌고 유럽 화단의 앵포르멜 운동 등의 영향으로 미국화단에 추상 표현주의라는 새로운 양식이 출현하였으며 파시즘과 전쟁을 피해 이주한 유능한 예술가들은 빵과 자유를 만끽하는 가운데 그들의 능력을 마음껏 발휘할 수 있었고 그들의 예술적 에너지를 미국화단에 불어넣어 주어 미국 미술이 폭발적으로 성장하는 계기를 만들어 주었다. 또한 경제 대공황 시기에도 예술가를 위한 국가적 지원이 끊이지 않는 등 미국은 문화적 에너지가 넘치고 있었으므로 이러한 바탕위에 미국의 추상표현주의가 형성될 수 있었다. 폴록은 행위 자체에 의미를 둔 액션 페인팅이라는 새로운 회화를 통해 기존의 회화 개념을 확장하였고, 그의 행위자체를 화면위에 시각화하는 흘리기기법(dripping)에 의해 제작된 전면균질 회화(all-over painting)는 당시 미국 화가들에게 큰 충격이었다. 미국은 1950년대 뉴욕을 중심으로 미국으로 망명한 유럽출신 화가들의 끊임없는 실험정신, 그리고 미국정부의 대대적인 지원 하에 활발한 활동을 하면서 추상 표현주의를 꽃 피울 수 있었다. 이런 추상표현주의 발달의 이면에는 잭슨 폴록의 액션페인팅을 빼놓을 수 없다. 그는 미국으로 유입된 유럽미술과 초현실주의 등의 영향으로 액션페인팅이라는 새로운 회화개념을 만들어 내면서 회화개념의 기초를 무너뜨렸으며, 그는 행위자체에 의미성을 두었고. 「전면 균질 회화」를 만들어 냄으로써 화면확장의 개념을 도입했다. 폴록의 드리핑이란 행위에 의해 이루어진 작품들은 당시의 미국 화가들에게 재료와 미술인식에 근본적 변화를 이루게 하는 커다란 충격을 줌으로서 현대미술의 방향을 변화시킨 여러 기타 요소들과 함께 오늘날 중요한 의미를 갖게 한다. 이런 폴록의 액션 페인팅개념은 이후의 많은 실험미술에 영향을 주었으며 오늘날 현대미술을 연구하고 이해하는데 있어서 중요한 의미를 갖게 한다. 본 논문에서는 추상표현주의의 선구자적 역할을 했던 잭슨폴록의 액션페인팅에 관한 연구를 통해 추상표현주의가 형성되기 전 미국미술의 시대적 상황과 초현실주의의 영향에 대해 살펴보고 그의 회화세계를□□잭슨폴록의 생애□□와 □□예술생성의 원천□□의 둘로 나누어 그것이 어떻게 형성되었는지에 대해 알아보았다. 다음으로는 폴록 회화의 오토마티즘(Automatism), 드립 페인팅(Drip Painting), 올 오버 페인팅(All Over Painting)의 기법적 특성과 작가의 행위와 인식문제 등의 의미들을 밝혀내는 것을 목적으로 연구되었고, 마지막 부분에서 폴록의 액션페인팅이 현대미술에 끼친 영향에 관해 살펴보았다. Jack Pollock (1912-1956) created Action Painting and Drip Painting based on theory of unconsciousness of surrealism introduced in the age of the Second World War and automatism and played a great role to form American style abstract expressionism which can be considered as a starting point of American contemporary art. There were many opportunities for American art to be a center of world art, but wave of a great change after the World War Ⅱ formed American abstract expressionism. Pollock extended conventional concept of painting through new painting of action painting that gives the meaning to action itself and his painting made of actions and drippings gave a great shock to American artists at that time. Immigrant European artists centered around New York in 1950s achieved American abstract art through artists' constant experimental spirit and great supports for them from American government. There was Jackson Pollock's action painting behind such an abstract expressionism and he had a decisive influence on creation of action painting by Jackson Pollock. Action painting led by Jackson Pollock prepared for decisive chance of abstract expressionism. He broke basic concept of painting by creating new concept of painting of action painting under the influence of European art and surrealism introduced into America, gave meaning to action itself and introduced extension concept of canvas by making homogenized painting. The Works created by Pollock's actions and drippings caused transformation in materials and human customs to American artists at that time and other factors that have changed the direction of contemporary art have a significant meaning today. Pollock's concept of action painting had a great influence on experimental art and has the important meaning in researching and understanding contemporary art. This study examines historical conditions and influence of surrealism of American art before the formation of abstraction expressionism through the research of action painting by Jackson Pollock who played the leading role in abstract expressionism and investigates formation of his art with his life and source of his art. It also aims to reveal technical characteristics, actions and recognitions of automatism, drip painting and all over paining in Pollock's painting and examine the influence of his action painting on contemporary art.

우연성의 활용과 재료의 선택 : 본인 작품 중심으로

이기은 배재대학교 대학원 2005 국내석사

다양한 추상이론과 회화의 출현으로 현대미술에서 추상회화분야의 범위가 더욱 확대되고 있다. 추상회화는 대상을 재현하기 보다는 주관적인 내면을 반영하는데 그 본질적 의미를 두고 있다. 이는 인간내면의 심상을 표현하는 것으로 전통화된 규범들을 극복하는 동시에 일체의 형상을 거부하여 내적인 실제로서의 인간심리 변화를 추상화 과정을 통하여 그 이미지를 표출하는 것이라 하겠다. 작품의 주제로서 생활속에서 기억되는 삶의 모습과 그 주위의 연상작용을 설정하였다. 그리고 그 주제를 표현하기 위해 형태. 색채 . 공간의 기본적인 조형요소를 통하여 자연의 내재된 이미지와 그 형상성을 추상화 하였다. 자연에서 내면세계를 재구성하는 색채와 형상의 이미지로서 내 자신의 존재 확인에 대한 기쁨, 안도, 외로움의 불식 등의 감정 변화를 표현하는데 충분하다고 생각하였다. 시간적으로 변화하면서도 한편으로 끊임없이 반복되는 자연(꽃)의 움직임을 연구대상으로 선택하였으며 그것의 생성. 성장. 번식. 소멸 과정들에서 나의 내면감정 변화의 유사성을 유추하였다. 꽃 속의 꽃이 함께 움직이는 형상을 통해 리듬이 있는 율동적 서정추상을 작품에 나타내고자 하였다. 본 논문에서는 자연을 통하여 나의 현실적 삶에서 내가 항상 느껴왔던 기억 속의 추억을 이미지화 하여 작품으로 나타내려 했던 과정을 설명하였다. 또한 그러한 작업과정의 이론적 배경들을 살펴보고 회화가 자아 표출의 공간이 될 수 있음을 말하고자 하였다. The abstraction pictures fields in modern art are dramatically broad because of various abstraction theory and appearance of pictures. The abstraction pictures are based on subjective mental rather than reappearance of object. In other words, it expresses that the mental (human): overcome the traditional rules and refuse the forms. So, it is expression that the internal truth (human) through the abstract painting process. The work's topic establishes the daily life and association function in remember. And the abstracts the natural image and configuration: it is based on shape, color and space. I believe that the mental and existence through the reconstruction (color and shape) image are delight, relief and solitude and so on. I selected the nature (flower) for my study due to the endless moving and variety. I could analogize my emotional similarity through the nature's (flower) process: creation, growth, propagation and extinction. I express that rhythmical lyricism from a flower in the nature in my work

新聞廣告 디자인의 레이아웃에 관한 一硏究 : 1979, 1980年度 中央, 朝鮮日報를 중심으로

임태윤 계명대학교 대학원 1981 국내석사

現代 韓國 人物畵 表現 硏究 : 本人 作品을 中心으로

변여진 韓南大學校 大學院 2003 국내석사

회화에 있어서 형상이 표현하는 것은 대상을 있는 모습 그대로 재현하는 것이 아닌 주관에 의하여 재구성한다는 의미가 있다. 이것은 내용과 표현방법에 대한 문제로서 중시하는 바에 따라 그 방향이 달라질 수 있다는 것이다. 즉, 서술적 내용이 강조될 경우 조형의식이 미약해지는 반면 표현 방법인 형식이 강조될 경우에 내용의 의미가 약해진다고 볼 수 있다. 따라서 본인은 작업을 하기에 앞서 이러한 형식에 관하여 생각하게 되었고 그 결과 회화의 다양한 표현방법 중 인물의 사실적인 묘사와 화면의 추상 표현적인 방법 즉, 추상성과 구상성의 이중적 결합이라는 방법의 형식을 추하게 되었다. 본 논문은 이론적인 면에서 한국의 근대화단을 중심으로 나타나는 인물화에서 새로운 독창성의 실험의식과 다양한 표현 방법을 알고자 하였다. 다양한 변화의 흐름 속에서도 인물화의 전반적인 역사적 성찰을 통하여 인물화의 형성과 전개과정을 비교함으로써 그 특징을 알아보고 오늘날 현대의 인물화가 이루어낸 새로운 인물표현 방법과 더불어 전통인물화 양식에서 벗어난 다양하고도 다각적인 현대적 조형 방법을 수용하여 새로운 인물화로의 가능성을 모색해 보고자 했다. 전통시대와 뚜렷하게 대별되어 나타나는 한국 근대화단의 한 특징으로서 인물화를 통해 표현되고 있는 시대적 위치를 알고자 했다. 본 연구는 공간 예술 속의 한 분야로 중요한 미적 표현의 대상과 주제가 되어 왔던 인물을 중심으로 전통적 방법과 한국적 미감을 통한 현대적 인물화의 조형성에 접목시켜 시대상황에 의해 변화된 새로운 관점으로서의 현대 인물표현에 관하여 나름대로 방향을 제시하고자 하였다. 한편 본인의 작업에는 주로 인물을 다루고 있는데 이는 예술을 통한 자기표현의 대상이 자연이나 사물이 아닌 인물일 경우 작가의 내면세계를 가장 잘 나타낼 수 있기 때문이며 또한 현대사회에서 야기되는 여러 가지 내용적 갈등의 현상들이 인간을 대상으로 하고 있는 만큼 인간을 통한 표현이 이루어져야 한다고 생각했기 때문이다. 본인은 이와 같은 인물표현의 방법에서 요구되는 표현상의 기교와 객관적 인식을 바탕으로 한 인물표현의 몇 가지 조형요소를 화면에 도입함으로써 현대적 감각에 맞는 인물표현을 시도하였으며 또한 인물들의 객관적이고 구체적인 묘사를 통하여 우리가 일상에서 체험하게 되는 인간내면의 정서를 현대적 감정에 맞게 구성하고자 하였다.

日商性을 통한 內面世界의 繪畵的 表現 硏究 : 本人의 作品을 中心으로

이형숙 상명여자대학교 대학원 1996 국내석사

예술이란 단순한 자연의 모방이 아니고 일상적 현실, 일상적 체험을 토대로 내면의 진실을 표현하기 위하여 주관적이고 독창적으로 조형화 하는 작업이다. 개인을 바탕으로 창조되는 예술은 삶과의 적극적 관계 를 유지하면서 그 진실의 향기를 전할 수 있다. 개인은 구체적 현실이다. 작가는 항상 개인으로서 작가 자신을 표현하 려고 부단한 시도를 하고 있으며, 그 표현을 위해 이미 지나가 버린 것, 일상생활 주변에 있는 것 또는 내면세계에 있는 것 등을 표현하여 객관 화시키고자 노력한다. 내면세계를 객관화시키는 작업 중에서도 작가의 체험, 감정, 생활환경 등에서 얻어지는 <일상성>을 지닌 소재가 많이 다루어지고 있다. 따라서 주변에서 흔히 볼 수 있는 일상적인 사물들이 중요한 소재로서의 의미를 지니고 있다고 하겠다. 이에 본인은 <일상성>에 관한 다양한 이미지를 구축하고, 예술과는 무 관하게 보이는<사물>의 일부분을 대상으로 하고, 감정을 이입시켜 거 기에 상상력을 불어넣고, 상징적 기능을 부여하기 위하여 노력하고 있 으며, 이같은 과정을 통하여 사물의 내면세계를 이해하고 자신의 모습 을 재확인하게 되었다. 즉, 표현에 있어서 대상 자체를 그대로의 재현이 아닌 상징적 이미지를 통하여 일상적 대상을 은유적, 암시적 방법으로 해석하려는 방법을 택하였다. 왜냐하면 일상성이 상징성으로 드러날 때 비로소 회화의 내면세계를 음미할 수 있는 주요한 요인이 되기 때문이 다. 그리고 내적 이미지를 형상화함으로써 독자적인 세계를 확립할 수 있었다. 본인은 작품의 제작과정을 통해 작품을 이끄는 내용이나 형식의 문제 보다 현실을 토대로 작품을 이끌어 가는 자세에 대한 고찰이 우선 필요 한 과제임을 알게 되었고, 이러한 작품을 통한 자신의 재고찰은 본인의 시각과 앞으로의 작품 제작과정에 도움이 되어 줄 것이라 믿는다. 그리 고, 작품이란 먼저 개인의 경험과 의식의 반영이므로, 지속적인 자기의 식의 변화 과정에서 작품도 변모하리라 생각하며, 작품활동을 함에있어 서 무엇보다도 중요한 것은 새로운 이미지 추구와 실험정신에 입각한 폭 넓고 다양한 경험의 축적과 자료수집이 수반되어야 한다는 것을 절실하 게 느꼈다. The art is not a simple imitation of the nature, but a subjective and original modeling based upon everyday actuality and usual experience to express internal truth. The creative at including personality can deliver the scent of truth in relation with life. The personality is the definite actuality. The artist is always trying to express himself and to objectify the past things, everyday environments and the internal things. The everydayness from the artist's experience, feeling and living environment can be dealed. So, things of everyday life has very important meaning. I am constructing various image about everydayness and choosing things that not be seemed as art, giving an imagination to those. From those process, I can understand internal world of things and renotify myself. That is to say, I select a metaphorical and a symbolical method to represent an usual things, not a simple imitation. Because we can understand the internal world of works through the metaphor and symbolization. First of all, I think that investigation about painted works based upon reality is more needed than content or form of painting and I believe that reinvestigation of myself through works may help me for the viewpoint of mine and future painting process. Because the painting is a reflection of personal experience and consciousness, works can be varied from the continuous variation of self awareness. And l think that the most important things of an artist are searching for the new image, collecting various experience and data based upon experimental philosophy.