Robert Alexander Schumann 바이올린 소나타에 나타나는 후기작품 특징연구 : 1번과 2번 각 1악장을 중심으로

손나린 이화여자대학교 대학원 2021 국내석사

본 논문은 슈만의 ≪바이올린 소나타 제1번≫과 ≪바이올린 소나타 제2번≫의 각 1악장을 분석함으로 슈만의 후기작품에 나타난 특징을 연구한다. 이를 위해 이론적 배경은 먼저 4개 시기로 나눠지는 슈만 생애사중 후기에 해당하는 ‛뒤셀도르프 시기'(1850-1856)에 집중하여 브람스와의 만남과 역사적 사건을 연구한다. 또한 그의 후기작품 특성을 아도르노의 ‛후기이론'(late theory)의 관점을 통해 살펴본다. 다음으로 1번과 2번의 각 1악장을 선율, 화성, 구조의 관점으로 분석한 뒤 이를 바탕으로 슈만 후기작품에 발견되는 특징을 살펴본다. 이를 통해 슈만의 후기 음악 특징을 이해하고 이에 부합하는 연주를 하도록 돕는 것에 본 논문의 목적을 둔다. This research examines the characteristics of R. Schumann's later works by analyzing the first movements of Violin Sonata No. 1 and Violin Sonata No. 2. To this end, as a theoretical background, the history of Schumann's life is described centering on the encounters and events of the 'Düsseldorf period'(1850-1856), and the characteristics focused on his later works are studied from the point of view of Theodor W. Adorno(1903-1969)’s the late theory. 'dark color sense', 'structural simplicity', and 'structural simplicity' found in Schumann's later works are analyzed through the perspective of melody, harmony, and structure, which describe the characteristics of his late work as 'moderate technique'. The purpose of this study is to understand Schumann's musical characteristics reflecting on the late period and to help performers corresponding to it.

볼프강 아마데우스 모차르트 (Wolfgang Amadeus Mozart)의 마술피리(Magic Flute) K.620 에 나타난 Freemason 특징 연구

엄보영 이화여자대학교 대학원 2011 국내석사

본 논문은 볼프강 아마데우스 모차르트(Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791)의 독일 오페라 마술피리(Magic Flute)와 프리메이슨(Freemason)의 연관성에 관한 논문이다. 모차르트는 고전파 음악의 대표적 작곡가로서 관현악곡, 오페라, 성악곡 등 모든 음악 분야에 걸쳐 다양한 곡을 작곡하였으며 18세기 고전파 음악에 큰 공헌을 하였다. 모차르트의 대표적인 오페라 중 하나인 <마술피리>는 프리메이슨 회원이었던 작곡가 요한 엠마누엘 쉬카네더가 모차르트에게 프리메이슨을 널리 선전하는 오페라는 만들자고 제안하여 만든 오페라이다. 이 작품은 쉬카네더가 극작가 역할을 맡고 모차르트가 작곡가 역할을 맡아서 완성하였다. 그래서 지금도 <마술피리>의 줄거리나 무대의 상징들은 프리메이슨의 사상을 대변하며 그 비밀을 감추고 있는 오페라라는 지적이 자주 있게 되고 그것은 어느 정도 사실이기도하다. <마술피리>에 나타나는 프리메이슨 적 요소를 간략하게 정리하면 다음과 같다. 사회적인 측면에서부터 로마 카톨릭이 그들을 탄압했던 것과 탄압을 막으려 도와준 자들, 또 그 탄압에서부터 벗어나 선의 승리를 이루기까지 프리메이슨적인 내용을 찾아볼 수 있다. 또 대본에서는 등장인물부터 프리메이슨에 대한 인물을 묘사하였는데 오페라 속의 지혜와 고결의 성인인 ‘자라스트로’는 프리메이슨 상징주의의 대표자인 이그나츠 폰 보른을 연결 시켰고 ‘밤의 여왕’은 그들의 탄압했던 마리아 테레지아 여제를 연결 시켰다. 타미노는 사회 계급 간 평등, 그리고 남녀의 결합과 협력을 강조했던 개혁군주 요제프 2세라고 해석되며 파미나는 오스트리아의 민중이라고 해석된다. 이런 사상은 타미노와 파미나가 시련을 이기고 사제들이 이시스와 오시리스에게 바치는 합창을 하는 장면에서 결실을 맺는다. 전체적으로 보았을 때도 프리메이슨 적인 요소가 많이 깃들어있다. 오페라에서 최고의 사제 자리에 있는 자라스트로는 ‘신성한 프리메이슨’에 관해 노래하고 음악과 관련해 특정한 조성과 음정, 노래를 동원하였다. E♭조성은 플랫이 3개가 있고 3명의 소년과 3명의 여인들이 나온다. 또 이집트 신인 이시스와 오시리스를 찬양하는 노래, 서곡에 3번의 도입부 같은 페르마타 등 들이 프리메이슨의 의식, 상징과 밀접한 관계를 맺고 있다. 이것은 역시 프리메이슨의 삼위일체와 연관성을 가져다준다. 이러한 연구 결과 <마술피리>는 그저 음악만 담은 오페라가 아니다. 모차르트의 <마술피리>야 말로 계몽의 문제를 가장 완벽하게 예술적으로 표현한 작품인 것이다. 이 작품은 ‘프리메이슨’ 이라는 신념을 넘어서서 진정한 계몽을 많은 대중들한테 일깨워 주고 싶었던 것이다. 요제프 2세는 독일어를 전 영토의 공용어로 승격 시키려했고 모차르트는 이태리어가 아닌 독일어로 이 오페라를 만들었다. 이 오페라는 계급이 없는 평등한 사회, 또 당시 남녀 차별에서도 여성도 사회에 합류 할 수 있는 관념을 심어주었다. 이 논문을 통해 연주자들이 오페라 마술피리에 담긴 프리메이슨 사상과 나아가 모차르트가 어떻게 접목을 시켰는지 이해하는데 도움이 되길 바란다. This paper is about the connection between Free-mason and Wolfgang Amadeus Mozart's Magic flute, Germany opera. Mozart is known as the representative composer of classic music, who composed of prolific works across all music genre including orchestration, opera, vocal music, and made a hefty contribution to classic music in the 18th century. Magic flute, one of Mozart's masterpieces, was created as Johann Emmanuel Schikaneder, a member of Free-mason, proposed to write the opera to inform of Free-mason to mozart. Schikaneder and Mozart took a part as the writer and composer each for this work. So even now, the storyline and symbolism of Magic flute still represent the thought of Free-mason, also it was considered as opera hiding their secret. However, it is true to a certain extent. Masonic elements in Magic flute are summed up as follows. In a social point of view, Masonic elements can be found as Roman Catholic Church' oppression of freemason, the people who help them to defend against that, and the process that Free-mason win the virtue triumphs from that oppression. Implication about Free-mason features is shown from character description in the script as well. For example, Zarastro, who is the saint of nobility and wisdom in the opera, is connected with Ignaz von Born, who was a master of Masonic symbolism. Queen of the night stands for Maria Theresa, who repressed them. Tamino can be interpreted as Joseph II, who stresses not only equality among social classes but also union and cooperation between men and women. Pamina can be interpreted as people of Australia. This idea comes to fruition when the priests sing the chorus to Isis and Osiris after Tamino and Pamina overcame their trial. As a whole, there are constant allusions of Masonic elements. Zarastro, top of the priests, sings the song about divine Free-mason, using particular key, interval and song related to the music. E♭key is with 3 flats. There are three ladies and three boys, and the song to laud Isis and Osiris and fermata like intro of overture N0.3 etc. are in the opera, in which these elements are so closely intertwined to consciousness and symbol of Free-mason. These are also connection with the Trinity of Free-mason. In conclusion, the Magic flute is not such a opera only made of music. It is Magic flute that is the brilliant work expressing the enlightenment problem artistically and perfectly. This work seemed to have the aim to enlighten many people truly beyond creed of Free-mason. Joseph II tried to promote german to be a common language, and Mozart composed this opera in German instead of italian. This opera implanted the concept of the equal world without social class, even for women to take part in society in spite of discrimination against them that time. Through this paper, I hope players are given help in understanding the thought of Free-mason in Magic flute and, furthermore, how mozart integrate it into the opera.

바로크 시대의 연주 방법에 대한 연구 : J. S. Bach의 『Sonata for Viola da gamba and Cembalo No.1 in G Major, BWV 1027』을 중심으로

김동은 이화여자대학교 대학원 2019 국내석사

This thesis is a study on the musical features of Baroque time setting and musical features such as musical form, performing techniques through the『Sonata for Viola da gamba and Cembalo No.1 in G Major, BWV 1027』. Moving from Renaissance, an era where sacred music and vocal music flourished, to Baroque, there was great change over the society in music, art, literature, and so on. In a field of music, instrumental music developed and people started to use music as a means of expressing themselves. Like this, Baroque was a period of emotional expression that seeks for use of dramatic components in every part of the art. In music, composers and performers try to deliver emotions through music. Especially through instrumental music, without lyrics, they expressed various emotions such as joy, sadness, love and so on. And as a result, it defines components and style of music and brings significant change on it. Before the Baroque era, the instrument was served as an assistant of vocal music, but in the Baroque era, it cemented its status as a solo instrument. Instruments used during the Renaissance were primitive which are not suitable to be used as a solo instrument so they were reformed or newly designed. Among them, the viol family, a string instrument, was center of the development. Viol family is divided based on its pitch: bass, tenor and treble viol. Among them, the bass viol is also called as viola da gamba. This became the most popular string instrument in the Baroque era. Johann Sebastian Bach, 1685~1750, as a key composer of the Baroque era, presented various songs and one of them was 『Sonata for Viola da gamba and Cembalo No.1 in G Major, BWV 1027』 that is designed especially for viola da gamba and Cembalo which were popular at the time. This piece presents features of Baroque music well and playing this helps to understand the period instrument. In modern days, this music for viola da gamba is also arranged for viola, cello, and double bass but must remember that originally composed for “period instrument” in the “Baroque era”. So although played with the modern instrument, we must remember time period and musical features in order to play properly. This is a study on the musical features of Baroque time setting and musical features such as musical form, performing techniques through the 『Sonata for Viola da gamba and Cembalo No.1 in G Major, BWV 1027』. Hopefully, this study will helpful for those performing pieces from the Baroque era. 종교음악과 성악음악이 중심이 되었던 르네상스 시대에서 바로크 시대로 넘어가면서 음악, 미술, 문학 등 사회 전반적으로 많은 변화가 일어났다. 음악 분야에서는 기악음악이 발달했고, 사람들은 음악을 통해 감정을 표현하기 시작했다. 이처럼 바로크 시대는 감정을 표현하는 시대로 여러 분야에서 극적인 요소의 사용을 추구하였으며, 음악 분야에서도 작곡가와 연주자들은 청중들에게 음악을 통해 감정을 전달하려고 하였다. 특히 가사가 없는 기악음악으로 기쁨, 슬픔, 사랑 등의 감정을 표현하기 위하여 노력하였으며 그 결과 음악을 구성하는 요소가 정립되었고 음악 양식의 뚜렷한 변화를 가져왔다. 바로크 시대 이전의 악기는 대부분 성악음악을 보조하는 역할을 담당하였으나 바로크 시대에는 독주 악기로서의 입지를 굳건히 하였다. 르네상스 시대에 사용되었던 악기들은 원시적이었고, 독주악기로 사용하기에는 한계가 있었기떄문에 바로크 시대에는 여러 악기가 개량되고 새롭게 제작되었다. 그 중 현악기인 비올 족이 그 발달의 중심에 있었다. 비올 족은 음역에 따라 트레블 비올(Treble viol), 테너 비올(Tenor viol), 베이스 비올(Bass viol) 등으로 나뉘었으며, 이 중 베이스 비올은 비올라 다 감바라고 불리기도 했다. 비올라 다 감바는 바로크 시대에 가장 인기 있는 현악기로 자리 잡았다. 바로크 시대의 대표적인 작곡가였던 요한 세바스찬 바흐(Johann Sebastian Bach, 1685~1750)는 많은 곡을 작곡하였는데, 특히 당시 유행했던 악기인 비올라 다 감바와 쳄발로를 위해『Sonata for Viola da gamba and Cembalo No.1 in G Major, BWV 1027』을 작곡했다. 이 곡은 바로크 음악의 특징이 잘 정리되어 있으며 이 곡을 연주하는 것을 통해 원전악기를 이해하는 데 도움을 받을 수 있다. 이 곡은 오늘날 비올라 다 감바 대신 비올라, 첼로, 더블베이스로 편곡되어 연주되는 경우가 많지만‘바로크 시대’에‘원전악기’인 비올라 다 감바를 위하여 작곡된 곡임을 기억해야 한다. 따라서 모던악기로 연주할지라도 작곡된 당시의 시대적 배경과 음악적 특징을 이해하여 연주해야 할 것이다. 본 연구는 바로크 시대의 시대적 배경과 그 시대에 확립된 음악적 양식, 연주 기법 등과 같은 음악적 특징을 『Sonata for Viola da gamba and Cembalo No.1 in G Major, BWV 1027』을 통해 알아보고자 한다. 이 연구가 현대에 바로크 시대의 곡을 연주하는 연주자들에게 도움이 되기를 기대한다.

Program Annotation : E. Ysaÿe Sonata for Violin Solo Op. 27 No. 3 “Ballade”, C. Debussy Violin Sonata in g minor, L. 140, J. Brahms Violin Sonata No. 3 in d minor, Op. 108

유수영 이화여자대학교 대학원 2022 국내석사

본 논문은 본인의 석사 과정 이수를 위한 졸업 연주회의 프로그램인 「E. Ysaÿe Sonata for Violin Solo Op. 27 No. 3 “Ballade”」, 「C. Debussy Violin Sonata in g minor L. 140」, 「J. Brahms Violin sonata No. 3 in d minor Op. 108」을 연구 분석한 것이다. 이자이(Eugène Ysaÿe, 1858-1931)의 「E. Ysaÿe Sonata for Violin Solo Op. 27 No. 3 “Ballade”」 은 이자이가 바흐(Johann Sebastian Bach, 1685-1750)의 《6개의 무반주 바이올린 소나타와 파르티타, BWV 1001-1006》에서 영감을 받고 작곡한 바이올린 솔로 소나타 6곡 중 하나이다. 단악장 구성으로 느린 도입부로 시작하며 템포 변화가 빈번히 일어나 극적인 느낌을 준다. 불협화음과 반음계 진행이 자주 나오고 6도, 8도, 10도 등 겹음이 많이 등장하여 당시 세계 최고의 바이올리니스트였던 이자이의 화려한 테크닉과 풍부한 음색을 느낄 수 있다. 이러한 이자이의 현대 연주 기법과 바로크의 형식이 어떠한 조화를 이루는지 알아보고자 한다. 드뷔시(Claude Achille Debussy, 1862-1918)는 19세기 후반~20세기 초반 프랑스 인상주의를 대표하는 작곡가로 「Violin Sonata in g minor L. 140」에서도 그의 인상주의적 색채가 잘 느껴진다. 또한 이 곡은 드뷔시의 유일한 바이올린 소나타이며 드뷔시의 작품 연대 중 후기에 해당되는 곡으로 원숙기에 작곡한 작품이라는 데에 그 의미가 있다. 총 3악장으로 구성되어 소나타 형식을 취하고 있으며 전체적으로 g조를 사용하고 있으나 9화음, 11화음, 온음음계 등을 자주 이용하여 모호함을 중요시했던 드뷔시만의 화성이 잘 나타난다. 또한 현악기만의 음색을 잘 드러내는 글리산도, 하모닉스, Sur la touche(Sul tasto, 지판 쪽에서의 활 사용)등의 연주기법이 자주 사용된다. 이러한 특징들을 이해하고 연주하기 위해 곡에 나타나는 화성과 연주 기법을 분석해보고자 한다. 브람스(Johannes Brahms, 1833-1897)는 바이올린 소나타를 총 3곡 작곡했는데, 「Violin Sonata No. 3 in d minor Op. 108」은 그 중 가장 마지막으로 작곡되었으며 4악장 구조로 다른 곡에 비해 큰 규모이다. 브람스는 낭만시대의 작곡가이지만 고전시대 음악 스타일의 많은 부분을 고수하였다. 이 곡에서도 브람스는 형식, 구조, 화성에서 고전음악의 스타일을 바탕으로 브람스만의 음악 어법을 구축하여 독창적인 낭만 음악을 만들어 내고 있다. 이 곡은 특히 1악장과 4악장에서 전통적인 소나타 형식을 취하고 있고 1악장의 주제가 4악장 전체에 순환되어 나타나고 있다는 점이 특징적이다. 또한 규칙적인 리듬에서 벗어나 당김음, 헤미올라 (Hemiola) 등의 다양한 리듬이 사용되어 소위 절대음악을 추구했던 브람스가 낭만음악과 이루어낸 조화를 알아보려 한다. 본 연구는 위의 세 작품의 작곡가와 음악적 특징을 자세히 살펴보고 곡을 분석하여, 곡에 대한 폭넓은 이해를 바탕으로 연주에 실제적인 도움을 주는 것을 목표로 한다. This research and analysis are for my Master's degree Graduation concert program on E. Ysaÿe Sonata for Violin Solo Op. 27 No. 3 “Ballade”, C. Debussy Violin Sonata in g minor, L. 140, J. Brahms Violin Sonata No. 3 in d minor, Op. 108. Eugène Ysaÿe(1858-1931) Sonata for Violin Solo Op. 27 No. 3 “Ballade”isinspired by Johann Sebastian Bach(1685-1750)’s Six Violin Sonatas and Partitas, BWV 1001-1006. It starts with a slow introduction as a ballade, and undergoes friquent tempo changes, giving it a dramatic feel. Dissonance and chromatic progression are prevalently used, as well as many double stops in 6th, 8th, and 10th to showcase Ysaÿe's unique techniques and colors. I found correlation between Ysaÿe's modern performance technique and Bach's music. Claude Achille Debussy(1862-1918) was a composer representing French Impressionism around late 19th and early 20th centuries. In Violin sonata in g minor, Debussy's impressionistic colors are well expressed. Also, this piece is meaningful as it Debussy's only Sonata for Violin Solo Op. 27 No. 3 “Ballade’violin sonata, and composed near the end of his life. It is comprises of total of three movements in sonata form. Although it is primarily in g minor, Debussy emphasized ambiguity by frequently using the ninth, eleventh, and diatonic scales. Also, performance techniques such as glissando, harmonics, and Sur la touche(sul tasto, using a bow from the fingerboard side) expand the string instruments’ tonal palette. This paper analyzed the harmony and performance techniques in the song to understand the works in-depth. Johannes Brahms(1833-1897) composed three violin sonatas. Violin Sonata No.3 op. 108 was the last of them, and it has a four-movement structure, which is the longest among the three sonatas. Although Brahms was a composer of the Romantic era, he admired the musical style of the classical period. Brahms follows classical music in form, structure, and harmony, then establishes his Romantic musical vocabulary. In particular, this song's first and fourth movements take the traditional sonata form, and the first movement's theme is circulated throughout the fourth movement. I discovered the way in which Brahms, who pursued absolute music, achieved romantic music with harmonies and various rhythms such as syncopation and hemiola. Therefore, this study aims to help the performance based on a broad understanding of the songs by examining the composers’ lives, characteristics and analysis of the above three works.

난곡마을학교에 참여하는 지역주민들의 교육적 경험에 관한 연구

강은혜 가톨릭대학교 교육대학원 2015 국내석사

본 연구의 목적은 난곡마을학교에 참여하는 지역주민들이 어떤 동기로 참여하고, 참여과정에서는 어떤 경험을 하며, 그리고 그것이 가지는 의미가 무엇인지 살펴보고자 하는 것이다. 이를 위해 난곡마을학교에 참여한 지역주민들을 대상으로 사례연구를 진행하였다. 자료는 문서자료, 참여관찰, 심층면담을 통해 수집하였으며, 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 난곡마을학교는 문화예술의 불모지인 난곡지역의 문제를 함께 해결하고자 여러 지역단체들이 모여서 형성되었다. 이러한 난곡마을학교의 형성배경에는 기존에 지역단체별로 마을활동을 한 경험과 서울시 ‘마을학교’ 사업과의 연계, 그리고 지역주민들의 자발적인 참여가 기반이 되었다. 둘째, 난곡마을학교에 참여한 지역주민들은 활동주체에 따라 운영위원, 강사, 수강생으로 구분할 수 있다. 활동주체별로 참여 동기를 살펴보면, 운영위원의 경우는 난곡지역에서 마을활동을 하고 있는 지역단체를 중심으로 참여하였으며, 강사의 경우는 재능이 있는 지역주민들이 강사로 참여하였음을 확인할 수 있었다. 수강생의 경우는 개인적인 필요와 욕구에 따라 다양한 목적을 가지고 참여하였음을 확인할 수 있었다. 셋째, 난곡마을학교에 참여하는 지역주민들은 참여과정에서의 긍정적인 경험이 서로 상호작용 되어, 집단 전체가 적극적이고 자발적으로 참여하게 되는 균형 상태에 도달하게 된다. 이러한 의미 있는 경험은 지역주민들 간의 새로운 공동체 형성으로 이어지게 된다. 또한 지역주민들은 난곡마을학교를 운영하면서 잠재된 난곡지역 주민들의 필요와 욕구를 확인하는 의미 있는 경험을 하기도 한다. 반면에 지역주민들은 난곡마을학교를 운영하는 과정에서 지역주민들과의 의사소통과 지역주민들 간의 공동체 형성에 어려움을 느끼고 있다. 그리고 지역주민들은 주먹구구식 중간지원조직의 간접지원에 불편함을 겪어야 했고, 향후 난곡마을학교를 지속하기 위한 방안 마련에 많은 애로사항을 경험하고 있었다. 본 연구의 결과를 토대로 얻은 결론과 시사점은 다음과 같다. 지역주민들은 난곡마을학교에 참여하면서 제도권안의 교육과 같은 정형화된 학습이 아닌 생활 속에서 일상적인 학습경험을 하게 된다. 이러한 지역주민들의 일상적인 학습경험은 학습활동이 지역의 다양한 영역과 맞물리면서 지역주민들의 삶을 통해 이루어진다는 것을 확인할 수 있었다. 또한 지역주민들이 주체적으로 마을활동에 참여하기 위해서는 지역주민들의 역량 개발이 우선시 되어야 하며, 체계적인 정부의 지원방안이 마련되어야 한다. 그리고 마을학교가 지역 안에서 공동체적 기능을 하기 위해서 다양한 방안이 모색되어야 할 것이다. 마지막으로 이러한 난곡마을학교 사례는 최근 지역사회를 중심으로 추진되고 있는 마을학교 및 마을교육공동체 사업에 중요한 시사점을 제공할 것이다. The purpose of this research is to find out what motivates local residents to participate in Nangok community school, what they experience during the process and how they think about the meaning of it. So the researcher did case study targeting local residents who participated in Nangok community school. Data were collected through various document reviews, participant observation, and in-depth interview. The results are as follows. First, Nangok community school is made by many local organizations to solve problems of Nangok area which was a wild land of cultural art. The foundation of Nangok community school is based on the community activity experience of original local organizations, the connection to the ‘community school’ project in Seoul city and voluntary participation of local residents. Second, local residents who participated in Nangok community school can be grouped into three: operation committee member, teacher, and learner. Let’s check out motivations of participation according to the activity subject. The operation committee members participated in the community school from local organization doing community activity in Nangok and talented local residents served as teachers of the community school. The learners participated in the community school for various goals according to their personal needs and desires. Third, by accumulating positive experiences of local residents during the process of participating in the Nangok community school, the whole organization reached to the condition that all members joins in voluntarily and actively. These meaningful experiences help local residents make new community. In addition, local residents could identify Nangok residents’ potential needs and desires while operating Nangok community school. On the other hand, local residents had difficulties in communicating with local residents and sometimes building relationship among local residents while operating Nangok community school. Furthermore, local residents experienced inconveniences about intermediary support organization’s indirect and unplanned support and had hard time establishing long-term plan to keep up the Nangok community school. The conclusions, which are based on the results of this study, are as follows. Local residents, while participating in Nangok community school, have an everyday learning experience, not a stereotyped learning style from formal education system. It’s identified that this everyday learning experience affected by many domains in the area formed the life of local residents. Also, competency development should take priority for the local residents to participated in the community activity autonomously and proper support plan from the government must be followed. Moreover, various methods should be sought for the community school function as a real community. Lastly, this Nangok community school case gives an important implication to community school and village education community project that local community now proceed with.

Program Annotation : W. A. Mozart Sonata for Piano and Violin No.18 in e minor, K. 301 J. Brahms Scherzo for Violin and Piano in c minor (from the F.A.E Sonata), Op. Posthumous L. v Beethoven Sonata for Piano and Violin No.3 in E♭ Major op.12

이빈나 이화여자대학교 대학원 2022 국내석사

본 논문은 필자의 석사과정 리싸이틀에 연주되었던 Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) 의 Violin Sonata No. 18 in G major, K. 301, Johannes Brahms (1833-1897) 의 Scherzo for Violin and Piano in c minor (from the F.A.E Sonata), op. Posthumous, Ludwig van Beethoven (1770-1827) 의 Violin Sonata for Piano and Violin No.3 in E♭ Major op.12 세 작품을 연구 한 것으로, 작곡가의 생애, 작곡된 시대의 특성과 음악적 특징에 대하여 연구하여 작곡가의 의도를 바르게 이해하기 위함을 목적으로 한다. 모차르트(Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791)는 37개의 피아노와 바이올린을 위한 소나타를 작곡하였다. Mozart 소나타는 초기 중기 후기로 나눌 수 있는데 초기의 소나타에서는 피아노의 선율에 바이올린의 반주가 붙은 형태인 반면 중기와 후기로 갈수록 점차적으로 바이올린의 역할이 커지고 독립적인 구조를 갖게된다. 바이올린 소나타 18번은 만하임(Mannheim) 소나타 또는 팔라틴(Palatine) 소나타라고도 불리는 18번(K. 301)에서 23번(K. 306)까지 여섯 개의 바이올린 소나타 작품 중 첫 번째 곡이다. 이 곡은 두 개의 악장으로 구성되어 있는데 제 1악장은 소나타 형식이고 제 2악장은 론도 형식을 따르고 있다. 후기 낭만주의 음악을 대표하는 작곡가인 브람스 (Johannes Brahms, 1833-1897)는 바흐, 베토벤과 함께 독일을 대표하는 3대 작곡가로 불리기도 한다. 브람스는 오페라와 발레음악을 제외한 다수의 피아노곡, 실내악, 교향악, 성악, 합창곡 등 모든 분야의 음악을 작곡했다. 이 곡은 클라라 슈만, 슈만의 제자 디트리히, 브람스가 19세기 당대 최고의 바이올리니스트이자 그들의 친한 친구였던 요제프 요하임을 위해 작곡한 소나타 중 3악장에 해당되는 곡이다. 소나타 부제인 F.A.E는 Frei Aber Einsam 의 약자로 ‘자유롭게 하지만 고독하게’ 라는 요하임의 좌우명을 의미한다. 당대에는 F.A.E 소나타 중 한 악장에 속하는 곡이었지만 현대에는 독립된 Scherzo로 자주 연주된다. 하이든과 모차르트와 함께 빈 고전파의 3대 작곡가로 인정받는 베토벤(Ludwig van Beethoven, 1770-1827)은 30여 개에 달하는 피아노와 바이올린을 위한 이중주곡을 작곡하였다. 그 중 바이올린 소나타라는 장르에 속한 곡은 총 20여 개인데, 출판이 되지 않았거나 미완성된 곡을 제외하고 정상적으로 번호가 붙은 바이올린 소나타는 총 10곡이다. 소나타 3번은 베토벤의 나이가 27-28살 무렵인 1797-1798년에 작곡되었다. 이 곡은 베토벤의 어린시절 스승이었던 빈 궁정악단 지휘자 살리에리에게 헌정되었던 곡이다. This paper is a study of three music works: Violin Sonata no.18 in G major (K.301) by Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), Scherzo for Violin and Piano in C minor (from the F.A.E Sonata) op. Posthumous by Johannes Brahms (1833-1897), and Violin Sonata for Piano and Violin No.3 in E flat Major, Op.12 by Ludwig van Beethoven (1770-1827). that I played for my master's degree recital. The purpose of this study is to understand the composer's intentions by studying the life of the composer, the characteristics of composed time and the musical characteristics. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) wrote thirty-seven sonatas for pianos and violins. Mozart sonata can be divided into early, middle, and late periods. In the early sonata, the melody of the piano is accompanied by the violin part. In the middle and late stages, the role of the violin gradually increased and became independent. Violin Sonata No. 18 is the first of six violin sonata pieces from No. 18 (K.301) to No. 23 (K.306), called Mannheim Sonatas or Palatine Sonata. The sonata consists of two movements, the first movement being sonata allegro form and the second movement rondo form. Johannes Brahms (1833-1897), a leading composer of post-romantic music, was also one of Germany's three leading composers along with Bach and Beethoven. Brahms had composed a number of piano music, chamber music, symphony, vocal music, choral music, and all other fields except opera and ballet music. The Scherzo is the third movement of F.A.E sonata written by Clara Schumann, Schumann's pupil, Dietrich, and Brahms for Josef Joachim, the best violinist of the 19th century and their close friend. F.A.E, a subtitle of sonata, stands for ‘Frei Aber Einsam’, which translates to Joachim's motto, 'Free but lonely'. Although the scherzo is one of the movements of F.A.E sonata, it is often played independently. Ludwig van Beethoven (1770-1827), recognized as Vienna's top three composers, together with Haydn and Mozart, had written more than thirty duets for piano and violin. Among them, there are approximately twenty pieces belonging to the genre violin sonata. A total of ten violin sonatas are numbered, excluding unpublished or unfinished pieces. Sonata No.3 was composed in 1797-1798, when Beethoven was about twenty-seven to twenty-eight years old. This piece was dedicated to Antonio Salieri (1750-1825), Beethoven's childhood teacher and Vienna court orchestra conductor.

Johannes Brahms Viola Sonata No.2 in E♭ Major, Op. 120에 관한 연구

우길옥 이화여자대학교 대학원 2023 국내석사

본 논문은 Johannes Brahms(1833-1897)의 Viola Sonata No.2 in E♭ Major, Op.120 작품의 연구분석과 브람스가 살았던 19세기 시대의 특징 및 브람스의 생애와 그의 음악적 특징에 관한 연구이다. 브람스는 19세기 독일의 대표적 작곡가로 피아니스트와 지휘자를 겸하며 활동했다. 그는 고향인 함부르크와 오스트리아 빈을 중심으로 음악 활동을 하였으며 바로크 양식과 고전적 형식을 살리면서도 자신만의 서정적이고 낭만적인 감성을 작품에 잘 표현한 대표적인 신고전주의 작곡가이다. 그는 일생동안 24곡의 실내악 작품과 4개의 교향곡을 작곡하였으며 피아노곡, 가곡, 관현악곡 등 많은 작품을 작곡하였지만 오페라와 표제음악은 작곡하지 않았다. Viola Sonata Op.120는 브람스의 마지막 실내악 작품이자 마지막 소나타 작품이다. 처음에는 클라리넷 소나타로 작곡되었으나 초연 이후 비올라 소나타로 브람스 본인이 직접 편곡하였으며 그의 원숙미가 잘 드러나는 이 곡은 현재까지도 비올라 연주자들의 주요 레퍼토리로 많은 사랑을 받고 있다. 본 논문에서 다룰 Op.120의 No.2 in E♭Major는 3악장으로 구성되어 있으며 1악장은 일반적인 고전 소나타 형식, 2악장은 트리오가 포함된 복합 3부분 형식, 3악장은 1개의 주제와 5개의 변주가 포함된 변주곡 형식으로 되어 있다. 작품분석에 앞서 브람스가 살았던 19세기 시대의 특징과 그의 생애, 음악적 특징을 알아보고, 분석을 통하여 각 악장의 구조와 형식, 화성, 리듬 등이 어떤 특징을 가지고 나타나며 그가 어떠한 음악관을 가지고 있었는지 연구해보고자 한다. Johannes Brahms (1833-1897) was a representative composer of the 19th century in German romantic music. He worked in Vienna, Austria as well as Germany where he was born. J. Brahms mainly composed traditional genre same as Symphony, Concerto, Chamber music. Because he retained Baroque and classical music technique. He composed twenty-four chamber music pieces in his lifetime. <Sonata Op.120> is his last chamber music piece. This piece well reveals his musical knowledge and technique which are acquired throughout his lifetime. This piece is originally written as a clarinet sonata. However, he arranged into a viola sonata after premiere. When the viola was not considered as a solo instrument, this sonata opened the door for viola as solo instrument. Among them sonata no.2 has feminine vibe and grace. The sonata consists of three movements. The first movement is traditional classic sonata form, the second movement is compound ternary form and the third movements is variation form consists of theme and five variations. Syncopation, hemiola, different rhythmic contrast shows characteristic of Brahms well. He created his own style of music by using elements from the past. He also influenced great deal on 20th century’s composers. In this paper, I analyzed the background of <Viola sonata No.2 in E♭Major, op.120> and the overall musical structure, melody, harmony, form and rhythm of the piece. I hope to contribute for musicians to understand more in depth in his music and this sonata.

R. Schumann의 『그림동화 Op.113』 (Märchenbilder Op.113) 분석 연구

부희주 이화여자대학교 대학원 2023 국내석사

This study researched and analyzed (Märchenbilder, Op.113), the only work for soloing viola by German composer Robert Schumann (1810-1856). Inspired by the poem in the letter from the poet Louis Du Rieux (1824-1868), " Märchenbilder" which was named as the title of Schumann's work, shows that literary elements are an important part of Schumann's musical life that mixes greatly with music. In order to understand Schumann's musical characteristics, (Märchenbilder, Op.113) examined how the 19th century romantic musical elements harmonized with the classical style framework. In addition, based on the addition of Schumann's romantic musical characteristics along with literary elements, I hope that it will serve as a foundation for the performer to understand and interpret the work of (Märchenbilder, Op.113). 본 논문은 독일의 작곡가 슈만(Robert Schumann, 1810-1856)의 비올라 독주를 위한 유일한 실내악 작품인『그림동화』(Märchenbilder, Op. 113)에 관한 연구이다. 19세기 낭만주의 대표 작곡가인 슈만은 시, 가곡, 단편 문학 등의 문학적 요소로부터 영감을 받아 가사를 가져오고, 자신의 음악에 표제로 사용하며 여러 개의 캐릭터 피스를 하나의 모음곡 형태로 묶은 성격 소품(Character Piece) 장르를 구축하였다. 본 논문에서 다루는『그림동화 (Märchenbilder, Op. 113) 작품 또한 4개의 짧은 소품들로 구성된 비올라와 피아노를 위한 성격 소품 작품이다. 필자는『그림동화』(Märchenbilder, Op. 113)를 연구하는 과정에서 슈만의 작품의 표제로 붙여진 ‘Märchenbilder(그림동화)’의 문학적 작품을 찾아 그의 음악적 색채와 함께 작품 속에서 보여주고자 하는 이야기가 무엇인지 알아보고, 전반적인 슈만의 생애를 그의 시기별 작곡 특징 기준으로 나누어 그의 심리와 정서 변화도 함께 살펴보려 한다. 이를 토대로 작품의 배경인 19세기의 낭만주의적인 음악적 요소들이 고전주의 형식의 틀과 어떻게 조화를 이루는지 알아보고, 각 악장에 나타나는 음악적 형식 및 화성 진행, 특징적인 리듬의 사용, 선율구조를 파악하여 그에 따른 연주법을 분석해 보고자 한다.

“Pablo de Sarasate, Zigeunerweisen op. 20” 과 “Vittorio Monti, Czardas” 비교를 통한 집시 바이올린 음악 연구

장나원 이화여자대학교 대학원 2022 국내석사

본 논문은 19세기의 바이올리니스트이자 작곡자인 파블로 사라사테 (Pablo de Sarasate, 1844-1908)가 작곡한 찌고이네르바이젠 (Zigeunerweisen op.20) 과 이탈리아 출신의 바이올리니스트이자 만돌리니스트 겸 작곡가인 비토리오 몬티 (Vittorio Monti, 1868-1922) 가 작곡한 차르다쉬 (Csardas)를 비교 분석하고, 두 곡의 기본이 되는 공통 음악형식 즉, 집시음악에 대한 연구이다. 집시들의 음악은 낭만시대에 유럽 음악계에 큰 영향을 미쳐 당대 유명 작곡가들에게 영감을 주었고, 성악곡, 오페라, 기악곡 등 수많은 작품 속에서 재탄생 되었다. 틀에 박히지 않은 자유로움과 애수에 젖은 멜로디는 대중의 인기를 끌기에 충분했었으며, 이러한 유명세를 빌어 천대받고 차별받던 집시들의 민요와 춤곡이 오히려 대중성을 띄게 되면서 오늘날까지 많은 연주가들에 의해 사랑받고 있다. 특히 방랑의 삶을 살아야했던 집시들의 가장 대표적 악기가 바이올린으로 대표되는 현악기 피들 (fiddle)이라는 점은 다수의 저명 작곡가들이 바이올린 곡을 통해 더더욱 다양하고 농도 짙은 완성도를 가진 집시 멜로디를 표현하고자 했고 그 유산을 현재에 이르고 있다. 연구자는 그 중에서도 특히 바이올린 연주자라면 누구나 한 번 쯤은 연주했고, 그 예술성과 기교에 압도당했을 두 개의 대표적인 집시 선율 바이올린 곡을 선택하여 집중적으로 살펴보고자 하며, 주요 멜로디의 조성, 화성, 리듬 및 템포와 연주기법 등을 전반적으로 분석하여 실제 이 곡을 연주하고자 하는 연주자들에게 도움을 주고자 한다. This work is a comparative analysis on Zigeunerweisen op.20, Composed by a Spanish violinist and a composer, Pablo de Sarasate (1844-1908) and Czardas, composed by an Italian violinist, mandolist and composer, Vittorio Monti (1868-1922) and this analysis will study Gypay music that is present in both works. The music of Gypsies had a great influence on the European music scene during the Romantic Era asit inspired many famous composers of the time Gypsy music was recreated in numerous works such as vocal music, opera, and instrumental music. The unconventional freedom and mourning melody were perfect for gaining popularity from the public, and the folk songs and dances of the Gypsies, which were despised and discriminated against, became more popular and are loved by many musicians to this day. As the most favorable instrument of Gypsies, who had to live a wandering life, was a fiddle, a string instrument commonly recognized as a violin, many prominent composers tried to express the gypsy melody with a more diverse and clarify. The researcher focuses on two representative gypsy violin pieces that most violinists would have played at least once in their lives, and would have been overwhelmed by the works artistry and finesse of the techniques. Therefore, I aim to help performers who want to perform these works by presenying general performance technique.

Sergei Prokofiev의 Violin Sonata No.2 Op.94a에 관한 분석 및 연구

정지수 이화여자대학교 대학원 2021 국내석사

세르게이 프로코피에프(Sergei Prokofiev 1891-1953)는 20세기의 대표적인 러시아 작곡가이다. 20세기는 정치적, 시대적, 사회적, 경제적인 변화로 인하여 음악에 많은 변화를 가져왔다. 그 시기에 그는 피아노곡, 실내악, 협주곡, 교향곡, 오페라, 영화음악 등 많은 작품을 작곡하였다. 프로코피에프의 20세기 초반 작품에는 고전시대의 형식적 개념을 포함하며 새로운 소재를 더하여 현대음악으로써 새로운 가능성을 추구하는 신고전주의 음악을 볼 수 있다. 그는 현대적 경향에 고전적인 형식과 러시아 특유의 민속적인 색채를 더하여 자신만의 음악을 만들었다. 그의 작품은 현대에 이르기까지 러시아 음악의 전통을 정통적으로 계승하며 발전시킨 음악가라고 말할 수 있을 것이다. Prokofiev Violin Sonata No.2 Op.94는 총 4악장으로 구성되어 있으며 프로코피에프 특유의 익살, 풍자, 유머러스함이 담겨있는 것을 볼 수 있고 서정적인 선율이 바탕이 되어 색채적인 관현악법의 표현이 특징이다. 이 곡은 원래 1943년에 플루트를 위한 소나타로 작곡이 되었는데 바이올리니스트 다비드 오이스트라흐(David Oistrakh)의 제안으로 바이올린 소나타로 개작이 되었다. 본 논문에서는 러시아의 정치와 시대적 상황을 토대로 프로코피에프의 생애를 알아보고 작품을 시기별로 구분하였다. 신고전주의와 그의 작곡 어법을 5가지로 분류하여 음악적 특징을 조사하였고 프로코피에프의 작품에서 나타난 특징과 악보를 바탕으로 Violin Sonata No.2 Op.94를 분석하여 프로코피에프의 음악세계를 고찰해보고자 한다. Sergei Prokofiev(1891-1953) was a representative composer of the twentieth century. The twentieth century brought about many changes to music due to political, periodic, social, and economic transitions. At the time, he composed a number of pieces including piano tunes, chamber music, concerto, symphony, opera, and soundtracks. Prokofiev’s works from the early twentieth century are neoclassical music seeking new possibilities as modern music, with new material added to formal classical concepts. He created his own music by combining classical forms and Russian traditional colors into the modern trend. To this day, his work succeeds and develops traditional Russian music. Prokofiev Violin Sonata No.2 Op.94 comprises four movements in total. It has Prokofiev’s characteristic satire and humor. With lyrical melody in the background, it features colorful instrumentation. This piece was originally composed as a Sonata for the flute in 1943, but was remade into a violin Sonata, following a suggestion from the violinist David Oistrakh. This paper studies the life of Prokofiev based on the political and periodic background of Russia and categorizes his works by time periods. It examines the musical characteristics of his composition grammar by classifying Neoclassicism and it into five kinds. It also seeks to consider Prokofiev’s world of music by analyzing Violin Sonata No.2 Op.94 based on scores and characteristics of his works.