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다국어 초록 (Multilingual Abstract)

The thesis explores the creation of sculptural works that metaphorically express human anxiety through allegorical forms. By the 20th century, art transitioned from narrating specific events or ideologies to emphasizing the expression of individual emotions. Since the 1960s, this evolution has further shifted towards prioritizing free emotional expression. The postmodernism period, marked by the breakdown of communal ideologies, focused on individual autonomy and creativity, emphasizing subjective experiences of aesthetic value by emotions. Contemporary craft, influenced by these trends, has similarly evolved from producing purely aesthetic objects to expressing inner emotions. This is exemplified in California pottery and contemporary European jewelry, particularly in Germany.

This study aims to create sculptural works that playfully express anxiety-one of the fundamental individual emotions-while evoking feelings related to its causes. These works will use allegorical imagery infused with fantastical elements, characterized by a pluralistic and open symbolic structure. This approach enables viewers to interpret the pieces in diverse ways. The narratives embedded in these allegories evoke unconscious memories and foster empathy for the sources of anxiety. By transforming these causes into positive subjects, the allegorical images also shift their perception, leading to a reimagining of anxiety. Through this exploration, the study seeks to demonstrate the aesthetic value and emotional impact of sculptural works that express anxiety allegorically, while investigating the unique characteristics of metal craft as a medium of expression and its future potential.

Chapter I : Introduction
The first chapter outlines the research background and objectives, explaining the scope and methodology of the study.

Chapter II : Theoretical Considerations
The second chapter examines the concept of anxiety and its relationship to art. Anxiety is understood here as vague concerns about the future, visualized through fantastical allegories derived from unrealistic images, such as anthropomorphic forms. Anthropomorphic expression provides a fantastical narrative, transforming (Verschiebung) the ordinary into surreal imagery. Rather than simply combining motifs to metaphorically represent intangible ideas in a one-dimensional way, these narratives invite diverse interpretations, yielding outcomes that vary based on the viewer's perspective.

Allegories do not establish a direct one-to-one correspondence between primary and secondary meanings; instead, they intentionally create relationships that remain ambiguous. The process of interpreting these elements evokes emotions through contextual and structural associations, offering an indirect and abstract representation of concepts that are difficult to articulate consciously. When combined with fantastical elements like personification, these ambiguous narratives may initially appear as mere illusions or imaginings. However, unlike pure fantasy, allegories achieve a surreal expressions that feels “more real than reality” as they overlap with the real world.

The study analyzes various examples of visual artworks that employ allegory, focusing on the characteristics of allegorical imagery. Notable examples include the works of Bosch and Bruegel, whose allegorical expressions evoke emotion by portraying fantastical interpretations of reality. Allegories are categorized into two main types : ‘fantastic allegories,’ which realistically depict unreal subjects, and ‘realistic (satirical) allegories,’ which render real subjects in unrealistic ways to offer fresh perspectives on a chaotic world. By linking anxiety to unconscious emotions, the study identifies anthropomorphic expressions and ambiguous narratives as key methods in creating allegorical art. Anthropomorphism, the attribution of human traits to non-human subjects, is illustrated in this research through an image of a bird with human hands, sweating to symbolize anxiety. Ambiguous narrative, a central feature of allegory, fosters diverse storytelling through layered metaphors and open-ended interpretations. n this study, such ambiguity is conveyed through the bird's simply depicted hand movements and fragmented images of geometric structures.

Chapter III: Cases of Allegorical Expression of Anxiety
This chapter examines contemporary artists who express anxiety through personified depictions, such as anthropomorphic birds, and ambiguous narratives involving deconstructed buildings. Notable artists recognized for their use of personification include Sergei Isupov (United States), Mimmo Paladino (Italy), and Michaël Borremans (Belgium). For situational expressions of anxiety, the study references the works of Giorgio de Chirico (Italy), George Tooker (United States), and Bruce Metcalf (United States).

Artists noted for personified expressions explore anxiety by emphasizing and omitting forms through techniques like anthropomorphism, simplification, and bodily disjunction. Sergei Isupov, a Russian-born American ceramicist, creates works that combine three-dimensional anthropomorphic animals with two-dimensional imagery, blurring the lines between reality and fantasy. His pieces evoke memories of anxious pasts, characterized by delicate and fantastical representations akin to Bosch’s altarpieces. Mimmo Paladino metaphorically explores primal human anxieties, such as the fear of death, through simplified depictions of faces and hands rooted in tradition, history, and mythology. His overlapping symbolic images invite diverse interpretations, rejecting singular meanings while presenting fantastical enigmas. Michaël Borremans expresses feelings of anxiety through realistic yet incongruous scenarios. By emphasizing bodily disjunction and transformation, he captures unresolved conflicts and the absurdities of human existence, underscoring uncertainty and doubt.

Artists who express anxiety through situational depictions construct it using contrasts between geometric forms and figurative elements, as well as the tension between tragic events and playful imagery. Giorgio de Chirico fragments historical and symbolic associations of everyday objects to create surreal narratives that challenge perceptions of order. His works generate ambivalent emotions-combining anxiety and pleasure-through mysterious contrasts between familiar objects and unreal spaces. George Tooker humorously conveys inner anxiety by contrasting fantastical urban backgrounds with figurative imagery. Through repetition and overlapping of spatial elements, he explores feelings of alienation and emotional disconnection in modern life. Bruce Metcalf uses cartoon-like figures set against tragic realities to express societal contradictions. By incorporating theatrical staging and metal craft techniques, he critiques contemporary issues through miniature protagonists that blend humor with reflective depth.

Chapter IV: Research Works
This chapter explores the content and production processes of sculptural works that metaphorically express anxiety, drawing on the characteristics and narrative styles of the allegorical images analyzed in previous chapters. The study identifies the roots of anxiety in the othering of desire, which emerges from the pressures of meritocracy. This idea aligns with the desire theory of French philosopher Jacques Lacan, which posits that unconscious desire is directed toward the ‘Other’ as a yearning to be recognized as an object of love. Meritocracy amplifies emotional sensitivity toward future evaluations, reducing individuals to objects assessed by others and orienting their lives around external desires. From this foundation, the study derives two core concepts : perfectionism, an obsessive need to imitate, and shame, a state arising from the unfulfilled longing for recognition.

Perfectionism is represented as the compulsive act of ‘following.’ This is symbolized by a bird mimicking commands or counting, reflecting relentless fixation on others' desires. Similarly, the repetitive geometric forms of buildings, such as stairs, metaphorically represent the social order that becomes the object of this pursuit. Shame, on the other hand, is portrayed through the act of ‘waiting’ for recognition. This manifests as behaviors of withdrawal and hesitation rooted in an unmet need for acknowledgment. Geometric representations of buildings are further developed into more concrete forms, such as chairs or tables, or disassembled into fragmented structures to signify these emotional states.

The allegorical elements in the research works are divided into two primary figurative forms, specifically anthropomorphized birds and geometric buildings. The anthropomorphic birds blend human characteristics with playful behaviors, presenting a fantastical allegory rooted in familiar, everyday elements. The bird, as a recognizable figure, represents a presence that is both approachable and estranging, existing in a space separate from humans. This duality is enhanced by its anthropomorphic traits, such as human-like skin, sweat, and overlapping hand movements, transforming the bird into a whimsical and polysemous symbol.

Geometric buildings reinterpret everyday structural elements like stairs, chairs, and chimneys, recombining them into ambiguous forms. These transformations reflect the formation and dissolution of abstract concepts like order and time, symbolizing the duality of aesthetic order as both a sculptural construct and a source of unease when disrupted. The layered metaphors and intertextuality inherent in these works underscore the narrative complexity of allegorical expression. Together, the anthropomorphized birds and geometric buildings serve as metaphors for deeply ingrained anxieties. Through their whimsical and fantastical interplay, these figures encourage the resolution of anxious emotions and the reconciliation of internal conflicts.

The individual cases of the research works describe the conceptual background and production processes of pieces that express feelings of anxiety through the combination of bird and building forms. The works are categorized into two series namely ‘Following’ and ‘Waiting’. The ’Following’ series represents anxiety about the future, caused by perfectionism, through a bird counting numbers and repetitive geometric images. The ‘Waiting’ series conveys anxiety stemming from the shame of imperfection, illustrated by a crouched figure and deconstructed buildings. While perfectionism is portrayed through the conscious act of counting and the symmetry of geometric order, shame is expressed through involuntary defensive postures of withdrawal and the disintegration of geometric forms. Both series paradoxically express anxiety by situating these anthropomorphized birds on fragmented stages that reflect distorted realities.

Technical research on the production of works examines the technical aspects involved in creating research works, focusing on the sculptural characteristics of applied techniques and their integration into allegorical narratives. The study is divided into two primary areas, specifically the creation of birds and the creation of buildings.

In the creation of birds, the birds’ glossy skin and sweat droplets are achieved using a technique called grain filling, a method traditionally employed in lacquer craftsmenship. This involves infusing the wood grain with a mixture of materials, including lacquer and powdered ingredients, to produce a smooth and glossy surface. The glossy finish symbolizes obsession and fixation, while the sweat droplets represent difficult and stressful situations. The process involves repeatedly applying and sanding architectural finishing paint-approximately ten times-to compensate for the soft flaws of red pine, resulting in a firm, smooth surface. This method allows for the delicate depiction of features like fingers and sweat droplets, enhancing the fantastical yet realistic quality of the birds.

In the creation of buildings, the geometric forms of the structures are made using non-ferrous metal welding techniques and pictorial expressions involving brass oxidation. Welding is used to achieve the rhythmic qualities of repetitive geometric structures, while brass oxidation imparts a wood-like appearance, creating an ambiguous identity for the buildings that evokes anxiety. Research on welding techniques focuses on heat welding non-ferrous metals such as nickel silver and brass using micro-pulse plasma welding and silver soldering. While nickel silver and brass offer good workability, they present challenges during welding. For instance, nickel silver is prone to warping, and brass experiences surface damage due to zinc evaporation during heating, a phenomenon known as dezincification. To address these issues, the study combined the advantages of micro-pulse plasma welding (which ensures strong, distortion-free partial joints) with silver soldering (which utilizes diffusion and capillary action to join areas unreachable by electrodes). After several experiments, the ideal method involved fixing all metal joints with an intermittent welding pattern, followed by flowing silver solder into the seams. This integrative approach minimized distortion and reduced zinc vaporization, ensuring precise and robust connections.

In the pictorial expression of brass oxidation, the study explored oxidation as a strategy for adding pictorial texture and depth. Existing studies on metal coloring often focus on copper or silver oxidation and are limited to flat surfaces. When applied to complex structures, uneven coatings and blotching often occur. To address these challenges, the study experimented with embedding sawdust and using heat stamping to stabilize coating formation. Techniques involving layered applications of copper nitrate and iron(II) nitrate successfully produced solid, subtly textured brown surfaces. These coatings created a pictorial atmosphere that enhanced the narrative complexity of the buildings, representing the tension between order and disintegration.

Chapter V: Conclusion
The achievements of this research are evaluated as follows:

First, the aesthetic value and narrative characteristics of allegorical expression, as a means of articulating unconscious emotions, are clarified through examples from contemporary artists. Anthropomorphism is defined as the fantastical transformation of realistic objects, distinguishing it from purely unrealistic expression. By summarizing the aspects of allegorical expression in contemporary art through prior studies, the research underscores the characteristics of personification. In the research works, simple depictions and overlapping representations of sweat and hands are identified as key elements of anthropomorphic expression. These elements, juxtaposed against geometric backgrounds, provide an opportunity for future studies on narrative-driven anthropomorphism.

Furthurmore, the research works are created using figurative forms and refined metal fabrication techniques, resulting in delicate structures and familiar shapes that bring vitality to everyday spaces. The sheet metal structures are designed for easy disassembly and assembly, making them lightweight and durable for easy management. These sculptures, when combined with figurative forms, are perceived as everyday and approachable, allowing them to settle seamlessly into our surroundings. This, in turn, facilitates the resolution of hidden feelings of anxiety in the deeper layers of life. The research demonstrates the potential for expressing and communicating inner emotions through figurative representation, an area that has not been actively explored in recent metal crafts. This represents a new territory for metal craft artists to explore. While contemporary crafts have overall developed as a medium for symbolic expression, recent trends in metal craft have shown a bias toward research focused on formal expression and functionality. Therefore, through the figurative expression of inner emotions presented in this research, it is hoped that the ecosystem of contemporary metal craft will become more diverse and healthy.

Additionally, the incorporation of micro-pulse plasma welding technology and experiments with brass coloring during the production process demonstrate the identity and expertise of the metal craft artist while contributing to advancements in metalworking techniques. Although the de-genrefication of art is a trend of the times, the characteristics of the medium still play an important role in determining the identity of the artwork. Reliable metal processing techniques, such as those explored in this research, are expected to facilitate innovative expressions and overcome physical limitations in sheet metal fabrication. This study is based on numerical data on the heat welding of copper alloy sheets-one of the most widely used materials and techniques in metal craft-and presents a practical method for producing metal structures with an area of approximately 270 ㎤. By addressing the limitations of weldable area and joint structure in sheet metal fabrication, the research expands creative freedom and enhances production efficiency for artists.

In conclusion, it is hoped that the findings on the visualization of emotions and the improvements in productivity will inspire further development in contemporary metal craft, fostering innovation and diversity within the field.

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국문 초록 (Abstract)

이 논문은 인간의 불안한 감정을 우화적 형상을 통해서 은유적으로 표현하는 조형물 제작을 다루고 있다. 20세기에 이르러 미술은 구체적 사건이나 이념의 서사적 설명에서 벗어나 개인의 감정을 표현하기 시작하였으며 1960년대 이후부터는 본격적으로 자유로운 감정 표현을 강조하는 방향으로 발전하였다. 포스트모더니즘으로 분류되는 이 시기에는, 공동체적 이데올로기의 붕괴에 이어 개인의 자율성과 창조성이 중요시되면서 감정에 의한 미의 주관적 경험을 중시하는 사상이 주를 이루게 되었다. 이러한 시대적 흐름에 영향을 받은 현대공예 분야도 심미적 사물 제작에서 개인의 내면 감정을 드러내는 표현 매체로 발전하였는데, 대표적으로는 미국 캘리포니아의 도자 조형이나 독일을 중심으로 한 유럽의 현대 장신구를 들 수 있다.

이 연구에서는 개인의 감정 중 하나인 불안을 유희적으로 표현하여 불안 원인에 대한 감정을 환기하는 조형물을 제작하고자 한다. 연구 작품은 환상적 요소를 가진 우화적 이미지로 표현되는데, 이들은 다중적이고 개방적인 상징 구조로 이루어져 있어 보는 이로 하여금 다양한 이야기로 해석될 수 있다. 이러한 우화의 상호 관계에 의한 서술은 무의식적 기억을 소환하여 불안 대상과 공감을 이루며, 우화적 이미지는 불안의 원인을 긍정적 대상으로 전위하여 심상의 변화를 이끌어낸다. 이로써 불안을 우화적으로 표현한 조형물의 심미적 가치와 정서적 공감 능력을 증명하여 표현 매체로서의 금속공예 작품이 가진 특징과 앞으로의 발전 방향에 대해 모색하고자 한다.

I장 ‘서론’에서는 연구 배경과 목적을 밝히며 연구의 범위와 방법에 관해 설명하고 있다.

II장 ‘이론적 고찰’에서는 불안의 개념 및 불안과 예술과 연관성에 대한 일반적인 이론을 살펴본다. 연구에서는 불안의 특징을 미래에 대한 막연한 걱정으로 바라보고 있으며, 이를 시각적으로 표현하는 기제로 의인화 형상과 같은 비현실적 이미지에 의한 환상적 우화를 도출하였다. 의인화 표현은 일상을 초현실적 이미지로 전위하는 환상적 서술이다. 이는 비가시적 내용을 시각적으로 환유하는 도상의 일차원적 결합과 달리 해석 과정에서 선택적인 결합에 의한 다양한 결말을 보인다. 우화는 원관념과 보조관념이 1:1의 관계를 이루지 않으며 서술을 이루는 요소 사이의 상호 관계도 희미하다. 따라서 서술 요소의 자의적 해석 과정에서 의식의 언어로 표현할 수 없는 것들을 맥락과 구조에 의존하여 느끼도록 하는 관념적이고 우회적인 서술이라고 할 수 있다. 이러한 우화의 중의적인 서술에, 의인화와 같은 환상적 요소가 결합한 ‘환상적 우화’는 경험과 무관한 비현실적 상상인 공상과 혼동하기 쉽다. 그러나 공상이나 상상과 달리 우화는 현실에 중첩된 환상이라는 점에서 현실보다 더 현실적인 초현실의 표현에 가깝다.

이 연구에서는 우화를 표현한 미술 작품의 사례를 분석하여 우화적 이미지의 특징에 대해 자세히 살펴본다. 이를 위해서 우화 미술의 대표적인 작품으로 꼽히는 보스와 브뢰헐의 표현 양상을 분석하였으며, 그 결과 우화를 현실의 환상적 표현으로 생경한 세계를 제시하여 감정의 환기를 추구하는 예술로 정의하였다. 이때 우화는 현실 왜곡의 방식에 따라 비현실적 대상을 현실적 질감으로 충실히 묘사하는 ‘환상적 우화’와 현실적 존재를 비현실적으로 묘사하여 혼란한 세상에 대한 새로운 시선을 형성하는 ‘사실적(풍자적) 우화’로 나눌 수 있다.

연구에서는 불안을 개인의 무의식 감정과 관련지어 생각하므로 비현실적 대상을 현실적 상황으로 끌어들이는 의인화 표현과 중의적 서술을 통한 환상적 우화를 작품의 주된 서술 방식으로 결정하였다. 의인화는 사람이 아닌 대상에 사람의 성격을 부여하는 것으로 연구 작품에서는 사람의 손을 가졌으며 땀을 흘리는 새로 표현되었다. 중의적 서술은 우화의 공통적인 속성으로, 다중적 은유나 해석의 개방성에 의한 다양한 이야기 서술을 의미한다. 연구 작품에서는 이를 단순하게 표현된 새의 손동작과 기하학적 건물 형상의 해체된 이미지로 표현하였다.

III장 ‘불안을 우화적으로 표현한 사례’에서는 연구 작품의 표현 요소인 의인화된 새와 같은 인물 표현이나, 해체된 건물의 중의적 서술과 같은 상황 표현을 통해 불안을 표현한 현대미술 작가들을 분석하였다. 인물을 표현한 작가로는 미국의 세르게이 이수포브, 이탈리아의 밈모 팔라디노, 벨기에의 미카엘 보레만스가 있다. 상황 표현에는 이탈리아의 조르조 데 키리코와 미국의 조지 투커, 브루스 메트캐프가 있다.

인물 표현에 관한 세 명의 작가는 의인화와 단순화, 신체의 단절과 같은 형태의 강조와 생략을 통해 불안을 표현하였다. 러시아 태생의 미국 도예가인 이수포브는 삼차원의 의인화된 동물과 이차원 이미지의 결합에 의한 현실과 환상의 이중적 경계를 통해서 불안한 과거 기억을 소환한다. 그의 작품은 섬세한 인물의 묘사가 특징인데, 이는 보스의 제단화와 같은 현실적 대상의 환상적 우화를 보여준다. 팔라디노는 전통과 역사, 설화적 내용을 단순화한 얼굴과 손으로 은유하여 죽음이라는 인간의 근원적 불안이 만든 신화적 세계를 우화적으로 표현한다. 그는 단순한 상징 이미지의 중첩으로 다양한 해석을 유도하는 방식을 통해 통일된 의미를 부정하며 환상적인 수수께끼를 던진다. 보레만스는 이질적 상황의 사실적 묘사로 불안 감정을 표현한다. 그는 인간 존재의 복잡성과 부조리를 탐구하기 위하여 해결할 수 없는 갈등을 하나의 장면에 표현한다. 이는 작품에서 단절되거나 변형된 신체의 불일치로 표현되는데 이로 인해 등장인물에 대한 불확실성과 의구심이 더욱 강조된다.

불안한 상황을 표현한 작가들은 기하학 형상과 구상 형상의 갈등 구조, 또한 비극적 사건과 유희적 인물의 모순적 관계를 통해서 불안을 연출한다. 데 키리코는 일상 사물의 역사적 상징성을 파편화하여, 질서에 대한 인식을 정체시키는 초현실적 상황을 서술한다. 그는 현실에 존재하는 사물과, 현실의 법칙에 지배받지 않는 공간이라는 신비롭고 모순적인 대비를 통해서 인간의 사고와 사물의 가치를 전복하였다. 이는 현실 이탈의 불안과 쾌감의 양가감정을 발생시키며 심리적 불안감과 과거에 대한 그리움을 형성한다. 투커는 일상 공간의 반복에 의한 환상적 배경과 구상적 인물을 대비하여 내면 불안을 희극적으로 서술한다. 그는 현실 공간의 반복과 중첩으로 이루어진 우화적 무대로 도시 생활의 소외감이나 감정적 단절을 표현하였다. 메트캐프는 만화 같은 인물을 무대 위로 소환하여 비극적 현실과 희극적 인물의 모순되는 지점을 유머러스하게 표현하였다. 그는 금속공예 기술로 표현된 주인공의 작은 세계를 통해서 시대에 대한 작가의 성찰과 반성을 역설하고 있다.

IV장 ‘연구 작품’에서는 지금까지 분석하였던 우화 이미지의 특징과 서술 방식을 참고하여 불안한 감정을 우화적으로 표현한 조형물의 내용 및 제작 과정을 다루고 있다. 이 연구에서는 불안의 원인이 능력주의에 기인한 욕망의 타자화 desire of the other, 프랑스 철학자 자크 라캉(Jacques Marie Emile Lacan)의 욕망 이론인 무의식의 타자를 향한 욕망으로 다른 사람으로부터 사랑의 대상으로 인정받고 싶은 욕망을 의미함, 이진경, 『철학과 굴뚝청소부』, 그린비, 1994, p. 337, 19-22.
에 있다고 본다. 능력주의는 자신을 향한 미래의 평가에 민감하게 반응하는 정서이다. 이는 자신을 타인에게 평가받는 존재로 전락시킬 뿐만 아니라 이로부터 다른 사람의 욕망을 욕망하는 타인 지향적 삶을 형성하기에 이른다. 연구에서는 이러한 욕망의 타자화를 설명하는 단어로, 남을 따라 하려는 강박 관념인 완벽주의와 남의 인정을 갈망하고 기다릴 때 발생하는 결핍의 감정인 수치심을 도출하였다.

완벽주의는 강박적 행위인 ‘따라하기’로 전위된다. ‘따라하기’는 어떤 순서를 따라 하거나 숫자를 세는 새의 행동으로, 타자의 욕망을 향한 끈질긴 집착을 의미한다. 그리고 계단처럼 반복적인 건물의 기하 형상들은 욕망의 대상인 사회적 질서를 은유한다. 수치심은 타인에게 인정받고자 하는 ‘기다리기’로 전위된다. 기다리기는 인정 욕구의 결핍에 의한 자발적 소외와 불안의 무의식적 행동인 움츠림과 망설임으로 표현된다. 건물의 표현에서는 앞의 ‘따라하기’에서 표현된 기하학적 이미지와 동일하나 기하 질서를 말이나 의자와 같은 구상적인 형상으로 전위하거나 구조를 무너뜨려 파편화된 이미지로 표현하였다.

연구 작품의 우화적 표현 요소는 의인화된 새의 이미지와 기하학적 건물 이미지로 나뉜다. 의인화 표현에서는 사람과 합성된 새의 유희적 행동을 묘사하고 있다. 새는 우리에게 익숙한 대상으로, 이는 작품이 일상을 바탕으로 환상적 우화를 서술하고 있음을 의미한다. 그러나 새는 사람과 다른 공간에 머무르는 허상 같은 존재로서, 익숙하나 친해질 수 없는 낯섦을 내포한다. 이러한 새의 양가적 상징은 사람 같은 피부와 땀, 중첩된 손동작과 같은 의인화 표현과 만나면서 우리에게 환상적이고 중의적인 대상으로 다가온다.

기하학적 건물 이미지는 계단과 의자, 굴뚝 등 일상적 건물의 부분을 기하학적으로 해석한 뒤 이를 재결합하여, 질서 또는 시간 개념과 같은 미래 의식의 형성과 그 와해를 중의적으로 표현하고 있다. 이는 조형적 사물로서의 미적 질서와 그것이 무너졌을 때의 불쾌함이라는 양면성을 의미한다. 이러한 서술의 다중성은 우화 서술의 핵심 요소인 다층적 은유와 상호 텍스트성을 의미한다. 이처럼 의인화된 새와 기하학적 건물의 두 가지 구상 형상들은 내면에 침전한 불안한 감정을 우화적으로 표현하고 있으며, 이로부터 형성되는 유희적 환상 세계로부터 불안 감정의 해소와 갈등의 화해를 유도한다.

이어서 새와 건물 형상의 조합으로 불안 감정을 표현한 작품의 배경을 개별적으로 설명한다. 작품은 ‘따라하기’ 그룹과 ‘기다리기’ 그룹으로 분류된다. ‘따라하기’ 연작은 완벽주의가 초래하는 미래에 대한 불안을 숫자를 세는 새와 반복적인 기하 이미지로 표현하고 있다. ‘기다리기’ 연작은 완벽하지 못하다는 수치심에 의한 불안 감정을 웅크린 인물과 해체된 건물로 표현한다. 완벽주의는 숫자를 세는 의식 행위와 기하 질서의 아름다움으로 표현되는 반면, 수치심은 무의식적 방어 자세인 움츠림과 기하 질서를 흩뜨리는 해체적 변형으로 표현하고 있다. 두 그룹 모두 파편화된 현실로 이루어진 무대와 그 위에 서 있는 의인화된 새를 통해 불안을 역설적으로 표현하고 있다.

작품 제작 기술 연구에서는 연구 작품의 제작에 활용한 기법의 조형적 특징과 우화적 서술 간의 관계에 대해 논의하고 있다. 기술 연구는 새의 제작과 건물 제작으로 나뉘며, 새의 제작에서는 눈메 메우기에 의한 반들거리는 피부 표현과 땀방울의 표현 기법을 설명하였다. 윤이 나는 나무는 강박과 집착을 은유하며 땀방울은 곤란한 상황을 나타낸다. 건물 제작에서는 비철금속의 열 접합 기술로 표현한 기하 형상과 황동의 산화 작용을 응용한 회화적 표현 기법을 상술하였다. 열 접합 기술은 반복적인 기하 구조의 율동감 표현에 효과적이며, 산화 작용은 금속을 나무처럼 보이게 하여 작품의 정체를 모호하고 불안하게 만든다.
새의 제작에서는 나무 파편의 부분적 조합에 의한 피붓결의 변화와 땀방울을 표현하기 위해서 표면을 매끈하게 다듬어야 한다. 이를 위해서 칠기 공예에서 주로 사용하는 눈메 메우기 기법을 활용하여, 부드러운 소나무의 표면을 단단하고 매끈하게 다듬었다. 옻과 토분을 섞은 토회를 다공질 표면에 바르는 것처럼, 연구 작품에서는 건축 내장재용 도료의 도포와 연마를 10여 차례 반복하여 붉은 소나무의 무른 단점을 보완할 수 있었다. 눈메 메우기는 형상을 조각하는 과정마다 실시하였는데, 이러한 방법으로 나무를 단단하게 만들 수 있기 때문에 손가락과 땀방울의 섬세한 묘사가 가능하였다.

건물 제작에는 비철금속을 열로 접합하는 기술 연구와 비철금속의 산화 작용을 이용한 회화적 표현 연구가 포함된다. 열 접합 기술 연구에서는 마이크로 펄스 플라스마 용접과 은땜을 활용한 비철금속의 열 접합에 관한 실험 내용을 다룬다. 백동과 황동은 가공성은 좋으나 열 접합 시에 다양한 문제점이 발생하여 사용이 제한적이다. 백동은 다른 비철금속에 비해 뒤틀림이 심하며, 황동은 아연이 증발하여 표면에 치명적 손상을 만들기 때문이다. 연구에서는 이러한 문제점을 해결하기 위해서, 은땜에 마이크로 펄스 플라스마 용접을 도입하였다. 용접은 일감을 직접 녹여 접합 강도가 매우 우수하고, 부분적인 접합이 가능하여 판재의 변형이 없지만, 전극이 직접 닿지 않는 곳에서는 접합이 일어나지 않는다는 단점이 있다. 또한 아연을 함유한 비철금속의 경우 용접 과정에서 발생하는 기화 현상에 의해 표면에 구멍이 생기기 때문에 정교한 작업에 적합하지 않다. 반면에 은땜은 고온으로 일감 전체를 가열하여 뒤틀림이 심하지만, 금속 결정 구조를 느슨하게 한 뒤 땜을 침투시키는 확산과 모세관 현상을 이용하므로 용접 전극이 도달할 수 없는 곳까지 완벽하게 접합할 수 있다.

따라서 용접의 장점인 변형 없는 부분 접합과 은땜의 확산 및 모세관 현상을 함께 적용하면, 백동과 황동의 성공적인 열 접합이 가능하다고 판단하여 여러 차례의 실험 끝에 금속 기물의 모든 이음새를 간헐적 패턴으로 접합하고 은땜을 용접 사이로 흘려보내는 방식이 가장 이상적이라는 결론에 도달하였다. 이러한 접합은 백동 공예 장인들이 모든 접합 부위를 철판과 철사로 고정하고, 한 번에 땜을 한다는 점에서 착안한 것이다. 그러나 쇠틀보다 용접으로 판재를 고정하는 것이 훨씬 간단하며, 땜을 진행할 때 작업물의 온도 상승이 원활하여 가열이 단축되므로 금속의 탈아연 현상이 저하될 것이라는 예상을 기반으로 실험하였다.

이어서 황동 산화피막의 회화적 표현에 관한 연구를 진행했다. 기존의 착색 연구는 구리의 녹청이나 은의 산화 작용에 관한 것이 대부분이며, 그 예시도 평평한 금속 판재에 국한되어서 복잡한 구조물에 적용하면 피막이 고르지 못하거나 얼룩이 심한 문제가 발생한다. 이를 해결하기 위해서 톱밥 매립이나 가열 후 찍어내기와 같은 여러 가지 착색 기법을 혼용하여 다양한 입자의 적층에 의한 안정적인 피막 형성과 회화적인 분위기를 내는 방법을 연구하였다. 실험에서는 주로 질산구리와 질산제이철 산화막의 중첩을 시도하였으며 이를 통해서 단단하고 은은한 질감의 갈색 피막을 얻는 데 성공하였다.

V장 ‘결론’에서는 연구의 성과를 다음과 같이 정리 및 하였다. 먼저, 무의식 감정의 표현 방법으로 제시한 우화적 표현의 미학적 가치와 서술적 특징을 현대미술 작가들의 사례를 통해 설명하였다. 연구에서는 특히 의인화를 현실적 대상이 변형된 환상 이미지로 정의하여 의인화와 비현실적 표현의 차이를 명확히 설명하였으며, 이를 표현한 선행 연구의 사례를 통해 현대미술에서 우화적 표현 양상에 대해 정리하였다. 작품에서는 의인화의 요소로 땀과 손의 단순한 묘사와 중첩된 표현을 제시하고 있으며, 기하학적 배경과의 관계를 통해서 우화적 내러티브를 서술한다는 점에서 다른 의인화 표현 연구에 참고가 될 수 있다.

또한, 연구 작품은 구상적 형상과 정교한 판금 기술로 제작되어 섬세한 구조와 친숙한 형상으로 일상 공간에 활력을 선사한다. 판금 구조물은 분해와 조립을 위한 설계가 가능하며 가볍고 튼튼해서 관리가 쉽다. 이러한 조형물은 구상 형태를 표현한 조각과 어우러져 일상적이고 친근한 대상으로 인식되어 우리 곁에 무리 없이 정착할 수 있으며, 이에 따라 삶의 내밀한 곳에 숨겨진 불안 감정의 해소를 도모할 수 있다. 연구 작품은 근래의 금속공예 분야가 적극적으로 다루지 않았던 내면 감정의 구상적 표현과 소통의 가능성을 증명하고 있으며, 이는 금속공예가들이 활동할 수 있는 또 다른 영토를 의미한다. 그러므로 이 연구에서 제시하는 내면의 구상적 표현을 통해서 현대 금속공예의 생태계가 보다 다양하고 건강해지기를 바란다.

한편, 이 연구는 작품 제작 과정에서 도입한 마이크로 펄스 플라스마 용접 기술이나, 황동의 착색에 관한 실험을 바탕으로 금속공예 기술의 발전에 기여한다는 점에서 금속공예 작가로서의 정체성과 전문성을 보여준다. 미술의 탈 장르화가 시대적 흐름이라 해도, 여전히 매체의 특성은 작품의 정체성을 결정짓는 데 중요한 역할을 한다. 안정적인 금속 가공 기술은 판금 기술의 물리적 한계를 극복하므로 금속공예의 독창적 표현과 생산 활동에 많은 도움이 될 것으로 예상된다. 이 연구에서는 금속공예 재료와 기법 중에서도 가장 널리 사용되는 구리 합금 판재의 열 접합에 관한 자료를 기반으로 하여, 약 270㎤의 면적을 가진 금속 기물을 제작할 수 있는 열 접합 방식을 실물 작업을 통해 증명하였다. 이는 판금 기술의 단점인 열 접합 가능 면적과 접합 구조의 한계를 극복하여 작가의 창작 자유를 확장하며 제작의 효율성을 높이는 데 도움이 된다. 이러한 감정의 구상화 과정과 생산성의 향상에 대한 연구 결과로 현대 금속공예의 발전에 긍정적 영향을 미치길 바란다.

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이 논문은 인간의 불안한 감정을 우화적 형상을 통해서 은유적으로 표현하는 조형물 제작을 다루고 있다. 20세기에 이르러 미술은 구체적 사건이나 이념의 서사적 설명에서 벗어나 개인의 ...