한국패션디자인학회지 편집위원회 규정 외

한국패션디자인학회 한국패션디자인학회 2025 한국패션디자인학회지 Vol.25 No.2

한국패션디자인학회지 편집위원회 규정 외

한국패션디자인학회 한국패션디자인학회 2024 한국패션디자인학회지 Vol.24 No.4

테일러드 재킷의 패턴 해체를 통한 패션디자인 연구

천미자,박주희 한국패션디자인학회 2018 한국패션디자인학회지 Vol.18 No.1

본 연구는 최근 재확산되고 있는 해체주의 패션 현상을 고찰하고 이를 오랫동안 고정된 형태를 지닌 테일러드 재킷의 패턴에 적용하여 패션디자인을 개발하는데 목적을 두었다. 이에 문헌연구를 통해 테일러드 재킷을 사적고찰하고 테일러드 재킷의 구성 요소를 고찰하였으며, 사례연구로서 최근 패션에 나타나고 있는 해체주의 표현 특성과 테일러드 재킷에 나타난 패턴 해체의 표현 특성을 탐구하였다. 최근 패션에 나타난 해체주의적 테일러드 재킷의 패턴 측면의 특성으로는 ‘복식구조 및 디자인원리의 해체’, ‘비확정적인 착장방식’, 그리고 ‘구멍내기’의 사례가 고찰되었으며, ‘복식구조 및 디자인 원리의 해체’ 방식에 따른 현대패션의 사례연구에서 테일러드 재킷의 구성요소 중 나타나지 않은 몸판과 소매, 그리고 디테일 패턴의 해체를 적용한 패션디자인 5점을 개발, 작품을 제작하였다. 디자인 개발은 해체주의 패션의 표현 특성 중 복식구조 및 디자인원리의 해체로 의복을 구조적으로 분리한 뒤 재구성하여 기존의 위치와 기능을 무시하는 전위 방식과 탈비율, 탈균형, 탈중심의 디자인 원리해체의 방식을 모두 반영하여 진행하였으며, 어도비 포토샵 프로그램을 활용하여 패턴 조각의 자유로운 위치이동 및 확대와 왜곡을 통한 형태변화를 시도하였다. 각각의 디자인은 비율파괴, 위치이동, 균형파괴, 중심해체, 구성요소의 기능상실 등 해체주의적 표현방식 5가지와 패턴조각 8가지(앞 몸판, 앞 옆판, 뒷 몸판, 뒤 옆판, 바깥소매, 안소매, 칼라, 라펠)를 개별 혹은 중복으로 조합하여 개발되었다. 개발된 작품은 울 서지 소재의 원피스드레스 2점과 재킷 2점, 그리고 울나일론 멜톤 소재의 오버코트 1점이며, 모두 솔리드 블랙 색상으로 제작되었다. 본 연구는 테일러드 재킷을 구성하는 다양한 패턴조각의 해체주의적 조작 실험을 통해 해체주의 패션의 표현 특성을 디자인 요소로 활용하여 창의적이고 다양한 디자인 개발 방식의 가능성을 확인하고 제시하였다는 점에서 의의를 가진다. This study aimed to examine a deconstructive fashion phenomenon that is being expanded again and apply it to a tailored jacket and develop fashion design. It conducted the literature research to investigate pattern pieces of a tailored jacket maintaining a standardized form for a long time with the historical examination and the case study to explore expressive characteristics of the deconstruction shown from fashion recently and those of pattern deconstruction shown from a tailored jacket which are ‘the deconstruction of clothing structures and design principles’, ‘the indeterminate mode of wearing’, and ‘the perforating’. As a result of the case study on the contemporary fashion under the ‘deconstruction of clothing structures and design principles', 5 fashion design works applying the deconstruction of the bodice, sleeve and detail patterns of a tailored jacket were developed and manufactured. As for the design development, tailored jacket was separated and reorganized in a structural manner using the deconstruction of clothing structures and design principles, or expressive characteristics of the deconstructive fashion, reflecting the avant-garde neglecting the existing positions and functions and also de-proportioned, de-balanced and de-centered deconstruction of design principles. Besides, there was an attempt at the formative changes through free locational movement, extension and distortion of a pattern piece using Photoshop. Each design was developed by 5 expressive methods of the deconstruction including the destruction of proportion and balance, movement of location, deconstruction of center and the functional loss of elements and by individual or overlapped combination of 8 pattern pieces(front bodice, front side, rear bodice, rear side, outer sleeve, undersleeve, collar and lapels). The works developed contain 2 one-piece dresses and 2 jackets made of wool serge, 1 overcoat made of wool nylon melton in solid black.

루돌프 라반의 움직임 공간 드로잉을 응용한 버추얼 패션 디자인

최현빈,이세리 한국패션디자인학회 2025 한국패션디자인학회지 Vol.25 No.1

디지털 환경 변화를 토대로 버추얼 패션 디자인의 발전 가능성에 대한 기대가 높아짐에 따라 이에 대한연구와 다양한 창작의 시도가 요구되고 있다. 본 연구는 오늘날 버추얼 패션의 발전 상황을 인식하고, 버추얼패션 디자인을 위한 디자인 원천으로서 현대무용 역사에 길이 남는 이론가이며 안무가인 루돌프 라반의 움직임 공간 드로잉을 채택하였으며, 라반의 드로잉에 나타나는 표현 특징을 응용하여 3D 버추얼 패션 디자인작품을 기획함으로써 디지털 패션 디자인의 실현 가능성을 제시하는 것에 목적을 두었다. 이를 위해 라반의움직임 이론에서 도출된 선과 공간의 개념을 응용하여 가상 환경에서 표현될 수 있는 다양한 디자인 방식을탐구하고 무용 이론가가 남긴 역사적 드로잉의 이미지를 디자인에 활용하여 버추얼 패션 디자인의 표현 가능성을 제시하였다. 본 연구에서는 라반의 움직임 공간 드로잉의 표현 특징을 곡선, 직선, 다각형 등 3가지로나누어 분석해 이를 응용한 3D 버추얼 패션 디자인을 기획하였는데, 작품의 모티브가 되는 선과 다각형을다양하게 모델링하기 위해서 3D 모델링 프로그램인 블렌더를 사용했고 애프터 이펙츠를 활용하여 버추얼패션 디자인 작품 비디오를 완성하였다. 이처럼 라반의 움직임 공간 드로잉을 분석하고 재해석하여 패션 디자인에 응용한 과정은 타 분야의 연구 창작물이 버추얼 패션 디자인에 있어 참신한 영감의 원천이 될 수있다는 가능성을 담은 사례가 될 수 있다. 디지털 기술은 물리적 환경에서 실현하기 어려웠던 패션 디자인아이디어를 구현할 수 있는 가능성을 열어주었으며 여러 잠재력을 가지고 있어 학문 간의 융합을 통해 패션산업이 발전할 수 있는 다양한 길을 보여준다. 본 연구는 무용학 이론으로부터 영감을 얻어 버추얼 패션 디자인의 잠재성을 탐구한 것으로서, 이와 같은 작품 연구를 통해 향후 새로운 콘셉트의 버추얼 패션 디자인의시도들이 더 다양하게 이루어질 수 있도록 방법을 제안했다는 점에서 의의를 갖는다. As expectations for the development of virtual fashion design continue to grow in response to rapid digital advancements, research and creative exploration in this field are increasingly needed more than ever. This study acknowledges the current status of virtual fashion development and explores the potential of digital fashion design by drawing inspiration from the movement space drawings of Rudolf Laban, a pivotal figure in modern dance theory and choreography. By applying the expressive qualities found in Laban’s drawings, the study aims to plan a 3D virtual fashion design work that expands the creative possibilities of digital fashion. Specifically, Laban’s concepts of line and space, central to his movement theory, were used to explore diverse design methods suitable for a virtual environment. His movement space drawings were categorized into three expressive characteristics—curves, straight lines, and polygons —and these were applied as visual motifs in the fashion design process. Blender, a 3D modeling program, was used to model the lines and polygons in various forms, while After Effects was employed to produce a video presentation of the completed virtual fashion design. The process of analyzing and reinterpreting Laban’s movement drawings illustrates how artistic knowledge from other fields can provide novel inspiration for fashion design in virtual environments. Digital technology offers opportunities to realize design ideas that are difficult to implement in the physical world and highlights the creative potential of interdisciplinary convergence. By integrating dance theory into digital fashion, this study demonstrates the expressive capacity of virtual design and proposes new directions for future fashion creation. The findings emphasize the significance of cross-disciplinary approaches and suggest that performative theories, such as Laban’s, could open new conceptual pathways for virtual fashion design.

자연주의 패션경향과 대나무 모티프의 패션디자인 연구

강죽형 한국패션디자인학회 2010 한국패션디자인학회지 Vol.10 No.4

본 연구는 자연주의 패션경향을 조형예술과 패션디자인 영역에서 살펴보고 동양적이고 한국적인 자연물인 대나무를 모티프로 한 패션디자인을 제시한 것이다. 조형예술에 구현된 자연주의를 정리한 결과 역사적으로 자연주의 예술작품에는 작가가 친숙한 자연이 반영되어 있다는 것을 발견했다. 동양적인 조형예술의 차별성을 높이기 위해서는 동양적인 자연물에 대한 탐구가 필요하다. 현대 패션을 대표하는 대부분의 디자인이 서구적인 조형시각에서 구성되어졌고, 자연주의 관점에서 보면 서구적인 디자인은 서구의 자연을 모티프로 한 것이다. 본 연구는 동양적이고 한국적인 패션디자인을 위해서 동양적인 자연물인 대나무를 모티프로 삼았다. 다음으로 대나무의 형태와 색채를 모티프로 한 패션디자인 프로세스를 정립하여 연구자의 8개의 작품을 제시했다. 이는 동양적인 자연물을 시각화하여 한국적인 문화정체성을 확립하는 기초조형의 방법적 틀을 제시하는 과정이다. 디자인 프로세스를 적용하여 연구자의 패션디자인에 실험적으로 적용해본 결과 범세계적인 보편성 위에서 동양적이고 한국적인 문화의 정체성을 확립하는 유효한 수단이 될 수 있다는 가능성을 발견했다.

종이접기의 조형미를 적용한 제로 웨이스트 패션디자인 연구

김숙현,김혜연 한국패션디자인학회 2018 한국패션디자인학회지 Vol.18 No.1

오늘날 패션 분야는 날로 심각해지는 환경문제와 그에 따른 변화의 요구에 지속 가능하며 환경 친화적인 방법들에 관한 연구가 활발하게 진행되고 있다. 이 중 제로 웨이스트 패션디자인은 사전에 철저한 계획으로 폐기물을 완전히 없애거나 줄이는 방법으로 의류폐기물에 대한 실천적 대안으로 주목되고 있다. 이러한 추세에 따라 본 연구는 종이접기 기법이 사각형의 평면적 공간이 버려지는 부분 없이 모두 소진되는 점에 있어서 제로 웨이스트 개념에 부합하고 접기 방법에 따라 무한한 형태의 변화가 가능하다는 점에서 종이접기를 창의적이고 조형적인 제로 웨이스트 패션디자인 실현의 방법으로서 채택하였다. 이에 종이접기의 조형미를 율동미, 중첩의 미, 선적 조형미, 부조적 형태미로 분석하고 이를 디자인에 구조적 또는 장식적으로 적용하여 4벌의 조형적인 제로 웨이스트 디자인을 제시함에 목적을 두고 제로 웨이스트 디자인 방법의 규범적 한계를 극복하고자 하였다. 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 환경을 고려하는 제로 웨이스트 패션디자인 실현의 의의를 가지고 종이접기방식을 적용한 결과, 급변하는 트렌드에 영향 받지 않는 독창적인 디자인과 기존의 제작방식을 간소화하는 하나의 혁신적인 제로 웨이스트 패션디자인 방법이 될 수 있음을 확인하였다. 둘째, 접는 방법에 따라 다양한 형태로 변형이 가능한 종이접기의 특성에 따라 사각의 원단을 드레스, 스커트, 판초, 베스트 등 다양한 패션 아이템으로 구성할 수 있음을 확인하였다. 셋째, 폐기물을 현저히 줄이며 제로 웨이스트 패션 실현의 효과적인 대안이 될 수 있음을 확인할 수 있었다. 실제 작품을 제작하며 셀비지 부분만이 폐기되어 기존의 제작방식에 비해 폐기물 감소 효과가 높음을 입증하였다. 넷째, 접기를 통해 독창적인 실루엣과 디테일들이 구현되며 평면에서보다 굴곡이 있는 인체 위에서 그 조형미가 강조되었다. 접은 선과 면들이 인체 위에서 자연스럽게 펼쳐지며 율동미와 부조적 입체미가 강조되었고 소재에 따라 접혀진 면이 농담으로 나타나 장식적 효과를 주거나 광택에 의한 명암의 대비로 그 조형미가 강조되는 것을 볼 수 있었다.이상의 결과를 통해 친환경적인 목적과 의지가 종이접기의 조형미와 결합되어 독창적인 디자인으로 발현될 수 있음을 확인할 수 있었으며 앞으로도 더 다양한 연구와 시도들을 계속 해나간다면 친환경적이고 윤리적인 패션의 하나의 실천적 방안으로 발전해 나갈 수 있으리라 기대한다. In today's fashion field, research is being actively conducted on sustainable and eco-friendly ways to deal with growing environmental issues and the demands of changes that follow. Of these, the zero waste fashion design is seen as a viable alternative to eliminate or reduce fabric waste with a thorough plan in advance. This study used paper-folding which meets the concept of zero waste by exhausting the whole space of rectangles with infinite forms. Therefore, this study analyzes the formative features of paper-folding with rhythmical beauty, beauty of overlapping, beauty of straight line and formative beauty of relief and aims to suggests 4 pieces of zero waste fashion designs by applying them structurally and decoratively. The conclusions drawn from this study are as following. First, creative designs which not be affected by rapidly changing trends have been realized and this could be an innovative way to streamline traditional way of production. Second, rectangular fabric can be composed of a variety of fashion items such as dresses, skirts, ponchos, vests etc., by the characteristic of paper-folding. Third, it is confirmed that this would significantly reduce fabric waste and become an effective alternative to realize zero waste fashion. When making the actual works, only the selvage portions were disposed of, it is proved to be effective in reducing waste. Fourth, creative silhouettes and details were delivered and the formative beauties of rhythm, overlapping, straight line and relief were emphasized more on a curved human body than on a flat surface. Specially the formative beauty of relief was emphasized over the moving body and decorative effect by light and shade or contrast to gloss appeared by materials. Furthermore, if methods to combine various motives and techniques for more versatile designs are studied to further develop based on this study, there is potential with unlimited expansion.

지속 가능한 패션 디자인을 위한 미래적 디자인 방법론의 통합 가능성

양은경,이윤재,조은정 한국패션디자인학회 2025 한국패션디자인학회지 Vol.25 No.1

급변하는 사회・기술적 변화와 지속 가능성에 대한 요구는 패션 디자인에서 창의적 문제 해결과 미래 지향적 접근의 필요성을 강조하고 있다. 본 연구의 목적은 지속 가능한 패션 디자인을 위한 미래적 사고, 사변적디자인, X를 위한 디자인 등의 대표적인 미래적 디자인 방법론의 특성을 탐구하고, 이를 패션 디자인의 프로세스에 적용할 수 있는 가능성을 탐색하는 데 목적이 있다. 문헌 연구와 사례 분석을 통해 각 방법론의 핵심특성과 프로세스 활동을 유형화하고, 패션 디자인의 고유한 특성을 반영하여 이를 디자인 프로세스의 4단계(문제 정의, 콘셉트 개발, 프로토타이핑, 평가 및 적용)에 적용할 수 있는지를 분석하였다. 연구 결과, 첫째, 문제 정의 단계에서는 미래적 사고를 활용해 장기적 환경 변화와 사회적 요구를 반영한 미래 시나리오를구축하고 지속 가능한 디자인 전략을 수립할 수 있다. 둘째, 콘셉트 개발 단계에서는 사변적 디자인이 비판적상상력과 실험적 사고를 촉진하며, 미래 소비자 경험과 사회적 혁신을 반영한 창의적 디자인 개발을 지원한다. 셋째, 프로토타이핑 단계에서는 X를 위한 디자인을 적용하여 자원 효율성과 지속 가능성을 고려한 목표설정 및 프로토타입을 제작함으로써 디자인의 환경적 책임을 강화할 수 있다. 넷째, 평가 및 적용 단계에서는미래적 사고와 X를 위한 디자인 방법을 결합하여 최종 제품이 미래 환경 변화와 사회적 요구에 적응할 수있도록 지속 가능한 개선 전략을 도출한다. 본 연구는 패션 디자인 프로세스에서 미래 문제에 대응하기 위해창의적 문제 해결과 지속 가능성 전략 수립이 가능한 방법론적 틀을 제시하며, 실무 및 교육 현장에서 미래지향적 디자인 전략을 적용할 수 있는 이론적 프레임워크를 제공한다. 이를 통해 패션 디자이너가 복잡한미래 문제를 선제적으로 해결하고, 지속 가능한 패션 산업을 구축하는 데 기여할 수 있을 것이다. In response to rapid social and technological changes and growing sustainability demands, fashion design increasingly requires creative, future-oriented approaches. This study explores how future-oriented design methodologies−Futures Thinking, Speculative Design, and Design for X−can be applied to the sustainable fashion design process through literature review and case analysis. It proposes a structured framework for integrating these methodologies into four key design stages: problem definition, concept development, prototyping, and evaluation/application. In the problem definition stage, Futures Thinking is employed to predict long-term societal and environmental changes and create future scenarios that help formulate long-term strategies reflecting the sustainable use of resources and anticipating future needs. In the concept development stage, Speculative Design is applied to develop innovative and experimental thinking, focusing on future consumer experiences and social innovation. During the prototyping stage, Design for X is utilized to enhance environmental responsibility through resource-efficient and sustainability-driven prototype production. Finally, in the evaluation and application stage, Futures Thinking and Design for X are integrated to ensure that the final product adapt to future environmental changes and evolving societal demands, while developing sustainable improvement strategies. This integrated approach introduces a new design methodology that offers a framework for creative problem-solving and sustainability strategies in the fashion design process, addressing the complex future challenges facing fashion designers while contributing to the development of sustainable design strategies. The results of the study provide a theoretical framework that enhances sustainability in fashion design and offers a practical and educational application of future-oriented design strategies.

헤테로토피아 공간관에 의한 지기구조적 패션디자인 개발

신혜정,김혜연 한국패션디자인학회 2022 한국패션디자인학회지 Vol.22 No.2

본 연구는 철학적 개념을 시각화하여 패션디자인의 발상법으로 발전시키고자 한다. 미셸 푸코의 헤테로 토피아는 이질적 요소로 기존 공간을 낯설게 접근하는 공간관으로 패션디자인의 창의적 방법 구현의 가능 성을 열어줄 수 있다. 본 연구의 목적은 헤테로토피아에 대한 이론적 고찰과 이를 근간으로 하는 패션디자 인 발상법을 도출하고 디자인 소스로 활용할 지기구조에 관한 고찰을 병행한 작품 연구에 있다. 헤테로토 피아 공간관에서 비롯된 다양한 발상법의 유형에 따른 디자인을 구체화하여 창조적 패션디자인의 표현 가 능성을 제시하는 것에 의의를 둔다. 연구 방법으로 첫째, 헤테로토피아와 디자인 소스로 응용할 지기구조 에 대해 국내외 서적과 선행연구, 웹사이트 등을 통하여 고찰한다. 둘째, 지기구조와 패션디자인의 유사점 을 모색하여 디자인 소스로서의 타당성을 뒷받침한다. 셋째, 헤테로토피아의 6가지 원리를 분석한 내용을 토대로 디자인 개념의 틀을 구축하고 지기구조적 패션디자인 방법을 도출하여 6벌의 작품을 제작한다. 이 연구의 결론은 다음과 같다. 첫째, 일상을 낯설게 해석하는 헤테로토피아는 패션에서 새로운 인체 공간에 대해 사고할 수 있게 해주어 독창적 발상법을 도출할 가능성을 보여주었다. 둘째, 패션과 지기구조는 인체 와 제품을 내부 공간에 담아 외부 구조를 형성한다는 공통된 특징을 가지며 형태의 구축 방식과 기능 등 디자인 제작 원리가 유사하다는 점에서 패션디자인을 위한 디자인 소스로 충분하였다. 셋째, 헤테로토피아 의 6가지 원리로부터 디자인 개념의 틀을 도출하였고 이는 기존 관념에서 인체 공간을 해방시켜 6가지의 지기구조적 패션디자인 방법으로 의상 형태의 확장 가능성을 열어주었다. 넷째, 지기구조의 특징을 인체와 어울려 표현한 결과 형태를 통해 지기구조가 헤테로토피아 공간관을 패션디자인으로 표현하기에 흥미로운 디자인 소스였음을 확인하였다. This study aims to approach fashion from a new artistic perspective by visualizing the concept of philosophy and developing it into a new fashion design idea. The heterotopia will open up the possibility of implementing creative methods of fashion design with a spatial view that blends the existing space with heterogeneous elements and approaches. It is meaningful to present the possibility of creative fashion design expression by specifying the design according to the types of various ideas derived from the heterotopia. The methods of this study are a combination of theoretical research on heterotopia and research on the structure of package design that will be used as a design source. Research was conducted through books, papers, and Internet sites. Also, case studies and analysis were conducted. Based on the analysis of the six principles of heterotopia, a new design method is constructed to develop a structured fashion design. Based on the design method from heterotopia, the new way of design is developed and verified. By developing various types of designs in six ways about structured design, 6 types of the package structural fashion design reflecting heterotopia are produced. The conclusions of this study are as follows. First, the heterotopia, which interprets daily life in an unfamiliar way, showed the possibility of deriving an creative idea about a new space in fashion. Second, fashion and structure of a package have a common characteristic of forming an external structure and the design production principles such as construction method and function of forms. Third, the design concept was derived from six principles of heterotopia that liberated a human body from the existing notion and opened up the possibility of diversifying forms of clothing. Forth, the package design was an interesting design source for expressing heterotopia as silhouette and shape of fashion design. It is meaningful and can be distinguished from previous studies in that this study has derived a new design idea by visualizing philosophical thought and realized designs based on this.

산학협동 캡스톤 디자인을 통한 패션디자인 교육 - 지속가능한 패션을 중심으로 -

장남경 한국패션디자인학회 2015 한국패션디자인학회지 Vol.15 No.1

본 연구는 산학협동 캡스톤 디자인과 지속가능한 패션이라는 두 가지 개념을 결합시키고자 하는 목표에서 출발하였다. 연구의 목적은 지속가능한 패션을 개발하는 패션기업과의 산학협동 캡스톤 디자인 수업을 통하여 지속가능한 패션을 위한 대학의 교육프로그램을 제시하는 것이다. 먼저, 이론적 배경으로 지속가능한 패션, 대학의 지속가능한 패션 교육, 문제중심학습에 기반한 캡스톤 디자인에 대해 알아보고 이에 관한 선행연구를 고찰하였다. (주)페어트레이드 코리아를 선정한 후, 수도권소재 대학교 섬유패션디자인전공 3학년 학생들이 캡스톤 디자인을 수행하였다. 문제중심학습 모형에 따라 수업전개, 문제의 제시, 문제의 분석 및 해결, 결과물 발표, 학습결과 정리 및 평가의 순서로 진행하였다. 캡스톤 디자인 수업을 통해 학생들은 인지적 문제해결 기술과 실무능력을 고취하였으며, 지속가능한 패션의 진정한 실천자이지만 디자인과 혁신역량이 부족한 중소기업에게는 새로운 시각을 제공하였다. 또한, 제시한 캡스톤 디자인 수업내용과 교육방법은 그 중요성이 날로 커지고 있는 지속가능한 패션디자인 교과과정 개발에 기초자료를 제공할 수 있다. This study started with a view to combining an industry-university cooperative capstone design course with sustainable fashion. The purpose of this study was to present a university education program for sustainable fashion using the industry-university cooperative capstone design. Literature review was conducted on sustainable fashion, sustainable fashion education in a university level, and capstone design based on the problem-based learning(PBL). Fairtradekorea,Ltd. was selected as an industry partner, and juniors majoring in textile & fashion design in a metropolitan region university accomplished the capstone design. Under the PBL procedure, course followed 5 steps hierarchically; class development, problem identification, problem research & solving, findings presentation, learning evaluation. Results enhanced students’ metacognitive and problem solving skills as well as real-world practices, giving new ideas to industry that practices sustainable fashion and needs innovative design ability. This study presented a framework for course design and provided pedagogical disciplines that can be used to develop and launch a sustainable fashion design course which is a subject of increasing importance.

스티브 J. & 요니 P.의 패션 디자인에 나타난 미적 특성

김윤희 한국패션디자인학회 2015 한국패션디자인학회지 Vol.15 No.1

최근 해외에서 호평을 받고 있는 한국 패션 디자이너들의 수가 늘어나고 있다. 이에 따라, 본 연구에서는 근래에 국내외에 이름을 널리 알리고 있는 한국의 듀오 디자이너 브랜드인 스티브 J. & 요니 P.의 작품 연구를 통해 이들이 컬렉션에서 보여주고 있는 동시대적 미적 특성을 고찰함을 목적으로 한다. 연구 방법으로는 스티브 J. & 요니 P.의 컬렉션 시작 단계인 2007 F/W 컬렉션부터 최근 2015 S/S 컬렉션까지의 작품 사진 총 343점을 대상으로 스티브 J. & 요니 P.의 패션 디자인에 나타난 미적 특성에 대하여 연구하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 디자이너 스티브 J. & 요니 P.는 자신들의 컬렉션 뿐만 아니라, 다양한 콜라보레이션 디자인 작업을 진행하고, 그들 스스로의 모습을 대중 매체에 많이 노출시킴으로써 새로운 현대 패션 디자이너의 모습을 보여주고 있었다. 둘째, 스티브 J. & 요니 P.의 패션 디자인의 시기별 변화를 보면, 초기에는 디자이너로서의 감성 표현에 치중하였으나, 점차 상업적인 디자이너로 성장하였고, 2011년 이후 최근까지 컬렉션에서는 소녀 감성의 재미있는 디자인을 이들의 특징으로 완성해 가고 있음을 알 수 있었다. 셋째, 스티브 J. & 요니 P.의 패션 디자인의 미적 특성은 순수성, 유희성, 환상성으로 요약할 수 있었다. 스티브 J. & 요니 P.의 고유함과 동시대 보편적인 감성을 보여주는 패션 디자인은 현대 한국 패션 디자이너의 나아갈 바를 제시하고 있다고 할 수 있다. There are an increasing number of Korean designers who have received rave reviews from abroad in recent years. This paper takes a look at the collections of the duo-designer brand, Steve J. & Yoni P., two of the well-known Korean designers, and analyzes the contemporary aesthetic characteristics of their fashion collections. For this study, 343 photographs of their work were analyzed, spanning from their 2007 F/W collection to 2015 S/S collection. The results may be summarized as the following. First, designers Steve J. and Yoni P. not only present their own collections but also collaborate with various artists and expose themselves to mass media in many ways, creating a new brand of modern fashion designers. Second, their chronological changes suggest their focus on the expression of emotion as designers in the initial phase, their later successful growth as commercial designers, and their most recent completion of interesting design of girlish sensitivity since 2011. Third, the aesthetic characteristics of their design may be summarized as the beauty of purity, the beauty of amusement and the beauty of fantasy. The fashion design of Steve J. & Yoni P. with their uniqueness and a contemporary universal sensitivity seems to present the future direction for modern Korean fashion designers.