태극(太極)과 팔괘(八卦)문양을 활용한 우산디자인 연구

유명희(Yoo, Myung-hee) 한국조형디자인학회 2015 조형디자인연구 Vol.18 No.3

태극과 팔괘문양은 우리의 전통적인 문양 가운데서도 상징성이 가장 강한 것으로서 오늘날까지 우리생활 속에 그 의미만큼이나 강렬한 이미지로 존재하고 있는 이유는 그기에 우리민족의 근본사상과 문화적 정서가 담겨 있기 때문이다. 현대는 상품의 고부가가치 제고수단으로 국가의 고유문화를 담아낼 수 있는 디자인의 중요성이 강조되고 있고 이를 활용함에 있어서도 우리 고유의 전통문양은 매우 중요한 가치로 평가되고 있다. 본 연구에서는 무한경쟁의 세계시장에서 차별화된 우리 민족 고유의 정서와 사상이 담긴 태극과 팔괘문양의 역사적 배경과 의미에 대한 이론적 고찰을 바탕으로 이를 우산디자인을 위한 텍스타일디자인을 개발하고 시제품으로 제작해 봄으로써 전통문양의 현대적 디자인 활용 가능성을 모색해 본 것이다. 태극이 갖고 있는 대칭적 균형의 조형미와 사상적 원리, 빨강과 청색, 또는 노랑의 기본 색상은 다소 진부한 느낌으로 인식될 수 있지만, 이를 현대적인 디자인 트렌드로 순화시키는 디자인 시도이다. 또한 팔괘의 간결하고 절제된 선과 면은 태극과의 효과적인 조화, 또는 단독으로 적용하여 강렬한 이미지의 패턴으로 구사해 보고자 하였다. 이러한 태극과 팔괘의 조형 적인 요소를 활용한 텍스타일 디자인은 현대적 감각의 디자인으로 재해석하는 새로운 디자인 모티브로 한국을 상징하는 브랜드 이미지로 활용하는데 큰 의미를 둘 수 있다. 디자인 시제품 제작과정을 통해서는 소재, 패턴의 크기, 색상 조절 등 상품화 활용의 다양한 가능성을 확보할 수 있어, 태극과 팔괘문양의 상징적 의미와 더불어 가장 한국적인 디자인아이덴티티를 확립하는데 매우 유리한 소재라 할 수 있었다. 본 연구를 통해 향후 다변화되는 국제 경쟁력 속에서 더 많은 한국 전통적 이미지의 소재발굴과 한국문양의 현대적 응용을 모색하는 창의적인 디자인 연구개발로 국가 상징에 대한 새로운 이미지를 형성되어지길 바란다. 또한 이를 일상생활 속에서 다양한 방법으로 활용하여 국민들에게 보다 친근한 이미지를 구축하고 대한민국 브랜드 가치를 높인 디자인상품의 개발 연구가 지속적으로 발전되어지기를 기대해 본다. The pattern of Taegeuk, known as the Great Ultimate, and that of Palgwae, known as the eight trigrams of divination, have been most tenacious among Korean traditional patterns, and they can have existed until this day as exquisite meaning and image in our lives since they bear fundamental ideas and culture of our people. As, modernly, the importance of the design which can embody the native culture of the nation is emphasized as the method giving high added value to the product, our own traditional pattern has more important value. In this study, we first contemplate academically historical backgrounds and meanings of Taegeuk and Palgwae patterns that contain native sentiment and spirit of our people which is differentiated in the world market of limitless competition. On the basis of this consideration, we seek an applicability of the traditional pattern for modern design by developing textile design for umbrella and producing prototype using the design. This is an attempt to apply Taegeuk to modern design by refining to the contemporary design trend, although an aesthetic value with symmetrical balance, an ideological principle, and primary colors-centric basic colors, red, blue, and yellow, which Taegeuk contains, can be recognized as a somewhat hackneyed sense. Also simple and understated lines and faces of Palgwae are employed as an intensive image pattern by reconciling them with Taegeuk neoterically or using independantly. I ascertained that these textile designs utilizing the formative constituents of Taegeuk and Palgwae are appropriate to use as the brand images symbolizing Korea as new design motives through reinterpreting from a modern viewpoint of design. And, through the making process of prototype, I found that the diverse possibilities of the utilization for commercialization including adjustment of materials, size of pattern and colors are secured, so these patterns can be very favorable material to establish the most ‘Korean’ identity of design with symbolical meaning of Taegeuk and Palgwae patterns. By this study, I wish the new image of nation’s symbol to be formed by excavating more motives of Korean traditional image and developing creative design for modern application of Korean pattern, in the diverse situations of international competitiveness. Also, I hope that research and development of design products which construct more intimate image to the public and enhance the value of Korean brand through utilizing this new image with various ways.

일루미네이션디자인을 통한 디자인 교육 실행 연구 : 성경 텍스트를 활용한 디자인 교과목 개발 사례를 중심으로

김수화(Kim Sue hwa) 한국조형디자인학회 2015 조형디자인연구 Vol.18 No.4

본 연구는 부산크리스마스트리문화축제의 일루미네이션디자인 개발 프로젝트를 통해 성경의 텍스트를 활용하여 디자인 교육을 진행한 실행연구이다. 부산크리스마스트리문화축제는 부산의 구도심인 광복동거리에서 매년 연말에 진행되는 대표적인 겨울축제로서, 일루미네이션이 주를 이루는 빛축제이다. 빛축제를 위한 일루미네이션디자인은 해당 축제의 주제와 내용적 콘텐츠를 심도있게 연구하여 이를 빛조형물의 외형에 담아내는 일이며, 형태와 색, 빛소재의 다양한 물리적 특성, 연출 등을 고려하여 디자인 하는 것으로, 디자인 교육의 새로운 콘텐츠로 적합하다. 교육의 측면에 있어서 새로운 교육 콘텐츠의 개발은 늘 필요하며 특히 창조성과 독창성이 강조되는 디자인 교육에 있어서는 더욱 그러한데, 일루미네이션에서 활용되는 빛소재의 물리적ž조형적 특성은 이를 충족시킨다. 본 연구는 2014년도 2학기와 2015년 1학기에 동서대학교 산학협력형 디자인 수업으로 진행된 '일루미네이션디자인'교과목을 통해 부산크리스마스트리문화축제를 위한 일루미네이션 프로젝트를 실행함으로서, 일루미네이션디자인을 새로운 디자인 교육 콘텐츠로 개발하고 또한 성경의 텍스트를 디자인 교육의 콘텐츠로 활용하는 아이디어를 제시하고자 하였다. 연구의 방법과 내용은 첫째로, 일루미네이션의 개념과 특성을 고찰하여 빛소재를 활용한 새로운 디자인 교육 콘텐츠로서의 일루미네이션디자인을 제안하였다. 둘째로 내용을 시각화 하는 유형의 디자인 조형 교육 콘텐츠로서 성경 텍스트의 대중성, 서사성, 소재다양성, 조형성, 스토리텔링, 창의성의 특성을 기술하였으며, 컨셉을 시각화된 외형으로 발현시키는 디자인 교육 콘텐츠로 적합성을 설명하였다. 셋째로 실행 프로젝트인 부산크리스마스트리축제의 일루미네이션 영역과 범위, 분류, 스토리텔링 전개를 서술하였다. 넷째로 일루미네이션디자인 교과목의 실행에 관하여 교육 목표와 기대효과, 교육 방법과 평가 방법, 주제와 스토리텔링 전개, 그리고 프로젝트의 실행을 통해 개발된 일루미네이션디자인의 결과물과 각 조형물의 성경 텍스트 시각화 내용을 서술하였다. 성경 콘텐츠를 활용한 부산크리스마스트리문화축제 일루미네이션 개발 프로젝트는 디자인 교육 콘텐츠로써 조형 교육 뿐 아니라 디자인을 통해 대중의 참여와 소통을 경험하는 디자인의 교육적 실천으로서의 의미를 가지며, 학생이 지역의 문화 창조에 기여하는 기회를 제공하고, 학교와 지역사회의 협업을 통하여 지역사회와 문화에 대한 자긍심을 가지게 하였다. 더불어 이 디자인 교육프로그램의 결과는 일루미네이션 산업에서의 디자인의 기여 가치를 강화하도록 제안하는 데에 기여하였다 할 수 있다. This study is based on using texts found in the Bible to build the lights in the Busan Christmas Tree Festival and applying it to the formative design education. The festival is located in the city of Busan in the Gwangbok area in a street adorned with religious landmarks. It is a classical winter festival that happens at the end of every year with the Christmas lights being the main attraction. It is necessary to do an in depth study of the theme and content of this festival in order to include those concepts in the appearance of the light sculptures. The various physical attributes, form and color, the direction and other aspects of light mu be considered to create the designs. Therefore, it is possible to say that illumination is a suitable new content for design education. There is a constant need to develop new educational content for design education in schools. Subjects of design education require creativity and originality and illumination design, studying the properties of light, contains both. In the second semester of 2014 and the first semester of 2015, the Busan Christmas Tree Festival was a project given to a design class where students needed to cooperate with firms on an "Illumination Design". This was the beginning of developing Illumination design as a new content for design education and using Bible texts was the means to learn formative design. The method and content of this study is divided into four parts. The first part, consists of the concepts and attributes of illumination to suggest illumination design as a new content for design education. The second, describes the visual contents of formative design education, such as public appeal, narrativity, variations in material use, formativeness, storytelling and creativity of Bible text use. It is an explanation and expression of a visual concept through design. The third section, analyzes the field, classification, and storytelling development of the illumination in the Busan Christmas Tree Festival. Lastly, the fourth part, describes the goals and expected results of an illumination class in design schools, the teaching and evaluation methods, and the development of themes and storytelling. Through the light festival project, visualization methods of illumination design were developed, specifically in the interpretation of Bible texts using lights. Using Bible contents in the illumination project of the Busan Christmas Tree Festival gave the students an opportunity to create a local culture. Through the cooperation of the school and local community, the students were able to gain a sense of pride for their community and culture, but was also given an opportunity to communicate with the local people while building their portfolio with a real life case. The results of this design education program which may have contributed to propose to enhance the contribution value of the design in the illumination industry.

전통 목침의 유형별 조형 연구

남궁선(Sun Nam-Goong) 한국조형디자인학회 2024 조형디자인연구 Vol.27 No.4

한국 문화가 세계적인 관심을 받는 현대에 공예 분야 또한 전통문화와 소재, 기법, 형태 등 전통과 기술이 융합된 제품개발이 필요하다. 이에 본 연구에서는 단순히 사용 목적을 위해 만들었음에도 그 가치와 조형 및 디자인적 요소가 탁월한 목공예품의 조형 분석을 통한 조형 요소의 기초데이터 구축을 목적으로 한다. 연구 대상으로 목침을 분석하여 조형 요소를 추출하고 전통공예품의 그것을 현대디자인에 응용하고 발전시킬 수 있는 기초 조형의 토대를 마련한다. 연구 방법은 우리나라 대표 박물관에서 소장하고 있는 목침 103점의 자료를 수집하여 형태적 특징에 따라 유형별로 분류하고 각각의 특징적 요소들을 분석하였다. 그 결과 목침은 사각형, 접이형, 팔걸이형, 서랍형, 함형 외 8가지 형태로 분류할 수 있었고, 각 유형별로 조형의 특징과 구조, 장식적 요소를 추출하여 목침의 기초 조형 요소를 정리하였다. 본 연구의 조형 분석을 통한 구조 및 디자인 기초 조형 요소 제시는 목침의 조형 요소들을 응용하여 재해석하고, 그 활용 방법을 찾아 새로운 공예품 개발에 다양한 시도와 현대디자인에 적극적으로 활용할 수 있도록 하여 우리나라의 공예계에 이바지할 수 있는 기초자료가 되기를 기대한다. In the modern era when Korean culture is receiving global attention, the craft sector also needs to develop products that combine traditional culture with traditional technologies such as materials, techniques, and forms. Therefore, this study aims to build foundational data on formative elements through formative analysis of woodcraft that have excellent value, formative and design elements even though they were made for simple use purposes. By extracting elements through Wooden Pillow's formative analysis as the subject of the study, it lays the foundation for a basic molding that can apply and develop the foundational data of traditional crafts to modern design. The research method collected 103 Wooden Pillow items owned by representative museums in Korea, classified them by type according to their morphological characteristics, and analyzed each characteristic element. As a result, Wooden Pillow could be classified into eight types, including square, folding, armrest, drawer, and box, and the foundational data of Wooden Pillow were organized by extracting the features, structure, and decorative elements of each type. The presentation of design and structural basic molding elements through the formative analysis of this study is expected to serve as basic data to contribute to Korea's craft industry by applying Wooden Pillow's foundational data and actively utilizing them in various attempts and modern designs to find ways to utilize them.

옵티컬 패턴을 이용한 장신구 디자인의 패턴 연구

김미진(Kim, Mi-jin),안일훈(Ahn, Il-hoon) 한국조형디자인학회 2010 조형디자인연구 Vol.13 No.4

현대는 창의력과 다양성이 요구되는 지식기반의 사회이며 디자인의 사회라 할 수 있다. 디자인 문제가 다면적인 것에서 고도의 기술적인 것까지 범위가 넓어지고 다양해짐에 따라 디자이너의 작업 영역은 확대되었다. 디자인은 우리 생활 속에서 다양하고 광범위한 측면에서 필요로 하고 있다. 디자인은 주어진 어떤 목적을 달성하기 위해서 여러 가지의 조형요소 가운데서 의도적으로 선택하여 그것을 합리적으로 구성하는 창조활동이며 그 결과의 실체가 곧 디자인인 것이다. 다시 말해서 주어진 목적을 조형적으로 실체화하는 것이다. 입체조형 활동은 디자이너가 표현하고자 하는 의도를 구체적인 형태로 제작해 표현함으로써 상대방에게 전달하는 활동이다. 이는 기본적으로 입체에 대한 충분한 이해를 기반으로 하여 재료나 소재에 따른 적절한 조형 방법을 선택하고, 조형 원리를 응용하여 자신의 의도를 효과적으로 표현하는 것이 중요한 분제가 된다. 조형은 형식상 평면조형과 입체조형으로 구분되어지며 이것은 조형의 필수 기초과정으로 미술과 디자인에서 시각적 요소로 나타내어진다. 조형의 기본요소라고 불리어지는 점.선.면은 실제로 존재하는 구체적 대상(Concrete Objects)이 아닌, 인간이 사물의 모습을 인식하는 사유세계의 '추상적 대상(Abstract Objects)'이다. 옵티컬 패턴은 패턴의 구성으로 평면에서 입체효과로 보이는 등의 시각적 착시를 표현하는 것으로 점, 선, 면의 구성요소를 반복과 크기를 변화시키고 공간에서의 돌출, 부풀림 등을 이용하여 시각적 운동감과 움직임, 리드미컬한 역동감을 보여준다. 이러한 옵티컬 패턴에서 나타나는 다양한 시각적 구성을 이용하면 장신구 디자인에 활용 가능한 장식적 패턴과 다양한 입체조형으로 발전시킬 수 있을 것이다. 옵티컬 패턴을 이용한 장신구 디자인 연구를 위해 본 연구에서는 옵티컬 패턴의 개념을 정리.분석한 후 점.선.면으로 구성되어져 우리의 시각적 착란을 일으키는 2차원의 옵티컬 패턴을 이용하여 입체 형태로 조형화시키는 방법을 모색하고 이를 장신구 디자인의 표현 수단으로 활용하고자 한다. Today is a knowledge based society demanding creativity and variety and can be called a society of design. The scope of the design issue becomes wider from many years to advanced technology and accordingly, the work area of designers is expanded. Design is required in the various and comprehensive aspect in our life. Design is a creative activity to intentionally select one of various formative elements and reasonably compose it in order to accomplish a given purpose and its subject of its result is namely design. In other words, it is to substantiate the given purpose formatively. A cubic formative activity is an activity to produce and express the intention of designer's expression in a concrete type to transfer it to the counterpart. This basically is based on sufficient understandings of a sold and its important issue is to select a formative method appropriate to materials and apply the formative principle and efficiently express what he/she intends. Modeling is formally divided into the plane modeling and cubic modeling and this as an essential basic course of modeling is expressed as a visual factor in fine arts and design. All the things existing on the earth are 'solids' with various sides and volume in the 3 dimensional space. The point, line and side called the basic elements of modeling are not the concrete objects which practically exist but the ’abstract objects' in the thinking world that human beings recognize the appearances of things. For this formative study, this study is going to search for a method for formalize the two dimensional optical patterns and utilize it as an expression method of accessory design by arranging and analyzing the concepts of optical patterns and using the two dimensional optical patterns which cause visual distraction which are composed of the point, line and side of the basic elements of modeling.

지역정체성 반영을 위한 공공시설물 디자인 연구

이돈태(Lee, Don-tea),최민수(Choi, Min-soo) 한국조형디자인학회 2011 조형디자인연구 Vol.14 No.1

공공디자인과 도시브랜드의 중요성이 대두되면서 각 지역의 행정기관과 디자인계의 활동이 활발한 가운데, 우리는 디자인을 통해 지역의 정체성을 확립하고 홍보하는 다양한 결과물을 확인할 수 있다. 여러 가지 공공디자인 구성물 중 인쇄매체만의 역할이 있듯 공공시설물디자인 또한 지역의 정체성을 수렴하기 위해서는 조형디자인의 관점에서 해결해야 하는 과업과 역할이 있다. 본 논문은 지역정체성을 반영하는 공공시설물의 조형디자인 프로세스 제안 및 적용/검증을 목적으로 이 같은 과업에 일조 하는데 의의를 두고 있다. 본 연구는 공공시설물 디자인 과정에 지역의 정체성을 반영하기 위해 동반되어야 할 활동과 접근법을 제안한다. 이를 위해 기존 수도권 도시들이 정체성을 반영하고 있는 모티브 현황을 조사하여 직설화법으로의 편향과 무분별한 상징물의 사용, 시설물간의 부조화를 문제점으로 도출하였다. 해결의 방향을 선진 사례 분석을 통해 무분별한 장식 배제, 함축적인 조형의 사용, 시설물 통합 디자인으로 설정하고 이를 실천하기 위해 디자인 프로세스를 제안하였다. 제안된 프로세스는 크게 대상지의 핵심 가치 도출, 조형정체성 가설 수립 및 검증, 긍정효과 정의 및 디자인 지침 수립/전개로 이루어진다. 공공시설물의 조형요소를 지역정체성이 반영되도록 전개 과정부터 수정 보완할 수 있는 장점이 있는 이 프로세스를 특정 지역사례에 접목하여 공공시설물 디자인을 제안함으로서 가설을 검증하고자 하였다. 본 연구가 조형전개과정에서 특정 정체성과 상징성을 반영하기 위한 사례와 요소 연구로 발전할 수 있기를 기대한다. Nowadays, we can find lots of results to attempt for expressing identity of each city with design approach due to risen interest with public-design and city brand in our society. As visual communication designers take a role as design public sign with their own process, street-furniture should be designed with a view of product designer. Street furniture of reflecting identity in each city is proposed by a design process which is verified with some examples as a aim of a writing in this essay. Major problems such as ‘a representation of outspoken’, ‘insensitively using symbol of identity’ and ‘disharmonious design objects’ are revealed by a gathering recent date of method to reflect identity for city brand. Directions of solution are set with a exclusion of decoration, implicative forms and a integrated design, through a research of pioneering instance. A proposed design process is composed with core value research, Identity Exploration of Product Element and Definition of PVI&Design Implementation, Moreover, the process that let designers can fix and develop a tentative plan to reflect identity to each product at every step is applied to a specific place to evaluate it.

매매상품용 자동차등록번호판 디자인 개발

안혜신(Ahn Hye shin) 한국조형디자인학회 2016 조형디자인연구 Vol.19 No.1

국내 매매상품용 중고자동차 매매업은 허가제에서 등록제로의 변경, 급속한 자동차 보급으로 그 규모가 크게 증가하고 있는 추세이다. 그러나 현재 매매상품용 자동차의 앞면 번호판은 관리 및 보관 등 여러 가지 측면에서 사회문제로 대두되고 있다. 이에 본 연구는 매매상품용 자동차의 관리 및 거래질서 확립을 위해 매매용자동차 전용 자동차등록번호판 도입방안을 마련하고, 자동차등록번호판을 위한 서체디자인을 연구하며, 매매상품용 자동차등록번호판 디자인을 제안한다. 이를 위해 문헌연구를 통해 국내 매매상품용 자동차 현황과 앞면등록번호판 보관 제도에 대해 분석하고, 사례연구로 해외 매매상품용 자동차등록번호판을 분석하였다. 연구결과로 매매상품용 자동차등록 번호판 제도 개선 방안과 서체디자인, 그리고 매매상품용 자동차등록 번호판 디자인을 제안하였다. 본 연구에서 제안한 서체디자인은 안정된 장체의 구조와 자형의 속 공간의 배분과 최적화된 두께, 자간으로 시인성과 판독성을 향상시켜 위조나 범죄를 줄일 수 있도록 디자인하였다. 매매상품용 자동차등록번호판은 경제적인 측면에서 사용 후 회수 부분에 대한 점을 감안하여 다양한 방식의 디자인 가능성을 고려해 볼 수 있을 것이다. Domestic used cars sale are significantly increasing according to system change from registration system to permit system and rapid dissemination. But front car license plate of the used cars have a variety of social problems in many aspects, such as management and storage. Hence this study purports to provide car license plate registration system for used car in order to establish efficient management system, to research typeface design and suggest used-car license plate design. For this purpose, this study took a literature-based research about the status of domestic used cars sale , front car license plate system of the used cars, and also analysis of car license plate designs in United Kingdom and New Zealand as case study. According to literature research and case study, this study suggests car license plate registration system for used car, typeface design and used-car license plate design as result. Typeface design in this study has stable structure of letter and spacial allocation, and optimized thickness and space between letters in oder to increase readability and legibility and also decrease forge and crime. Used-car license plate design will be able to consider the design possibilities of the various ways in consideration of return after use from the economic aspect.

브랜드 스카프 디자인의 조형요소 비교 연구

김호연(Kim, Ho-Yeon),서윤정(Seo, Youn-Jeong) 한국조형디자인학회 2012 조형디자인연구 Vol.15 No.4

과거 스카프 디자인의 공정 과정은 수작업을 통하여 패턴 디자인을 한 후 칼라별 분판과정을 거쳐 프린팅을 하는 복잡한 구조를 가졌다. 이 구조는 칼라도수의 제약과 자유로운 디자인에 대한 표현의 한계를 불러왔으며 개발비가 많이 드는 단점이 있었다. 하지만 지금은 디지털프린팅(Digital printing)의 발달로 인하여 디자인과 칼라의 제약 없이 손쉽고 자유롭게 소량으로 스카프 디자인을 개발할 수 있게 되었다. 이러한 제품생산의 편의성으로 인하여 스카프 디자인은 섬유패션 관련 디자인학과의 전공수업이나 실무디자이너들의 샘플생산, 또는 작가작품의 소량생산에 적극 활용되고 있다. 이에 따라 본 연구논문은 시중에 시판되고 있는 브랜드 스카프 디자인들의 2차원 이미지 자료를 수집하여 패턴과 색채를 분석함으로써 스카프 디자인을 제작할 때 필요한 기본적인 조형요소와 분석의 틀을 알아보고자 한다. 또한 이 연구는 급변하는 디자인 교육현장에서 요구하는 스카프 디자인에 필요한 기본적인 방향을 제시하여 창의적이고 고부가가치의 디자인을 창출하는 스카프 제품 개발 교육과정에 도움을 주고자 하는데 그 의의가 있다. In the past, the scarf design process has a complex structure, which the pattern was designed manually, and then the design was printed passing through the stopping out process by color. This structure restricted the number of colors to be used and the free design expression, and has a weakness by the expensive development cost. However, today, the scarf design can be developed easily and freely in small quantity without having restriction of the designs and colors by the development of digital printing. Due to such convenience in product production, the scarf design is actively used in the major courses of the departments of the design related to textile and fashion, the sample production by the designers in the business, and the small quantity of artistic work production by the artists. Therefore, this study was conducted to examine the basic formative elements required in designing the scarf by collecting the image data from the brand scarves in sales, and analysing their patterns and colors. This study has a meaning to provide the help to develop the scarf designs, which create the creative and high value designs, by suggesting basic direction required in rapidly changing design field to the aspiring designers.

디자인아트와 새로운 공예의 부흥

김정지(Kim Jung Ji) 한국조형디자인학회 2016 조형디자인연구 Vol.19 No.3

최근 예술과 디자인계에서 가장 부각이 되고 있는 현상은 단연 융합이다. 이와 관련하여 크로스오버(cross-over), 하이브리드(hybrid), 디자인아트(designart) 등의 단어들을 흔히 접할 수가 있다. 과거의 재료나 생산 방식에 따른 기준적인 분류는 가변적인 현대 예술 문화와 디자인에 적용되기 어렵기에 이러한 비경계적 현상의 원인과 그 현황에 대한 분석이 필요하다고 보인다. 본고에서는 이러한 통합적인 디자인 개념이 무한한 효용과 가치를 발할 수 있는 기회를 제공하고 이러한 과정에서 공예의 역할이 증대되고 있음에 주목하고, 90년대 이후 비약적인 발전으로 세계 디자인을 주도하고 있는 더치 디자인(Dutch design)을 중심으로 한 사례 연구를 통하여 새로운 공예 시장의 가능성을 고찰하였다. 더치디자인 경향을 보면 디자이너들은 예술과 공예의 우열 논쟁에 연루되기 보다는 공예이념을 적절하게 차용하는 듯하다. 네델란드의 교육은 기능주의의 기반을 탈피하여 포스트모더니즘으로 재정립 되었는데 이는 공예적인 감성과 디자인의 결합이며, 역사주의적 재인용과 장식(ornament)의 부활을 상징한다. 드로흐를 중심으로 하는 더치디자이너들은 일상용품의 재료, 기법과 의미의 경계에 대한 탐구를 기반으로 하며 공예기법과 산업기술, 전통적인 주제와 현대적인 해석의 혼용으로 잘 알려져 있다. 이는 산업사회의 물질적, 기능적 상품 위주의 소비문화가 감성적인 만족을 추구하는 정신적인 의미로 바뀌어 가고 있음을 의미하며, 대량 복제된 산업 제품이 가지지 못한 인간적인 감성의 추구를 상징한다. 사람들은 점점 더 지속가능성과 환경 문제에 관심을 가지게 되고 개성이 넘치는 감성적인 상품들을 찾고 있는데 이러한 시장은 지속적으로 성장하리라고 예견된다. Recent most phenomenon in art and the design industry has been the convergence. In this connection we can often access the word, such as cross-over, hybrid, designart. Based on classification of the materials and production methods of the past, it seems difficult to apply to groups varying contemporary art culture and design to the analysis of the causes and status of these interdisciplinary phenomena. In this article, it gives you the opportunity to utter the infinite value of this integrated utility and design concepts and focuses on the role of craft that is growing in this process. Through case studies around the Dutch Design which led the world in the design breakthrough since the 1990s investigated the possibility of a new craft market. Dutch designers tend to look at the design seems to borrow the appropriate craft ideas rather than being involved in a controversial hierarchy of arts and crafts. The Dutch education has been to change the functionalist redefined as post-modernism, which symbolizes the resurrection of a combination of craft and design sensibility, historicism and ornaments. Dutch designers including Droog search materials and techniques based on the quest for meaning and the boundaries of craft and industrial technology, modern interpretation of traditional themes in everyday objects. It means that the pursuit of the satisfaction of the consumer culture-oriented material, functional products of industrial society. There are more and more people become interested in sustainability and environmental issues and looking for products with personality and this market is predicted to continue growing in the future.

해체주의의 표현적 특징을 적용한 조형장신구 연구

안나연 한국조형디자인학회 2012 조형디자인연구 Vol.15 No.4

19세기 말부터 20세기 초까지 산업화로 인해 대량생산체제가 도입되어 기능성과 실용성의 중요성이 점차 대두되며 조형성에 대한 비중은 점차 감소되었다. 이러한 경향은 모더니즘에서 포스트모더니즘 나아가 해체주의로 접어들면서 기능과 실용성에 중점을 둔 모더니즘으로는 설명하기 힘든 반규범적 현상과 파격적 양식의 디자인으로 나타났다. 외형적 성격으로는 일률적인 것을 거부하고 다양성을 강조했다. 예술계에서 해체주의는 사실주의와 모더니즘의 반발 작용으로 일어났다고 보는 것이 일반적인 시각이다. 본 연구는 해체주의의 표현적 특성을 이용해 기존장신구의 완벽성. 일관성. 확실성에 의문을 던지며 조형장신구 공간 안에 새로운 긴장감을 주는 형태 구성 원리의 다양성을 추구하려 한다. 해체주의의 표현적 특성을 이용한 조형장신구 연구에 있어 본 논문은 다음과 같은 방법으로 연구한다. 첫째, 해체주의의 영향을 받은 작품에 나타난 구조적인 특성을 조형적 요소로 분석 하고 외형적인 성격으로 비대칭적, 불규칙성과 불확실성을 추구하며 기능주의적인 디자인을 배제한 작업을 시도한다. 둘째, 비정형적 형태와 패턴의 다양성을 이용하여 해체주의의 형태의 변환과 변성의 이미지를 전달 하고자 한다. 미완성적인 철골구조의 형태를 모티브로 투각을 통해 장신구의 내부. 외부 경계를 파괴하고 그 안에서 이뤄지는 명암 대비를 통해 형태적 변화를 시도한다. 셋째, 조형물과 장신구가 독립된 작품으로 기능을 가지며 조화 가능한 작품의 시도를 통하여 그 기능을 다함과 동시에 복합조형이라는 하나의 목적을 이루어 표현하고자 한다. 결론적으로 본 논문은 기존의 상식적인 방법과 장신구 형태에서 탈피해 공 감각적이고 입체적인 조형장신구를 제작하고 일관적인 기능해체를 통해 장신구의 새로운 착용 방법과 조형성을 제시하고자 하였다. 이 연구를 바탕으로 현대조형으로서의 독립된 의미의 조형물과 장신구의 개발이 지속적으로 이루어지길 기대해 본다. The importance of moulding has dramatically decreased since functionality and practicality is becoming the new principle of moulding by the introduction of mass production due to industrialization from the end of 19th Century to the beginning of 20th Century. These tendencies of modern era displayed unstandard phenomenon and unconventional design that can not be explained with function-oriented modernism since we move into postmodernism from modernism. Postmodernism is generally regarded as created by realism and resistance to modernism in arts due to the influence of post-strucuralism but both areas are seeking similar points. Postmodernism appears to focus diversity while denying uniformity. Therefore, I question the perfectness, uniformity, certainty of existing ornaments and intend to seek unfinished shape providing new tension to moulded ornaments. This study researched in the following ways in studying moulded ornaments using the features of postmodernism expression. First, structural features displayed in works influenced by postmodernism with moulded elements were analyzed and sought asymmetry, un-rhythm and uncertainty for external features and attempted function-oriented design. Second, I intended to express transformation to postmodernism and images of denaturalization using non-geometric shapes and diversity of patterns. I attempted changes in shape by contrasting brightness within by destroying boundaries of interior and exterior of ornaments through bratticing with unfinished steel structure as a motive. Lastly, I intended to express a goal of composite mould at the same time and displaying its functions by attempting works combining sculptures and ornaments as independent work and expressing them independently. As a result, this paper presented new ways for wearing ornaments and moulding by cancelling uniformed functions and by producing synesthesias and solid moulded ornaments by eliminating existing normal methods and shapes. Therefore, the paper established a new concept for moulded ornaments that combines sculptures and ornaments as independent works. I hope that sculptures and ornaments will be developed continuously with independent meaning as modern sculpture.

한국전통가구에 나타난 조형표현의 기호학적 의미에 관한 연구

손완호(Son, Wan-ho) 한국조형디자인학회 2014 조형디자인연구 Vol.17 No.3

By the effect of industrialization, the rapidly changing modern society faced the diversification of living environment and according to the inflow of western civilization, our aesthetic sense, namely traditional spirit begins to disappear and seems to change. Notwithstanding the changes of the times and living structure, even today Bandaji(Cabinet) is still highly valued, which was very popular and useful among the common people during chosun dynasty, because of its simple formativeness and natural beauty. Therefore, rather than indiscreet imitation of western countries, we may accept the practical and functional spirit of them, and try to create unique view of Korean design simultaneously. Based on the formative characteristics of Bandaji, one of the inner room furniture during chosun dynasty, this study examined aesthetic sense inherent in Bandaji through the method of structural analysis in semiotics and identified the relations between application of modern furniture and its meaning. As a result of this study, it showed the structural aesthetics visually with ying and yang in shape and structure, and natural beauty with utilizing the method of characteristics of tree as it is in materials and finishing. The patterns of decorative expressions prefer curves to straight line, so it showed well-balanced beauty of curve with uniqueness. Furthermore, in case of metal decoration, by using inexpensive iron it was identified that aesthetic sense of common people search after comfort and stability by emphasizing simpleness and plainness in spite of its roughness. As stated above, traditional korean furniture put great emphasis on balance and harmony in confucianism culture during the chosun dynasty and unique beauty of formativeness were shown well through aesthetic sense following the law of nature. The method of structural analysis in semiotics originally developed in order to analyze the semantic structure of language, and has also been used recently to obtain semantic understanding in various artistic fields. This paper showed that the method was a very useful approach for analyzing the aesthetic and ideological semantic structure inherent in furniture as well. Consequently, this study not only discovers the values of bandaji, our own special traditional beauty, by examining the meaning analysis of modern furniture works, which become Korean sentiment, with consideration of the traditional image, but also it is expected that the semiotic analysis method proposed in this study will provide a basic direction for developing meaning and ideas in design on the Korean's unique spirit. 산업화의 영향으로 급변하는 현대사회는 생활환경의 다변화와 서구 문물의 유입으로 우리의 미의식, 즉 전통의식이 점차 소멸되어지고 변모되는 경향을 보이기 시작했다. 하지만 이러한 시대적 변천과 생활구조의 변화에도 불구하고 조선시대의 민가에서 가장 대중화 되고 활용도 높았던 반닫이는 그 단순한 조형성과 자연미로 인해서 오늘날에도 그 가치가 높게 평가되고 있다. 그러므로 서구의 무분별한 모방보다는 그들의 실용적이고 기능적인 정신을 수용하고 우리의 독자적인 디자인 의식을 병행하는 노력이 필요하다고 생각된다. 본 연구는 조선시대 안방가구 중 반닫이의 조형적 특성을 바탕으로 그 속에 내재된 미의식을 기호학이라는 구조적 방법을 통해 살펴 본 후 현대가구의 적용방안과 그 의미를 연관 지어 관계성을 살펴보고자 하였다. 분석결과 형태와 구조에서 음양을 통한 시각적 구조미를 나타내었고 재료와 마감에서는 자연그대로의 나무 특성을 살린 방식을 통해 자연미를 드러내었다. 표현장식 문양은 직선보다 곡선을 선호하여 특유의 아름답고 균형 있는 곡선미를 표현하였으며, 금속장식은 비싸지 않은 무쇠를 사용하여 단순하고 소박하면서도 간결하고 투박한 느낌이 강한 소박미를 강조함으로써 안정감과 평안을 추구하는 서민들의 미의식을 엿볼 수 있었다. 이상과 같이 조선시대 유교문화 속에서 한국전통가구는 균형, 비례, 조화를 중시하며 자연에 순응하고자 했던 미의식을 통해 고유한 조형미가 잘 드러나 있다. 기호학의 구조적 분석방법은 원래 언어의 의미구조 분석을 위해 시작되어 최근 다양한 예술분야의 의미파악에 활용되어 왔으나, 본 연구를 통해 생활예술의 한 분야인 가구에 담긴 미의식 및 사상적 의미구조 분석에도 상당히 유용한 방법임을 확인할 수 있었다. 따라서 우리 고유의 전통미를 가진 반닫이의 가치를 재발견할 뿐만 아니라 이를 통해 한국인의 고유한 정신에 디자인의 바탕을 두고, 전통적 이미지를 고려하여 우리의 정서에 어울릴 수 있는 현대가구 작품의 의미분석을 살펴봄으로써 본 논문이 제시한 기호학적 분석방법이 디자인의 의미와 발상과정을 발전시키는데 기초적 방향을 제시하길 기대한다.