과학과 예술을 아우르는 공간에서의 미디어아트 : 독일의 예술과 미디어 기술 센터(ZKM)를 중심으로

공채영(Gong Chae-Yeong) 한국예술종합학교 미술원 조형연구소 2011 Visual Vol.8 No.-

과학기술이 발달하면서 예술과 과학기술 사이에 융합이 활발하게 이루어지고 있다. 예술과 과학기술의 융합은 이질적인 두 분야를 단순 통합하거나 종합하는 것이 아니라 다양한 목적과 방법을 통해 모든 분야가 함께 도약jumping together하는 것을 뜻한다. 최근에 박물관이나 미술관 등 여러 기관들은 예술과 과학기술의 융합을 추구하는 다양한 활동이나 작품 등을 전시하고 있다. 본 연구는 예술과 과학기술의 융합을 강조하는 사회적 흐름에 발맞춰 예술과 과학기술 사이의 융합에 대해 정의한 후 규모와 전문성에서 세계적인 미디어아트 미술관으로 주목받고 있는 독일에 위치한 ZKMZentrum fur Kunst und Medientechnologie을 중심으로 예술과 과학기술의 융합을 지향하는 전시물이나 프로젝트의 특성에 대해 살펴보고자 한다. 1997년에 개관한 ZKM은 예술과 과학기술 사이의 간극을 연결하는 것을 목적으로 다양한 활동들을 펼치고 있다. ZKM은 단순히 작품을 수용하고 전시할 목적의 전시실로 구성된 전통적 미술관이 아니라 한 건물 안에 여러 기관을 두어 서로 상호 교류하고, 연구와 실험이 가능하고, 발전된 과학기술을 이용해 작품을 제작하는 동시대의 바우하우스로서 역할을 하고 있다. ZKM은 작가, 관람자, 작품 사이에 소통을 중시하는 프로젝트나 작품들을 선보이고 있다. 미디어아트는 소통을 중시하는 인터랙티브 아트Interactive art라는 개념으로 확대되었다. 인터랙티브 아트는 창작과정의 일환으로 관람자의 능동적이고 창조적인 참여를 중시한다. ZKM은 급진적으로 발전한 테크놀로지에 힘입은 미디어아트, 즉 후지하타 마사키나 제프리 쇼 등의 인터랙티브 아트 작품들을 전시하고 이를 현실화해 관람자들이 예술 작품을 삶의 일부분으로 경험하도록 하고 있다. ZKM은 미디어아트에 관한 새로운 비전을 제시해 예술의 영역을 확장시키고 보다 많은 관람자들이 예술 작품과 소통할 수 있도록 이끌고 있다. 그러나 세계적으로 혹은 지역적으로 불평등한 격차를 보이며 미디어아트가 발전하고 있고 그 부작용이 따르고 있다. 과학기술이 발전한 선진국은 과학기술에 무한정으로 접근할 수 있는 반면에 그렇지 못한 국가도 있다. 부의 불균형이 고도로 발전된 과학기술을 이용한 작가들의 예술 활동에 영향을 미치고 있는 것이다. 또한 과학기술 자체에 대한 문제 제기가 이루어지지 않거나 기업의 광고에 그치고 마는 미디어아트 작품들이 양산되고 있다. 이렇듯 과학기술 자체가 갖고 있는 한계점이 부각되고 미디어를 이용한 상품 활동이나 홍보 활동 등이 적극적으로 이루어지면서, 인문학적, 사회학적 관점에서 미디어아트의 특성을 바라보는 다양한 전시들이 모색되고 있다. As technology advances, convergence between the arts and technology becomes more common. This convergence means that all areas combine together for specific targets with application of varied methodologies, not simple synthesizing of two different areas. Recently, many museums and art galleries have attempted to present diverse interdisciplinary projects aimed at fusing arts and technology, and the project results often unravel in exhibition. This paper will initially define the amalgamization of arts and technology, considering the rapid changes in social understanding of these disparate areas. ZKM (Zentrum fur Kunst und Medientechnologie) is one example, showing that highlighting the convergence between arts and technology has become the general current these days. ZKM, located in Germany is an internationally renowned organization devoting to Media Art. This center is famous for its scale and expertise. While looking into the case of ZKM, this paper will look into the characteristics of exhibitions and projects focused on the union of art and technology. Since 1997, ZKM has worked at bridging gaps between the disparate areas of arts and scientific technology. The center is not a typical museum : it exceeds the general role of museums. While typical museums mainly pay attention to accommodating and exhibiting artwork, ZKM is more focused on communication among different sectors within the center so that many-sided research and experiments become possible. ZKM plays the role of a contemporary Bauhaus in that it produces artwork with the foundation of advanced technology. This center has introduced many projects and artworks, which stress mutual communication among artist, works, and viewers. Media Art has now expanded to include the concept of 'Interactive Art'. Interactive Art involves cognitive participation and creative motivation of viewers as a key of the production process. ZKM has presented Media Artworks with the aid of rapidly advanced technology, including works by Masaki Fujihata and Jeffrey Shaw. ZKM lets people perceive the works as a part of their daily lives while the specific exhibition actualizes them. ZKM has expanded the realm of arts while proposing a new vision of Media Art, and has triggered significant understanding between viewers and artwork. Clearly there are differences depending on national and local changes in development of Media Art, which has some side effects. Developed countries with high levels of technology are open to unlimited use and access of the latest technology, while other countries cannot afford to be so. Clearly, the economic imbalances among nations can affect efficiency of artistic activities. In addition, this results in increasing numbers of media artwork that end as mere advertisement of a certain enterprise or as an absence of suggestions for problems of technology. As this situation continues, exhibitions with varied content are explored, aiming to highlight the unique qualities of Media Art from multidisciplinary and sociological viewpoints.

신규 문화예술교육사의 현장교육경험에 대한 고찰 - 음악 분야 문화예술교육 현장을 중심으로

이수진,신지혜,정주연 한국예술종합학교 한국예술연구소 2019 한국예술연구 Vol.- No.25

본 연구는 신규 문화예술교육사들이 경험한 교육현장의 의미와 이들이 전문 인력으로 성장하는데 필요한 요건을 파악하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 문화예술교육 프로그램에 참여한 신규 문화예술교육사 3인과 콘텐츠 연구진 3인을 대상으로 프로그램 사후간담회 일지, 개별 면접, 연구진 성찰 일지를 연구 도구로 사용하여 자료를 분석하였다. 본 연구의 결과 및 논의점을 요약하면 다음과 같다. 신규 문화예술교육사들은 교육현장을 경험하면서 예술적 전문성이나 교수 방법보다 학습자에 대해서 고민하고 이를 해결하고자 하는 태도를 보였으며, 문화예술교육에 대한 진로를 탐색하기 시작하는 등 긍정적인 태도를 보였다. 하지만 신규 문화예술교육사들은 문화예술교육의 본질과 목적, 방향성 등에 대한 이해가 부족했으며, 이들이 연주자로서가 아닌 교육자로서의 역량을 강화할 필요가 있음을 발견하였다. 신규 문화예술교육사들이 전문 인력으로 준비되기 위해서는 문화예술교육사 교육과정이 더욱 체계적이고 실질적인 방향으로 실행되어야 하며, 교육현장에서도 이들을 추가적으로 지원해줄 필요가 있음을 제언하였다. This study aims to better understand the purpose of new arts & culture education instructors (ACEIs)’ on-site teaching experience and the necessary requisitions for their professional development in this field. Data from three new ACEIs and three content researchers have been collected for the purpose of analyzing their program discussion meetings, individual interview, and researchers’ reflection journals. When ACEIs experience actual in-class teaching, they spend more time thinking about their relationship with the students rather than their own artistic professionalism or teaching methods. They actively show a desire to address this issue. In particular, ACEIs reveal positive attitudes, such as seriously exploring a career in arts & culture education. However, research results also indicate that new ACEIs fall short in their understanding of arts & culture education’s basic philosophy, purpose, and direction. Therefore, there is a need to strengthen their capacity as educators rather than as performers. In conclusion, for ACEIs to become professionals in their fields, education courses for arts & culture teachers must first incorporate a more systematic and practical approach. Second, there must be a system to also provide them with additional support in their on-site teaching fields.

지역소멸 대응을 위한 시각예술 기반 시설 지원 방안 연구

고용수 한국예술종합학교 한국예술연구소 2023 한국예술연구 Vol.- No.42

본 논문은 지역소멸의 관점에서 시각예술 기반 시설의 현황을 분석하고 지원 방안을 연구하였다. 데드크로스 현상과 OECD 국가 중 합계출산율 최저 국가인 한국의 지역소멸 현상과 시각예술계의 수도권 집중 현상을 점검하였다. 선행연구의 지역소멸지수에 따른 시각예술 기반 시설을 분석하고 시사점을 도출하였다. 이와 관련된 국내 주요 지원 사업을 검토하고 한계점을 확인하였다. 이에 대한 지원 방안을 시각예술인의 인구댐 역할 지원, 관계인구 개념을 접목한 시각예술 기획자 및 작가 프로그램 지원, 재정 자립도를 높이기 위한 고향사랑기부제의 활용, 시설 간 연계 사업 추진으로 제시하였다. This paper analyzes the current status of visual arts infrastructure from the perspective of regional extinction and explores proposals for future support. I examine the death cross phenomenon, the local extinction phenomenon in Korea, which has the lowest total fertility rate among OECD countries, as well as the concentration of the visual arts world in metropolitan areas. The visual arts infrastructure according to the regional extinction index of previous studies was analyzed and implications were derived. Major domestic support projects related to this were reviewed and limitations were identified. Support plans for this were proposed to support the role of visual artists’ population dam, supporting visual arts planners and artists programs incorporating the concept of the relational populations, using the Hometown Donation System to increase financial independence, and promoting inter-facility projects.

장애예술과 장애인예술의 개념 논의- 한국장애인문화예술원 활동을 중심으로

전지영 한국예술종합학교 한국예술연구소 2021 한국예술연구 Vol.- No.32

‘Arts of the disabled’ and ‘disability arts’ have been used interchangeably. However, the ambiguous concept of ‘arts done by the disabled’ has been shown to otherize the disabled and not premised on the independent gaze and insight of a disabled person. When we define disability as the experience of social oppression beyond physical and mental discomfort or restrictions, it is necessary to go beyond ‘arts of the disabled’ to reflect on ‘disability arts’. Disability arts can be a progressive concept for equal human rights beyond social oppressions and discrimination and can be understood as a universal concept for a better world. 장애인예술과 장애예술은 혼용되어 쓰이고 있다. 하지만 현실적으로 장애인예술은 ‘장애인이 하는 예술’이라는 모호한 개념에 의해 오히려 장애인을 타자화시키는 모습을 보였으며, 장애인으로서 주체적인 시선과 통찰이 전제된 것은 아니었다. 장애가 단순히 신체적․정신적 불편이나 제약을 넘어서 사회적 억압의 의미맥락을 갖는다고 할 때, 장애인예술 개념의 무의식적 한계를 넘어서 ‘장애예술’의 성찰로 나아갈 필요가 있다. 장애예술은 억압과 차별을 넘어 평등한 인권을 지향하는 진보적 개념이 될 수 있으며, 더 나은 세상을 지향하는 보편적 개념으로 이해될 수 있다.

21세기 이후 중국 현대 ‘예술의 향촌 개입’ 현상 연구

송아주(Song Yazhou),김형기(Kim Hyung Gi) 한국예술종합학교 한국예술연구소 2021 한국예술연구 Vol.- No.34

21세기 이후 예술의 향촌 개입 실천은 점점 현대 예술 분야에서 소홀히 할 수 없는 현상이 되었고, 또한 이는 중국의 특수한 향촌 개조 운동 역사 과정에서 발생한 시도이다. 이러한 시도로 예술가들은 전통 전시 공간에서 벗어나 향촌과 같은 특정한 장소와 관련된 예술 계획을 통해 개입하는 경향을 나타내기 시작하였다. 본 연구는 중국 향촌 문화와 역사 정치 발전의 과정을 배경으로 현대 예술이 향촌에 개입하는 다양한 사례에 대한 정리와 연구를 통해 현대 예술의 향촌 개입 현상의 연구를 심화하고 보완하고자 한다. 그리고 이를 위해 최대한 객관적이고 종합적인 관점에서 현대 예술과 향촌의 관련성을 분석하였다. 구체적으로 ‘양등예술합작사(羊磴藝術合作社)’등 실천 사례를 통해 현대 예술이 향촌으로 전환하는 과정을 살펴보고, 그 의미와 문제를 요약하며, 상응하는 대책을 제시하여 미래 예술이 향촌 개입의 발전을 위한 일정한 참고자료를 제공하고자 한다. Since the 21<SUP>st</SUP> Century, artistic intervention in the countryside has gradually become a phenomenon that cannot be ignored in the field of contemporary art. It is likewise a particular attempt in the historical process of China’s rural transformation, where artists step out of a traditional exhibition space and get involved in artistic projects in the countryside. Against the background of cultural, historical and political development in rural China, this paper explores the connection between contemporary art and countryside from an objective and comprehensive perspective. Through an analysis of the ‘Yangdeng Art Cooperative Project’ and other cases, this study highlights the transformation of contemporary public art in rural areas, summarizes its significance and problems, and gives corresponding countermeasures, so as to provide a reference for the future development of the field.

평생예술교육과정 개발 및 운영 개선을 위한 요구조사 - 한국예술종합학교 사례를 중심으로

최나영(Choi Na-Young),신정원(Shin Jung Won),고용수(Ko YongSu) 한국예술종합학교 한국예술연구소 2021 한국예술연구 Vol.- No.33

본 연구는 성인을 위한 평생예술교육기관으로서 대학의 역할과 교육과정 개발 및 운영 방안을 탐색하기 위하여 한국예술종합학교의 사례를 중심으로 학습자의 교육요구를 조사하는 데 목적이 있다. 이를 위해 사례 대학의 평생예술교육 수강 경험이 있는 학생 100명을 대상으로 교육목표, 프로그램 운영, 교육방법, 선발 및 교육 환경에 대한 요구의 우선순위를 조사하였다. 요구조사 결과, 평생예술교육의 목표에 대하여 44세 이하 학습자는 개인적 차원에 중점을 두었고 45세 이상 학습자는 타인과의 관계 측면에서 높은 요구를 보였다. 교육 프로그램의 운영에 대해서는 학생의 의견 반영에 대한 요구가 높게 나타났으며, 단계별 심화과정 개설과 선발 방식 개선에 대한 요구가 있었다. 교육방법에 대해서는 실기 수업에 대한 요구가 높았으나, 수강 경험에 따라 개인지도 또는 소집단 지도의 요구 차이를 보였다. 교육 환경 부문에서는 전문 교수인력에 대한 필요도 및 수업자료 제공에 대한 요구가 높았으며, 그 밖에 교육 공간 및 학사운영 개선 요구가 있었다. 조사결과에 기반하여 생애주기별 평생예술교육, 교수 인력의 전문성 확보, 대학의 인적 자원과 네트워크의 활용, 위계와 연속성을 고려한 교육 프로그램 제공 등을 제안하였다. The purpose of this study is to investigate learners" educational needs, focusing on the case of the Korea National University of Arts, in order to explore the role of universities as a continuing arts education provider, the direction of curriculum development, and specific operational strategies. Needs and priorities for educational goals, program operations, education methods, and environment were investigated for 100 students connected to the case university. We found that learners under the age of 44 focused on the individual for educational goals, while learners aged 45 and over showed a higher demand in terms of relationships with others. Needs for advanced courses, practical skills-oriented classes, and curriculum materials were high. Based on these findings, we suggest continuing arts education by life cycle, securing academic faculty’s professional resources and networks, and providing curriculum that considers sequence and continuity.

국악작곡전공 관련 교과과정의 실태와 전망- 한국예술종합학교 전통예술원 한국음악작곡과를 중심으로

김정희 한국예술종합학교 한국예술연구소 2018 한국예술연구 Vol.- No.20

The curricula for the major in Korean traditional music composition consist of varied subjects, which count much more than in other university programs. In particular, continuing specialist subjects, such as traditional musical language, Western musical language, practice in electro-acoustic music, and composition workshops, have served to strengthen studentsʼ creative capabilities remarkably. However, the major subjects take up an inordinate amount of time so that students cannot make broader choices, which needs to be rectified. There is a need for more subjects to help students to develop their knowledge of the humanities and logical thinking as well as their practical abilities. Although the masterʼs programs, since their establishment in 1999, have been producing outstanding individuals, the lack of doctoral courses has meant that the universityʼs distinctive programs do not continue on to the highest level. Hence, the establishment of doctoral programs at the university is long overdue. 1998년 전통원 개원 이후 20년 동안의 국악작곡전공 관련 교과과정을 검토 및 분석한 결과, 한국음악작곡과의 교과과정은 전공 관련 과목이 다양하고, 비중이 타 대학에 비해 매우 높다. 특히 ‘전통음악어법’, ‘서양음악어법’, ‘전자음악실습’, ‘창작워크샵’ 등의 연속적으로 특화된 과목들은 전공생산 역량을 획기적으로 향상시킬 수 있는 전기를 마련하였다. 다만 필수과목의 비중이 높아 선택의 폭이 협소하며, 저학년에서 교양과목을 들을 여유가 부족하여 개선이 필요하다. 또 인문학적 소양과 논리적 사고를 성장시킬 수 있는 과목 및 실무적 역량을 키울 수 있는 과목의 보완이 필요하다. 1999년 전문사과정(석사)이 설립되어 매년 우수한 인재들을 배출하고 있음에도 불구하고, 아직 박사과정이 신설되지 못하여 제반의 차별성 있는 교육과정이 단절되는 결과를 초래하고 있다. 한국예술종합학교의 박사과정 신설은 더 이상 미룰 수 없는 당면한 과제이다. 작곡의 비중은 점차 더 높아지고 있으며, 국악작곡 영역에서 각 대학의 독립된 과의 창설은 적극적으로추진되어야 할 중요한 과제이다. 한국음악작곡과의 교과과정은 이러한 면에서 타 대학을 견인하는 역할을 할 수 있을 것이다.

예술진로 학생들의 사교육 현황과 효과성에 대한 인식 조사 연구

강병직(Kang Byoungjik),김향정(Kim Hyangjoung) 한국예술종합학교 한국예술연구소 2021 한국예술연구 Vol.- No.34

이 연구는 예술진로 학생들의 사교육 현황과 예술 사교육의 효과성에 대한 인식을 조사하고 예술진로 학생들에 대한 공교육에서의 지원 방안을 탐색하는 것을 목적으로 한다. 충북 지역의 예술진로 학생들에 대한 예술 사교육비를 조사한 결과, 월 평균 609,000원이었으며 이들은 학교 예술교육이 중요하다고 생각하지만 실제 교육적 효과에서는 사교육이 더 크다고 인식하고 있는 것으로 나타났다. 또한 예술진로 학생의 학부모 역시 예술 사교육이 학교 예술교육보다 입시에 도움이 된다는 인식을 가지고 있는 것으로 나타났다. 이러한 상황을 극복하기 위한 방안으로 학교의 예술교육에서 맞춤형 지도의 강화와 연습실의 확충, 우수한 강사진 연결 및 영재교육과 방과후 예술 심화교육의 활성화, 교육비 지원 등이 주요하게 제시되었다. 특히 지방의 예술진로 학생들을 위한 공교육 지원이 부족하여 수도권으로 유출되는 현상이 발생하고 있다는 점에서 지방-국가 차원의 적극적인 해결 노력이 필요할 것이다. The purpose of this study is to investigate the current status of private education for art students and their perceptions on the effectiveness of private art education and to explore support plans in public education. This study found that the cost of private art education for art students in the Choongbook region is 609,000 won per month. In addition, we found that parents who wish to pursue a career in the arts also have the perception that private art education is more helpful for entrance exams than school art education. To resolve these issues, we recommend the reinforcement of customized instruction and expansion of practice rooms in schools, connecting with excellent instructors, activate gifted education and after-school arts in-depth education, and provide support for educational expenses. In particular, since there are regional gaps in support for art students, active efforts to reduce the gap will be needed at the local and national level.

정신보건학 관점에서 예술분야의 창의성과 양극성장애에 대한 고찰 - 예술 직업군을 대상으로

서주연 한국예술종합학교 한국예술연구소 2023 한국예술연구 Vol.- No.42

한국의 문화예술은 날이 갈수록 발전하고, 이의 주체인 예술인들은 사회, 경제, 정치 등의 다양한 분야에서 활동하고 있으나 이들의 정신적․심리적 측면에 대한 인지와 지지가 부족하다. 본 연구는 정신보건학적 관점에서 예술분야의 창의성과 양극성장애에 관련된 연구를 살펴봄으로써 예술인의 정신적․심리적 측면의 이해를 돕고 그들의 정신건강의 중요성을 강조하고자 한다. 예술인의 창의성과 양극성장애는 유사한 특징을 공유하고 있다. 선행 연구를 통해 예술 직군의 사람들이 양극성장애와의 연관성이 높고 정신과적 질병에 취약할 수 있음을 확인 할 수 있었다. 최근 연구는 이러한 특성을 효과적으로 활용하고 조절할 때 창작 수행력을 높일 수 있는 긍정적인 면을 가지고 있음을 보여주고 있다. 하지만 이를 인지하지 못하고 양극성장애의 증상이 악화되는 경우에는 일상생활과 예술활동에 지장을 초래하고 질병으로 이어질 수 있다. 그러므로 예술인 창의성의 특징을 이해하고 정신건강을 관리하는 것이 필수적이다. 나아가 모든 사람이 건강하게 예술을 향유하는 문화적 환경을 조성하기 위해서는 예술인 개인뿐만 아니라 대중, 국가적으로 예술과 정신건강을 궁극적으로 이해하려는 노력이 필요하다. Korean culture and arts continue to advance, and artists are active in various fields. However, there is a lack of understanding and support for their mental aspects. This study aims to help understand and emphasize the importance of mental health for artists by researching artistic creativity and bipolar disorder from a public mental health perspective. People employed in artistic professions are more closely associated with bipolar disorder. Recent research indicates that regulating these characteristics on enhancing creative performance. However, failing to recognize these characteristics and allowing the symptoms of bipolar disorder to worsen can disrupt daily life and artistic activities, leading to illness. Therefore, understanding the characteristics of artists and managing their mental health is essential. Furthermore, to create a cultural environment, efforts are needed not only from individual artists but also from, the public, and the nation to ultimately understand art and mental health.

한국 건축의 처마곡선 표현 언어에 관한 연구- 1960~1990년대 간행 주요 일간지를 중심으로

배창현 한국예술종합학교 한국예술연구소 2022 한국예술연구 Vol.- No.37

The characteristic roof and eaves of traditional Korean architecture is unique in that the roof plays a larger structural and design role compared to modern and contemporary architecture. The prominent roof in pre-modern buildings is a common phenomenon in both East and West styles, but it was particularly emphasized in East Asia, where the tradition of heavy wooden architecture is strong. In this aspect, the curved eave of Korean traditional architecture is slightly different shape from that of neighboring China and Japan. In this respect, the classic curved roof curve of Korean traditional architecture embodies the special value of Korean traditional architecture, and has been described as a sensuous and psychological expression leaning on modern aesthetics. The purpose of this study is to examine the motif and background of this description based on semiotic analysis by extracting 'predication' for the eaves curve from mass media and literature concentered on newspapers. 한국 전통 건축의 지붕과 처마의 선이 눈에 띄는 것은 근ㆍ현대의 건축과 비교하여 지붕이 가지는 구조적, 의장적 역할이 크기 때문이다. 전근대시기 건축물에서 지붕과 처마가 도드라지는 모습은 특히 동아시아의 목조건축에서 보편적으로 나타나는 현상이다. 그러나 유사한 목구조의 원리를 공유하는 동아시아에서도 처마와 추녀의 구성방법에서 비롯되는 곡선의 형태나 곡률에 있어서는 각 지역만의 독특한 모습이 확인된다. 처마곡선으로 대표되는 한국 건축의 선 역시 이 같은 특성에 따라 이웃한 중국, 일본과는 조금씩 다른 모습으로 발전해 왔다. 이러한 점에서 처마곡선은 한국건축만의 독창적 가치를 설명할 수 있는 좋은 소재가 되었고, 그간 근대 미학의 감각적이고 심리적인 표현에 기대어 여러 관점에서 서술되어 왔다. 본 연구는 한국미에 대한 대중적 관심과 서술의 시대적 요구가 특히 강했던 1960년대로부터 1990년대까지를 분석의 시기로 삼고, 주요 일간지 기사에서 확인되는 한국 건축의 처마 곡선에 대한 표현 언어를 분석하였다. 경제개발기라고도 일컬어지는 이 시기는 해방과 한국전쟁 이후 특히 조형예술에서 한국적 정체성의 요소를 찾아내고자하는 관심이 높은 때였고, 일간지는 비교적 다양한 작가집단의 표현 언어 수집과 시대상의 파악에 용이하다. 처마곡선에 대한 술어를 분석함으로써 한국 건축을 바라보는 시각과 미감의 통시적 변천과 그 변화를 추동한 시대적 필요를 가늠해볼 수 있을 것이다.