탈근대의 미술교육을 위한 소고

민주식 한국조형교육학회 2016 造形敎育 Vol.0 No.58

The purpose of this paper is to investigate the dicourse of relationship between the concepts of art and education, which has established modern art education, and to suggest the new tasks of art education in the era of post-modern. I will analyse critically the facts of decline of art with the argument on ‘the end of art’, in order to show the horizon that plays the role to support the basis of art education. After the periods of deconstruction, reduction and end of art, there is emerging an enormous movement that tries to transform the circumstances of art. In this process, the qualitative value of art as educational media has been changed greatly, and the concept and the system of art education also changed. The main task of art education today is to reconstruct the curriculum from the hermeneutic horizon of the present through the expansion of art territory and the integration of various artistic utterances. It is difficult to take a free and impartial attitude to explain different and diverse artistic phenomena. Therefore, we required to have the subjectivity to construct a new curriculum and the awakening on historicity. Many people state on the future of human life and art linked with new media and technology under the idea of reoriented totality. Various issues in art, such as life and politics, sense and body, technology and environment, show our desire to recover the link with human being. Art education without practice is vacant. The art educational curriculum is a valuable device to facilitate the close relationship among society, children and art. Art education could be a good system to absorb the nourishment of life in the midst of end and new start of art, with the guide of critical statements. 본 논문에서는 근대 미술교육의 체제를 성립시켜온 ‘예술’과 ‘교육’의 관계성에 대한 담론들의비판적 검토를 행하고, 탈근대 시대에 미술교육이 마주대하게 되는 과제를 제시해보려고 한다. ‘미술사의 종언’이라는 논의와 더불어 미술의 쇠락 현상을 객관적으로 받아들이면서, 앞으로 미술교육의 기초를 탐구하고 논의하는데 새로운 지평을 마련할 것을 목적으로 한다. 미술의 해체와 환원 그리고 미술사의 종언을 거쳐, 이제 우리들이 추구하는 것은 더 이상 근대적인 의미에서의 예술이 아니다. 오늘날 미술이 갖는 교육 미디어로서의 가치와 성격은 크게 바뀌었고, 동시에 미술교육이라는 개념과 체계도 크게 변질되고 말았다. 현대에서의 미술교육의 주요과제는 미술영역의 ‘확장’을 꾀하고 또 미술에 관한 언설들을 ‘통합’하는 가운데, 현재라고 하는 해석학적인 지평에서 커리큘럼을 재구성하는 일이다. 미술사의 여러 시대 양식과 다양한 민족양식을 자유롭고 공평한 태도를 갖고 구성하기란 쉽지가 않다. 여기에서 요청되는 것은 커리큘럼을 구성하는 주체성과 역사성에 대한 자각이다. 인간의 삶과 예술이 새로운 미디어와 테크놀로지와 연결되어 변모해가면서, 새로운 ‘전체성’의이념 아래 미래를 향한 발언이 시도되고 있다. 생활과 정치, 감각과 신체, 테크놀로지와 환경같은 현대미술의 다양한 주제는, 다시금 인간과의 유대를 회복하려는 욕구를 보여준다. 미술교육은 무엇보다도 ‘실천적’이지 않으면 의미가 없다. 현실의 사회, 현실의 어린이, 그리고 현실의 예술에 주목할 필요가 있다. 그리고 커리큘럼의 구축과 탈(脫)구축을 오고가는 실천적인비평언어의 역할이 중요하다. 탈근대의 미술교육은 미술의 종말과 새로운 시작 사이에서, 삶의 자양분을 미술로부터 흡수하는 주요 장치이다.

미술교육 효능감 수준에 따른 유아교사의 미술교육에 대한 인식 및 교사의 역할에 대한 중요도와 수행도 분석: IPA기법을 활용하여

서은주,가종석,홍순옥 미래유아교육학회 2018 미래유아교육학회지 Vol.25 No.1

The purpose of this study was to examine the relationship between the early childhood teachers’ art education efficacy and their awareness of early childhood teachers and their awareness of early childhood art education, and to make an importance-performance analysis of their roles in early childhood art education. In addition, the study ultimately meant to provide some information on teacher education for early childhood art. The subjects in this study were 229 selected teachers who worked in kindergartens and daycare centers in the city of Busan. SPSS 18.0 was employed to obtain statistical data on frequency and percentage, χ2-test, and paired-samples t-test and IPA were carried out. The findings of the study were as follows: First, It showed that there were no differences depending on the level of art education efficacy on some area, which were ‘the objectives of early childhood art education’, ‘the most widely taught art activity’, ‘top priority for art education planning’, ‘the most difficult art activity to teach’ in the awareness of early childhood art education. Concerning the reason for having difficulty in guiding art activities, there were differences in that regard according to art education efficacy. Second, when the IPA was carried out to look for the teachers’ role in art education, the teachers whose art teaching efficacy was higher put no teachers’ role in the focus area, and the teachers whose art teaching efficacy was lower put a role as a preparator in the focus area. 본 연구에서는 유아교사의 미술교육 효능감 수준에 따른 유아미술교육에 대한 인식에 대해 살펴보고, 유아미술교육에서의 교사의 역할에 대한 IPA분석을 실시해 봄으로써 향후 유아미술 교사교육에대한 방안을 모색하기 위한 기초자료를 제공하는데 그 목적이 있다. 이를 위해 부산광역시 소재유치원 및 어린이집에 근무하고 있는 교사 229명을 연구대상으로 설문조사를 실시하였다. 수집된 자료는SPSS 18.0을 이용해 빈도와 백분율,  2검증, 대응표본 t 검증, IPA 분석을 실시하였다. 연구결과는다음과 같다. 첫째, 미술교육 효능감 수준에 따른 유아미술교육의 인식에 대해 집단 간 차이를 살펴본 결과, ‘유아미술교육의 목표’, ‘가장 많이 지도하는 미술활동’, ‘미술교육 계획 시 중요하게 생각하는 것’, ‘가장 지도하기 어려운 미술활동’에 대해서는 집단 간 차이가 없는 것으로 나타났다. 그러나‘미술활동 지도가 어려운 이유’에 대해서는 집단 간 차이가 있는 것으로 나타났다. 둘째, 미술교육에서의 교사의 역할에 대한 IPA분석에서는 미술교육 효능감 수준이 높은 교사의 경우 집중영역에 포함된 교사의 역할이 없었으며, 미술교육 효능감 수준이 낮은 교사의 경우 준비자의 역할이 집중영역에 포함되어 있었다.

미술과 중심 융합교육의 수업목표 개발과 적용: 초등 예술캠프를 위한 미술과 중심 융합교육프로그램의 디자인 연구

김형숙,최기호 한국조형교육학회 2015 造形敎育 Vol.0 No.56

Despite the aims of STEAM education to promote flexibility of thinking and creativity, the current STEAM programs heavily rely upon prescriptive curriculum and problem-solving education. This study examined the advantages and feasilbility of art-based STEAM education programs that introduce deductive inquiries and emergent learning objectives from the complex setting of STEAM education program employing the design study as a research method. The study designed, practiced and investigated art lessons, as a part of the art-based STEAM program for the summer art camp for 6th graders held in a university in Seoul in both 2013 and 2014. In recent years, many art educators has paid attention to the thinking skills and attitudes that the contemporary artists employ when they develop and make their artwork. The art-based STEAM programs studied in this research introduced affective and conative objectives induced from the thinking skills and attitudes that the contemporary artists utilize for their artwork. These objectives include observing(as a sensitiveness to the meaning of the banal), connecting, imagining, exploring, extending, expressing, planning, representing, and developing basic skills and attitudes toward art. The study found that the uses and the meanings of art in the STEAM programs can be greater than those in the existing studies of art-based STEAM programs particularly when the STEAM programs shed light on the aspects of learning of affective and conative objectives. Also this study suggests that the art-based STEAM education programs centering on fostering and assessing those objectives should be flexible enough to include emergent learning concepts and instructional strategies to respond to the changing context of learning and instruction. 학문간 융합을 통해 창의와 인성을 갖춘 미래인재를 육성하고자 하는 융합교육의 취지에도불구하고 많은 융합교육 프로그램들이 처방적 교육과정과 문제해결 중심의 창의성 교육에 편중되고 있다. 본 연구는 미술과의 특성을 반영한 융합교육 프로그램을 개발하고 귀납적 탐구의 과정과 미술과 교수학습의 실제맥락에 기반한 발현적 학습목표를 도입함으로써 미술과 중심 융합교육이 갖는 가능성을 확장하고 탐색하고자 하는 연구이다. 2013년 한 수도권 대학의여름방학 예술캠프에서 초등학교 6학년 대상 미술과 중심의 융합교육의 파일럿 프로그램을기획하고 운영하였다. 이에 대한 분석과 평가를 통해 2014년도 여름방학 예술캠프에 개선된교육프로그램을 적용하였다. 현대작가들이 작품을 구상하고 발전시켜가는 데 사용하는 사고의 전략과 접근방식들은 새로운 미술과 학습목표로 주목받고 있다. 이를 수업목표로 제안하여 자유로운 탐색과 문제해결, 관찰하기(일상에 대한 감수성), 연계하기, 상상하기, 표현하기, 계획하기, 표상하기, 기본 기능과 태도(작업습관) 계발하기와 같은 행동지표들을 미술과 중심융합교육 프로그램의 수업목표로 도입하였다. 연구결과, 기존 융합교육이나 교육실행에 의해성취를 판단하기 어려운 창의적 사고성향과 학습의지, 동기의 학습을 기획·관찰하고 평가하는데 있어 미술과 중심 융합교육 프로그램이 매우 유용한 접근이 될 수 있었다. 본 연구에서적용된 미술과 중심 융합교육 프로그램은 학문분야의 주요개념에 대한 습득이나 미리 설정된목표에 대한 성취여부보다 학습의 맥락에서 발현되는 학습개념이 교육과정으로 수용되고 교수전략과 수업목표가 반성적으로 개선되는 대안적인 융합교육의 체계를 제안한다.

나치시대의 미술사와 박물관

송혜영 서양미술사학회 2008 서양미술사학회논문집 Vol.29 No.-

본 논문은 나치시대의 미술사와 박물관이 어떤 성향으로 전개되고 어떤 정책을 추진해나갔는지를 다음의 세 가지 관점에서 조명한다. 즉, ‘민족’과 ‘인종’이 가장 중요한 핵심어로 등장하는 나치시대 미술사의 학문적 성향, 나치시대의 박물관이 주요 정책으로 내세운 민중교육운동의 대표적 예인《독일미술대전》과《퇴폐미술전》, 유럽의 모든 걸작을 소유하고자 했던 나치의 문화재약탈과 히틀러의 최종목표였던 ‘린츠박물관’을 고찰한다. The purpose of this study is to research which tendencies art history and museums in the Nazi period were unfolded in and which policies they promoted. Nazi ideology results in racism to advocate Aryan superiority through suggesting anti-Semitism and anti-Bolshevism. Like reflecting this fact, art history in the Nazi period represented as the key words of 'nation' and 'race' was developed in the tendency to harmonize with Nazi ideology from a viewpoints of nationalism out of the objectivity of pure study, and, mainly, concentrated on German art from the Middle Ages to the Baroque period. Therefore, A great number of scholars in art history had to leave Germany, and, as a result, the center of art history to have originated from the German area was extended to Courtauld Institute in London and American famous universities as the English area. The art in the early 20th century to position currently itself as the classic of modern art was regarded as decadent art by the Nazis, and relevant works in all museums and galleries were confiscated. Especially, the works of Die Bruecke were severely suppressed through 'decadent art' exhibition, but, on the contrary, German expressionism happened to well known to the international world of artists on this opportunity in the late 1930's. In addition, the New York painting circles positively accepted the modern art the Nazis suppressed, so to get the chance to lead postwar modernism. Even though the nazis established museums and art galleries with the justification of popular educational movements on purpose to enlighten the mass of people, they actually intended to propagate Nazi ideology as 'Great exhibition of German art' and 'decadent art' exhibition. Nazi Germany, that started a war, tried to possess the whole great works of the occupying nation, and, especially, Hitler promoted to establish Linz museum on a international scale. But, despite of Hitler's ambitious plan, leaning to German art, the large limits of Linz museum are found in the collection lists to have denied the experimental art of contemporary. After Nazi defeat, the universities and the museums in Germany had to make all efforts to recover self-regulation, and all the museums and art galleries in Europe, to return to the condition prior to a war. The Nazi period in which the ideology ruled everything left an instruction that only freedom is an absolute condition of all scholarship and arts in the end.

'Art to Wear'전시에 나타난 국내외 의상의 유형별 분석 연구 -광주비엔날레 국제미술 의상전시회를 중심으로-

유명의 한국일러스아트학회 2010 조형미디어학 Vol.13 No.2

The costume has to developing with the infinite possibilities of expression as representing to aesthetic consciousness and psychology of our contemporaries. It become more important in the culture. Especially, aesthetic movement create various forms of costume and continue to grow in the early 20th century which art included the costume. Since the mid-19th century, 'Aesthetic Movement' propose a new concept of art including costume. people are interested in the phenomenon of ‘Art to Wear Movement' from the late 1960s to 1970s with America as the center. 'The international art to wear' exhibited in the Gwangju biennale for 5 times over the last decade. The interest of 'Art to wear' spread into many related organizations and exhibition was rapidly grow. I was faithful to continuing role in Gwangju biennale 'The international art to wear ' and feel the need to research for the 'The international art to wear' which was representing to movement of the 'Art to wear' on the international stage. In this study, I analyzed into types for the meaning and art works. The exhibition consisted of art work which was emphasized central aspect of the theme and divided in to two types which were wearable and unwearable. The concept of 'Art to wear' was in the main theme of the biennale exhibition. In this research, I found out the relation with development of American or Europe and change of the aesthetic value of a sculpture, symbolism and image by exhibitions. The costume as an art, 'Art to wear' is the art work which take position near human body. It is basically identical with paintings or sculpture to display on the wall and appreciate art. Follow advanced cultural country, costume is one of important product display both in the showcase and art gallery or museum. In Korea, it is our expectation that costume related exhibition will held in the museum and gallery frequently. From this research, I look forward to massive development in field of 'Art to Wear' and to create with specialist and interest for 'Art to Wear'. 현대인들의 미의식과 심리를 반영하는 다양한 표현수단으로서, 문화적 중요성이 더욱 커지고 있는 의상은 무한한 표현의 가능성을 가지고 발전하고 있다. 특히 20세기 초 의상을 포함시켜 이루어졌던 예술분야의 많은 움직임들이 의상을 다양한 형태로 계속 발전시켜왔다고 할 수 있다. 19세기 중반 영국에서 시작된 'Aesthetic Movement'는 의상을 포함한 예술에 대한 새로운 개념을 제시하였고, 1960년대 후반에서 1970년대에는 미국을 중심으로 ‘Art to Wear Movement'현상이 관심을 받게 되었다. 우리나라에서는 순수미술의상행사인 광주비엔날레(1995-현재)에서 ’국제미술의상전시회‘가 10년 동안 5회에 걸쳐 개최된 바 있다. 이를 계기로 예술 의상에 대한 관심이 확산되어 관련단체와 전시회가 급속하게 늘어나게 되었다. 광주비엔날레 ’국제미술의상전시회‘에서 지속적인 역할을 담당해온 본 연구자는 한국에서의 ’Art to Wear'에 대한 관심의 시발점이자 수도권을 중심으로 한 다른 지역, 또 국제무대에서 한국의 ’Art to Wear'의 움직임을 보여준 광주비엔날레 국제미술의상전시회에 대한 연구가 필요하다고 판단되어 그 의미와 출품작품들에 대한 유형별 분석을 하였다. 광주비엔날레 ‘국제미술의상전시회’는 미술행사인 본전시의 주제에 맞추어 의상의 예술적인 측면을 강조한 작품들이 주류를 이루며 Wearable과 Unwearable의상이 함께 전시되었다. Art to Wear의 Item이나, Silhouette, Material은 비엔날레 전시주제와 그 맥락을 같이 하였고 출품된 Art to wear작품의 조형성, 상징성 및 Image에서도 전시 차수에 따른 변화는 물론, 유럽 또는 미국의 예술 의상의 발달과 서로 관련성이 있음을 파악할 수 있었다. 예술로서의 의상, 'Art to wear'는 벽에 걸어놓고 감상하는 회화나 조각 작품처럼 인체와 가장 가까이 위치하는 예술품의 하나로도 볼 수 있었다. 의상도 상품의 진열장에서 뿐 아니라 미술관 또는 박물관에서 전시되는 중요한 예술품의 하나인 문화선진국의 예처럼, 우리나라에서도 앞으로 많이 확충이 될 박물관과 및 갤러리에서 예술의상 관련 전시회가 빈번하게 이루어질 것으로 예견된다. 따라서 이 연구를 계기로 ‘Art to Wear’에 대한 많은 관심과 전문가의 탄생으로 ‘Art to Wear’분야의 더욱 큰 발전을 기대한다.

마르크 샤갈의 회화적 표현기법을 활용한 바디페인팅의 ART in ART디자인

김수민(Su Min Kim) 한국인체미용예술학회 2014 한국인체미용예술학회지 Vol.15 No.4

Body painting is a general art in the makeup industry, and artists' unique and creative ideas can be expressed. In this study, to make diverse painting expressions esthetically rich, three Marc Chagall paintings were fabricated using the art-in-art design. The study results found the following: First, diverse motives can be expressed through the artistic expression of body painting, using painting techniques after taking the human body as canvas. Second, Marc Chagall's works reveal unique colors and changes in the times. In addition, they were good enough to be used for art-in-art design as painting expressions of the characteristics of his works in the era. In terms of clear black-and-white configuration and use of color, in other words, it became possible to express body painting with lyric works after arranging shapes and colors irrationally and expressing a psychological state in addition to harmony with region and architecture from the Middle Ages in the geometric configuration of circles, triangles and squares which are found in Jacob's Dream, Cubists' Landscape, Illusion and other works. Third, based on the theories of painting expression, the characteristics of the works from different ages were expressed on the human body after classifying them into linear, plane, configurative and geometric and color expression. As a result, modern formative senses and flexible forms were expressed. It is expected that body painting will further grow and evolve as an art genre through art-in-art design based on its infinite growth possibilities as an applied art field.

The Flow of Art as the Flow of Social Energy: A Contribute to the Relationship between Art and Social and Political Areas

( Michael Mayer ) 국제문화&예술학회 2020 국제문화예술 Vol.1 No.1

The German artist Caspar Walter Rauh (1912-1983) starts his painting in the 1930's while the threat of National Socialism began to grow. Rauh continued painting as a German Soldier in the Second World War to digest the cruelty of the war. Also in the time after the war he stays on that topic. His paintings and drawings show often fantastic landscapes with moving fantastic creatures in it. The function of Rauhs fantastic elements is to visualize the cruelty of the war. But the viewer needs a little time to identify the social and political topic of war in Rauhs paintings. But the influence of his social-political experiences in the war is designed in his works and can be seen as a flow from reality to fictional art. Those flowlines are very complex in Rauhs paintings and drawings. In this way, Art can be seen as “fields of force, place of dissension and shifting interests, occasions for the jostling of orthodox and subversive impulse [.]” like Stephen Greenblatt says it in his book “Shakespeare Negotiations”. To understand art and literatures as fields of force and discussion helps the interpretation also to involve the contemporary historical background of the knowledge about art. Therefore it is not possible to see Art and Literature as nice arts without any use for a society - a meaning, which is often discussed in the public. Against this meaning this paper will highlight the hyper thesis that there is a big influence of the social on art and literature like also a big influence of art and literature on the social. This influence shall be named after Greenblatt as “flow of social energy” between those mentioned areas. Greenblatts term will be useful in this case. This method equates all areas of society and a flow of (cultural) takes energy between them. Greenblatt's basic idea is precisely to regard art and literature as a network of different social, cultural and political discourses and thus the overall pictur3e as one of the “poetics of culture” to make it readable. Greenblatt's method allows to analyses the complex structure of relationships between art, literature, society, politics and other social or scientific disziplines. The paper will highlight those points by the example of the German artist Casapar Walter Rauh to show, how lines of social energy cross his works and how the get modified by the flow of his art.

예술과 생리학

정낙림 새한철학회 2020 哲學論叢 Vol.102 No.4

The purpose of this study is to compare Nietzsche’s and Dewey's philosophy of art in terms of physiology. The idea that it is impossible to define art prevails these days. The slogans 'Everything is art' and 'Everyone is an artist' are not unfamiliar. In Warhol's 'Brillo Box', A. Danto affirms that the definition of traditional art such as imitation theory, expression theory, formalism, etc. cannot explain 'Brillo Box' as art, and he declares ' the end of art'. Danto's declaration of the end of art broke the modern boundaries of art and gave legitimacy for various artistic experiments. However, the biggest problem raised by artistic pluralism is that if everything can be art, it cannot provide a clear criterion for which art is better or superior. Here, F. Nietzsche's "Physiology of Art" and J. Dewey's "Art as Experience" attract our attention. Nietzsche finds the beginning of art in physiology, especially the Affect of intoxication. Dewey is also looking for its origins in the physical rhythm of humans facing nature. Both Nietzsche and Dewey start art from physiological conditions, but do not give up the qualitative difference in art. 본 연구의 목적은 니체와 듀이의 예술철학을 생리학의 관점에서 비교하는 것이다. 오늘날 예술을 정의하는 것이 불가능하다는 생각이 지배적이다. ‘모든 것이 예술이고’, ‘모든 사람은 예술가’라는 구호가 낯설지 않다. 미학자 단토(A. Danto)는 워홀의 ‘브릴로 상자’에서 모방론, 표현론, 형식론 등의 그 어떤 전통적 예술의 정의도 ‘브릴로 상자’를 예술로 설명할 수 없다고 단언하고, ‘예술의 종말’(The End of Art)을 선언한다. 단토의 예술의 종말 선언은 예술에 대한 근대적 경계를 허물고, 다양한 예술적 실험에 대한 정당성을 부여했다. 그런데 예술 다원주의에 제기되는 가장 큰 문제는 모든 것이 예술이 될 수 있다면, 어떤 예술이 더 좋은 혹은 탁월한 예술인지에 대한 명확한 기준을 제시할 수 없다는 것이다. 여기에서 니체(F. Nietzsche)의 ‘예술생리학’(Physiology of Art)과 듀이(J. Dewey)의 ‘경험으로서 예술’(Art as Experience)이 우리의 주목을 끈다. 니체는 예술의 출발을 생리학, 특히 도취의 정동(Affect)에서 찾는다. 듀이 역시 예술을 자연을 마주한 인간의 신체적 리듬에서 그 기원을 찾고 있다. 니체와 듀이는 모두 예술의 출발이 생리적 조건에서 시작하지만, 예술의 질적 차이를 포기하지 않는다.

미술 중심의 융합교육

류지영 한국조형교육학회 2022 造形敎育 Vol.- No.82

Today, convergence is taking place in various fields of culture and society, including art, education, and academic fields, as well as industry and technology. This expansion of convergence and social interest seem to be emphasized in education, and the paradigm is transformed in a different context from understanding-oriented education in the academic field, such as convergence of studies and areas and strengthening competencies. In addition, for convergence education, which deals with the power of art that qualitatively enrich human life from an interdisciplinary perspective, the curriculum must be further developed in terms of subject education to explore art-centered convergence education, and an overall review of the current convergence education is needed. In particular, further exploration of theory and design for the realization of specific art and curriculum should be conducted. To this end, first, convergence education and its method from a theoretical perspective are examined. Second, the nature and significance of art-centered convergence education are sought in terms of art and philosophy. Third, we examine the design and principles in terms of methods for art-centered convergence education and discuss the direction. There is the significance of art-oriented convergence education as an aesthetic education through art, the awareness of oneself coexisting with others in the community, the discovery through art as a visual image. Based on the practice of linking to life in class, it is possible to examine the structure, principle, method, and direction of convergence education from the perspective of art education, and basic research to explore the characteristics, principles, and structures of art education as convergence education is continuously needed. 오늘날 융합은 예술과 교육, 학문 분야를 비롯하여 산업, 기술 등 문화와 사회의 다양한 분야에서 이루어지고 있다. 이러한 융합의 확대 및 사회적 관심은 교육에서도 학문과 영역의 융합과 이를 통한 역량 강화 등 학문 영역의 이해중심 교육과는 다른 맥락에서 패러다임의 전환을 보이고 있다. 국가 교육과정이나 수업 설계 역시, 필수적으로 학습해야 할 지식과 함께 융합적 역량의 강화가 요구되고 있는데 삶으로 연결되는 과제를 학제적 관점으로 다루는 융합교육의 본연을 위해서는 현재의 융합교육에 대한 전반적인 재검토와 함께 예술을 통한 질적 삶으로서 교과 교육의 측면에서 미술과 중심의 융합교육에 대한 탐색이 이루어져야 한다. 특히 구체적인 미술과 교육과정 구현을 위한 이론과 설계에 대한 탐색이 더욱 이루어져야 한다. 이를 위해 여기서는 첫째, 이론적 관점에서 융합교육과 그 방법을 살펴본다. 둘째, 미술 중심의 융합교육의 성격과 의의를 예술과 철학적 측면에서 모색한다. 셋째, 미술 중심의 융합교육을 위한 방법적 측면에서 설계와 원리, 방향성을 살펴 본다. 재료와 매체의 체험을 통해 스스로를 의식하고, 공동체 안에서 타자와 공존하는 자기 자신을 인식하며, 시각 이미지로 서의 예술을 통한 발견, 상상력의 확장을 가능하게 하는 미술 자체의 융합적 속성 및 예술을 통한 심미적 교육에 미술 중심의 융합교육의 의의가 있다. 수업에서 삶으로 연계되며 나아가는 실천을 전제로 미술교육의 관점에서 융합교육의 가능성을 탐색할 수 있으며 융합교육으로서의 미술교육의 특성, 원리 및 구조를 탐구하는 기초 연구가 지속적으로 필요하다.

예술발달과 영성 : Ken Wilber의 통합예술발달을 중심으로

김문희(Kim Moonhee),박성현(Park Sunghyun) 한국문화융합학회 2021 문화와 융합 Vol.43 No.6

근대 이후 영성은 예술, 심리학, 종교에서 분리되어 소외되어가다가 최근 명상이 새로운 패러다임으로 심리학에 유입되면서 영성이 다시 주목받기 시작하고 있다. 명상과 결합한 예술치료프로그램이나 초월적인 예술치료 접근이 늘어나는 현 추세에서 예술발달에서의 영성과 그 표현에 대해 새롭게 조망할 필요가 생겼다. 본 논문은 예술발달에서의 영성과 영적 예술표현에 대해 논의하기 위해, 자아초월심리학의 Ken Wilber의 통합예술 발달이론과 전통적인 예술표현과 미적 발달이론을 비교 고찰하고자 한다. 이를 통해 예술에서의 영성의 위치를 살펴보고 Wilber의 통합예술 발달이론의 이론 정립 가능성과 예술치료에서의 영성 예술의 의미를 모색하였다. 자아초월심리학적인 관점에서, 전통적인 예술 표현발달과 미적 발달이론을 Wilber의 통합예술 발달 이론과 비교 살펴본 결과, 전통적인 예술 표현발달과 미적 발달이론들은 예술에서의 영성의 발달 범위를 포괄하지 않으며 영성 예술에 대한 관점의 한계점을 발견하였다. 반면에 Wilber의 통합예술 발달이론은 예술에서의 전인적 발달 범위를 보이며, 수직과 수평적 수준의 통합적인 관점을 갖고 있으며, 영적이며 초월적인 영적 예술 발달에 대한 이해를 돕고, 예술의 창의성을 넘어 참된 영성 예술에 대해 말하는 것을 볼 수 있었다. Wilber의 예술발달은 예술에 대한 본질적인 이해와 가치를 재확인하게 하며 진정한 예술의 방향성을 제시해주고 있다. 또한 주류 심리학에서 예술표현과 미적 발달이론이 충분히 포함하지 못한 영성적인 인간의 전인적인 예술표현의 발달을 이해하게 한다. 더불어 초월적인 영성 예술의 이해를 돕는 예술 발달 모델로서의 정립 가능성을 볼 수 있어서 예술의 이해를 넓히게 하는 문화 예술 교육과 예술치료에 기여할 수 있을 것으로 기대된다. Spirituality has been alienated from art, psychology, therapy, and religions since modern times; however, recently, spirituality has begun to gain attention again as meditation has been integrated into psychology as a new paradigm. As art expressive therapy programs combined with meditation and transcendent access to art therapy are increasing, a new view of spirituality and its expression in art development is needed. In order to discuss spirituality and spiritual art expression in art development, this paper compares Ken Wilber’s theory of integral art development with those of traditional artistic and aesthetic development in transpersonal psychology. Through this comparison, this paper examines the position of spirituality in art and explores the possibility of establishing Wilber’s theory of integral art development and the meaning of spiritual art. From a transpersonal psychology perspective, a comparison of traditional artistic and aesthetic development theories with Wilber s integral art development theory reveals that traditional artistic and aesthetic developmental theories do not fully cover the scope of spiritual development in art. In contrast, Wilber s theory of integral art development has a vertical and horizontal perspective, helps understand spiritual art development as moving toward spiritual art of a non-dual high level, and speaks of true spiritual art beyond art creativity. Wilber’s theory of integral art development reaffirms the essential understanding and value of art and suggests a true direction for art. It also makes us understand the development of the spiritually whole human in spiritual art expressions that do not fully include artistic and aesthetic developmental theories in mainstream psychology. In addition, it is expected to contribute to cultural and artistic education and art expressive therapy that broaden the understanding of art by seeing the possibility of establishing it as an art developmental model that helps to understand transcendent spiritual art.