(Un)see and Be (Un)seen: 아방가르드와 대중문화 사이 요코 오노

이수진(Soojin Lee) 현대미술사학회 2018 현대미술사연구 Vol.0 No.43

본 논문은 요코 오노와 존 레논의 협업 활동 및 대중매체 노출이 가장 활발했던 1968년에서 1969년에 걸친 시기에 주목한다. 특히 이 두 사람이 함께 선보였던 〈베드-인(Bed-In)〉(1969)과 〈배기즘(Bagism)〉(1969) 같은 미디어스펙터클 퍼포먼스들이 오노가 60년대 초중반 구상한 〈백 피스(Bag Piece)〉(1964)에서 발전된 것임을 추적함으로써, 오노와 레논과의 협업 활동이 사실 오노의 언더그라운드 시기에 확립된 작업의‘ 확장’이었음을 확인한다. 오노는 1950년대 중반부터 미국과 일본의 언더그라운드 아트씬을 주 무대로 활동하던 중 1968년 비틀즈의 존 레논과 공개연애를 시작하면서 인생과 작업의 전환점을 맞는다. 당대 인기 최고 록스타의 연인으로 모두가 주목하는 존재가 되었다는 것은, 이제 좁은 미술계를 넘어 전 세계의 ‘대중’이 그녀의 관객이 된 것을 의미했다. 오노는 유명세도 혹독히 치렀는데, 레논이 타계한 지 37년이 지난 지금까지도 오노는‘ 예술가’로서의 활동보다는‘ 존 레논의 부인’으로 대중들에게 훨씬 잘 알려져 있다는 것이다. 연구자는 아방가르드 예술과 대중문화 사이에 분명히 존재하는 경계를 고려하고 그 사이에서 어떻게 오노가 자신의 예술개념과 정체성을 활용하고 협상하고 확장했는지 살펴본다. 오노의 활동을 플럭서스의 이벤트 같은 아방가르드예술 개념뿐 아니라 1960년대 후반의 청년문화, 문화운동, 대중음악의 움직임들과 연결해 분석한다. This paper explores the early years of Yoko Ono and John Lennon’s collaborative events and media activities between 1968 and 1969. In particular, by tracing how their much-publicized performance events such as Bed-In (1969) and Bagism (1969) were derived from Ono’s Bag Piece (1964), conceived in the early 1960s during her underground period, I suggest that the media spectacles were an extension of Ono’s avant-garde art concepts that she consciously (if not strategically) staged in order to engage the mass media audience. Her romantic relationship with Lennon, which became public in 1968, changed the direction of her artistic career. As the Beatles’ notorious Japanese partner, she became a public figure whom cameras always followed, and she knew that the ‘world’ was now her audience. But the fame also came with a price that she would be for long known as Lennon’s wife rather than an independent artist. Considering the various movements of experimental art and youth culture in the late 1960s, this paper examines how Ono negotiated, utilized, and extended not only her art but also her public image when she was straddling between her avant-garde art background and the new pop culture wonderland.

오노 요코의 <그레입프루츠(Grapefruit)> : 공포와 좌절, 아브젝시옹(abjection)의 퍼포먼스

우정아 미술사와 시각문화학회 2007 미술사와 시각문화 Vol.6 No.-

오노 요쿄의 초기 퍼포먼스는 주로 페미니즘 미술의 시발점이나 개념미술에서 표방하는 제도비판의 일환으로 해석되어왔다. 그러나 오노의 작품은 보편적인 페미니즘 이론이나 제도비평이라는 추상적 논리로는 환원되지 않는 공포와 좌절이라는 구체적인 감각을 수반한다. 이 논문에서는 줄리아 크리스테바의 "아브젝시옹" 이론을 바탕으로 퍼포먼스의 구조를 분석하고, 작품에서 드러나는 비관습적인 재현방식이 아방가르드의 정치적 저항으로 연결되는 해석의 틀을 제시한다. Yoko Ono's Grapefruit: The Performance of Horror, Frustration, and Abjection Jung-Ah Woo This paper deals with Yoko Ono's Of A Grapefruit in the World of Park in its multiple forms of poetry, musical score, and performance. The artist's seemingly private desire for acceptance and her fear of rejection are accounted for in terms of the fundamental loss of nation. This locus of loss is further related to Ono's exploration of the structural impossibility of representation. In place of conventional representation, Ono's works mobilize fragmented texts, hidden images, and disorderly theatrical ambience as a means to reenact the psychophysical effects of the horror, as well as generate the anxiety, of the ultimate failure of communication. Indeed, Ono's profound anxiety in relation to the devastating impact of recurring war and the pressing question of art's political responsibility were implicitly and explicitly inscribed in her body of works. The tension between the ascetic, sophisticated, and highly aesthetic realm of the Zen paradigm and the violent, corporeal, and extremely resistant sphere of "authentic" Japanese culture fueled the dynamics of Ono's practices within the context of Japanese avant-garde art of the 1960s. The issues of cultural origin are theorized in terms of the abject and poetic language as conceived by Julia Kristeva. Ono's Cut Piece, undoubtedly her signature work, is a startling embodiment of the longing for a collective unity on the one hand, and a horrific display of violence against differences for the sake of the unified community on the other. Significantly, this frustrated desire for communal unity was later channeled into political protest during the turbulent era when memories of Hiroshima overlapped with the disaster of the Vietnam War.

퍼포먼스와 타자의 역할: 오노 요코의 〈컷 피스 Cut Piece>

이지은 서양미술사학회 2003 서양미술사학회논문집 Vol.19 No.-

예술적 전략으로서의 문화적 정체성: 1960년대 서구 미술현장의 동아시아 작가들

신원정 미술사학연구회 2017 美術史學報 Vol.- No.49

The early performances of various young Asian artists show how their identity has been constructed in the western scene: Nam June Paik, who questioned the traditional definitions of genre and actively embraced new media; Yoko Ono, who experimented passionately with an exquisite understanding of music, art, and literature; an avant-garde composer Takehisa Kosugi, who built upon a musical foundation to achieve the expansion of genre; and Shigeko Kubota, the lifetime and artistic partner of Paik, who developed an original framework of art. These artists often employed an artistic strategy that includes the instruments and materials representing eastern origin. Behind their typical and/or exotic works of art, there was an active contemplating entity. As ‘foreign’ artists, Paik, Ono, Kosugi, and Kubota have constructed their identities within the Fluxus as artists who acknowledged their differences and overcame the barriers strategically by building new identities and expanding upon them. This also became the foundation on which they were able to successfully take place in the center of 1960s western art, which was undergoing a lot of change. 전위음악에서 출발해 행위예술을 거쳐 비디오 아트의 영역에 본격적으로 들어서기까지 여러 예술 분야의 경계를 허물며 장르융합적 작업을 선보인 백남준, 음악, 미술, 문학에 높은 식견을 갖추고 예술적 실험에 열중한 오노 요코, 음악적 토대 위에 장르의 확장성을 성취한 전위 작곡가 고수기 다케히사, 백남준의 삶과 예술적 동반자이면서 독자적인 작품 세계를 구축한 구보다 시게코의 초기 퍼포먼스는 젊은 아시아 예술가들의 유동적인 정체성 구축 과정의 한 단면을 잘 보여준다. 동양적 특성을 표상하는 기재들을 포함시키는 예술적 전략을 구사하며 때로는 전형적이고 때로는 낯선 타자의 모습으로 등장한 그들의 작업 이면에는 능동적으로 사유하고 행동하는 적극적 주체가 자리했다. 끊임없이 ‘이방인’의 위치에서 ‘우리’와 접한 백남준, 오노 요코, 고수기 다케히사, 구보타 시게코의 작업을 통해 본 플럭서스 내 아시아 작가들의 정체성은 바로 자신이 다름을 인지하고 그 차이를 전략적으로 극복하며 새로운 정체성을 쌓음으로서 끊임없이 확장되는 모습으로 드러났다. 이는 또한 이들이 강력한 지각변동으로 흔들렸던 1960년대 서구미술계의 중심에 성공적으로 안착할 수 있었던 토대가 되었다.

미자나빔Mise en abyme과 시선의 작용

황혜영 프랑스문화예술학회 2018 프랑스문화예술연구 Vol.63 No.-

Dans ce travail, nous avons essayé de réfléchir sur l'action du regard que rappelle la mise en abyme et de prêter attention à sa valeur cachée, à son sens, à son effet sur l'oeuvre à travers quelques œuvres visuelles comme The money lender and his wife(1514) de Quentin Massys(Metzys), Ceiling Painting(1966) d'Ono Yoko, Three jews walk into the bar(2014) de Marc Dennis, La condition humaine I(1933) de René Magritte, Musée du Louvre(1945) de Robert Doisneau et Le flâneur va au musée : Louvre(2016-2017) de Hong-Sik Kim. Premièrement, dans le tableau de Quentin Massys, un petit miroir convexe dans l'oeuvre qui semble être accidentellement placé sert de cœur de l'oeuvre qui donne le sens clé à l'ensemble de l'oeuvre. Introduisant l'image du dehors dans le tableau-encadrant, il joue un rôle actif de transformer le sens de celui-ci. Dans la deuxième réflexion, le <Ceiling Painting> d'Yoko Ono nous montre une mise en abyme qui ne s'achève que lorsque le spectateur monte l'échelle selon la direction du travail et qu'il regarde dans le plafond avec une loupe. Dans le troisième temps, le tableau de Marc Dennis réintroduit Le bar aux Folies-Bergères de Edouard Manet en le répétant d'une manière hyper-réelle, cependant en introduisant trois spectateurs devant le tableau de Manet, il réinterprète la question du regard posée par les positions problématiques des personnages dans le tableau du Manet. Quatrièmement, le tableau encadré dans le tableau encadrant de Condition humaine I de René Magritte donne l'impression de montrer une mise en abyme qui représente la réalité qu'il dissimule exactement comme elle est, pourtant il révèle paradoxalement et contradictoirement la distinction entre le paysage sur le tableau encadré et celui du réel qu'il dissimule de sorte qu'il nous semble montrer simultanément les deux aspects incompatibles, c'est-à-dire l'opacité et la transparence, la continuité et la discontinuité de l'art. Dernièrement, nous avons réfléchi sur les deux oeuvres sur le regard autour de <Mona Lisa> de Léonard de Vinci, Musée du Louvre(1945) de Robert Doisneau et Le flâneur va au musée : Louvre(2016-2017) de Hong-Sik Kim. Musée du Louvre de Roberto Doisneau divise des regards du public vers la <Mona Lisa> en fonction de l'emplacement du public et les réorganise tandis que l'oeuvre de Hong-Sik Kim montre le regard des spectateurs vers <Mona Lisa> à travers dans l'écran du smartphone de sorte que celle-ci se reflète se démultipliant en tant que mise en abyme divergente. Le tableau, le miroir et la photographie encadrés créent un mouvement dynamique et révèlent un réel potentiel dans l'oeuvre encadrante à travers les regards problématiques en stimulant l'imagination et l'interprétation du spectateur.

'팝'과 아트 사이

이지은(Rhee Jieun),고동연(토론자) 서양미술사학회 2010 서양미술사학회논문집 Vol.32 No.-

In 1981, performance artist Laurie Anderson’s single “O Superman” hit number two on British Pop chart, an event that took everyone by surprise, as no avant-garde artist before her had ever gained such a recognition in the industry of commercial arts and entertainment. The initial waves of criticism and scorn expressed by other avant-garde artists soon gave way to an era of creative explosion when they increasingly found in the cutting edge of music and film industries an innovative means of expression and gaining populist appeal. On the one hand, Anderson’s popularity throws lights on the way in which the demarcating line between art and popular entertainments has become increasingly blurred. How does one draw distinction between high-brow arts and forms of popular entertainment as they both try to merge into our everyday life as the field of practice and popular appreciation? More important is how such a fusion facilitates a unique strategy of making her art more readily available, one that greatly expands her audiences for her critical practice. Using Anderson’s performance works such as 〈United States〉 and 〈Home of the Brave〉, this paper delves into the terrain of convergence between high-arts and popular entertainment as an important backdrop to bold artistic strategies that avant-garde art uses to get the broader public attention.