‘1989년 이후 현대미술’의 담론의 전개양상 (I) 개념미술과 비판적 전환

김기수(Ki-Soo Kim) 현대미술학회 2015 현대미술학 논문집 Vol.19 No.2

본 논문은 개념미술이 미술의 ‘비판적 전환’을 가져오게 하는데, 특히 ‘1989년 이후 현대미술’이 동시대의 지배체제, 즉 글로벌 자본주의와 신자유주의로부터 유래하는 다양한 문제를 비판적으로 다루는 방향으로 전개되는데 어떻게 영향을 미쳤는지를 추적한다. 이러한 맥락에서 우리는 우선 개념미술이 서구권에서는 1960년대 68운동, 베트남전쟁이 기폭제가 되어 기존의 제국주의적, 모더니스트 문화제도에 대해 근본적으로 반성하려는 시대적 분위기 속에서, 그리고 비(非)서구권에서는 1960, 70, 80년대에 광범위하게 출현한 군부정권에 대한 민주주의적 저항의 물결 속에서 움트기 시작한 미술운동으로 파악하며, 그것이 어떻게 ‘비판성’과 ‘동시대성’이라는 두 개의 축을 견지하며 1980년대 포스트모더니즘과 1990년대 현대미술의 중대한 토대가 되었는지를 계보학적으로 규명한다. 구체적으로 본 논문은 본장(II)에서 첫째, 리파드(Lucy Lippard)와 알베로(Alexander Alberro)의 시각을 빌려, 각각 어떻게 개념미술이 모더니스트 미술제도로부터의 다양한 ‘탈출시도’로서 전개되었는지, 어떻게 그러한 시도가 기존의 미술계에 대한 ‘제도비판’의 형식으로 전개되었는지를 검토하고, 둘째, 알베로와 캄니처(Luis Camnitzer)의 논의에 의거하여, 1980년대 포스트모더니즘 시대에 어떻게 개념미술가들이 페미니즘, 인종차별주의, 성차별주의 등의 동시대 문제를 다루었는지, 어떻게 개념미술이 지정학적으로 서구를 넘어 남미, 아시아 등의 지역에서 지속적으로 진행되어왔는지를 논의하고, 셋째, 알베로와 오스본(Peter Osborne)의 분석에 따라 ‘1989년 이후 현대미술’의 맥락에서 각각 어떻게 개념미술가들이 제도비판을 한층 정교하게 발전시켜왔는지, 또한 그것을 넘어 행동주의 미술을 확대시켜왔는지에 대해, 어떻게 1980년대 포스트모던 아트를 ‘포스트-개념미술’로 대치시키려 하는지, 나아가 ‘1989년 이후 컨템퍼러리 아트’를 ‘포스트-개념미술’로 정의하려 하는지를 차례로 분석한다. 결론적으로 본 논문은 1960, 70년대를 전후로 세계 다양한 지역에서 광범위하게 전개된 개념미술 운동이 심미성을 주창했던 모던 아트로부터 비판성을 강조하는 새로운 미술로의 패러다임 전환을 추동했으며, ‘1989년 이후 현대미술’의 담론의 주축이 되었고, 오늘날 비판적 미술을 지속적으로 확장하고 풍부하게 하는 동력이었음을 확인한다.

팝아트 이후, 현대미술의 소통가능성 : 아도르노와 보드리야르의 시각에서 팝아트와 미니멀리즘에 대한 비판적 이해를 중심으로

유현주 현대미술학회 2011 현대미술학 논문집 Vol.15 No.1

1960년대 팝아트가 출현한 이후, 현대미술은 대중문화의 코드와 일상적 사물을 사용하면서, 우리에게 예술과 일상 사이의 거리를 좁히는 경험을 제공하려는 경향이 있다. 특히 소비 사회의 코드로서의 ‘사물’과 산업적 재료로서의 ‘특수한 사물’을 제작하였던, 팝아트와 미니멀리즘은 현대미술에 문화적 기호들을 부여해왔다. 그럼으로써 그 예술들은 오늘날 포스트모더니즘과 관계를 갖는다. 클레멘트 그린버그와 마이클 프리드에 따르면, 팝아트와 미니멀리즘에서의 ‘사물’과 일상적 사물은 비미술의 조건에 해당된다. 그러나 그 미술들에서의 ‘사물’은 고급문화와 대중문화 사이의 해체와 같은 포스트모더니즘의 차원에서 관객의 미적 경험을 확대하였을 뿐 아니라, 우리의 삶의 문화적 코드들을 예술에 포함시켰다. 무엇보다도 이러한 미적 경험이 문화 비판적 의미에서 현대미술에서의 새로운 소통 가능성을 열어준다는 사실에 대해 주목할 가치가 있다. 프리드가 말한 것처럼, 도날드 저드나 로버트 모리스의 작품들에서와 같은 미니멀리즘의 미적 경험은, 관객에게 일종의 ‘무대 현존성’과 같은 체험을 안겨준다. 이것이 바로 프리드가 ‘미술의 부정’으로 지적한 ‘연극성’이다. 그러나 미니멀리즘이 오늘날 미술작품들을 관객들 사이에서 공유할 수 있는 인터렉티브한 미적 경험 혹은 문화적 담론의 장으로 이끌었던 이정표가 되는 것은 어느 정도 이러한 연극성과 같은 장치 때문이라고 할 수 있다. 보드리야르와 아도르노가 보았던 것처럼, 한편으로 팝아트와 미니멀리즘은 소비사회의 ‘시뮬라크르’이거나 자본주의 사회의 물화된 현상의 지표일 것이다. 그러나 다른 한편, 그 미술들은 작품의 미적 경험을 통해 숨겨진 문화정치학적 의미를 드러낸다. 따라서 포스트아방가르드 시대에 우리는 이러한 미적 경험을 사회와의 ‘비판적 거리두기’를 내포한 소통으로 읽을 수 있다. 즉 사회에 대한 새로운 아방가르드적 저항의 의미로 읽을 수 있을 것이다. 팝아트와 미니멀리즘은 결국 물화된 현대사회를 그것들의 미적 효과인 ‘추상성’을 통해 비판적으로 인식시킨다. 그렇게 함으로써, 그 예술들은 현실 자체가 진리가 아닌 가상임을 깨닫게 해준다. 그런 의미에서 이 두 미술은 이 사회의 시뮬라크르이면서 동시에 반-문화의 양가성을 지니는 것으로 해석된다. 특히 미니멀리즘은 현대 미술에서 ‘문화적 소통’의 공간을 가능케 한 것으로 평가받는다. 이 점에서 미니멀리즘은 니콜라스 부리오의 표현으로 말하자면, ‘사회적 틈’을 갖는 것일 것이다. 즉 그것은 우리 사회의 일반적 소통과는 다른, ‘재현적 교역’인, 다른 유형의 소통을 제공한다고 할 수 있다. 팝아트와 미니멀 아트에서 살펴본 것처럼, 현대 미술에서 일상적 사물들의 사용은 대중이 작품을 통해 사회와의 비판적 거리를 취하면서 미술작품의 주체로 참여할 수 있는 기회를 확대하였다. 결과적으로 팝아트 이후 현대미술을 통하여 대중은 예술에 더 가까워지고, 제도-비판적이고 반성적이며 또한 문화적인 장을 열어주는 이러한 예술적 소통의 과정에, 즉 ‘틈’에 참여할 수 있게 되었다고 할 수 있다. After pop art appeared in the 1960s, contemporary art has tended to provide us with the experiences to close the distance between art and our daily lives while it used the code Abstract of mass culture and ordinary objects. Expecially pop art and minimalism which respectively produced 'the object' as code of consumption society and 'specific object' as industrial material have brought cultual signs to contemporary art, and thereby are related to 'postmodernism' today. According to Clement Greenberg and Michael Fried, 'the object' or ordinary thing in pop art and minimalism belongs to condition of non-art. However, 'the object' in artworks of pop art and minimal art got cultural codes of our lives involved in art as well as expanded spectator's aesthetic experience in terms of postmodernism as deconstruction of the boundary between high and low culture. Above all, it is worthy of notice of the fact that this aesthetic experience opens a new possibility of communication in contemporary art in a culture critical sense. Aesthetic experience of minimalism like artworks of Donald Judd, Robert Morris and Tony Smith, as Fried says, provides spectators with one of a kind of 'stage presence'. This is 'the theatricality' which Fried points out to be 'negation of art'. However, it is due to the apparatus of this theatricality to some degree that minimalism is a milestone to lead today's some artworks into an interactive aesthetic experience, or cultural discourse among spectators. As Baudrillard and Adorno saw, on the one hand pop art and minimalism would be 'simulacre' of consumer society or the index of reified phenomenon in capitalist society, but on the other they reveal the covered meaning of cultural politics through aesthetic experience of their artworks. Therefore we could read this aesthetic experience in post avant-garde period as the communication implying 'critical distance' between us and society. That is to say, it will be read as the sense of the resistance of new avant-garde to society. Pop art and minimalism make us aware of the reified society of the present through 'the abstractness' of their aesthetic effect. Therefore they let us realize the fact that this society is just 'Schein(illusion)', not the truth. In this sense it can be interpreted that both arts have an ambivalent value that is simulacre and counter-culture of this society at the same time. Specially minimalism is valuated to facilitate a space of 'cultural communication' in contemporary art. I would like to indicate that minimalism would be 'social interstice', in Nicholas Bourriaud's idiom, that provides other type of communication, 'representational commerce', than general one in our society. The use of the object and ordinary things in contemporary art, as we see in pop art and minimal art, has enlarged the public's opportunity to participate as a subject of artwork, while the public having 'a critical distance' through it. Consequently, after pop art, the public is getting closer to art and able to get the possibility to participate in the process of artistic communication, 'interstice' which opens a system- critical, reflective and also cultural arena through contemporary art.

국립현대미술관 특수법인화를 정당화하는 담론들 다시읽기 : 세계적 미술관, 막대한 예산조달, 정부기능 축소, 민영화 예찬

심상용(Sim, Sang-Yong) 현대미술학회 2012 현대미술학 논문집 Vol.16 No.1

2010년 6월, 문화체육관광부가 국립현대미술관 특수법인화를 결정했음에도 불구하고, 특수법인화를 둘러싼 논쟁은 여전히 가라앉지 않고 있다. 특수법인화의 주된 근거는 그것이 유연한 조직운영, 인력충원의 자율성, 민간후원유치활성화, 미술관의 글로벌 경쟁력확보 등을 허용해 미술관 선진화에 기여할 거라는데 있다. 이 논의는 특수법인화 관련, 인과론적으로 상호연계된 네 개(단계)의 담론과 그 각각의 중심적인 가정을 살펴보는데 의미를 두고 있다. 그것들은 특수법인화의 필연성을 구성하는 담론화 과정의 단계들이다. 첫째: 국립현대미술관은 '세계적 미술관'이 되어야 한다. 둘째: 그 목적을 위해 '막대한 예산'이 필요하고, 이것이 '민간 기부'를 필수적으로 만드는 요인이다. 셋째: 정부주도의 현 법리로는 민간기부 활성화를 해결할 수 없으며, 따라서 정부가 간섭하지 않는 것이 더 좋다. 넷째: 그러므로 미술관의 '민영화'가 답이며, 그 이행단계로서 '특수법인화'가 실행되어야 한다. 이 논의는 공공미술관의 특수법인화라는 당면한 문제제기를 넘어, 분열적이고 표류하는 현대미술관의 존재론에까지 문제의식을 확장할 것이다. 우리의 궁극적인 지점은 이와 같은 질문들을 이상(理想)으로 내몰면서, 산업화와 경제이념에 경사되어가는 작금의 미술관학을 문제 삼는 것이다.

한국 현대미술의 시대구분의 재정립의 문제: 컨템퍼러리 아트의 담론의 관점에서

김기수 현대미술학회 2019 현대미술학 논문집 Vol.23 No.1

The 21st century contemporary art discourse made it public for contemporary art to art-historically have replaced modern art through 1960s and 70s, especially since 1989. In this context, the periodization of contemporary art in Korea needs to be more or less in sync with such an art-historical transition from modern art to contemporary art. Therefore, this paper argues that the Korean term ‘hyundai misul’ ought to be the Korean translation of contemporary art, and simultaneously corresponds to the Korean hyundai misul that Korean art historians established. It thus suggests that Korean contemporary art has begun and developed with 1960s and 70s’ experimental art, 1980s’ minjung misul, and 1990s’ postmodernism, with each rejecting formalist modern art and dealing with contemporary issues. 21세기 컨템퍼러리 아트의 담론은 미술사적으로 컨템퍼러리 아트가 모던 아트를 이차세계대전 이후 1960, 70년대를 거치며, 특히 1989년을 기점으로 전지구적으로 대체하게 되었음을 공식화한다. 이러한 맥락에서 한국 현대미술의 시대구분은 컨템퍼러리 아트의 담론이 전제하는 모던 아트로부터 컨템퍼러리 아트로의 미술사적 전환과 어느 정도 양립하는 방식으로 재정립될 필요가 있다. 그리하여 본고는 ‘현대미술’이란 용어가 컨템퍼러리 아트의 담론에서 특칭하는 ‘컨템퍼러리 아트’의 국역(國譯)이 되어야 하는 동시에 또한 한국미술계에서 수립한 한국 현대미술과 일치해야 한다고 주장하고, 이에 따라 한국 현대미술은 1960, 70년대 탈(脫)앵포르멜, 즉 형식주의 모던 아트를 거부하고 동시대의 문제를 다루기 시작했던 AG나 ST 등의 실험미술로부터 시작되어, 1980년대 민중미술을 거쳐, 1990년대 포스트모더니즘 미술에 들어 본격적으로 닻을 올렸던 것으로 재정립할 것을 제안한다.

팝아트 이후, 현대미술의 소통가능성 : 아도르노와 보드리야르의 시각에서 팝아트와 미니멀리즘에 대한 비판적 이해를 중심으로

유현주(Yu Hyun-Ju) 현대미술학회 2011 현대미술학 논문집 Vol.15 No.-

1960년대 팝아트가 출현한 이후, 현대미술은 대중문화의 코드와 일상적 사물을 사용하면서, 우리에게 예술과 일상 사이의 거리를 좁히는 경험을 제공하려는 경향이 있다. 특히 소비 사회의 코드로서의 ‘사물’과 산업적 재료로서의 ‘특수한 사물’을 제작하였던, 팝아트와 미니멀리즘은 현대미술에 문화적 기호들을 부여해왔다. 그럼으로써 그 예술들은 오늘날 포스트모더니즘과 관계를 갖는다. 클레멘트 그린버그와 마이클 프리드에 따르면, 팝아트와 미니멀리즘에서의 ‘사물’과 일상적 사물은 비미술의 조건에 해당된다. 그러나 그 미술들에서의 ‘사물’은 고급문화와 대중문화사이의 해체와 같은 포스트모더니즘의 차원에서 관객의 미적경험을 확대하였을 뿐 아니라, 우리의 삶의 문화적 코드들을 예술에 포함시켰다. 무엇보다도 이러한 미적 경험이 문화 비판적 의미에서 현대미술에서의 새로운 소통 가능성을 열어준다는 사실에 대해 주목할 가치가 있다. 프리드가 말한 것처럼, 도날드 저드나 로버트 모리스의 작품들에서와 같은 미니멀리즘의 미적 경험은, 관객에게 일종의 ‘무대 현존성’과 같은 체험을 안겨준다. 이것이 바로 프리드가 ‘미술의 부정’으로 지적한 ‘연극성’이다. 그러나 미니멀리즘이 오늘날 미술작품들을 관객들 사이에서 공유할 수 있는 인터렉티브한 미적 경험 혹은 문화적 담론의 장으로 이끌었던 이정표가 되는 것은 어느 정도 이러한 연극성과 같은 장치 때문이라고 할 수 있다. 보드리야르와 아도르노가 보았던 것처럼, 한편으로 팝아트와 미니멀리즘은 소비사회의 ‘시뮬라크르’이거나 자본주의 사회의 물화된 현상의 지표일 것이다. 그러나 다른 한편, 그 미술들은 작품의 미적 경험을 통해 숨겨진 문화정치학적 의미를 드러낸다. 따라서 포스트아방가르드 시대에 우리는 이러한 미적 경험을 사회와의 ‘비판적 거리두기’를 내포한 소통으로 읽을 수 있다. 즉 사회에 대한 새로운 아방가르드적 저항의 의미로 읽을 수 있을 것이다. 팝아트와 미니멀리즘은 결국 물화된 현대사회를 그것들의 미적 효과인 ‘추상성’을 통해 비판적으로 인식시킨다. 그렇게함으로써, 그 예술들은 현실 자체가 진리가 아닌 가상임을 깨닫게 해준다. 그런 의미에서 이 두 미술은 이 사회의 시뮬라크르이면서 동시에 반-문화의 양가성을 지니는 것으로 해석된다. 특히 미니멀리즘은 현대 미술에서 ‘문화적 소통’의 공간을 가능케 한 것으로 평가받는다. 이 점에서 미니멀리즘은 니콜라스 부리오의 표현으로 말하자면, ‘사회적 틈’을 갖는 것일 것이다. 즉 그것은 우리 사회의 일반적 소통과는 다른, ‘재현적 교역’인, 다른 유형의 소통을 제공한다고 할 수 있다. 팝아트와 미니멀 아트에서 살펴본 것처럼, 현대 미술에서 일상적 사물들의 사용은 대중이 작품을 통해 사회와의 비판적 거리를 취하면서 미술작품의 주체로 참여할 수 있는 기회를 확대하였다. 결과적으로 팝아트 이후 현대미술을 통하여 대중은 예술에 더 가까워지고, 제도-비판적이고 반성적이며 또한 문화적인 장을 열어주는 이러한 예술적 소통의 과정에, 즉 ‘틈’에 참여할 수 있게 되었다고 할 수 있다. After pop art appeared in the 1960s, contemporary art has tended to provide us with the experiences to close the distance between art and our daily lives while it used the code of mass culture and ordinary objects. Expecially pop art and minimalism which respectively produced ‘the object’ as code of consumption society and ‘specific object’ as industrial material have brought cultual signs to contemporary art, and thereby are related to ‘postmodernism’ today. According to Clement Greenberg and Michael Fried, ‘the object’ or ordinary thing in pop art and minimalism belongs to condition of non-art. However, ‘the object’ in artworks of pop art and minimal art got cultural codes of our lives involved in art as well as expanded spectator's aesthetic experience in terms of postmodernism as deconstruction of the boundary between high and low culture. Above all, it is worthy of notice of the fact that this aesthetic experience opens a new possibility of communication in contemporary art in a culture critical sense. Aesthetic experience of minimalism like artworks of Donald Judd, Robert Morris and Tony Smith, as Fried says, provides spectators with one of a kind of ‘stage presence’. This is ‘the theatricality’ which Fried points out to be ‘negation of art’. However, it is due to the apparatus of this theatricality to some degree that minimalism is a milestone to lead today’s some artworks into an interactive aesthetic experience, or cultural discourse among spectators. As Baudrillard and Adorno saw, on the one hand pop art and minimalism would be ‘simulacre’ of consumer society or the index of reified phenomenon in capitalist society, but on the other they reveal the covered meaning of cultural politics through aesthetic experience of their artworks. Therefore we could read this aesthetic experience in post avant-garde period as the communication implying ‘critical distance’ between us and society. That is to say, it will be read as the sense of the resistance of new avant-garde to society. Pop art and minimalism make us aware of the reified society of the present through ‘the abstractness’ of their aesthetic effect. Therefore they let us realize the fact that this society is just ‘Schein(illusion)’, not the truth. In this sense it can be interpreted that both arts have an ambivalent value that is simulacre and counter-culture of this society at the same time. Specially minimalism is valuated to facilitate a space of ‘cultural communication’ in contemporary art. I would like to indicate that minimalism would be ‘social interstice’, in Nicholas Bourriaud’s idiom, that provides other type of communication, ‘representational commerce’, than general one in our society. The use of the object and ordinary things in contemporary art, as we see in pop art and minimal art, has enlarged the public’s opportunity to participate as a subject of artwork, while the public having ‘a critical distance’ through it. Consequently, after pop art, the public is getting closer to art and able to get the possibility to participate in the process of artistic communication, 'interstice' which opens a systemcritical, reflective and also cultural arena through contemporary art.

Anti-Museology 혹은 문화혁명의 계보학

박소현(Park So-hyun) 현대미술사학회 2009 현대미술사연구 Vol.25 No.-

미술사에 있어서 서사의 역할

장민한(Min-Han Jang) 현대미술학회 2013 현대미술학 논문집 Vol.17 No.2

이 논문은 미술사에서 서사(narrative)의 역할에 대해 아서 단토(Arthur Danto)의 이론을 통해 분석한다. 미술의 역사기술에서 ‘서사’의 역할을 분석함으로써 미술의 역사기술의 타당성과 미술사의 다양성의 문제를 해결하고자 한다. 단토는 역사가의 다양한 개별 관심에 따라 서사가 각각 다르게 구성될 수 있다고 보고 있다. 다른 한편으로 그는 미술사에 있어서는 팝아트가 등장한 이후 미술의 서사가 끝났고 그 서사가 가능한 객관적인 실재가 있다고 주장하고 있다. 언뜻 보면 역사란 특정한 개별 관심에 따라 다양한 서사로 구성될 수 있다는 단토의 역사철학과 ‘미술의 서사’는 객관적인 근거를 가지고 있다는 단토의 미술사의 철학은 일관되지 못한 것으로 보인다. 이에 대해 필자는 ‘이상적 연대기’ 사례와 ‘서사문장’의 설명을 통해 서사가 역사의 필연적 형식이라는 점을 제시했다. 또한 필자는 단토의 미술사의 철학은 역사가의 개별적인 관심에 따라 구성될 수 있는 다양한 서사의 가능성을 부정하는 것이 아니라 ‘미술’(fine art)이 주인공이 되는 서사가 구성될 수밖에 없는 객관적 실재 구조가 서구에 있었다는 점을 주장한 것이고, 이를 근거로 단토의 미술사의 철학과 역사철학은 일관적이라는 것을 제시했다. 마지막으로 필자는 미술의 종말 이후 서구에서는 다양한 관심에 기반을 둔 각종의 미술 서사가 있을 수 있고, 이것들은 전통적인 미적 가치의 서사인 전통적 미술사와 보완 관계를 이루고 진행된다는 점을 제시했다. This paper aims to analyse th role of narrative in the history of art by means of Arthur Danto"s theory. It makes an attempt to solve the problems of the validity of historiography in art"s field and the diversity for art history. On the one hand Danto claims a narrative is diversely constructed according to narrator"s various interests, on the other hand, he argues that the narrative of art had come to an end after pop art, in which there are objective historical structures. I argue that a narrative is the necessary form of historiography by virtue of making the explanation of Danto"s ‘ideal chronicle’ and ‘narrative sentence’. Danto"s thesis don"t mean that there cannot be another narratives except Danto"s narrative, but there is one grand narrative of ‘art’ in the West before pop art because of objective historical structures in West. I argue that Danto"s phiolosophy of art history is consistent with his historiography through analysing the relations of a narrative and an interest, reality.

공공미술(Public Art)의 비평적 단초 찾기 : 공공미술(Public Art)에서 공공적인 미술(Public-Spirited Art)로

심상용(Sim Sang-Yong) 현대미술학회 2008 현대미술학 논문집 Vol.12 No.-

일반 공중 없는 공공미술의 두 흐름

장민한(Min-Han Jang) 현대미술학회 2014 현대미술학 논문집 Vol.18 No.1

이 논문에서는 오늘날 공공미술은 일반 공중이 아니라 특정집단이나 공동체를 목표로 삼아 제작된다는 입장에서 공공미술에서 발생하는 충돌을 분석하면 더 효과적인 해결책을 찾을 수 있다는 점을 주장하였다. 오늘날의 공공미술은 그 목표에 따라 ‘공공장소의 미화를 위한 미술’과 ‘공적 관심의 미술’로 나눌 수 있고, 양자 모두 특정 공중에게 혜택이 돌아간다는 점에서 공중일반이 아니라 특정한 공중을 목표로 설치되고 진행된다는 점을 제시했다. 공중 일반이 아니라 특정한 공중을 목표로 삼아 공공미술이 제작된다는 입장에서 공공미술에 대한 논쟁에 접근한다면, 공공미술에서 발생하는 충돌에 대한 적절한 해법을 좀 더 효과적으로 찾을 수 있다는 것을 몇 가지 사례를 통해 제시했다. 그리고 공공미술의 성과를 일반 공중이 어떻게 경험했는지에 따라 해당 공공미술을 평가하는 것보다 그 공공미술이 실제로 목표로 삼았던 특정 공중들이 그 의도를 얼마나 만족스럽게 반응하는지 분석하여 평가하는 것이 더 적절하다는 것을 주장했다. This paper aims to argue that we can settle the dispute of public arts today effectively if we analyze public Arts of our time not from the general public"s point of view, but from the particular public"s point of view. We can divide public arts today into ‘the beautification of public place’ and ‘the enhancement of public interest’ according to its goals. I argue that both of two types of public arts today don"t work for general public, but work for various particular public in fact. And I argue that it is not right to evaluate public arts from the general public"s point of view, but it is proper to evaluate public arts from basis of the artist"s intention and the particular public"s satisfaction.

세 가지 변증법 - 한국 추상미술의 역사와 역사주의: 1960년대-1980년대의 추상미술 담론을 중심으로

홍지석 현대미술사학회 2022 현대미술사연구 Vol.- No.52

After the Korean War, many Korean art critics observed the history of Korean abstract art in the framework of historicism and devoted themselves to returning all unfamiliar things to what they already knew. This approach reflects the desire of critics to find the “law of art history.” They set up oppositional pairs to describe the history of Korean abstract art according to dialectical logic. They tried to make the history of Korean abstract art a smooth continuum with the so-called negative/positive, hot abstract/cold abstract, and figurative/abstract dialectics. However, the gap or disconnection of various dialectics presented by critics to observe the evolution and development of Korean abstract art suggests that it was actually impossible to describe as a smooth continuum. 전후(戦後) 한국 미술비평가들 다수는 한국 추상미술의 역사를 역사주의의 틀로 관찰하여 낯선 일체의 것들을 이미 알고 있는 것으로 환원시키는 작업에 몰두했다. 이러한 접근은 때때로 ‘미술사의 법칙’에 대한 미술비평가-미술사가의 욕망과 결합했다. 그들은 대립쌍을 설정하여 변증법적 논리에 따라 한국추상미술의 역사를 서술했다. 그들은 이른바 부정/긍정의 변증법, 뜨거운 추상/차가운 추상의 변증법, 그리고 구상/추상의 변증법 등을 내세워 한국 추상미술의 역사를 어떤 매끄러운 연속체로 만들고자 노력했다. 하지만 미술비평가들이 한국 추상미술의 진화와 발전 양상을 관찰하기 위해 내놓은 여러 변증법들의 격차, 또는 단절은 그 자체 미술사를 매끄러운 연속체로 기술하는 것이 사실상 불가능한 과제였음을 일러준다.