재현의 붕괴 , 생성의 표현 : 돌뢰즈와 탈구조주의 미술이론의 정립

조선령(Seon Ryeong Cho) 한국미학예술학회 2000 美學·藝術學硏究 Vol.12 No.-

N/A The purpose of this essay is to research how much theories of G, Deluze, French philosopher, contributed to the history of art theory, and in which aspect did it so. Especially, this essay tries to examine how he succeeded results of structuralism and Post-structuralism and how he overcame their limits. Beyond the realistic world which consists of tonly wo opposite items, subject and object structuralism discovers the symbolic world where two items are constructed and exchanged each other endlessly. However, Deleuze`s schema goes further beyond the symbolic world He explores the real world which is considered unknown X by structuralism Understanding the real as the world of change and becoming, he saves the becoming from the non-rationalistic philosophy and harmonizes it with rationality of structuralism He also finds a way to break up the dualism of materiality and spirituality, and to overcome all dualistic theories (ex. choose between being and meaning, or being and becoming). He is in line with structuralists in that he makes structuralism dynamic but outdoes thorn He synthesizes static and systemic side of structure with dynamic and non-systemic side of genesis by the concepts of `singular point` or `metaphysical plane`. Deleuze`s theory of art seeds to overcome both realistic stance and structuralistic one. He suggests an alternative by founding art on a place beyond representation By the concepts of `simulacre` , `intensity` , `sensation` , `expression`, and `corps without organs`, he continues to question the system of representation succeeding structuralism And where structuralism stops, he finds true object of art. Art is never representational. The aim of art is to express the print in which representation collapses and the identity of subject and object disappears. In other words, it is to express territory of virtuality and becoming. Art creates sensation and thereby expresses `intensity` as pure self-differentiation of being, so becomes a `simulacre`. Deleuze`s simulacre is not an image without model but reality itself. Sensation in art is not expressed with separate organs subject to an organic body, but with sensational confusion executed by inorganic and synthetic bodies. paintings are regarded as a kind of hysteria because they make sensational confusion and inorganic bodies visible as being of `presentness`. That we have to find in art it is never representation but rhythm, tension and power. Art is the genre which should show `power` as cause of sensation Deleuze highly evaluates Francis Bacon`s works as those which turn invisible power to visible and show `time` where the power is executed. Bacon expresses sensation by using strategy of `diagramme` and creating `the figural` distinct from `the figurative`. The similitude to `model` in `the figural` is not principle of painting, but just random effect. Above all, Delouze`s theory shows how it is possible to both mitigate burden of representation and avoid danger of idealism. But it not fulfilled by declaring predominance of images. It is fulfilled by eliciting that reality is the area of infinite becoming and is never perceived with the logic of identity. The question that if visual images are independent to model as high as languages are is invalid. Art`s similitude is a kind of `lure`. Art does not have models, and exists beyond the concepts of ego, subject or human being. Art is not a system of representation, but a sensational being, expressing the becoming.

장치 개념과 이미지 이론의 확장: 플루서와 아감벤의 접점을 중심으로

조선령 ( Seon Ryeong Cho ) 한국미학예술학회 2015 美學·藝術學硏究 Vol.45 No.-

본 연구는 ‘테크놀러지에 의해 생산되는’ 현대의 이미지들에 대한 일반미학적 이론의 정립에 대한 관심에서 독일의 매체이론가 빌렘 플루서의 기술 이미지론을 간략히 소개하고 그 논의를 확장하는 방법 중 하나로 조르조 아감벤의 장치개념을 참조한다. 아감벤과 플루서의 이론은 서로 다른 맥락에서 출발했고 서로 다른 내용을 갖고 있지만, 그들이 다루는 연구대상을 살펴볼 때 일정한 접점에서 밀접하게 만난다. 이 접점의 탐구를 중심으로 본 연구는 현대문화의 징후적 현상으로 간주할수 있는 ‘장치’와 그에 의한 이미지 생산 및 수용에 얽힌 쟁점들을 탐구한다. 플루서는 장치에 의해 생산되는 기술 이미지는 외부 세계의 모사물이 아니라 추상물이라는 독창적 이론을 전개했으나 장치와 인간을 외적으로 대립시킴으로써 장치의 지배 하에서 인간의 자유가 어떻게 가능한가라는 질문에 명확한 답을 내놓지 못했다. 아감벤은 장치가 생명체를 포획해서 주체성을 만들어낸다는 시각을 제시함으로써, 플루서의 이론적 난점을 해결하는 데 도움을 준다. 플루서와 아감벤의 접점에서 우리가 읽어낼 수 있는 것은 이들이 다루는 ‘장치’ 개념이 느슨하게 겹치는 외연을 갖고 있다는 점이며, 이들의 공통된 관심사가 현대사회를 규정하는 어떠한 징후적 현상 혹은 개념과 맞닿아 있다는 점이다. 아감벤의 논의가 의미 있는 이유는, 주체성과 장치의 관계에 대한 그의 시각이 플루서의 사유를 확장시키는 데 도움을 주면서 이미지-장치 연구라고 지칭할 수있는 새로운 연구 영역의 구성에 중요한 매개고리 역할을 해주기 때문이다. 이영역에 대한 탐구는 단지 플루서와 아감벤을 비교하는 작업을 넘어서서 현대사회에서 장치, 주체성, 권력 사이에 작동하는 복잡한 역학 관계를 탐구하는 통합적인연구의 영역을 열어준다. In an effort to construct the theory of the ‘apparatus-image’ or ‘image-apparatus’ in the light of aesthetics in general which deals with contemporary images such as photography and moving image, I reviewed Vilem Flusser``s theory of technical images. Then I referred to Giorgio Agamben``s theory of apparatus in order to overcome Flusser``s theoretical drawbacks and expand the significance. Flusser``s creativity lies in his argument that technical images are not secondary imitation of outer world, but abstractly constructed results of apparatus``s inner universe. However, Flusser``s theory cannot avoid a dilemma because he sees just extrinsic confrontation between human being and apparatus, and could not explain the possibility of human``s freedom under the sway of apparatus. I disclosed the converging point between Flusser and Agamben in terms of their common interests and common spheres of researches. Agamben``s notion that apparatus captures life to produce subjectivity can help resolve Flusser``s theoretical dilemma and expand his vision. But the comparison between Flusser and Agamben is not my ultimate purpose. My intention is to suggest a possible theory of the ‘image-apparatus’. It would be a discipline to focus on the connection among images, apparatus, subjectivities, and powers. This new field of study would explore contemporary issues related to technical images which traditional aesthetics could not have handled.

아카이브와 죽음충동 : 데리다와 정신분석학의 관점에서

조선령 ( Seon-ryeong Cho ) 한국미학예술학회 2016 美學·藝術學硏究 Vol.49 No.-

본 연구는, 동시대 예술현상으로서의 이른바 아카이브 아트가 사용하는 전략에 주목하면서 관료주의 문서고로서의 근대적 아카이브와 미학적 실천으로 간주되는 탈근대적 아카이브의 관계를 철학적으로 살펴본다. 현대미술에서 아카이빙 경향에 대한 전시들을 기획한 큐레이터 오쿠이 엔위저와 비평가 할 포스터의 글을 분석한 뒤, 『아카이브 병』에 개진된 데리다의 이론을 이 글들의 이론적 토대를 제시해주는 논의로 간주하고, 특히 정신분석학과의 밀접한 관련성 속에서 살펴본다. 이 과정에서 본 연구는 프로이트에 대한 라캉의 해석과 데리다의 해석이 서로 구별되는 가운데에서도 매우 유사한 지점을 공유하고 있음을 주장한다. 프로이트의 죽음충동 개념과 원초적 아버지 가설을 경유하여, 데리다와 라캉은 환상 혹은 허구를 경유한 역설적인 진리성의 장소를 발견하고자 한다. 정신분석학적 아카이브를 연구하면서 프로이트의 목소리를 직접 들으려는 예루살미의 열망, 고대의 폼페이를 직접 경험하려는 고고학자 하르놀트의 망상은, 아카이브 너머에 있는 아카이브의 출처 혹은 근원을 아카이브 그 자체와 일치시키려는 `아카이브병`의 대표적인 사례이면서, 역설적인 진리성의 장소를 알려주는 지표들이다. `유령으로서의 진리`가 모습을 드러내는 순간에 대한 열망 없이는 어떠한 아카이브도 존재할 수 없다는 점에서, 아카이브 병은 단지 아카이브를 파괴하는 것이 아니라, 아카이브를 가능하게 하는, 아카이브 그 자체를 추동하는 원리이다. 이를 통해 본 연구는 탈근대적 아카이브는 근대적 아카이브의 외부에서 새롭게 구축된 것이 아니라 근대적 아카이브의 핵심에 이미 존재했던 `유령과 같은 토대를` 가시화한 것이라는 결론을 이끌어낸다. 또한 본 연구는 오늘날 다양한 예술실천들 중에서, 근대적 아카이브 속에서 이미 작동하고 있는 `죽음충동`을 간파하고 그것을 가시화하는 작업에 특히 주목할 필요가 있다는 점을 주장하면서, 아우구스트 잔더의 작업과 베른트 & 힐라 베허의 작업 사이의 관계를 그 사례로 제시한다. In this essay I want to examine the relation between modernist archive regarded as bureaucratic files of documents and post-modernist one regarded as a kind of aesthetic practice. After reviewing texts on contemporary `archive arts` by curator Okwui Enwezor and critic Hal Foster, I try to analysis Jacques Derria`s Mal d`archive, in the light of its connection to Lacan`s psychoanalysis, by focusing on his criticism on Yerusalme`s book on Freud as well as his review on Freud`s text about Jensen`s novel Gradiva. I suggest that Lacan`s interpretation on Freud shares unexpectably common characters with Derrida`s. By referring to Freud`s concepts of dead drive and Primal Father, both Derrida and Lacan argue that the truth ironically emerges through `spectre` or `fiction`. Aspiration of Yerusalme to hear Freud`s voice directly and delusion of Harnolt (the protagonist in Gradiva) to experience ancient Pompeii by himself, are typical examples of `archive fever` locating the paradoxical truth. In the archive without archive, the spectral truth comes to exist, according to Derrida. The archive fever not only destroys archives but also cause them. In conclusion, I argue that post-modernist archive is equivalent to visualized `spectral` base of modernist one. In addition, I present the relation between August Sander`s works and Bernd & Hilla Becher`s as an good example of art practice recognizing and visualizing death drive in the modernist archive.

비평가의 욕망 - 라캉주의 정신분석 비평의 명제들

조선령(Cho Seon-Ryeong) 현대미술학회 2021 현대미술학 논문집 Vol.25 No.1

본 논문은 1960년대 중반 이후의 라캉 이론을 토대로 라캉주의 비평의 명제를 재구성하는 것을 목표로 한다. <나사의 회전> 독해를 둘러싼 쇼샤나 펠만의 분석은 기의 없는 기표의 자리바꿈이 스스로 작품 외부에 있다고 믿었던 비평가를 출구 없는 거울의 미로에 가둔다는 것을 보여주었다. 본 논문은 펠만의 결론이 유의미하지만 불충분한하다고 판단하면서, 라캉의 <라스 메니나스> 분석을 비평이론으로 재구성해본다. 화가의 환상 공간으로 간주되는 곳에 사로잡힌 비평가는 그림의 트릭을 파헤쳐 탈출하기 위해 원근법적 공간을 재구성하려고 애쓴다. 그러나 라캉은 <라스메니나스>가 분석 불가능한 그림임을 지적한다. 펠만의 결론과 달리 비평가는 거울의 미로에 갇히는 것이 아니라 반대로 거울 없는 곳, 창문만이 있는 곳 (주체와 대타자의 비대칭성)에 도달한다. 비평가가 작품에 사로잡힌 상태에서 자신이 벗어날 수 없음을 새로운 비평의 조건으로 받아들일 때 비평가는 새로운 비평가-주체로 태어날 수 있다. 또한 이 지점에서 작품이 실현된다. 결론적으로 라캉주의 비평은 기표의 자리바꿈을 추적하는 것만이 아니라 그 자리바꿈이 정지하는 지점에서 환상과 충동을 발견함으로써 작품을 재창조하는 작업으로 이해될 수 있다. This paper’s purpose is to reconstruct the theses of Lacanian criticism based on the Lacan’s theory since mid-1960s. Shoshana Felman’s analysis on the reading of The Turn of the Screw showed that the endless shift of signifiers without the signified imprisons the critic, who believed he was outside the work, into a labyrinth of mirrors without exits. Judging that Felman’s conclusion is meaningful but insufficient, this paper tries to reconstitute Lacan’s analysis of Las Meninas as a critical theory. The critic, stuck in what is considered the painter’s fantasy space, makes an effort to estimate the perspective space in order to escape there by seeing through the trick of the painting. However, Lacan points out that Las Meninas is the painting that cannot be rationally analyzed. Contrary to Felman’s conclusion, the critic does not get trapped in a maze of mirrors, but reaches a place without a mirror but with a window (which means asymmetry between the subject and the Other). When the critic accepts as a condition for a new criticism that he cannot escape from the state of being captivated with the work, he can be born as a new critic-subject, and the work can be re-created. In conclusion, Lacanian criticism can be understood as the work not only to track the shift of signifiers, but to re-create the work by finding fantasy and drive at the point where the shift stops.

야나기 무네요시와 한국미학이라는 상상적 대상

조선령(Cho, Seon-Ryeong) 한국현대정신분석학회 2017 현대정신분석 Vol.19 No.1

파괴와 창조의 시간 -자넷 카디프(Janet Cardiff)의 <까마귀의 살해(The Murder of Crows)>와 "역사적 대상"으로서의 사운드

조선령 ( Seon Ryeong Cho ) 한국미학예술학회 2014 美學·藝術學硏究 Vol.40 No.-

본 연구는 동시대 작가 자넷 카디프(Janet Cardiff)와 조지 버레즈 밀러(George Bures Miller)의 사운드 설치 작품 <까마귀의 살해(The Murder of Crows)>(2008)를 벤야민의 알레고리 이론을 통해 분석함으로써 이 작품이 ‘사운드’라는 지각대상을 벤야민적인 의미에서 ‘역사적 대상’으로 구성하는 것으로 해석하고, 이를 통해 동시대 뉴 미디어 아트의 예술적 가능성을 규명해보고자 한다. 이 해석에 따르면, <까마귀의 살해>는 18세기 말의 작품인 고야의 <이성의 잠은 괴물을 낳는다>를 벤야민적 의미에서의 알레고리적으로 독해하고 있는 작품이다. 의미연관을 상실한 물질적 잡음으로서의 소리들을 사용하는 작품 <까마귀의 살해>가 과거의 소리와 과거의 작품을 참조하는 것은 지나간 시절에 대한 향수 때문이 아니라 뉴미디어 아트만이 수행할 수 있는 방식으로 동시대의 과제에 대응하기 위한 것이다. 이 작품은 사운드 테크놀러지를 통해, 고야 작품에서는 존재하지 않았던 감각자료인 사운드를 새롭게 제시하면서 재현 논리와 상상적 통일성에 지배되어온 모더니티의 이면에 억압된 ‘괴물’로서의 청각적 세계를 경험의 대상으로 재구성한다. 물질적 충격으로서의 사운드의 생성과 시각적 정박점 없는 환각적 공간의 창조를 통해, 이 작품은 파국의 시대가 낳은 절단과 파편화라는 작용을 긍정적인 방향에서 재해석하는 방법을 제시한다. It is the purpose of this paper to analyze the sound installation artwork <The Murder of Crows> by contemporary artists Janet Cardiff and George Bures Miller through the theory of allegory by Walter Benjamin, and thereby to illuminate an artistic possibility of contemporary new media arts, by interpreting the artwork as a reconstructor of a ``historical object`` in Benjamin`s context. According to this interpretation, <The Murder of Crows> makes an allegorical reading of <The Sleep of Reason Produces Monsters> created in 18th century by F. Goya. The reason <The Murder of Crows>, consisting of meaningless and material noises, refers to the sounds and the artwork in the past is not that it has a nostalgia, but that it wants to cope with contemporary issues in a way only new media arts can do. This artwork reconstructs an audible world usually regarded as a ``monster`` and repressed beneath the surface of modernity of which principles have been logics of representation and imaginary unity. With new sound technologies, the artwork tries to create an audible world as an object of experience by presenting fragmented sounds, the sensory data which did not exist in Goya`s work. Inventing sounds as physical impacts and creating hallucinatory spaces without visual anchors, <The Murder of Crows> presents a positive way of reinterpreting the phenomena of severance and fragmentation caused by contemporary catastrophes.

미학과 정신분석학: 라캉의 순수욕망 및 근본환상 이론을 중심으로

조선령 ( Seon Ryeong Cho ) 한국미학예술학회 2011 美學·藝術學硏究 Vol.33 No.-

This essay is intended to research the relationship between psychoanalysis and aesthetics through Lacan`s theory, especially focusing on his concepts of ``pure desire`` and ``fundamental fantasy``. Unlike Kant who regards desire as subjected to ``Neigung``, Lacan suggests that desires in its pure instance, become ``real``. In the real dimension, desire has no object, but exists as mere statement of I desire···. In the pursuit of absolute satisfaction, the pure desire reveals the instance of death drive, which has a special object, that is subject itself. Beneath the drive, Lacan finds the structure of fundamental fantasy in which subject is the desired object of desiring Other. The fundamental fantasy is that of man`s own death, producing ``jouissance``, or the pleasure beyond pleasure, which is essentially masochistic. This masochistic pleasure resides in the identifying mechanism to the absolute Other, who stands outside of the fantastic scene and watches all things including himself (herself). The pleasure of fantasy is brought about from the belief that subject can become the absolute Other and as Other, he can see his (her) own presence on the fantastic scene. Some aesthetical traditions such as Romanticism regarded fantasy as creative imagination. But Lacan objects to them, by insisting that fantasy is both symbolic and real. In the symbolic level, fantasy is subjected to the linguistic structure superior to subject. In the real level, it shows the real existence of jouissance. Lacan calls the moment when the structure of fantasy is revealed ``traversing of fantasy``. The truth emerges and the encounter with the real takes place at the moment. According to Lacan, the truth is not a static entity, but the moment of its emerge. Lacan`s truth is not from the certainty of the reason, but from that of jouissance. Lacan`s four discourse theory shows that analytic experiences produce a new signifier without knowledge. ``Subject``, who arrives at the instant of the traversing of fantasy, is the name of non-existence which cannot be represented by any langauge or image. As such, it is a real individuality that is no longer dependent to Other. Lacan`s theory gives a clue to establish a new aesthetics which is not a low branch of philosophy. For he shows the significance of the field of pleasure and sensibility which guarantees individuality and particularity without plunging into the risk of relativism and skepticism.

광학장치와 시각적 리비도 : 뒤집혀진 꽃병의 실험'에 대한 라캉의 논의

조선령(Seon-Ryeong Cho) 한국라깡과현대정신분석학회 2011 현대정신분석 Vol.13 No.2

본 논문은 라캉이 자신의 세미나에서 반복적으로 등장시켰던 '뒤집혀진 꽃병의 실험'에 논의를 시각 테크놀러지 이론의 관점에서 고찰하고 이를 현대 미디어 이론들과 비교함으로써 라캉 이론이 어떤 동시대적 함의를 갖는가를 살펴보고자 한다. 1963년의 세미나 1에서 라캉은 이 실험을 우리가 타자의 시각과 완전히 동일화될 수 없음에 대한 은유로 도입한다. 1962-3년의 세미나 10에서 라캉은 이 실험을 팔루스와 대상 a 개념, 그리고 환상의 구조를 설명하기 위해 사용한다. 1966-6년의 세미나 13에서는 이 실험을 벨라스케스의 <라스 메니나스>와 연결시키면서, 이를 '환상의 실현'의 사례로 간주한다. 이어 본 논문은 라캉의 논의를 마틴 제이, 돈 슬레이터, 프리드리히 키틀러, 장루이 보드리 등의 이론과 비교한다. 마틴 제이가 말한 '모더니티의 시각성에 대한 대안적 체제'를 라캉은 시각성 그 자체에 내재한 모순 속에서 찾았다. 라캉의 관점은 모더니티의 탈신화화 작용이 스펙터클에 대한 마술적 믿음에 의해 지탱되었음을 지적한 돈 슬레이터의 이론과 공명한다. 라캉의 논의는 '전능한 기계'에 대한 환상에 의해 지탱되는 현대 미디어 이론의 한 경향(키틀러로 대변되는)에 대한 교정책 역할을 한다는 것이 본 논문의 결론이다. This study is intended to research Lacan's comment on "the experiment of the inverted vase"in the light of the theory of the visual technology, and to examine its contemporary signification. In the first seminar, Lacan introduced this experiment as a metaphor for the fact that our vision could not be identified to Other's one. In the tenth seminar, Lacan used it to explain the concept of the phallus, the object a, and the structure of the fantasy. In the thirteenth seminar, he regarded it as an illustration of the "realization of the fantasy"by relating it to <Las Meninas> by Spanish artist Velazquez. Then this study compares Lacan's theory to those of Martin Jay, Don Slater, Friedrich Kittler, and Jean-Louis Baudry. Unlike Jay who tries to find the alternative to the modernity's dominance of visuality, Lacan sees the solution in the inner paradox of visuality. Lacan's theory is echoed in Don Slater's argument that the demystification of modernity is founded on the belief in the magical power of the spectacle. In conclusion, this study argues that Lacan's view is a corrective measure to a type of contemporary media theory which is supported on the fantasy of "the almighty machine".

변화하는 문화환경과 미술관의 공공성 문제

조선령(Cho Seon-ryeong) 현대미술사학회 2007 현대미술사연구 Vol.22 No.-

This essay suggests a way of understanding the concept of the public interest of the Art museum under the changing cultural situations. The concept of Art museum as public institution, tracing back to the inauguration of the Louvre where the nationalized collection from Aristocrats and royal family was opened to the public without entry fee, has diverse meanings, such as the preservation of Art works for the future generations, the reinforcement of public Accessibility, the educational effort for the visitors to learn About the value of high Art, and etc. With the changing cultural situations for recent thirty years, new rules of the Art museum and new meanings of its public interest have been emerging. Nowadays, the Art museum is no longer regarded as the institution for collecting and researching Art works, but as the place for entertainment where visitors enjoy diverse cultural programs. and the meaning of the public interest of the Art museum is largely focused on popularity. While Western Art museums have Already undergone many variations, Korean counterparts just begin to change. Facing different requirements to be fulfilled in one breath, Art museums in Korea have experienced errors and difficulties. This essay seeks a way to define the public interest of the Art museum by relying on two theories. One is cultural economics, and the other is politics. These theories ask on what ground supporting art by the government could be justified, and present the Answers. First, According to cultural economists, Art has non-user benefit, that is, the value which has some effects on those who don’t participate in Artistic Activities directly and causes the reluctance of the private investment. In result, demand Always exceeds supply in the supposed free market. So supporting Art by the government could be justified. Second, According to the theory of the liberalist perfectionism, the government should make efforts to help its people develop their Autonomy. Art is one of the effective means to meet the task because it doesn’t force people but invite them to enhance the quality of their lives. The public values of Art explained by these theories could be identified as the contents of the public interest which the Art museum should support. Based on these theories, the public interest of the Art museum could be understood as the intersected field of popularity and professionalism. The former without the latter leads to populism, and the latter without the former leads to elitism. After criticizing the blockbuster exhibitions which are recently all the fashion in Korea by the same principle, this essay wants to designate the conditions of the successful museum exhibition in the light of the public interest by presenting two examples from MoMa. The first sample is the exhibition “Manet and the execution of Maximilian”(2006-2007), and the second one is “Machine Art”(1934). By linking the inner issues of Art to the outer ones, and by making the museum the place for social discussions. two exhibitions increase the public values of the art museum.

비디오 아트의 미학

조선령(Seon Ryeong Cho) 한국미학예술학회 1999 美學·藝術學硏究 Vol.9 No.-

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