부조리와 메타극의 관계 고찰 - 토마스 베른하르트의 『클라우스 파이만은 바지를 사고 나와 밥을 먹으러 간다』를 중심으로

양시내 ( Yang Sinae ) 한국브레히트학회 2020 브레히트와 현대연극 Vol.0 No.43

토마스 베른하르트의 미니드라마 세편이 수록된 작품집 『클라우스 파이만은 바지를 사고 나와 밥을 먹으러 간다』는 베른하르트의 다수의 극작품을 초연한 클라우스 파이만이 보훔 극장을 떠나 1986년 비인 부르크테아터의 감독으로 부임하게 되어 이사하는 에피소드, 부임 이 후 베른하르트와 바지를 사고 점심을 먹으러 가는 에피소드, 그리고 드라마투르크인 헤르만 바일과 줄츠비제에서 연극에 대해 대화를 나누는 에피소드로 구성되어 있다. 베른하르트의 소설과 극작품에 대한 연구가 국내외 학계에서 다채롭고 심도 있게 진행되어온 반면, 예술가의 등장, 현실과 허구의 뒤섞임, 옷을 입는 행위와 음식을 먹는 행위의 강조, 대화의 독백화, 부조리성 등 베른하르트의 연극적 특징들을 집약적으로 담고 있으면서, 무대에서도 호평 받아온 이 미니드라마들은 학계에서는 거의 주목 받지 못해왔다. 본고에서는 연극(인)에 관한 연극인 이 작품의 메타성에 주목하여, 극의 메타극적 특성과 작품 전체를 관통하는 부조리성의 상보적 관계에 주목한다. 우선 베른하르트에게 중요한 작가인 베케트의 『고도를 기다리며』에서 부조리성이 어떻게 메타적 차원을 확보하는지 고찰한 뒤, 『클라우스 파이만』에서 부조리성이 나타나는 양상을 분석한다. 나아가 이러한 부조리성이 현실의 연극인들과 작가 자신을 등장인물로 설정한 극의 메타성을 어떻게 강화하는지 살펴보면서, 이 작품이 지닌 고유한 특징을 밝혀내고자 한다. Thomas Bernhards Claus Peymann kauft sich eine Hose und geht mit mir essen enthält drei Dramoletten: in dem ersten siedelt Claus Peymann, der als Regisseur manche Theaterstücke von Bernhard uraufführte, 1986 wegen seiner Anstellung am Burgtheater von Bochum nach Wien um, in dem zweiten kauft er sich nach seinem Umzug eine Hose und geht mit Bernhard in ein Restaurant und im dritten führt Peymann mit Hermann Beil, seinem Dramaturg auf der Sulzwiese ein Gespräch über das Theater während sie Wiener Schnitzel essen. Während die Wissenschaft im Inund Ausland Bernhards Romane und Theaterstücke auf verschiedene und gründliche Weise analysiert hat, erhielten diese Dramolette kaum akademische Aufmerksamkeit, obwohl in ihnen die dramaturgischen Merkmale von Bernhard, wie der Künstler als Hauptfigur, die Fiktionalisierung der Wirklichkeit, absurde Dialoge, Essen oder Anziehen als wichtige Handlungsmomente, Monologisierung des Dialogs und Erfolg auf der Bühne deutlich zu erkennen sind. Es geht in dieser Arbeit darum, zu untersuchen, wie die komplementäre Beziehung zwischen den metatheatralischen Merkmalen des Stücks und der Absurdität, die die drei Dramolette durchdringt, entsteht. Dafür wird zunächst betrachtet, wie die Absurdität eine metadramatische Ebene in Warten auf Godot von Beckett entfaltet, der auf Bernhard starken Einfluss ausübte und wie sich die Absurdität in Claus Peymann kauft sich eine Hose und geht mit mir essen bildet und verstärkt. Das Ziel dieser Arbeit liegt darin, die einzigartigen Eigenschaften dieser Dramolette aufzudecken, indem untersucht wird, wie diese Absurdität die Metatheatralität der Dramolette verstärkt, in denen Theaterleute selbst als Figuren auftreten, und die sich dadurch selbst als Metatheater, also Theater über Theater erklären.

문학 번역에서의 장르- 게오르크 뷔히너의 드라마 『당통의 죽음』을 사례로

양시내 ( Yang Sinae ) 한국독일어문학회 2024 독일어문학 Vol.105 No.0

레제드라마 같은 특수한 경우를 제외하면 드라마는 기본적으로는 공연을 전제로 한 장르이다. 따라서 드라마의 번역은 거시적 관점에서는 보편적인 문학 번역의 특징들을 공유하면서도, 미시적 관점에서는 다른 문학 장르와는 차별되는 고유한 속성을 지니고 있다. 지금까지 드라마 번역의 고유성에 관해서는 번역학 분야에서보다는 연극학에서 더 적극적으로 논의된 경향을 보이는데, 그 이유 역시 드라마의 속성과 무관하지 않다. 드라마 텍스트는 소설과 달리 출판을 최종 목적지로 삼지 않으며, 종국에는 무대 위에서 배우의 행위와 대사를 통해 구현되어야 하기 때문이다. 이러한 이유로 잘 읽히지도, 또 잘 공연되지도 않는 드라마는 지금까지 국내에서는 일부 위대한 극작가의 작품을 제외하면 적극적으로 번역, 수용되지 않아 온 경향을 보인다. 따라서 본고에서는 드라마의 고유한 장르적 특성이 간과된 번역이 드라마 수용의 두 양상, 즉 ‘독서’와 ‘무대 공연화’에 부정적 영향을 미칠 수 있음을 전제하고, 뷔히너의 _당통의 죽음_에 관한 다양한 번역 종을 비교, 분석하면서 번역과정에서 드러나는 드라마 번역의 특수성을 사례를 중심으로 귀납적으로 재구성해 보고자 한다. Abgesehen von speziellen Fällen wie Lesedramen, ist Drama grundsätzlich ein Genre, das eine Aufführung voraussetzt. Daher teilt die Übersetzung von Dramen aus makroperspektivischer Sicht die allgemeinen Merkmale literarischer Übersetzungen, weist jedoch aus mikroperspektivischer Sicht eigene Eigenschaften auf, die sich von Übersetzungen literarischer Werke anderer Genres unterscheiden. Die bisherigen Diskussionen über die Dramenübersetzung finden tendenziell lebhafter in der Theaterwissenschaft statt als im Bereich der Übersetzungswissenschaft, und dies hat einen gewissen Zusammenhang mit den Eigenschaften des Dramas per se. Denn im Gegensatz zu Prosatexten haben Dramentexte nicht ihr endgültiges Ziel in der Veröffentlichung als Buch, sondern vielmehr in ihrer Realisierung durch das Handeln und die Dialoge der Schauspieler auf der Bühne. Aus diesem Grund werden Dramen, die in Korea nicht gern gelesen oder häufig aufgeführt werden, nicht bereitwillig übersetzt oder akzeptiert, außer den bekanntesten Stücken. Dementsprechend geht diese Arbeit davon aus, dass eine Übersetzung, die die genretypischen Merkmale des Dramas außer Acht lässt, einen negativen Einfluss auf zwei Aspekte der Rezeption des Dramas haben kann, nämlich sowohl auf die “Lektüre” als auch auf die “Bühnenaufführung”. Darauf basierend werden hier vier verschiedene koreanische Übersetzungen von Büchners Dantons Tod verglichen und analysiert, um die Besonderheiten der Dramaübersetzung induktiv zu rekonstruieren.

재판소로서의 극장 - 독일어권의 정치극 전통과 밀로 라우의 <콩고 재판소>

양시내 ( Yang Sinae ) 한국브레히트학회 2021 브레히트와 현대연극 Vol.- No.45

본고에서는 영국 가디언지가 “세계에서 가장 야심만만한 연극 프로젝트”라고 명명한 밀로 라우의 <콩고 재판소>를 독일어권의 정치극 전통 속에서 조망해 보고자 한다. 관객이 그 필수 요소인 연극은 그 시원부터 사회와 밀접한 연관을 맺어왔으며, 이런 맥락에서 연극의 정치성은 여타의 예술 장르에 비해 자연스러운 전통으로 받아들여지고 있다. 독일어권 연극에서도 계몽주의 이래 연극의 사회적 역량에 주목해 왔으며, 특히, 2차 세계대전 이후 완고한 보수화의 침묵을 깨고 60년대 문학의 정치화에 앞장섰던 것도 기록극이라 명명된 정치극이었다. 기록극이 사실과 허구의 혼용으로 인해 짧은 전성기를 구가하고 역사의 뒤안길로 사라진 반면, 기록극에서 흔히 발견되는 사회적 앙가주망의 일환으로서의 재판 모티브는 연극에서 여전히 자주 발견된다. 그 대표적인 예로 라우의 연극 활동을 들 수 있는데, 라우는 2010년대 일련의 재판극을 무대에 올림으로써 독특한 재판극의 형식을 구축하였다. 그는 이러한 시도를 통해 잘못된 재판의 결과를 다시 쓰거나, 현실에서 실현되지 않는 재판을 무대 위에 올리는데, 여기서 그가 차용하는 재현의 방법은 ‘재연’이다. 즉, 그는 실화를 허구화하지 않고, 대신 극장을 재판소로 전환함으로써 기록극의 정신을 계승하되 기록극의 미학적 딜레마를 탈피한다. 따라서 논문은 연극과 관객의 관계, 독일 정치극의 전통과 60년대 기록극의 대두, 재판을 극화한 기록극의 성공과 한계, <콩고 재판소>가 기록극의 전통을 계승하면서도 그 한계를 극복하는 방식, 여기서 확인되는 극장의 허구화와 라우의 새로운 리얼리즘 등을 순차적으로 논증해감으로써, <콩고 재판소>를 통해 연극의 사회적 의의를 되새겨 본다. Ziel dieser Arbeit ist es, das vom britischen Guardian als „ambitioniertestes Theaterprojekt der Welt “bewertete Das Kongo Tribunal von Milo Rau, in Bezug auf die deutsche politische Theatertradition zu untersuchen. Das Theater, das das Publikum als essenzielles Element hat, war von Anfang an eng mit der Gesellschaft verbunden und in diesem Zusammenhang wird der politische Charakter des Theaters im Vergleich zu anderen Kunstgattungen als selbstverständlich angesehen. Auch in Deutschland gilt seit der Aufklärung die Bildung des Publikums als wichtige Rolle des Theaters. Insbesondere die als "Dokumentarisches Theater" bezeichneten politischen Stücke spielten eine wichtige Rolle bei der heftigen Tendenz zur Politisierung der Literatur in den 1960er Jahren. Während das dokumentarische Theater aufgrund seiner Mischung aus Realität und Fiktionalisierung eine kurze Blütezeit erlebte, ist das häufig auftretende Motiv des Prozesses als Ansatz zu sozialem Engagements nach wie vor beliebter Theaterstoff. Ein Beispiel sind Milo Raus Theaterarbeiten. In den 2010er Jahren etablierte Rau eine einzigartige Form des Prozess-Theaters, indem er eine Art von Scheinprozessen auf die Bühne brachte. Durch diese Versuche schreibt er die Ergebnisse eines Prozesses, der tatsächlich stattgefunden hat, um oder stellt einen Prozess auf die Bühne, der so in der Wirklichkeit nicht stattfand. Dabei übernimmt er als Repräsentationsmethode das „Reenactment“. Mit anderen Worten, er fiktionalisiert keine reale Geschichte, sondern verwandelt das Theater in einen Gerichtssaal, wodurch der Geist des dokumentarischen Spiels fortgesetzt wird, ohne dabei vor dessen künstlerischem Dilemma zu stehen. Meine Arbeit widmet sich daher der Beziehung zwischen Theater und Publikum, der Tradition des deutschen politischen Theaters und dem Aufstieg des dokumentarischen Theaters in den 1960er Jahren, seinem Erfolg und Untergang, der Art und Weise, wie Das Kongo Tribunal einerseits die Tradition weiterführt und anderseits das Dilemma überwindet. Dabei stehen Raus Neuinterpretation des Realismus, die Fiktionalisierung des Theaters und die Bedeutung des Theaters per se bei der Analyse im Vordergrund.

입센 사회극의 토론극적 요소 - 『민중의 적』 4막에 나타난 브레히트적 연출 가능성 고찰

양시내 ( Yang Sinae ) 한국독어독문학회 2018 獨逸文學 Vol.59 No.1

본 논문은 베를린 샤우뷔네의 공연 <민중의 적>(연출: 토마스 오스터마이어) 4막에 나타난 ‘브레히트적 연출방식’을 기반으로 입센의 원작 『민중의 적』에 내재된 토론극적 요소와 그 효과적 창출을 위한 장치들을 분석하려는 시도를 담고 있다. 베를린 샤우뷔네의 <민중의 적>은 2012년 초연된 이래 지금까지도 꾸준히 공연되는 국제적으로 성공한 작품이다. 이 연출에서는 연극 제작 단계에서의 앙상블 작업부터, 공연 시의 무대전환 방식 등 브레히트의 영향이 뚜렷이 나타난다. 특히 이 연극의 가장 인상적인 특징은 4막의 군중집회 장면을 관객과의 토론장면으로 전환하면서 브레히트적기치를 실현한 것이다. 이 공연에 대한 기존의 연구가 연극미학적 관점에서 ‘퍼포먼스와 현실 세계를 교차시키는’ 연출방식과 그 연극적 의도에 대해 분석하고 있다면, 본 논문에서는 『민중의 적』 원작의 분석을 통해 입센과 브레히트를 교차시키는 4막의 군중집회 장면이 오스터마이어의 창의적 해석에만 의존한 것이 아니라 쇼가 입센 사회극에서 간파한 ‘토론’ 형식과 이 토론을 관객석에까지 확장시키려는 드라마 내적 장치들에도 기인 할 수 있음을 밝혀내 보고자 한다. 입센의 드라마에서 브레히트의 단초를 발견하는 것은 ‘고전주의자이면서 모더니스트’인 입센에 대한 양면적인 평가를 재확인하는 작업이 되기도 한다는 점에서 그 의의를 찾을 수 있다. Diese Arbeit versucht die Tendenz zum Discussion Play und die Strategien, die deren Effekt auf das Publikum unterstutzen, in Ibsens sozialem Drama Ein Volksfeind anhand des brechtschen inszenierten 4. Aktes in Ein Volksfeind an der Schaubuhne Berlin (Regie: Thomas Ostermeier) zu analysieren. Ein Volksfeind ist eine weltweit erfolgreiche Inszenierung, die seit ihrer Premiere 2012 ununterbrochen aufgefuhrt wird. In dieser Inszenierung ist der Einfluss Brechts deutlich spurbar: beispielsweise in Form der Ensemblearbeit bei der Vorbereitung auf die Auffuhrung und der Buhnenwechsel als Verfremdungseffekte wahrend der Auffuhrung. Die Klimax dieser Inszenierung ist insbesondere der Szenenwechsel des 4. Aktes zur Diskussion mit dem Publikum. Wahrend die bisherigen Forschungen uber diese Inszenierung sich hauptsachlich in Hinsicht auf Theaterasthetik mit der Inszenierung, in der sich Performance und reale Welt uberschneiden, und mit dessen theatralischen Effekt auf das Publikum beschaftigten, ist der Untersuchungsschwerpunkt dieser Arbeit Ibsens Drama Ein Volksfeind per se. In dieser Arbeit wird behauptet, dass die Inszenierung Ostermeiers des 4. Aktes, die Ibsen und Brecht verbindet, nicht nur auf dem schopferischen Einfallen von Ostermeier, sondern auch auf der inneren Struktur des Dramas Ein Volksfeind und dessen dramatischen Faktoren beruhen, die die Illusion des Publikums verhindern konnten. Die Entdeckung der brechtschen Spuren in Ibsens Drama konnte die ambivalente Bewertung von Ibsen als einem Klassiker und gleichzeitig einem Modernisten unterstutzen.

베스트셀러의 외국어 교육 활용 방안 - 마크-우베 클링 <캥거루 연대기>의 다매체성을 중심으로

양시내 ( Yang Sinae ),국지연 ( Kook Ji-yeon ) 한국독일어교육학회 2021 외국어로서의 독일어 Vol.48 No.-

최근 코로나 19로 인한 침체 속에서도 성공적으로 영화화되기도 했던 『캥거루 연대기』는 평균 3-4 페이지의 짧은 분량의 에피소드들로 구성된 마크-우베클링의 작품집이다. 원래 이 작품은 라디오와 카바레 형식의 낭독 동영상으로 유튜브에 퍼져나가면서 큰 주목을 받게 되었고, 이 인기에 힘입어 책으로 출간되었으며, 이후 영화와 만화의 모티브가 되기도 했다. 클링은 『캥거루 연대기』에서 공산주의자이자 무산계급인 캥거루를 주인공으로 내세워 작품에 재미와 풍자, 해학, 독일 현안에 대한 사회적 통찰과 비판의식을 담아낸다. 본고는 동시대의 베스트셀러이자 다매체적으로 재현되는 『캥거루 연대기』의 독일어 수업 자료로서의 가능성에 천착하여, 실제 수업에서의 활용 사례를 중심으로 동시대의 문화적 함의를 담고 있는 문학텍스트가 지닌 독일어 교재로서의 장점과 그 가능성에 대해서 고찰하고 분석하고자 한다. 따라서 연구는 클링의 작품과 그 사회적 반향에 대한 간략한 분석, 수업 자료로 선정된 작품 내 단편의 선별과 그 근거, 선별된 텍스트의 내재적 분석, 수업에서의 실제 활용, 다매체 활용의 교육적 효과와 의의 등을 포괄한다. Der Einsatz von Multimedia im Unterricht ist inzwischen unumgänglich geworden, um den Lehr- und Lernprozess effektiv zu gestalten und die Erwartungen der ‘virtuellen’ Generation zu erfüllen. In diesem Zusammenhang sei es wichtig, Werke von Bestsellerautoren Aufmerksamkeit zu schenken, da diese dazu neigen, in verschiedensten Datentypen, wie Texte, Grafiken, Ton und Bewegtbild reproduziert zu werden. Diese Arbeit hat das Ziel, den bietenden Mehrwert von aktuellen Bestsellern im DaF-Kontext am Beispiel von Marc-Uwe Klings ‘Die Känguru-Chroniken’ aufzuzeigen. Die Kurztexte - auch anhand Youtube und Hörbuch hör- und sehbar - und ihre Filmversion erzählen von einer seltsamen Wohngemeinschaft in Berlin, in der ein migränegeplagter Kleinkünstler namens Marc-Uwe mit einem kommunistischen proletarischen Känguru zusammenlebt, das ihm eines Tages zugelaufen ist. In raffinierten Dialogen werden ernste Themen wie Rechtsradikalismus, Kapitalismus und Bürokratismus behandelt. Vorgestellt und beschrieben werden das Werk per se und das didaktische Potenzial des zeitgenössischen Literaturtextes, das als Bestseller die gesellschaftliche Mentalität widerspiegelt.

입센 『인형의 집』 ‘이어쓰기’의 두 사례

양시내(Yang, Sinae) 한국카프카학회 2016 카프카연구 Vol.0 No.35

중세 도덕극의 현대적 재해석과 상호텍스트성 - 후고 폰 호프만스탈의 『예더만. 돈 많은 사람의 죽음에 관한 연극』

양시내 ( Yang Sinae ) 한국독어독문학회 2023 獨逸文學 Vol.64 No.2

오스트리아와 독일의 국경 사이에 위치한 작은 도시 잘츠부르크는 매년 7월이면 잘츠부르크 페스트슈필을 방문하는 사람들로 붐빈다. 유럽의 대표적인 음악축제로 손꼽히는 이 축제는 늘 같은 작품을 개막작 삼아 축제의 시작을 선포하는데, 이 작품이 바로 후고 폰 호프만스탈의 『예더만』이다. 『예더만』이 이 축제에서 이렇게 특별한 위상을 점하게 된 이유는 1920년 8월 잘츠부르크 돔 파사드 앞에 설치된 야외 가설무대에서 『예더만』을 공연한 것이 축제의 기원이 되었기 때문이다. 막스 라인하르트의 대표적인 연출작으로 손꼽히기도 하는 이 작품은 백여 년이 넘는 잘츠부르크 페스트슈필의 대표적인 전통으로 자리 잡았고, 새로운 연출가와 배우들에 의해 늘 갱신되고 있다. 반면 공연으로서 이례적으로 지속적인 성공을 누리고 있는 『예더만』에 관한 연구는 공연 중심으로 편중된 감이 없지 않다. 따라서 본고에서는 상이한 시대로부터 출발하는 매우 다양한 종류의 선행 텍스트를 품고 있는 『예더만』의 생성과정과 이 과정에서 획득되는 작품의 현재성에 주목한다. 호프만스탈에 의해서는 ‘예더만 동화’라고 정의된 『예더만』 텍스트의 이러한 특징이 공연 층위뿐만 아니라 텍스트적 층위에서 백여 년의 공연 지속성을 담보하는 데 기여하고 있다고 볼 수 있기 때문이다. Jeden Sommer im Juli und August strömen Menschen nach Salzburg, um die Festspiele zu besuchen. Die Salzburger Festspiele gelten als das weltweit bedeutendste Festival der klassischen Musik und darstellenden Kunst und werden jedes Jahr mit derselben Premiere eröffnet, nämlich mit Hugo von Hofmannsthals Jedermann. Das Spiel vom Sterben des reichen Mannes. Diese besondere Stellung von Jedermann bei den Salzburger Festspielen lässt sich darauf zurückführen, dass die Festspiele ihren Ursprung in der Erstaufführung von Jedermann haben, die am 20. August 1920 unter der Regie von Max Reinhardt auf einer provisorischen Freilichtbühne an der Fassade des Salzburger Doms stattfand. Jedermann zählt zu den repräsentativen Inszenierungen von Max Reinhardt und wird seit über hundert Jahren immer wieder von verschiedenen Regisseuren und Schauspielern neu inszeniert und aufgeführt. Obwohl die Aufführung von Jedermann großen Erfolg hatte, erhielt der Text selbst nicht viel Aufmerksamkeit. Diese Arbeit befasst sich daher mit dem Text von Jedermann, der eine Vielzahl von Prätexten aus verschiedenen Epochen enthält und dabei an Aktualität gewinnt. Die von Hofmannsthal als Jedermann-Märchen definierten Merkmale des Stücks tragen dazu bei, die Kontinuität der Aufführung über mehr als hundert Jahre sowohl auf der Bühne als auch auf der Textebene sicherzustellen.

‘번역문학가’ 전혜린

양시내 ( Yang Sinae ) 한국독일언어문학회 2021 독일언어문학 Vol.- No.94

전혜린은 생전 신문에 기고한 마지막 칼럼에서 자신의 이름 아래 ‘번역문학가’라고 적었다. 국어사전에는 등재되지 않은 번역문학가라는 단어는 수필가/문학가로 더 널리 알려졌지만, 번역가이기도 했던 전혜린을 포괄적으로 정의하는 단어인 동시에 조금 더 깊이 들여다보면 번역에 대한 전혜린의 태도를 집약적으로 설명하는 단어가 되기도 한다. 따라서 본고에서는 ‘번역문학가’를 단초 삼아 번역가로서의 전혜린에게 실증적으로 접근해보고자 한다. 2000년 즈음 촉발된 전혜린에 대한 연구는 수필가, 문학성, 전혜린 신드롬 또는 신화, 번역, 젠더 등 다양한 키워드를 포섭하며 활발하게 진행되어왔다. 특히, ‘번역’이라는 키워드와 관련한 연구에서는 기존의 전혜린 연구에서 전혜린을 수필가로서만 주목했던 사실을 지적하며, 이를 통해 문학 내에서의 번역의 위상 또는 (여성)번역가의 위치 등에 대한 생산적인 논의를 끌어냈다. 다만 이 메타적 논의에서 전혜린은 실질적인 번역가로서 보다는 상징적인 차원에서 다뤄지고 있기에 본고에서는 채 십년이 되지 않는 기간 동안 전혜린이 남겨 놓은 번역서들을 목록화하여 살펴보고 분석하는 것에 집중한다. 이렇게 수집된 자료에 기반하여 전혜린 번역의 특징, 예를 들면 번역성향, 번역서의 선별에서 엿보이는 세계관, 번역에 임하는 태도 등을 도출해 낸다. 나아가 전혜린의 번역을 독일어 원문과 비교 대조함으로써 출발텍스트의 권위에 구애받지 않는 전혜린의 자유로운 번역 방식, 즉 ‘번역문학가’적 스타일을 확인하고 이것이 오늘날 새롭게 주목하는 번역과 번역가의 위상에 던지는 의의를 제고한다. Cheon Hyerin bezeichnete sich in ihrem letzten Artikel als ‘übersetzende Literatin’. Obwohl das nicht im koreanischen Wörterbuch aufgeführte Wort eher als Essayist bzw. Schriftsteller interpretiert ist, dient es als Bezeichnung, die Cheon Hyerin, die auch Übersetzerin war, umfassend definiert und gleichzeitig ihre Stellungnahme gegenüber der Übersetzung beschreibt. Dies als Ausgangspunkt nehmend, soll in diesem Beitrag Cheon Hyerin als Übersetzerin empirisch untersucht werden. Forschungen zu Cheon Hyerin ab den 2000er Jahren umfassen verschiedene Schlüsselwörter wie ihre Essays, deren literarischer Wert, Cheon Hyerin-Syndrom / Mythos, Übersetzung und Gender. Insbesondere die Beiträge bezüglich “Übersetzung” weisen darauf hin, dass die bisherige Forschung Cheon Hyerin lediglich als Essayistin betrachtet hat. In den Diskussionen entfaltete sich ein produktiver Dialog zum Status der Übersetzung in der Literatur oder von Übersetzern (Übersetzerinnen). Da Cheon Hyerin in dieser Meta-Diskussion eher symbolisch in Betracht gezogen wird, als dass sie als tatsächliche Übersetzerin angesehen wird, zielt die vorliegende Arbeit darauf ab, ihre übersetzten Texte detailliert zu analysieren, die sie in knapp 10 Jahren hinterlassen hat. Im Mittelpunkt stehen die freie Übersetzungsmethode von Cheon Hyerin, also ihr Stil der übersetzenden Literatin, unabhängig von der Autorität des Ausgangstextes und der dadurch inspirierte neue Status von Übersetzer und Übersetzung.

고대 비극의 현대적 차용: ‘사자(使者)’ 활용의 예 - 엘프리데 옐리네크의 연극텍스트 『레히니츠(절멸의 천사)』를 중심으로

양시내 ( Yang Sinae ) 한국브레히트학회 2018 브레히트와 현대연극 Vol.0 No.39

Elfriede Jelineks Rechnitz (Der Wurgeengel) ist ein Theatertext uber das Massaker, das sich am Ende des Zweiten Weltkrieges in Rechnitz an der Grenze zwischen Osterreich und Ungarn ereignete. Fast zweihundert Menschen fielen dem Rechnitzer Massaker zum Opfer, in das Teilnehmer an dem von Margit von Batthyany, der Tochter des großen Unternehmers Heinrich Thyssen, gegebenen Schlossfestes verwickelt waren. Die Leichen der Opfern sind bis jetzt nicht zu finden und Tater wurden nicht richtig bestraft, denn wahrend des Gerichtsverfahrens sind die zwei Haupttater geflohen und zwei Zeugen wurden ermordet. Jelinek halt das Rechnitzer Massaker fur eine Metapher fur das Problem Osterreichs, in dem NS-Vergangenheit, deren Kriegsverbrecher und das Vergangenheitsbewaltigungsproblem koexistieren. Diese Arbeit fokussiert sich darauf, dass Jelinek fur Rechnitz (der Wurgeengel), die Figur des Boten aus dem antiken Theater ubernommen hat und geht davon aus, dass die Rezeption des antiken Boten und die Umwandlung dessen konventioneller Funktion in diesem Werk zur Metaebene-VerkOrperlichung vom Rechnitzer Massaker (und danach) dient. Um diese These zu erlautern, werden hier die Funktion des Boten in den antiken Theatern, die Geschichte vom Rechnitz Massaker, deren textuelle Konstruktion und die darauf bezogene Funktion des Boten in Rechnitz (der Wurgeengel) behandelt.

문학에 나타난 이국과 타자상 - 하인리히 뵐의 『아일랜드 일기』와 알프레트 안더쉬의 「더 아름답게 살기」에 나타난 아일랜드 상을 중심으로

양시내 ( Yang¸ Sinae ) 한국독일어문학회 2021 독일어문학 Vol.94 No.-

아일랜드는 몇십 년 전까지만 해도 감자 대기근, 영국 식민지, 이민, IRA 등 침략과 투쟁, 가난의 나라로 특징지어졌던 유럽 끝단 대서양과 마주하고 있는 섬나라이다. 전후 독일문학을 대표하는 하인리히 뵐과 알프레트 안더쉬는 각각 1957년과 1971년 아일랜드에 관한 여행기 『아일랜드 일기』와 단편 소설 「더 아름답게 살기」를 발표한다. 계몽주의 시대문학이 이탈리아, 프랑스 등 문화적으로나 정치 사회적으로 선진국을 지향했던 반면, 제2차 세계대전을 직접 경험했던 이 작가들이 아일랜드에 주목하는 이유는 무엇일까? 두 작가는 전쟁의 상흔을 자본주의적 성장으로 보상받으려는 전후 독일의 대척점으로서 아일랜드를 제시한다. 그래서 이들의 작품에서 아일랜드는 억겁의 시간이 쌓여있는 자연의 모습 그대로, 시간을 재촉하지 않는 느린 삶을 체현한다. 산아제한 없이 태어난 아이들을 이민 보내는 나라이지만, ‘원자포와 기관총을 수출’하지도 않고, ‘점령할 목적으로 군대를 파견한 적이 한 번도 없는 나라’가 아일랜드이다. 그래서 뵐은 승자의 모습을 하지 않은 이 나라에서 유토피아적인 것을 찾고, 안더쉬는 이 욕심 없는 나라를 빗대 자본주의의 승자인 주인공의 소유욕/수집욕을 풍자한다. 아일랜드를 향하는 이들의 시선은 기성 문학에서 여행을 응시하던 태도에 반영된 계몽주의적 세계관을 벗어나고자 하는 작가적 열망에 상응하는 것이다. 따라서 본고에서는 서론에서 아일랜드에 관해 개괄한 뒤, 2장에서는 계몽주의 시대를 중심으로 문학과 여행의 관계, 문학에 나타나는 이국의 타자상에 대해 간단하게 논의한다. 3장에서는 작품 분석을 통해 두 작품에서 나타나는 아일랜드 이미지를 도출해내고, 마지막 4장에서는 3장의 분석에 기반하여 두 작품에서 아일랜드가 표상하는 바를 논의해 본다. Irland ist ein Inselstaat im Atlantik am Rande Europas, der bis vor wenigen Jahrzehnten von Aggressionen und Armut wie der Großen Hungersnot, britischen Kolonialisierung, Einwanderung und IRA geprägt war. In der Nachkriegszeit veröffentlichte Heinrich Böll den Reisebericht Irisches Tagebuch (1957) und Alfred Andersch die Erzählung Noch schöner wohnen (1971). Wie kam es dazu, dass diese Schriftsteller, die im Zweiten Weltkrieg gekämpft haben mussten, Irland Aufmerksamkeit schenkten, und dies, obwohl die (Reise-)Literatur beispielsweise des Zeitalters der Aufklärung sich den kulturell, politisch und gesellschaftlich fortgeschrittenen Ländern wie Italien und Frankreich widmete? Die beiden Autoren stellen Irland als Antithese zum Nachkriegsdeutschland dar, das die Narben des Krieges durch kapitalistisches Wachstum kompensieren will. Ein Land, in dem Eltern die zu vielen Kinder auswandern lassen, aber dennoch „keine Atomkanonen, Maschinengewehre exportiert“ werden. Auf dieser Insel wohnt also „das einzige Volk Europas, das nie Eroberungszüge unternahm, wohl selbst einige Male erobert wurde“. Böll sieht in diesem Land, das nicht als Sieger darsteht, also eine Utopie und Andersch persifliert die Besitzgier des Siegers des Kapitalismus, also des Protagonisten des Romans, der ein erfolgreicher Geschäftsmann ist. In dieser Arbeit wird nach einem Überblick über Irland in der Einleitung in Kapitel 2 kurz das Verhältnis von Literatur und Reisen diskutiert, wobei das Zeitalter der Aufklärung im Mittelpunkt steht, und das andere Land als Fremdbild in der Literatur. In Kapitel 3 wird das Bild Irlands erfasst, das in beiden Werken erscheint und im letzten Kapitel wird die Diskussion mit einer umfassenden Analyse der Darstellung Irlands abgeschlossen.