영화, 영화관, 상상의 섬

심은진(Shim Eun Jin) 한국영화학회 2002 영화연구 Vol.- No.18

영화에서의 기차 이미지

심은진(Shim Eun Jin) 프랑스학회 2009 프랑스학연구 Vol.47 No.-

Depuis L'Arrivée d'un train en gare de la Ciotat(1895) des frères Lumière, il existe une longue tradition qui mêle l'image du train à celle du cinéma, réunies comme symboles de la modernité. Le train a changé la perception de la géographie et la conception de l'espace et du temps. Il a constitué un nouvel espace-temps, fondée sur la destruction physique de l'espace-temps traditionnel. mais aussi sur la substitution, à la morale ancienne liée à la nature. Le cinéma, par certains points, n'est pas si loin de la locomotive : mécaniques métaliques, reposant l'une et l'autre, sur la transformation d'un mouvement sur place en un déplacement. Le train, avec son mouvement de pénétration en ligne droite, image impressionnante de la conquête par la puissance industrielle des nouveaux espaces, à la fois picturaux et géographiques, va jalonner spectaculairement l'histoire du cinéma : de The greate train robbery à The stranger in a train en passant par La Roue, The Iron horse et L'Homme à la caméra. L'essentiel est que le train reste le lieu prototypique où s'élabore, en plein XIXe siècle, le spectateur de masse, le voyage traversé. Le trian et cinéma transportent le sujet vers la fiction, vers l'imaginaire, vers le rêve et aussi vers un autre espace oû les inhibitions sont partiellement levées. Le sujet du cinéma et le sujet du train est un sujet de masse, en proie à un être de spectateur anonyme et collectif. La relation du voyage en train et du cinéma prend également forme à travers le défilement du paysage, qui suggère celui de la pellicule jusqu'au détail significatif des barres verticales et horizontales renvoyant à la séparation des photogrammes. Pour Freud le train est un entraînement au choc nerveux a cause des accidents des trian assez graves à cet époque. Comme aux déséquilibres divers provoqués par le train, le spectateur est aux chocs émtionnels procurés par le cinéma. C'est un sujet névrosé, ou névrosable. Le trauma de L'Arrivée d'un train en gare de la Ciotat est peut-être bien la mère du cinéma. Et le cinéma fera de la locomotive sa première star.

싸이클로스포린으로 치료한 파종성 혈관내 응고증과 다발성 장기침범으로 발현한 성인형 스틸병 2예

심은진 ( Eun Jin Shim ),이유현 ( You Hyun Lee ),이지수 ( Ji Soo Lee ) 대한류마티스학회 2007 대한류마티스학회지 Vol.14 No.2

Adult onset Still`s disease (AOSD) is a systemic inflammatory disorder of unknown etiology and pathogenesis. It is characterized by spiking fever, evanescent skin rash, arthralgia or arthritis, hepatosplenomegaly and laboratory abnormalities including neutrophilic leukocytosis, abnormal liver function tests and raised levels of serum ferritin. Coagulation abnormality is a rare presenting feature but it might be life threatening when associated with hepatopathy and hematologic abnormalities. We report two cases of AOSD with disseminated intravascular coagulation and multiple organ involvement, which improved with glucocorticoid and cyclosporine combination therapy.

바쟁과 텔레비전 : 영화와 텔레비전 스타일

심은진(SHIM, Eun Jin) 한국영화학회 2017 영화연구 Vol.0 No.72

텔레비전의 대중화는 일상생활에 영향을 주었고 인접한 다른 매체들을 변화시켰다. 영화는 텔레비전을 시기하고 적대시했지만 또한 텔레비전으로부터 새로운 것을 발견하게 된다. 1950년대 텔레비전이 대중화될 때 지식인이나 영화인들은 텔레비전을 무시했다. 텔레비전은 영화와 같은 예술이 될 수 없다고 비판했다. 그러나 앙드레 바쟁은 텔레비전에서 영화의 미래를 보았다. 본 연구는 텔레비전에 대한 바쟁의 글을 중심으로 로셀리니, 르누와르, 그리고 트뤼포의 영화 속에 표현된 텔레비전적인 스타일을 논의하고자 한다. 바쟁은 1952년부터 1958년 사망할 때까지 텔레비전에 대한 100여 편의 글을 발표한다. 바쟁은 텔레비전이 영화에 어떤 도움을 줄 수 있을 것인지 그리고 영화가 텔레비전에서 배워야 할 것이 무엇인지를 탐색한다. 그의 글에는 텔레비전이 영화의 형식을 새롭게 만들 것이라는 예리한 통찰력이 담겨 있다. 바쟁은 텔레비전이 만들어 내는 사실효과에 주목했다. 텔레비전은 영화와는 다른 방식으로 사실성을 구현한다. 바쟁은 현전성(présence), 생방송이 전달하는 직접적인 시간, 개인의 일상 속에 존재하는 친밀감을 새로운 방식의 리얼리즘으로 보았다. 그는 이러한 텔레비전의 스타일이 영화의 형식을 새롭게 할 수 있을 것이라 생각했다. 텔레비전에 대한 바쟁의 관심은 새로움을 추구하는 창조적인 감독에게 영향을 주었다. 로베르토 로셀리니, 장 르누와르, 프랑소와 트뤼포는 고전영화에서 현대영화로 넘어가는 지점에서 중요한 위치를 차지한다. 이들은 바쟁과의 인터뷰를 통해 혹은 평론을 통해 영화와 텔레비전의 공생을 주장하였으며, 자신들의 영화 속에 변용된 텔레비전 스타일을 표현하였다. 이들의 시도는 현대 영화라는 새로운 세계의 문을 열게 했다. 텔레비전은 1950년대 가장 개혁적이고 새로운 형식의 영화에 영향을 주었다. 로셀리니의 <이탈리아 여행>은 텔레비전이 알려준 새로운 시각성을 표현한다. 주인공의 시선을 통해 관객의 눈앞에 우연처럼 펼쳐지는 사건의 나열은 텔레비전의 현전성을 구현한다. 르누와르는 <코들리에 박사의 유언>에서 텔레비전 생방송 방식으로 영화를 촬영하며, 사실효과를 연출하고자 했다. 쇼트 중심의 영화적 촬영에서 벗어나 여러 대의 카메라를 통해 시퀀스 중심으로 촬영하여 텔레비전 스타일의 연속적이고 직접적인 시간을 표현했다. 트뤼포는 <400번의 구타>에서 텔레비전이 보여주는 친밀성을 인용한다. 일상 언어로 된 대사, 텔레비전 인터뷰 스타일의 장면 연출과 편집, 핸드 핼드의 롱테이크, 카메라 정면보기 등 텔레비전적인 스타일이 트뤼포의 영화에서 재탄생한다. The popularization of TV has influenced people’s lifestyle and also changed other media formats. Film industry did not welcome the emerge of TV, but to find new aspects from it. At the early stage of TV, intellectuals and film staffs ignored TV and did not consider it as a form of art. Meanwhile, Andre Bazin saw the future of film in TV. This study is based on Bazin’s writings on TV, discussing TV-like styles shown in films of Rossellini, Renoir, and Truffaut. André Bazin publishes around a hundred writings regarding television from 1952 to the year he died, 1958. He explores the world of TV and seeks what film industry can learn from it. In the writings, he shows a sharp insight on the fact that TV will reconstruct the formality of the film. He mainly focused on the realism. TV builds realism with the different way film does. Présence, simultaneity and the sense of closeness to individuals. Bazin considered these as the new way of realism. He thought this TV style can refresh the film industry. His thoughts provoked directors who were willing to try and create new things. Roberto Rossellini, Jean Renoir and Francois Truffaut: these directors had an important role in transition period between classic films and modern films. Through interviews and critiques with Bazin, they argued that the films should go along with the TV. They also portrayed TV-like styles in their films. It was their attempts that opened the new era of modern films. TV had a great impact on the most revolutionary and new films in the 1950s. Rossellini’s <Viaggio in Italia> adopted a new perspective that the TV gave. The array of events shown in the main character’s view implies coexistence of TV. Renoir’s <The Testament Of Doctor Cordelier> was filmed like the TV records live broadcast, creating the realism of TV. He portrayed TV’s continual and directional time by filming with multiple cameras and sequences, not in the traditional way of shorts centered filming. In <The 400 Blows>, Truffaut uses the sense of closeness from TV. Lines that are ordinary, edited scenes that looks like a TV interviews, long takes with handheld, character looking strait into the camera. These are all TV styles that are recreated in Truffaut’s films.

사랑, 욕망의 환유 - 알모도바르의 〈그녀에게〉

심은진(Shim, Eunjin) 한국외국어대학교 외국문학연구소 2013 외국문학연구 Vol.- No.49

Talk to her (2002) by Almodovar portrays the repetitions and variations of love, which comes from metonym of desire. The film’s structure consisting of the variations and repetition can be explained by the core concept of ritornello by Deleuze. The movement of color is also composed of the elements, repetition and variance. Color expresses one’s emotion and sentimental state, like rhythms do in music. Red and Green, which symbolize love and desire, expel the White and Black, which means pain and death. The repetition and variations seen in closed-up shots are also important factors, which reveal the relationship of love. As can be seen in Benigno and Alicia’s faces, their close up shots makes it seem as if Alicia, who is in a vegetative state, is able to comprehend and look at Benigno. The repeats and changes can be also seen in Benigno’s storytelling. Benigno is an orator, who makes the subject and the object of storytelling, and relationship between subjectivity and objectivity ambiguous and subversive. Deleuze’s definition of storytelling is ‘becoming another’. Benigno, by talking about a movie in the movie called Shrinking Lover, wishes to become just like the main character in the movie. Movie, ballet, and song, in Talk to her, are closely related to the subject of the film. These factors also compose fiction and reality, and arts and livings, which are the thoughts of Almodovar. To Almodovar, watching a movie is to reinterpret. Ballet, movie, and singing performance in Talk to her, are the self-reflection tools to question the relation ship between fiction and reality. In Talk to her, a fiction in a fiction repeats and changes so this becomes a tool to make audience luring to watch the movie.

영화와 관객론 -들뢰즈 이론을 중심으로

심은진 ( Eun Jin Shim ) 한국불어불문학회 2012 불어불문학연구 Vol.0 No.90

Ce qui va nous occuper essentiellement dans cette etude c`est surtout la relation du spectateur au film en tant qu`experience individuelle, psychologique, esthetique, subjective en un mot. Nous nous interessons au sujet-spectateur, non au spectateur statistique. C`est apres la guerre, au sein de l`Institut de Filmologie que l`on s`interesse au spectateur de cinema. Les etudes filmologiques s`interessent aux conditions psycho-physiologiques de la perception des images de film. Une serie d`analogie ont permis a la theorie du cinema de rapprocher le spectateur du sujet de la psychanalyse a travers un certain nombre de postures et de mecanismes psychiques. Ce qui suppose, a priori, que le spectateur de cinema est entierement homologique et reductible au sujet de la psychanalyse, a son modele theorique. L`argument de Deleuze, selon lequel la perception cinema nous eclaire sur les mecanismes de la perception en general, prend ici une forme tangible: le mouvement-sujet, c`est celui qui n`apparait jamais dans la perception usuelle tant il se confond avec un ``moi`` suppose constant. C`est l`automate spirituelle du cinema. Ainsi, une figure du sujet se trouve constituee. Cette figure, element de l`image-du sujet construite par l`evenement-film, se manifeste comme une matiere sensible. Le cinema en tant que pensee du dehors fait appel au dedans de notre propre pensee, lequel existe comme impense ou l`impossibilite de penser. La terme de forme subjective prend dans le film une signification particuliere. Car la ``disposition`` d`un mouvement-sujet a ``faire face`` a un mouvment-monde se manifeste par une certaine qualite du mouvement, qui exprime ``quelque chose comme un corp``.

영화의 시각적 장치

심은진 ( Eun Jin Shim ) 한국불어불문학회 2008 불어불문학연구 Vol.0 No.76

고다르와 텔레비전 : <네 멋대로 해라>에 나타난 텔레비전의 미학

심은진(Eunjin SHIM) 프랑스문화예술학회 2023 프랑스문화예술연구 Vol.86 No.-

넷플릭스 시리즈 〈오징어 게임〉과 히치콕 영화 미학

심은진(Shim Eun Jin) 동국대학교 영상미디어센터 2023 씨네포럼 Vol.- No.45

메타-영화로서의 알렉스 프로야(Alex Proyas)의 『다크 시티Dark city』

심은진(Shim Eun Jin) 한국영화학회 2006 영화연구 Vol.0 No.28

Dark City directed by Alex Proyas(1998) is composed entirely of digital images. Some characters in the film are E.Ts, sort of machines or systems giving information. They create the virtual world made up of the digital. The digital replacing the traditional analogue images could simulate any image of the real world, even if they are not produced by the camera-eye. One of the paper's aims is to explore the function and the effect of these digital images in the film. After studying the digital images in the film, the paper will go to the second question. The second question Alex Proyas poses is 'what film images become when the digital images conquer the traditional images?' This question makes Dark City to be illuminated in terms of a meta-film, a film about a film. Within the film, there are two films, 'The Evil' and 'Book of Dreams.' The former directed by E.T. is produced by means of digital technique while the latter directed by John Murdock is made of images captured by the camera-eye. As the former is condemned to create the impossible, it is not possible that not only any spectacular images but also any significant images can be produced. In the latter, John Murdock expresses his desire to take back the function of the camera-eye to the cinema.